sábado, 30 de mayo de 2009

Los Mariachis


Los Mariachis

Los Mariachis

Mariachis

Mariachis

Los Mariachis cantando

Los Mariachis cantando


El Mariachi, Un Gran Pedazo Del Corazón Mexicano
Los sentimientos más profundos del alma, las penas y alegrías de los Mexicanos cobran fuerza y emoción en las canciones de un mariachi. Las notas vibrantes de la trompeta o la magia de sus violines hablan lo mismo del amor a una bella mujer que de la desesperación
por la tierra lejana.

La tradición del mariachi tuvo comienzos humildes, y sus raíces están perdidas en el tiempo con poca o ninguna referencia escrita que permita dilucidarlo.
Pequeños conjuntos integrados por una guitarra, un violín, vihuela y arpa animaban fiestas familiares y reuniones, bautizos y bodas, de donde proviene su nombre "mariachi", que el mito popular atribuye a una semejanza con la palabra francesa marriage.
Esta teoría fue rebatida por algunos investigadores, quienes alegaban que el nombre tenia en realidad un origen indígena, versión que no pudo ser comprobada durante muchos años, hasta que en 1981 se encontró en el archivo de una iglesia una carta escrita por el padre Cosme Santa Ana en 1848. La carta iba dirigida al arzobispo de su diócesis y en ella denunciaba los escándalos ocasionados en su pueblo por los "mariachis".
La fecha de esta carta es anterior a la invasión francesa, lo cual desmiente la versión popular de que la palabra sea de origen francés.

La formación de los conjuntos tenia lugar ya en época del imperio austro-húngaro, y los instrumentos cambiaban en algunos grupos según la región. Por ejemplo en el Bajío y en Jalisco tocaban los mariachis, mientras en otras áreas estaban las bandas con instrumentos de percusión.
Así vinieron las bandas de Sinaloa que incluían clarinetes, una tuba, una tambora y ocasionalmente los trombones o cuernos de las bandas de músicas traídos por primera vez por el ejercito francés.
Si bien el Mariachi se asociaba con Jalisco, la tradición se extiende a los estados vecinos de Michoacán, Colima, Nayarit y Zacatecas.
En algunas ciudades importantes de la época, se formaron grandes bandas, tanto en la época porfiriana, como antes en la del imperio.
Tocaban en las plazas principales de las ciudades de Morelia, Guanajuato y Zacatecas llevando, dos o tres veces por semana, serenatas que congregaban al pueblo, como las de la plaza de armas o las del parque El Agua Azul, en Guadalajara, que alcanzaron gran popularidad, pero todas las ciudades importantes tenían sus bandas.
Entre los estilos de mariachi más famosos, se incluyen los de Cocula, Tecalitlan y La Sierra del Tigre. La primera referencia que tenemos de un grupo de Mariachi de las grandes ciudades de México, data de 1905, con el Cuarteto Coculense dirigido por Justo Villa, quien grabó los primeros discos de música Mariachi en 1906.
En 1925, el Mariachi de Concho Andrade participo en la primera transmisión radiofónica en México, y al año siguiente Cirilo Marmolejo hizo las primeras grabaciones de Mariachi con el nuevo sistema eléctrico.
A principios de este siglo, era inusual ver conjuntos de Mariachi con instrumentos de viento. La flauta, el clarinete, el saxofón soprano, el trombón, el cornetín y la trompeta no se veían con frecuencia en los grupos tradicionalmente integrados por instrumentos de cuerda.
Fue recién en los años 30 que algunos Mariachis, en la Ciudad de México, incorporaron la trompeta, que en la década de 1940 siguió cobrando fuerza hasta llegar a ser imprescindible para el Mariachi. El famoso Pedro Infante grabo en 1949 las primeras canciones con un Mariachi con dos trompetas, innovación que logro mucho éxito.
El uso de la trompeta en el Mariachi alcanzo completa aceptación en 1952, cuando el Mariachi México, de Pepe Villa, grabo una serie de discos de gran éxito que efectuó el cambio decisivo en la instrumentación de los grupos de Mariachi, que para los años 60 en su mayoría incluían ya dos trompetas.
Uno de los Mariachis más famosos de México, y del mundo entero, es el Mariachi Vargas de Tecalitlan, fundado por Silvestre Vargas con amigos y miembros de su familia, a quienes enseñó a leer música; todo un avance, porque antes de esto los músicos del Mariachi lo eran de oído o llamados líricos.
Vargas fue también quien los uniformó con traje campirano, compuesto por un calzón de manta y camisa del mismo material con un palicate al cuello.
Cuando surgieron los grandes cantantes en este siglo, como Lucha Reyes, Pedro Infante, Jorge Negrete y Lola Beltrán, entre otros, el Mariachi paso por un proceso de sofisticación que se reflejo en su indumentaria hecha ahora de paño o algodón, características de la vestimenta del hacendado. Así aparecieron los trajes actuales que recuerdan a los charros, pero llevan botonaduras y alamares, y los humildes huaraches se sustituyeron por elegantes botines.
La música de Mariachi se proyecto a nivel nacional e internacional, al ser Interpretada por los grandes cantantes de radio en estaciones como la XEW, XEB y la XEQ que le dieron amplia difusión.
En su evolución, también los músicos del Mariachi dejaron de ser los improvisados de antaño, para convertirse ahora en verdaderos estudiosos que ejecutan música clásica en tríos y orquestas con un profesionalismo impecable.
Y no hay espectáculo, donde quiera que sea, que a los mexicanos atraiga mas que un Mariachi entonando la canción: "México lindo y querido/ si muero lejos de ti/ que digan que estoy dormido/ y que me traigan aquí". Y otras igualmente emotivas y vibrantes que a los mexicanos hace soñar la tierra que los vio nacer, y al extranjero lo acerca a México aun sin conocerlo.Por NORMA AQUINO-RATHER
Fuente: Mariachi Sol de México.

viernes, 29 de mayo de 2009

Elvino Vardaro

Elvino Vardaro con su sexteto en el Tupí Nambá de MontevideoElvino Vardaro con su sexteto en el Tupí Nambá de Montevideo
Elvino Vardaro integrando la orquesta de Roberto Firpo en 1923
Elvino Vardaro integrando la orquesta de Roberto Firpo en 1923.De izquierda a derecha parados: Ángel Corleto (bajo), Elvino Vardaro, Cayetano Puglisi y Octavio Scaglione(violines) y Roberto Firpo (director); sentados: Juan Bautista Guido y José Schumajer(bandoneones) y Luis Cosenza (piano).

Elvino Vardaro on Pedro LaurenzEl debut de Pedro Laurenz en 1944, Elvino Vardaro, Feliciano Brunelli, Fidel Pintos, Hector Gagliardi, Hector Marco y Adolfo Stray

Elvino Vardaro, Julio De Caro, Ciriaco Ortiz, Francisco De Caro y Carlos Marcucci, integrantes de los VirtuososElvino Vardaro, Julio De Caro, Ciriaco Ortiz, Francisco De Caro y Carlos Marcucci, integrantes de los Virtuosos

Elvino Vardaro(primero sentado a la derecha) con la orquesta Victor en 1925Elvino Vardaro(primero sentado a la derecha) con la orquesta Victor en 1925


VARDARO, Elvino. Músico. Violinista. Director. Compositor. El mayor intérprete de violín del tango —juntamente con Antonio Agri— a lo largo de cuarenta largos años de actuación. Afinación perfecta, fraseo suelto y enormemente expresivo en toda su variedad de ideas musicales, inconfundible vibrato y exquisito sonido, fueron siempre cuatro dimensiones de su estilo.

jueves, 28 de mayo de 2009

Ray Conniff

Ray Conniff y su orquestaRay Conniff y su orquesta

Ray Conniff en el estudioRay Conniff en el estudio

Ray Conniff y su trombonRay Conniff y su trombon


Joseph Raymond Conniff (* Attleboro, Massachusetts, 6 de noviembre de 1916 - † Escondido, California, 12 de octubre de 2002), destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal y musical, y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.

Recibió la educación musical de su padre, también trombonista, y de su madre, que era pianista. Debutó como trombonista en la big band de Bunny Berigan. También estuvo en las orquestas de Bing Crosby, Artie Shaw y Glen Gray. Después de la Segunda Guerra Mundial trabajó con Harry James. En 1954 entró a formar parte como arreglista de la disquera Columbia.

Su álbum debut, 's Wonderful (1956), en el que presentaba a su nueva formación, The Ray Conniff Orchestra and Singers, estuvo en los primeros 20 de las listas norteamericanas durante nueve meses. Sin embargo, fue en los años 1960 cuando comenzó su fama como arreglista y director de orquesta. A partir de entonces inició una fulgurante carrera que le llevó a grabar más de 100 álbumes y vender más de 70 millones de discos en todo el mundo.

Ray Conniff destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de su música.

Popularizó el tema principal de la película Doctor Zhivago (1965), Lara's theme, una composición de Maurice Jarre que Conniff convirtió en todo un éxito pop con el título Somewhere my love y por la que obtuvo un Grammy en 1966.

Conniff grabó desde standards de jazz de las big bands de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop de autores como Simon & Garfunkel, Burt Bacharach, The Beatles y The Carpenters, entre muchos otros.

En 1997, después de estar algo más de 40 años ligado personal y profesionalmente al sello Columbia Records, Ray Conniff firmó un nuevo contrato con PolyGram, multinacional con la que grabó tres álbumes: Ray Conniff live in Rio, I love movies y el tributo a Frank Sinatra titulado My way.

Su afición por la música latina y brasileña le llevó a incluir grandes clásicos como Bésame mucho, El día que me quieras, Frenesí, Aquellos ojos verdes, Brasil, Aquarela do Brasil, El Cóndor Pasa, entre muchos otros. Por lo mismo, Conniff se hizo muy famoso en países latinoamericanos, gracias, en parte, a sus constantes participaciones en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. También grabó varios éxitos del famoso cantautor Camilo Sesto en los 80's y tocó en vivo con su orquesta y un coro de ocho personas en grandes estadios de fútbol como en Viña del Mar.

Falleció en Escondido, California, como consecuencia de una caída en el baño, y fue enterrado en el Cementerio Westwood Village Memorial Park, en Los Ángeles, California. Fuente Wikipedia en español

Billy Butterfiel

Billy Butterfiel y su cuarteto con amigos en 1962Billy Butterfiel y su cuarteto con amigos en 1962

Billy ButterfielBilly Butterfiel


Billy Butterfield (14 de enero de 1917 en Middleton, Ohio - 18 de marzo de 1988) fue un líder de la banda, el trompetista de jazz, flugelhornist y cornetista.

Estudió corneta con Frank Simons, más tarde pasó a estudiar medicina. No renuncio a la música,ni a la medicina después despues de su éxito como trompetista. En el inicio de su carrera ejecuto en la banda de Austin Wylie. Obtuvo la atención de Bob Crosby (1937-1940), y más tarde trabajó con Artie Shaw, Les Brown, y Benny Goodman. El 7 de octubre de 1940, durante su breve estancia con la orquesta de Artie Shaw, realizó lo que se ha descrito como un "legendario solo de trompeta" en la exitosa canción "Stardust". Entre 1943 y 1947, tomo un descanso para poder servir en el ejército del Tío Sam, Billy condujo su propia orquesta. El 20 de septiembre de 1944, registra en el Capitolio de jazz estándar "En Vermont Moonlight", con un solo vocal de Margaret Merlán y un solo de trompeta por Billy. Las notas de la Conferencia de Desarme de las bóvedas del Capitolio, Volumen 2, "Vine Street Divas" indican que, aunque "Billy Butterfield y su Orquesta" se acreditan en la canción, era realmente la banda de Les Brown bajo el nombre de Billy Butterfield Brown fporque en virtud de un contrato a otra grabadora en ese momento. Billy fue un miembro de la World's Greatest Jazz Band dirigida por Yank Lawson y Bob Haggart de finales de la década de 1960 hasta su muerte en 1988. También fue un freelanced como estrella invitada con muchas bandas de todo el mundo, que se llevaron a cabo en numerosos festivales de Jazz, entre ellos el Festival de Jazz de Manassas Gibson y Dick Bash en Colorado. fuente Wikipedia en Ingles

miércoles, 27 de mayo de 2009

Carlos Acuña

Carlos  Acuña  con  los  guitarristas   Calabró,  Pujol y RissoCarlos Acuña con los guitarristas Calabró, Pujol y Risso


ACUÑA, Carlos. (4 de noviembre de 1915 - 19 de febrero de 1999)
Cantor. Compositor. Autor.
Intérprete de timbre vocal netamente gardeliano que alcanzó su primera notoriedad
como vocalista en las orquestas de Rodolfo Biagi y Carlos Di Sarli, dejando grabadas
para el sello Victor, con la segunda, algunas realizaciones de calidad como Cuando
el amor muere y Anselmo Acuña el resero.
Continuó luego su carrera como solista acompañado por guitarras, registrando ver-
siones entre otras del tango de Taboada, Una tarde cualquiera, para Columbia. Durante la década del cincuenta estuvo vinculado a la orquesta de Mariano Mores, viajando en 1961 a Roma a fin de participar en el Primer Festival de la Canción Argentina en Italia. Desde entonces se radicó en España, donde actuó con sobresaliente suceso. A su regreso, cantó en televisión y en Caño 14.
Compuso el tango, Yo quiero conocer a Madrid.Fuente Horacio Ferrer

Poema dedicado a Carlos Acuña por Roberto Maciel
Canta debute y sin cuento
porque al gotán lo mancusa,
y la jerga rantifusa
por reo la lleva dentro.
Es tristeza de convento,
Fija que da buen sport,
consuelo de sofanor
en noches sin apoliyo
de la musa es alma y brillo
¡Carlos Acuña el cantor!
Fuente del poema todotango www.todotango.com

martes, 26 de mayo de 2009

Xavier Cugat

Xavier Cugat, Lina Romay, Miguelito Valdes en 1942Xavier Cugat, Lina Romay, Miguelito Valdes en 1942

Xavier CugatXavier Cugat



Xavier Cugat (Gerona, 1 de enero de 1900 - † Barcelona 27 de octubre de 1990) fue un artista nacido en Cataluña; polifacético y uno de los primeros difusores de la música latina en los Estados Unidos.
Su nombre completo era Francesc d'Asís Xavier Cugat Mingall de Bru i Deulofeu. Nació en Gerona, aunque su familia emigró a Cuba en el año 1905. Estudió violín clásico y tocó en una orquesta en el teatro nacional de La Habana.

Entre 1915 y 1918 interpretó tangos en Nueva York junto a una banda conocida como "Los Gigolos". Posteriormente también se dedicó a dibujar tiras cómicas para el periódico "Los Angeles Times".

Participó en la banda sonora de las primeras películas con sonido y apareció en diversas películas de Hollywood siempre en el papel de director de música rítmica. En 1940 grabó la canción Perfidia con el cantante Miguelito Valdés que se convirtió en un gran éxito. Era muy conocido por sujetar en sus brazos un perrito chihuahua mientras dirigía su orquesta. Su música seguía las modas del momento, y grabó canciones de todo tipo de géneros: conga, salsa, mambo, samba... Su ejemplo fue muy pronto seguido por otras orquestas, como la de Pérez Prado.

En 1955, realizo un disco de merengues dominicanos. Este álbum se editó con motivo de la celebración en Santo Domingo de la Feria de la paz y confraternidad del mundo libre que celebrara el dictador Rafael Leonidas Trujillo en 1955.

Su orquesta fue una cantera de donde surgieron destacados interpretes de la canción tropical como Tito Rodríguez y Vitin Aviles.

Como dato pintoresco, Cugat tuvo fama también como donjuan y contrajo matrimonio en cuatro ocasiones. Una de sus esposas más famosas fue la cantante Abbe Lane, que actuó con él en numerosas ocasiones hasta el divorcio de la pareja en 1964. El 7 de agosto de 1966 contrajo matrimonio con la bailarina Charo Baeza que se convirtió en su cuarta esposa; la pareja se encargó de inaugurar el casino Caesars Palace en Las Vegas.

Xavier Cugat murió a los 90 años de edad en Barcelona y fue enterrado en la ciudad de Gerona.Fuente Wikipedia

lunes, 25 de mayo de 2009

Ernesto Franco

Ernesto Franco con Fernando Soler y Julio Ressia  Ernesto Franco con Fernando Soler y Julio Ressia

Ernesto Franco y Fabio HagerErnesto Franco y Fabio Hager


Ernesto Franco: Bandoneonista, director y arreglador (1 de febrero de 1929)
Nombre completo: Ernesto Francisco Franco
Nació en el barrio porteño de Caballito para luego mudarse al sur de la ciudad, entre Pompeya y Parque Patricios.
Con una gran formación musical e instrumental, debuta a los 18 años en la orquesta dirigida por el eximio violinista Elvino Vardaro
Al tiempo, es convocado por el Osmar Maderna para integrarse a su orquesta en reemplazo de Leopoldo Federico. Participa en la misma, hasta la trágica muerte del brillante pianista, el 28 de abril de 1951. Antes de finalizar el año, es convocado por Roberto Caló y debuta en el disco a principio de 1952, en los instrumentales “Lorenzo” y “La cachila”. La orquesta estaba integrada por: Osvaldo Berlingieri, luego Osvaldo Tarantino (piano), Eduardo Rovira, Edelmiro D’Amario, Celso Amato y Eliseo Marchese (bandoneones), Leo Lipesker, Raúl Garcés, Alberto “Tito” Besprovan, Simón Bajour, Simón Broitman (violines) y Enrique Marchetto (contrabajo). Los arreglos estaban a cargo de Eduardo Rovira.

También en 1952, graban su tango “Después que te perdí”, letra del poeta uruguayo Horacio Sanguinetti, con la voz de Alberto Santillán. Después vendría el instrumental “Sacale chispas”, que compuso junto a Osvaldo Tarantino.

A principios de 1953, la orquesta de Roberto Caló se disuelve y Franco forma un novedoso cuarteto de bandoneones junto a Alfredo Marcucci, Atilio Corral y Julián Plaza.

Antes de terminar el año, el maestro Alfredo De Angelis sufre la desvinculación de Edelmiro “Toto” Rodríguez, y recurre a Ernesto para sustituirlo en el primer lugar de la fila de bandoneones. Permanece con De Angelis hasta fines de 1957 y pasa a la orquesta de Osvaldo Fresedo, en reemplazo de Roberto Pérez Prechi.

Después de los carnavales de 1958, es llamado por Juan D’Arienzo para ocupar el lugar dejado por su primer bandoneonista Enrique Alessio. Se repite la historia pero, esta vez, por mucho tiempo: 17 años, hasta el 14 de enero de 1976.

Durante todos esos años junto a D’Arienzo, participa en 423 grabaciones y en los dos viajes de la orquesta a Japón, en 1968 y 1970, sin la presencia del maestro y con la dirección de Juan Polito.

Fueron muchos y muy reconocidos los compañeros de la orquesta: Carlos Lazzari, Felipe Ricciardi, Luis Maggiolo, Juan Carlos Niesi y Aldo Junissi (bandoneones), Bernardo Weber, Milo Dojman, Moisés Svidsky, Mauricio Misé, Pedro Liserre y el mítico Cayetano Puglisi (violines), Enrique Guerra (contrabajo) y Juan Polito (piano).

Luego de la desaparición de D’Arienzo, Franco continuó en plena actividad con actuaciones en los más importantes locales tangueros “La Viruta”, “El Viejo Almacén”, “Caño 14”. Funda la orquesta “Los reyes del compás”, con las voces de Roberto Echagüe y Alberto Cuello.

En los últimos tiempos, podemos destacar sus presentaciones en “Señor Tango”, uno de los más importantes escenarios de nuestra ciudad.

Ha grabado varios discos de larga duración para los sellos RCA-Victor, Almalí, Tennessee y, más recientemente, discos compactos para Forever Music y Fonocal. Destacamos el editado en 1996 por Forever Music, en su colección “Timeless Tango”.

De su obra como compositor podemos señalar las siguientes páginas: “De primera clase”, “La biyarda”, “Siempre primero”, “Sacale chispas”, “El gran favorito” (instrumentales), “Despertar”, “En cada tango te llamo”, “Sólo tuya”, “Mi vida yo la reviento”, entre otros. Fuente Abel Palermo en Todotango www.todotango.com
Se agradece a Abel Palermo y Todotango

domingo, 24 de mayo de 2009

Sonora Carruseles

Sonora CarruselesSonora Carruseles

Sonora CarruselesSonora Carruseles


La Sonora Carruseles es una agrupación musical, nacida en Medellín, Colombia, en el año 1995. Esta orquesta interpreta salsa colombiana y otros ritmos como la cumbia, el porro y algunos ritmos caribeños

En la actualidad, la mitad de los integrantes de la orquesta Sonora Carruseles son de nacionalidad colombiana, donde surge la misma. La otra mitad la conforman integrantes extranjeros. La orquesta, en su mayoría, reside en Miami, lugar donde se encuentra la sede principal para la organización de presentaciones en vivo de la orquesta.
La agrupación está formada por cuatro cantantes, bajo, piano, timbal, congas y bongo. Los cantantes son: Mario paz, Daniel Marmolejo, Luis Ruiz y Harold Pelaez.; en el bajo, Gustavo Quintero Jr (el loquito), hijo del gran cantante Gustavo el loco Quintero, primogénito de la estirpe de los Quinteros y reconocido músico colombiano; en el piano, Andy Guzmán, que compartió escuela con algunos músicos de prestigio; en el timbal Daniel Berroa, un reconocido percusionista que estuvo por muchos años con Oscar de León, venezolano con una impresionante carrera musical; en las congas, Hermídez Benítez, procedente de una dinastía de músicos venezolanos; y en el bongo, Morist Jiménez Júnior , joven percusionista colombiano, hijo del reconocido trombonista Morist Jimenez.

Esta orquesta nació tímidamente, como un ensayo de grabación, en la ciudad de Medellín, en 1995, año en el que publicaron su primer álbum Espectacular, y pegaron fuerte con temas como Carruseles, Vitamina y Adiós compay gato, todo porque desde sus inicios marcaron una identidad musical.

Sus futuras producciones musicales, los afianzó como una de las orquestas más triunfadoras del género. En 1996 publicaron Salsa y fuego e impusieron temas como Luz de cumbia, obra escrita por José Velásquez, y Soy el rey, con la autoría de M. Rodríguez y Tony Pabón. En 1998 publicaron Heavy salsa con hits como Al son de los cueros, Mosaico boogaloo y Micaela; en el 2000, lanzaron Salsa brava y nuevamente lideraron la sintonía con Arranca en fa –uno de los éxitos que más identifican a la orquesta– y Que suene mi campana; en el 2002 la producción se llamó De una vez gozando, en el 2003 La salsa la traigo yo, y en el 2004, Salsa pa bacanes. De estos trabajos surgieron títulos como Para ustedes, De una vez gozando, La salsa la traigo yo, La comay, Repica el tambó, Tremendo boogaloo, Cuero na ma y Que no pare la rumba, por mencionar algunos.

Para esta fecha, Canadá, los Estados Unidos, México, Francia, Holanda, Bélgica, Suecia, Noruega, Martinica y Japón, entre muchos otros países, disfrutaban delirantes con el ritmo caliente de la salsa de Sonora Carruseles. Hoy Sonora Carruseles tiene un nombre de peso en el mundo de los bailadores, en el mundo de la salsa. Así lo relata Ernesto Lechner en uno de sus artículos:

"Con sólo seis discos en su haber y menos de nueve años de existencia, Sonora Carruseles ha logrado perfeccionar un sonido que es celebrado por los amantes de la salsa en el mundo entero. La música de esta orquesta colombiana goza de elementos tan explosivos como seductores: sinuosas melodías en el piano, ritmos sincopados, acordes volcánicos a cargo de la sección de vientos y coros típicamente nasales que son simplemente irresistibles. Carruseles rinde un sentido homenaje al espíritu de la salsa vieja. Al mismo tiempo, lo renueva gracias a las bondades de un estudio digital".

"De esta manera, Carruseles enriquece la tradición de Discos Fuentes, compañía discográfica dedicada al desarrollo de la música tropical en Colombia a través de inmortales grupos como Fruko y sus Tesos, The Latin Brothers, Los Corraleros de Majagual y La Sonora Dinamita. Fue justamente el veterano director musical de la disquera, el legendario Mario 'Pachanga' Rincón, el que inventó el concepto de Carruseles, una banda dedicada a grabar canciones clásicas de la era dorada de la salsa, preservándolas así para una nueva generación de admiradores. El sueño del Sr. Pachanga se ha hecho realidad, y Carruseles terminó siendo el grupo colombiano más excitante de los últimos años (...). Carruseles es una verdadera máquina de swing. Además de explorar la era clásica de la salsa, ha resucitado al nostálgico género bailable del boogaloo, además de celebrar la inigualable cumbia de su tierra natal mediante una serie de sabrosos medleys".

Su formato salsero netamente criollo, le permite el rescate de la esencia de la salsa de los sesentas y setentas, que se había quedado en el olvido por el movimiento que se denominó salsa romántica y otras tendencias musicales.

Sonora Carruseles es sinónimo del gusto salsero de antaño, con un sabor rumbero para el bailador que goza con su ritmo, que disfruta con la salsa brava, hecha con todos los hierros. Y aquí está de nuevo con Somos los duros de la salsa.Fuente web de La Sonora Carruseles y Wikipedia