sábado, 13 de marzo de 2010

Joan Manuel Serrat

Joan Manuel SerratJoan Manuel Serrat

Joan Manuel SerratJoan Manuel Serrat


Joan Manuel Serrat i Teresa (Barcelona, 27 de diciembre de 1943) es un cantautor, compositor, intérprete, poeta y músico español. Se trata de una de las figuras más destacadas de la canción moderna tanto en lengua española como catalana.

Su obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti o León Felipe entre otros; así como de diversos géneros, como el folclore catalán, la copla española, el tango, el bolero y del cancionero popular de Latinoamérica, pues ha versionado canciones de Violeta Parra y de Víctor Jara. Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana. Joan Manuel Serrat es conocido también con los sobrenombres de El noi del Poble-sec ("el Chico del Poble-sec", su barrio natal) y el Nano en Argentina.

Joan Manuel Serrat i Teresa nace el 27 de diciembre de 1943 en el barrio barcelonés del Poble-sec, miembro de una familia obrera. Su padre, Josep Serrat, fue un anarquista español afiliado a CNT y su madre, Ángeles Teresa, ama de casa originaria de Belchite (Zaragoza). Su niñez y el ambiente de la calle lo marcan profundamente, hasta tal punto que un gran número de sus canciones narran la cotidianidad de Cataluña tras la Guerra Civil (ejemplos son "La Carmeta", "La tieta" y "El drapaire" como personajes estereotipo de su barrio).

A los 12 años, Serrat se matricula como alumno interno en la Universidad Laboral de Tarragona, donde acabará el Bachiller Laboral Superior con la especialidad Industrial Minera en la modalidad de tornero fresador. Consigue una beca para ser biólogo y ejerce como sexador de pollos.

Serrat realiza estudios de perito industrial a la vez que tocaba la guitarra como aficionado. En 1965 se gradúa como ingeniero agrónomo y se presenta en el programa Radioscope de Salvador Escamilla en Radio Barcelona para interpretar sus primeras canciones. Él le ofrece la primera oportunidad de presentarse en público. Poco tiempo después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco. Su primer concierto lo realiza en el teatro L'Avenç de Esplugas de Llobregat.

Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana y miembro del grupo Els Setze Jutges (al que ingresa como el decimotercer miembro), grupo de cantantes en lengua catalana que tienen como referente a la chanson francesa (con exponentes como Jacques Brel, Georges Brassens o Léo Ferré, entre otros) y que defienden la lengua catalana durante la dictadura franquista.

En 1965 se edita la primera grabación con cuatros canciones, el EP Una guitarra con las canciones "Una guitarra", "Ella em deixa", "La mort de l'avi" y "El mocador". En 1966 aparece su segundo EP Ara que tinc vint anys con las canciones "Ara que tinc vint anys", "Quan arriba el fred", "El drapaire" y "Sota un cirerer florit".

El músico Francesc Burrull colabora con Joan Manuel Serrat desde 1967 firmando los arreglos del EP Cançó de matinada, donde además del tema homónimo figuran "Me'n vaig a peu", "Paraules d’amor" y "Les sabates". En 1972 volverá a reencontrase con Serrat para firmar los arreglos del álbum Miguel Hernández, uno de los trabajos más destacados del cantautor catalán, del que será director musical y pianista a principios de los años 70 hasta que retorne Ricard Miralles en 1974. Fiel a ese compromiso con las canciones de Serrat es su recital con la cantante Laura Simó que lleva presentando desde 2002, un paseo antológico por la obra del cantautor barcelonés, finalmente editada en formato CD en 2007. En 1967 aparece también el sencillo con los populares temas "La tieta" y "Cançó de bressol", así como su primer disco de larga duración, el LP en catalán Ara que tinc vint anys que incluye algunas de las canciones editadas en sencillos o EP anteriormente, además de "Balada per a un trobador", "Els vells amants" y "Els titelles".

En 1968 publica sus primeras canciones en español, con varios sencillos que serían recogidos en el LP La paloma al año siguiente. Al mismo tiempo, iba componiendo nuevas canciones en catalán que se editaban también en formato sencillo. En 1969 se edita el LP Com ho fa el vent.

Cuando, a finales de los sesenta Serrat comienza a cantar en español, a aparecer en portadas de revistas de fans y a hacer películas, algunos de sus "seguidores de siempre" pasan a considerarlo un traidor de la causa catalanista. Él se defiende diciendo que el castellano también es su lengua materna, pues su madre era aragonesa.

En 1968 se anuncia que Serrat será el representante de España en el Festival de Eurovisión. En cuanto a la canción a interpretar, se barajaban dos: "El titiritero", del propio Serrat, y "La, la, la". Al final se decidió que la representante de España fuese esta última, al considerarse más apta para el festival. El tema no fue compuesto por Serrat, sino por Manuel de la Calva y Ramón Arcusa (integrantes del Dúo Dinámico), quienes, sin embargo, se basaron en el estilo poético presente en las letras de Serrat, así como en sus misma temática: el canto a las cosas sencillas de la vida (la madre, la tierra, el despertar de un nuevo día, la naturaleza...).

Serrat comienza a recibir muchas presiones de algunos miembros de la Nova Cançó y de otros sectores catalanistas por cantar en español. Ante este clima de quejas, su discográfica en catalán, Edigsa, decide posponer el lanzamiento del segundo disco del cantautor barcelonés, Cançons tradicionals.

El 8 de marzo se emite un programa especial en Televisión Española titulado "Así es... Así canta... Así compone... Joan Manuel Serrat", para promocionar en televisión al recién nombrado representante en Eurovisión. Canta cuatro temas en catalán, "Cançó de matinada", "Paraules d'amor", "Me'n vaig a peu" y "Ara que tinc vint anys", y los tres temas que hasta el momento había grabado en español: "El titiritero", "Mis gaviotas" y "Poema de amor".

Tras grabar la canción en estudio en varios idiomas (y hacer el equivalente de entonces a los videoclips actuales) destinadas a distintas cadenas de televisión europeas, el 25 de marzo se anuncia que Serrat no irá a Eurovisión si no es cantando el "La, la, la" en catalán. La versión más extendida —y que Serrat nunca ha negado— sobre a qué se debió este insólito hecho es que Serrat había decidido no cantarla si no podía hacerlo en catalán, a modo de plante que pretendía llamar la atención sobre la situación marginal en la que se mantenía a la lengua catalana. Para otras personas, sin embargo, fue una maniobra publicitaria. Así, según indica Àngel Casas en su libro 45 revoluciones en España, lo que realmente pasó es que su representante, José María Lasso de la Vega, decidió hacer un intento para que el cantante recuperara su público más catalanista, que estaba perdiendo poco a poco. Se trataba de que Serrat cantara un verso de la canción en catalán durante el festival. El representante pensó que la mejor manera de conseguir eso sería decir que el cantante exigía cantar toda la letra en catalán para, más tarde y tras una supuesta negociación con las autoridades, llegar a un acuerdo que le permitiera al menos cantar el ansiado verso y contentar así a la audiencia "de casa". Sin embargo, este plan falló.[3]

Parece ser que al régimen franquista no le gustó nada la idea, lo que le valió a Serrat un prolongado veto en la radio y la televisión nacional. Su puesto en el festival fue cubierto por la cantante Massiel, que sólo tuvo unos pocos días para ensayar y promocionar la canción y que además se llevó el premio con el mismo tema.

En 1969 nace su primer hijo, Queco, y realiza su primera gira por Sudamérica, algo que se transformó en una costumbre de ahí en adelante. Ese mismo año publica el disco titulado Dedicado a Antonio Machado, poeta, con el cual logra un gran éxito de ventas, a pesar del veto que pesaba en su contra, que impedía incluso promocionar por radio sus trabajos. Participa en el Festival de Viña del Mar en 1970 como artista invitado, y gana el Festival de Río de Janeiro con la canción "Penélope", compuesta en colaboración con Augusto Algueró.

En 1970 ve la luz Mi niñez. De este último disco salen dos canciones modificadas por la censura franquista, como son "Fiesta" y "Muchacha típica", que son editadas en su versión original en Latinoamérica, quedando las modificadas para España. De este periodo también es "Edurne", que es publicada en 1974, y tampoco evita la censura. A finales de ese año, el álbum Serrat/4 ve como una de sus canciones es afectada por la censura: "Conillet de vellut" (Conejito de terciopelo) es censurada por la mención que se hace a una relación sexual donde participan tres personas. A finales de 1970 se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un grupo de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte. Algunas leyendas urbanas afirman que en aquel encierro compuso la canción "Mediterráneo", a la que en sus primeros borradores llama "Amo el mar" e "Hijo del Mediterráneo". No obstante, este tema fue compuesto, al igual que el resto del disco, entre agosto y noviembre de 1970, según declaraciones del propio Serrat, y a caballo entre el ya desaparecido Hotel Batlle de Calella de Palafrugell (Costa Brava), Fuenterrabía (País Vasco) y Cala d'Or en Mallorca.

En 1971 edita definitivamente Mediterráneo, uno de sus álbumes más importantes. A este disco pertenece la canción "Aquellas pequeñas cosas", que contiene una de sus letras más personales y evocativas. Logra estar casi un año seguido en la lista de los 10 discos más vendidos de España, y varias semanas como el número uno absoluto, a pesar de la estricta censura en su contra. Participa por segunda vez en el Festival de Viña del Mar, actuando gratis en apoyo al gobierno de Salvador Allende.

Al año siguiente su disco de homenaje Miguel Hernández rinde tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas.

En 1973, publica el LP Per al meu amic en catalán, considerado por algunos críticos como uno de los más logrados de su carrera. Finalmente, en 1974 le retiran el veto en Televisión Española, ofreciendo el especial "A su aire" grabado en directo en el teatro Aliança del Poblenou de Barcelona, en el que interpreta canciones también en catalán. Actúa también en la película La ciutat cremada dirigida por Antoni Ribas.

En 1975, acusados del asesinato de varios policías, se condena a muerte en Consejo de Guerra a once militantes del FRAP y ETA, de los que más tarde se conmutaría la pena a seis. Cuando la ejecución de los cinco restantes se lleva a cabo Serrat se encuentra en México y en rueda de prensa condena al régimen franquista y las medidas represivas. Además se solidariza con la postura del presidente de México, Luis Echeverría Álvarez, que había mantenido la postura mexicana de reconocer sólo al gobierno de la Segunda República Española en el exilio. A raíz de estas declaraciones tiene que exiliarse durante un año en México, debido a la orden de busca y captura que se emite contra él. Además, tal y como ya había ocurrido en 1968, sus trabajos son retirados y censurados por el régimen.

Especialmente afectado se ve su recién estrenado disco ...Para piel de manzana, el primero que graba para la casa discográfica Ariola. Durante su estancia en México no puede componer canción alguna. De hecho, el disco que edita al año siguiente no es más que el término de un proceso ya anterior. Realiza una gira con sus músicos por todo el territorio mexicano montado de un bus, bautizado La Gordita, ofreciendo recitales a bajos costes. Serrat ha confesado que aquel fue un periodo muy duro de su vida, pues vivía en la constante desazón de no saber si mañana volvería a su tierra o nunca ocurriría el retorno.

También de esta época son sus canciones más combativas. Aunque no compone se sirve de las composiciones de otros cantautores o musicaliza poesías de otros poetas que sirven para expresar la postura combativa que en esos momentos de precariedad postulaba. Existen grabaciones no oficiales donde Serrat canta "Mazúrquica Modérnica" de Violeta Parra, "La poesía es un arma cargada de futuro" o "La vida no vale nada", entre muchas otras.

No realiza gira por toda Latinoamérica pues ya algunas dictaduras le habían negado la entrada tácitamente, como la de Chile.

En 1977 publica el disco-homenaje al poeta catalán Joan Salvat-Papasseit titulado Res no és mesquí (Nada es mezquino), con arreglos del músico Josep Maria Bardagí. Eso, en el marco de un regreso a una España indecisa y enrarecida tras la muerte del dictador Franco. Lo hace con miedo, pues al no haberse promulgado aún la amnistía, existe posibilidad de que sea apresado y enjuiciado. Afortunadamente, nada ocurre y Serrat se reincorpora tímidamente a la vida pública de su país. En 1978 contrae matrimonio con Candela Tiffón y un año después nace su hija María y graba su disco de título 1978. Finalmente, gracias a la promulgación de la ley de amnistía ese año, durante el gobierno de Adolfo Suárez, pierde el miedo y participa activamente en campañas políticas en favor del PSOE. En 1980 edita su disco Tal com raja (traducido al español, se lee Tal como sale). Muere su padre, Josep Serrat, lo que significa un duro golpe en su vida personal.

En 1981 publica En tránsito, con el que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas y dar un aire maduro y renovado a su obra. En ese año retorna a TVE, en un especial de una hora, bajo el título de "Música, maestro". Abre con "Visca l'amor", un poema de Salvat-Papasseit musicalizado por Guillermina Motta. Posteriormente sus conciertos son abiertos con la extensión de los arreglos de "Para la libertad", poema de Miguel Hernández musicalizado por Serrat.

En 1983 sale a la luz Cada loco con su tema, un disco con grandes temas. Realiza una gran gira por Sudamérica excepto Chile, pues su entrada a este país es impedida a través de un decreto emanado del Ministerio del Interior del dictador Pinochet. En Argentina, con la retirada inminente de la dictadura del Proceso de Reorganización Nacional, su recital en el Luna Park constituye un acontecimiento histórico que simboliza la victoria de la democracia.[6] Ese mismo año se publica un LP doble que contiene la gira 83 por España: En directo. Poco antes había salido al mercado un vinilo ilegal con el mismo título, que es más conocido como Serrat al Grec, que consiste en la publicación de algunos temas de Serrat tocados en vivo, el disco es oportunamente retirado. Un anuncio de compresas donde aparece la canción "Hoy puede ser un gran día" sin la autorización expresa de Serrat causa su indignación y un conflicto con su representante, quien termina por perder su puesto.

En 1984 publica Fa vint anys que tinc vint anys, con los temas "Plany al mar" y "Seria fantàstic" como principales éxitos, y en 1985 El sur también existe, musicalizando poemas del poeta uruguayo Mario Benedetti. También edita Bienaventurados en 1987, una dura crítica a las Iglesias Cristianas, tanto católica como protestante, y a las dictaduras aún restantes ("Lecciones de urbanidad"); y Material sensible en 1989, un trabajo en catalán que significa el último disco en el que trabajaría Capgròs).

En 1991, publica su álbum Utopía y en 1994 Nadie es perfecto. En 1996 estrena su doble disco en homenaje a sus compañeros de la nova cançó, de título Banda sonora d'un temps, d'un país, último disco de Serrat que se publicaría en formato LP (Ariola, 1996). Ese mismo año, se une a Víctor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España con el espectáculo titulado "El gusto es nuestro", que es llevado por varios países de América en 1997, editándose además en disco y en formato DVD.

En 1998 edita Sombras de la China, con los arreglos de Kitflus, quien ayuda también en la composición de algunos temas. Posteriormente realiza su homenaje a la canción latinoamericana en Cansiones firmado por TarrésSerrat en el año 2000, con adaptaciones de temas populares de varios países de Latinoamérica, y autores reconocidos como Violeta Parra, Víctor Jara, Simón Díaz, José Alfredo Jiménez y Enrique Santos Discépolo, entre otros. En el año 2000 se edita su discografía oficial anterior digitalizada en formato CD.

Serrat inicia el nuevo siglo con su disco Versos en la boca, publicado en 2002, en el que además de temas propios después de cuatro años, da voz con su música a los poetas Tito Muñoz, Eduardo Galeano y Luis García Montero.

A finales de 2003 lanza al mercado Serrat sinfónico en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, bajo la dirección musical del maestro Joan Albert Amargós, con la colaboración especial de Ricard Miralles al piano y Roger Blavia a la percusión. En esta producción presenta 15 temas ya conocidos y uno nuevo, el poema de Federico García Lorca de título "Herido de amor" que Serrat había musicalizado con anterioridad para Ana Belén.

En 2004, participa en el proyecto Neruda en el corazón, con un disco colectivo en el que interpreta el "Poema XX" de Pablo Neruda, con música de Ramón Ayala "El Mensu", el espectáculo se presentó en directo en concierto único el 5 de julio de 2004 en el Palau Sant Jordi de Barcelona, dentro de la programación del Fórum Universal de las Culturas 2004 de Barcelona. También en 2004, El Periódico de Catalunya le otorga el premio "Català de l'Any" ("Catalán del año") en homenaje a sus 40 años de carrera, en el mismo año participa en el acto institucional del Día Nacional de Cataluña en el Parque de la Ciudadela, interpretando "Cançó de bressol".

Ya en 2004, en el marco de la gira de Versos en la boca se rumoreaba de que sufría de algún mal. Sin embargo, ante las consultas de la prensa, Serrat, con gran humor, señalaba: "Si el doctor me pide que deje el vino, cambio de doctor". Y es que ya llevaba, en silencio, un proceso de quimioterapia, para tratar de reducir un carcinoma en la vejiga. En 2005 se hace pública la noticia de la enfermedad.

Tras su recuperación emprende una nueva gira intimista junto a Ricard Miralles interpretando sus temas clásicos bajo el título Serrat 100x100, una gira con 150 conciertos que se inicia el 6 de mayo de 2005 en Valladolid y finaliza el 14 de diciembre de 2006 en San Sebastián en una primera etapa. El 15 de marzo de 2006 recibe el título de doctor honoris causa de la Universidad Complutense de Madrid por su contribución a la cultura española en general y catalana en particular y, diez días después, la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo por toda su trayectoria profesional
El 24 de marzo de 2006, el Ayuntamiento de Barcelona otorga la Medalla de Oro de la ciudad a Joan Manuel Serrat "por su aportación cívica y por el prestigio conseguido como músico y ciudadano a nivel internacional". El 18 de abril de 2006 publica el disco Mô con canciones en catalán, su primera producción en esa lengua en 17 años. Mô es el nombre que los locales dan a la ciudad de Mahón, en Menorca, localidad en la que Serrat tiene una casa y pasa los veranos. Durante los siguientes meses, Serrat realiza una gira de 48 conciertos de promoción de este nuevo disco por Cataluña, Valencia, Baleares y Madrid, se inicia el 27 y 28 de abril de 2006 en Mahón (Menorca), realiza 19 conciertos en el Teatro Nacional de Cataluña de Barcelona y finaliza la gira el 4 de octubre de 2006 en Gerona, tras la que continuaría con una segunda sesión de conciertos con su gira "Serrat 100x100".

En 2007 es galardonado con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento por su labor en defensa de la lengua y la cultura catalana como miembro en los años 60 de Els Setze Jutges y como Caballero de la Legión de Honor de la República Francesa.

También en 2007 realiza una gira junto a Joaquín Sabina llamada Dos pájaros de un tiro, que los lleva por 30 ciudades españolas y 20 americanas y que se inicia en Zaragoza el día 29 de junio de 2007 y finaliza el 18 de diciembre en Buenos Aires (Argentina) después de 71 conciertos. En ella, el catalán interpreta las mejores canciones del ubetense mientras éste hace lo propio con el repertorio del noi del Poble-sec. De los conciertos celebrados en Madrid se graba un disco en directo y un DVD con más material que se edita en diciembre de 2007. El nombre de dicho disco es, al igual que la gira, Dos pájaros de un tiro.

A mediados de 2008, Serrat retoma por tercera vez su gira intimista "Serrat 100x100" llevándola junto a Ricard Miralles por algunos países de América y por España, con conciertos programados hasta el mes de julio de 2009.

Fue uno de los integrantes de la "Plataforma para el Apoyo de Zapatero", apoyando la candidatura socialista de José Luis Rodríguez Zapatero para la presidencia del Gobierno, una plataforma en la que participaron actores, deportistas, cantantes y españoles destacados.

En 2009 Serrat graba junto a Joan Albert Amargós un segundo disco en homenaje al poeta Miguel Hernández, de título Hijo de la luz y de la sombra, que será editado en febrero de 2010 y el Ministerio de Cultura de España le concede el "Premio Nacional de Músicas Actuales" en su primera edición.Fuente Wikipedia

viernes, 12 de marzo de 2010

El tango en Francia

El Tango en Paris
Surgen los títulos franceses de los tangos Champagne Tangó, La Gigolette, El apache argentino, Germain, Come il faut ...
En 1903 el vasco Aín habría sido el primer bailarín de tangos en París, no es seguro dado que es Aín quien lo dice y se ha comprobado que decía mentiras.
En 1907 si se sabe que el matrimonio Gobbi y Villoldo, fueron a grabar enviados por Gath y Chaves, poco después van Saborido y Aín. Bernabé Simara, Francisco Ducase, Juan Carlos Herrera. También los niños bien Ricardo Güiraldes, Vicente Madereo, y Daniel Videla Dorna.
María Luisa Candelli, platea una hipótesis. El éxito del tango en Paris está dado por que Inglaterra, que manejaba el comercio de carnes en el exterior, quería imponer nuestras carnes en Francia, entonces difundió una nueva danza, que enloqueció no sólo a Paris, sino a toda Europa. De rebote triunfa en la alta sociedad de Bs. As., que como siempre miraba a Paris que era el centro de la moda.
En la revista P.B.T. el 21-1-11 decía “En Paris bailan el tango ¿dónde? En los salones aristocráticos. ¿quiénes? Las señoras más distinguidas y los caballeros más elegantes. De ahí lo adopto la sociedad.
El barón Antonio María Demarque, yerno del Gral. Roca, hizo mucho por el tango, en 1913 organizó un concurso de tango en el Palais de Glace y luego otro en el Palace Theatre, en este último bailaron el Cachafaz, Juan Carlos Herrera y la mayoría de los famosos.
Surgen los títulos franceses de los tangos Champagne Tangó, La Gigolette, El apache argentino, Germain, Come il faut, El Marne, Puopé, Paris, Place Pigalle.
Escuchamos según indica la etiqueta del disco el Tango brasilero por la orquesta Zingara del Restaurant de Paris La Rata Mueta (es la melodía del Choclo) Una noche de garufa de E. Arolas de 1903 cuando tocaba la guitarra no el bandoneón. Fuente Roberto Selles.

A modo de referencia se informa de la biografia de dos de las interpretes de este CD.

Rina Ketty

Rina Ketty

Cesarina Pichetto, nació en Turín, Italia, en 1911. Vivió en su país natal hasta 1930 y para entonces viajó a Francia para visitar a unos tíos. Uno de sus parientes que vivía en Montmartre decidió alojarla en su casa y de esa forma ella se incorporó a la vida feliz de la llamada "Comunidad Libre de la Colina."

El centro de reunión en Montmartre era el famoso cabaret "Le Lapin Agile." En dicho lugar se daban cita los más connotados bohemios de la época, poetas, novelistas, escritores, compositores y artistas. Fascinada por la vida de cabaret y buscando cómo ganarse la vida, Rina le pidió a Frédé - dueño del cabaret que la contratara como cantante. Ella no tenía un repertorio, ni experiencia alguna, pero comenzó interpretando canciones típicas de la Villa de Montmartre, muchas de ellas de comienzos del siglo 20 y se ganó las simpatías de los asiduos al lugar. Así nació Rina Ketty.

Rina se mantuvo, con el mismo estilo, cantando en el "le Lapin Agile" por varios años, antes de cambiarlo, en 1938, a un estilo más personal y más comercial. Recordando sus raíces italianas grabó canciones de su tierra natal, adaptadas y traducidas al francés. Pronto fue reconocida en el ámbito musical profesional y recibió el "Grand Prix du Disque." A partir de ese momento comenzó a cantar de manera más exótica y profesional, estilo que se adelantó 20 años y que luego fue adoptado por muchas otras cantantes.

Para la mayoría del público no tenía relevancia el origen de sus canciones ni del contenido de las letras, eso se destaca en el hecho que dos de sus canciones más conocidas, "J'attendrai" y "Sombreros Et Mantilles" fueron adaptaciones de canciones, italiana y española, respectivamente y grabadas por Pathé en discos de 78rpm. De hecho, muchas de las canciones de la época, no trataban sobre la guerra, así que no es de extrañar el éxito de ese tipo de música.
Su carrera fue interrumpida durante la guerra, su ascendencia italiana tuvo algo que ver, y por tanto, afrontó dificultades para recuperar su fama cuando el conflicto terminó. Sin embargo, luego de mucho esfuerzo, logró reiniciar su carrera en 1945, pero esta vez en el Alhambra.

En 1954, Rina Ketty dejó Francia y se exilia en Canadá, viviendo en Quebec y Ontario, con la esperanza de comenzar una nueva carrera. Permaneció en ese país por 12 años. Al regresar a Francia, en 1965, con la intención de iniciar una segunda carrera musical, encontró que otras artistas habían ocupado el lugar que ella había ostentado por años. Para entonces, Gloria Lasso y Dalida, por cierto con el estilo de Rina, eran las reinas de la música latina. Por otro lado, los tiempos habían cambiado y otro estilo de música era la preferida del público.

Luego de cantar por unos años más en el cabaret Don Camilo en 1967 y el nuevo Alcázar en 1968, se retiró apareciendo de tiempo en tiempo en algunos especiales de TV, como La Chance aux Chansons por Antena 2. En 1991, Jack Lang, Ministro de Cultura, le otorga la medalla "Chevalier dans l'ordre des Arts et Lettres." No volvió a aparecer en público y vivió desde entonces en Cannes, en compañía de su esposo Jo Harman.

Murió a la edad de 85 años en el Hospital de Broussailles de Cannes el 23 de Diciembre de 1996.Fuente exordio.com


Lucienne Delyle

Lucienne Delyle



Lucienne Delyle (Paris, France, 16 de abril de 1917 — Monte Carlo, Mónaco, 1962) fue una cantante popular francesa. Con dicción clara y precisa abordó varios estilos. Fue una de las mas destacadas intérpretes en la línea de Édith Piaf y Lucienne Boyer.
Con su tema Mon amant de Saint-Jean de 1942, se convirtó en la mas famosa cantante popular francesa de los años 1950.
Nacida y educada como farmaceutica en Paris cantaba como amateur hasta 1939 cuando fue escuchada por Jacques Canetti que la contrató para la Radio Cité.
Al año siguiente se casó con el trompetista Aimé Barelli (1917-1995), con quien tuvo su hija Minouche Barelli (1947-2004).
En 1953, Bruno Coquatrix la invitó junto al joven Gilbert Bécaud en una gala de apertura del „Olympia".
Su carrera se vió interrumpida por una fulminante leucemia, sus ultimos conciertos fueron en Bobino hacia 1960 muriendo en 1962.Fuente Wikipedia

jueves, 11 de marzo de 2010

Carlos Do Carmo

Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008

Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008

Carlos Do CarmoCarlos Do Carmo


Carlos Alberto do Carmo Almeida (Lisboa, 21 de diciembre de 1939) conocido artísticamente como Carlos do Carmo es un cantante portugués que ha alcanzado dimensión internacional a través del fado.

Es hijo de la conocida fadista Lucília do Carmo y de Alfredo de Almeida, librero y hotelero. De joven, Carlos estudia hostelería en Suiza, iniciando su carrera artística en 1964, si bien ya había grabado un disco cuando tenía 9 años.

Representó a Portugal en el XXI Festival de la Canción de Eurovisión 1976, con el tema Flor de verde pinho (basado en un poema de Manuel Alegre). En el Festival RTP de la canción de aquel año fue el único intérprete, entre las últimas canciones presentadas estaban temas como “Estrela da tarde”.

De entre muchas otras, sus canciones más conocidas son: Os putos, Um homem na cidade, Canoas do Tejo, Lisboa menina e moça, Duas lágrimas de orvalho y Bairro Alto.

Ha cantado en portugués el tema El drapaire de Joan Manuel Serrat, (O ferro velho en adaptación del poeta Alexandre O'Neill), tema incluido en su disco Canoas do Tejo (LP Movieplay en 1972-CD en 1997) y en O melhor dos melhores (Tecla, 1992).

Su nombre figura entre los pioneros de la nueva discografía portuguesa, ya que su disco Un homem no país fue el primer CD editado por un artista en Portugal.

José María Nóbrega lo acompaña en la guitarra desde hace 36 años. Fue homenajeado en 2003 con motivo de sus 40 años de carrera musical.

En 2007 participó en la película Fados de Carlos Saura junto a otros grandes artistas lusos y brasileños, como Mariza, Camané o Caetano Veloso. Este largometraje es estrenado en la gran pantalla el 23 de noviembre de 2007, después de ser proyectado en diversos festivales de cine. Paralelamente al estreno de la película se realizan conciertos de presentación de la película en Madrid, Valladolid y Santiago de Compostela, en los que intervienen Camané, Mariza, Miguel Poveda y el propio Carlos do Carmo. Carlos do Carmo es galardonado con el Premio Goya a la Mejor canción original por Fado da saudade.

Ha sido embajador de la música y la cultura portuguesa a través de sus innumerables actuaciones por varios países, pasando por el Teatro Olympia de París, por las Óperas de Frankfurt y Wiesbaden, por la casa de espectáculos Canecão de Río de Janeiro, el Savoy de Helsinki y por otras muchas ciudades, como San Petesburgo, Copenague, São Paulo, entre otras. A nivel nacional destacan los conciertos en la Fundación Gulbekian, en el Monasterio de los Jerónimos, en el Casino de Estoril o en el Centro Cultural de Belém.

Es ciudadano honorario de la ciudad de Río de Janeiro y miembro de la Honra del Claustro Ibero-Americano de las Artes. Asimismo, le fue concedido un diploma por el Senado de Rhode Island (Estados Unidos) por su contribución a la divulgación de la música portuguesa, el Globo de Oro de Mérito y de la Excelencia, el Premio de la consagración de su carrera de la Sociedad Portuguesa de Autores. Es además miembro de la Orden del Infante Don Enrique. Fuente Wikipedia

miércoles, 10 de marzo de 2010

Adolfo Perez (Pocholo)

Adolfo Pérez (centro) con su bandoneón, dirigiendo su orquesta en los estudios de Radio Rivadavia (mayo de 1935).Adolfo Pérez (centro) con su bandoneón, dirigiendo su orquesta en los estudios de Radio Rivadavia (mayo de 1935).



PÉREZ, Adolfo ("Pocholo"). (Nombre de familia: Alejandro Pérez y Gutiérrez).
Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires —barriada de Palermo— el 25 de mayo de 1897. Domingo Cichitti fue su maestro de bandoneón. Data su iniciación en público de 1914, actuando con un cuarteto hasta 1917 en cafés y recreos de barrio. En 1918 Juan Maglio lo requirió para integrar su orquesta; más tarde —y hasta 1931— presentó su propio sexteto en programas de Radio Nacional. Posteriormente formó un conjunto de corte evocativo con inclusión de flauta y de guitarras con el que actuó por las emisoras Callao, Prieto, Del Pueblo, La Voz del Aire y El Mundo, y con el que grabó numerosas placas fonográficas desde Una noche de garufa (1933) para la casa Odeón. Su primer tango: La compuerta (1913). Lo siguieron: El trueno, Oro 18, A mi novia, Soy un pobre gaucho. 
Horacio Ferrer

Biografia II
Bandoneonista, director y compositor (25 de marzo de 1897 - 23 de agosto de 1977)
Apodo: Pocholo. Nombre completo: Adolfo Alejandro Pérez y Gutiérrez
Está generacionalmente ubicado entre los tanguistas de 1910 y mantuvo su espíritu y estilo hasta muy entrados los años cincuenta. Cultivó en toda su carrera de músico, muy extensa por cierto, un modo musical similar al de Juan Maglio "Pacho", de quien fue su colaborador, continuador y difusor.
Se mantuvo al frente de su orquesta, característica de "la guardia vieja", hasta aproximadamente el año 1957, en que debió disolverla por problemas de salud. En este aspecto fue la suya la más genuina expresión dentro de las agrupaciones evocativas.
Nació en el barrio de Palermo, en la calle Julián Alvarez 1456, el 25 de marzo de 1897. Sus padres eran españoles, Alejandro Pérez y Dolores García.
En una entrevista, en 1974,le pregunté sobre colegas y músicos: «Entre los primeros bandoneonistas que recuerdo están "El Pardo" Sebastíán Ramos Mejía; que tocaba bien y daba lecciones; recuerdo haberlo visto en la calle donde yo vivía; no era muy oscuro de piel. Era cochero de tranvías a caballo.
«Otro de los que tengo presente, fue el carnicero Solari; tenía un bandoneón con los esquineros y la válvula de oro, pero era un instrumento de los antiguos, sin las característícas ochavas. Después estaba "El Mocho" Alfredo Fattini, que tocaba de oído. Solía actuar junto a "Natalín" Felipetti, otro bandoneonista muy antiguo. También estaba Ávila, Mamierca... Luisito Pérez, otro muy conocido que tocaba siempre en cafés.
«Arturo Severino, apodado "La vieja", tocaba muy bien con las dos manos; era músico. Al "Alemán" Arturo Bernstein, también lo escuché; no hacía variaciones, Marino García, guitarrista de mi orquesta, fue también guitarrista de Bernstein. Hasta el año 1914 fue "la Guardia Vieja"; después vino Eduardo Arolas, buen bandonconista. Las variaciones de bandoneón empezaron por los años 23... 24...»
Sus primeros pasos con el instrumento fueron con Domingo Cichitti, de oficio carnicero; un músico intuitivo que sabía muy poco de música, pero que le enseñó los rudimentos del manejo del bandoneón.
Más tarde estudió música con Alejandro Gutiérrez del Barrio, violinista y hermano de Ramón, que tocaba el piano. Debutó cuando apenas tenía 17 años, en un almacén de Las Heras y Bulnes, con un trío: "Pocholo" en el bandoneón, Enrique Greco en el violín y Elías De Lellis en la guitarra, por dos pesos cada uno por noche.
En 1915 pasaron a un café de La Paternal y de allí a bodegones de Canning y Córdoba y cafés de "turcos", porque allí se había instalado una importante comunidad de origen árabe.
Por el 16, el conjunto de "Pocholo", apodo que le venía desde la niñez, desplazó su campo operativo hacia el café Colón de Flores, donde actuó con su elenco con un cambio estructural de importancia: por primera vez sustituyó en el mismo la guitarra por el piano.
El ingreso a la orquesta de Juan Maglio aumentó la popularidad de "Pocholo", no sólo por tocar junto a él, sino porque Maglio con su generosidad hacia los colegas le grabó varias composiciones que lo prestigiaron en tal carácter.
«En 1918 entré a la orquesta de "Pacho", que en realidad era un quinteto: Maglio y yo de bandoneones, en violines "Pepino" Bonano con su violín corneta y José Suino, y el pianista Luis Suárez Tapia. Pacho fue quien dio más sabor al tango, ligaba muy bien. Arolas, en cambio, era más rítmico y gustaba más a la gente.
«Empezamos en el Bar Domínguez de la calle Corrientes al 1400; al lado, en el Iglesias tocaba Arolas con el guitarrista Camarano y creo que "Tito" Roccatagliatta en violín. A "Tito" lo escuché en el 24 en el café "ABC" con el bandonconista José Servidio. Con Maglio grabábamos en Max Glücksmann para el sello Nacional.»
Actuaron además en los cines Select Lavalle y Suipacha, e hicieron una presentación en Tandil, provincia de Buenos Aires, donde los sorprendió una gran nevada.
En 1924 se integró a la orquesta de Roberto Firpo para tocar en el primer Concurso de Tangos del Disco Nacional, donde fueron elegidos "Sentimiento gaucho" y "Amigazo". Allí no había cantor. La probable integración de la orquesta de Firpo en esta oportunidad habría sido la siguiente: piano y dirección: Roberto Firpo, bandoneones: Adolfo Pérez, Francisco Della Rocca, Rafael Rossi, Juan Bautista Guido y presumiblemente Ernesto Bianchi, violines: Elvino Vardaro, Cayetano y Emilio Puglisi y Octavio Scaglione "Piscoto" y el contrabajo: José Puglisi.
Finalizado el evento, "Pocholo" retornó a capitanear su propio elenco presentándose, durante el período comprendido entre los años 1924 a 1926, en distintos escenarios: Café Colón de Flores -donde estuviera con anterioridad-, Café "Las Orquídeas" de Artigas y Yerbal y el "Palacio de los Billares" de Rivadavia y Pedernera.
En 1924 se inicia en la radio con un terceto típico conformado por el violinista Alpidio B. Fernández, pionero de nuestra radiofonía, quien se había iniciado en 1923 en Radio Cultura -"La primera Broadcasting de Sudamérica"- y su colega bandoneonista Alejandro Scarpino.
En 1927, según Juan Silbido, se tocó por primera vez la variación del famoso tango de "Pacho", "Sábado inglés" que fue escrita por "Pocholo".
Ese mismo año unió su nombre al del pianista Ricardo Olivera, fundando el binomio "Olivera-Pocholo" que actuó en Radio Nacional hasta 1929.
«Luego me independicé y formé una nueva orquesta que integraban: en la fila de bandoneones, Francisco Bonafina, Luis García y yo. En los violines: Elvino Vardaro, Roberto y Teodoro Guisado, Osvaldo Schelotto en el piano y A. Corletto en el contrabajo.»
Más tarde se sumó al elenco la cancionista Virginia Doris, quien se inició en Radio Nacional pasando luego a Radio Del Pueblo y a Radio Callao.
Actuaron en Radio Nacional en 1930 y 1931, acompañando cantores y realizando numerosos bailes. Pasaron luego por muchas radios: La Voz del Aire, Prieto, Del Pueblo y Porteña. Hicieron algunas actuaciones en el Luna Park y en la sala del cine Rialto de la calle Córdoba 4287, también en el Teatro Nacional de Corrientes 960 y en el Smart de la misma calle.
Por el '33 volvió al tango bien evocativo, a hacer otra vez guardia vieja. Formaban la orquesta: "Pocholo", Víctor Angulo y Luis García en bandoneones, Roberto Guisado, José Bibiloni y Gerónimo Bongioni, en violines, las guitarras de Marino García, Alfredo Pirilo (a veces Ismael Gómez y Héctor Acosta), Francisco Russo en la flauta y la cantante Virginia Doris.
Esta agrupación comenzó a grabar el 16 de agosto de 1934, inaugurando su serial Odeón con la placa "Lejos de mi bien amado", vals de Gerardo Metallo y el tango de Arolas "Una noche de garufa", disco 9130, serie que se prolonga hasta diciembre del 36.
En la segunda placa grabada, con fecha 20 de setiembre del mismo año, aparece por única vez la voz de Virginia Doris interpretando el vals de J. C. Caviglia y Podestá "Loca de amor", que en el reverso contiene el tango de Bevilacqua, "Independencia".
En 1935 se alejó Virginia Doris para proseguir su carrera artística como solista con guitarras. El conjunto de "Pocholo", hizo un paréntesis en su labor discográfica hasta 1948 en que reinició su labor en Odeón, inaugurando la serie con la placa nº 30304 que en uno de sus lados lleva el tango "Las siete palabras", de autoría dudosa, pero que aquí aparece como de Maglio, y el vals de "Pocholo", "Gritos del alma". Esta segunda época se extenderá hasta el 28 de mayo de 1956.
En este tramo de su carrera, su orquesta estaba integrada por los siguientes músicos: en bandoneones, Víctor Angulo y Luis García; violines, Roberto Guisado, Teodoro Guisado y J. Bibiloni; piano: Nicolás Vaccaro; flauta, José Casanellas y en el contrabajo, Miguel Tafuri. En las grabaciones, el pianista en algunos registros fue Ismael Alloco y en otros el "potrillo" Zagnoli.
En 1956 vuelve la cancionista Virginia Doris, con quien registró su último disco que lleva el n° 41224. En uno de sus lados está el tango de Juan Carlos Cobián y Pedro Numa Córdoba "Un lamento", y en el opuesto, el vals "Violetas" de Juan Maglio y Francisco Brancatti.
Además de grabar, tuvieron algunas presentaciones radiales por Radio Splendid, Radio Belgrano y Radio Del Pueblo y algunos bailes en San Pedro y Junín, provincia de Buenos Aires.
Ya con su salud quebrantada, "Pocholo" disolvió su orquesta hacia 1957. Falleció en Buenos Aires, veinte años después. 

Oscar Zucchi 

martes, 9 de marzo de 2010

Rafaella Carra

Rafaella CarraRafaella Carra

Rafaella CarraRafaella Carra


Raffaella Carrà es el seudonimo de Raffaella Roberta Pelloni (n. Bolonia, 18 de junio de 1943) es una famosa cantante, bailarina, actriz, presentadora y autora italiana de programas de televisión.

Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.

Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».

Nacida en el seno de una familia de clase media, Raffaella comenzó su incursión en el mundo del arte casi por accidente en un viaje con su madre a Roma. Fue entonces cuando, a través de un amigo de la familia, un director la eligió por su simpatía para un pequeño papel en la película Tormento del passato a los 9 años. Posteriormente y de regreso a Bolonia, Raffaella se inscribe a los 15 años en el Instituto de Cinematografía y prosigue con su educación y formación como bailarina.

Finalmente, tras pequeños y medianos papeles en más de una quincena de películas italianas, Raffaella pega el salto que daría comienzo a su carrera. En 1965 la italiana viaja a los Estados Unidos donde aparecerá en su primer película hollywoodense. Habiendo firmado un contrato con la 20th Century Fox y siguiendo los pasos de sus coterraneas Gina Lollobrigida, Sofía Loren y Virna Lisi, la Carrá apareció en la película El coronel Von Ryan de 1965 junto a Frank Sinatra, Edward Mulhare y Trevor Howard.

Aunque pronto Hollywood notó su presencia y Raffaella prosiguió con su carrera apareciendo en otras películas, la vida que llevaba en Los Ángeles no era lo que esperaba y regresó a Italia.

A su retorno a Europa, vinieron más películas italianas, francesas y hasta una coproducción alemana con el genial actor cómico Lando Buzzanca. Destaca la película I compagni de Mario Monicelli.

Parecía que Raffaella estaba encontrando su lugar entre las luminarias del cine, pero lo más grandioso de su carrera aún estaba por llegar. Corrían los últimos años de la década del sesenta cuando el mundo cambiaba radicalmente su forma de ver y hacer arte. Y Raffaella sería pronto parte de eso.

Fascinada por la opulencia del Lido de París y deslumbrada por los nuevos conceptos que llegaban de la mano de musicales como Hair, Raffaella volvió a Italia con la cabeza llena de nuevas ideas. Así, al recibir el ofrecimiento de participar en el programa del francés Nino Ferrer, la Carrá acepta con la condición de poder usar tres minutos de aire para hacer lo que quisiera. Así, con desenfado y una gracia única, Raffaella rompe con el esquema de la cantante o bailarina estática y formal. Se mueve, sacude la cabeza en un modo nunca visto (y que luego será su sello, junto con su inconfundible melena) y es un éxito inmediato
De esta forma, los ejecutivos de la RAI no dudan en proponerla como la anfitriona del programa estrella de la televisión italiana junto a Corrado. Canzonissima 1970 será el programa que termina por afianzarla como una estrella en Italia y es entonces cuando Raffaella comienza a explotar también su faceta de cantante. Invitada por los directores del canal, pero «casi jugando» como diría ella años más tarde, graba la sintonía del programa. Y el éxito y el escándalo no se hacen esperar. Ma che musica Maestro es un éxito pegadizo que rápidamente llega al número uno del Hit Parade italiano vendiendo miles de copias del sencillo, pero es el vestuario de Raffaella lo que causó más conmoción en el público italiano. Había algo que jamás se había mostrado en la televisión pública de la península itálica: el ombligo. Y la joven intérprete, con un atuendo que hoy parece más inocente que trasgresor, logró hasta la censura del mismísimo Papa cuando al poco tiempo y generando más polémica aún, lanza el famosísimo Tuca Tuca.

Una vez afianzada su carrera con el éxito de Canzoníssima (al que sigue la edición de 1971) la ahora famosa cantante sale de gira por toda Italia con los éxitos que ya comenzaban a sonar en las discos. Pero tras casi un año recorriendo el país, Raffaella vuelve a la televisión más atareada que nunca. Canzoníssima 74 ya no contará con la conducción de Corrado, sino que será sólo la responsabilidad de Raffaella. Y es un éxito. Tanto así que ese mismo año presenta junto la cantante Mina el espectacular Milleluci.

Ahora, si bien el éxito había golpeado las puertas de Raffaella Carrà y ella se había asegurado de demostrar que no era sólo algo pasajero, la ambiciosa cantante, bailarina y conductora quería demostrar que quería y podía lograr más. Con varios éxitos en su país natal, la Carrà empieza a soñar con otros horizontes.

España quedaba tan sólo a un paso, y su primera aparición en el programa Señoras y Señores en 1975 demostró ser el comienzo de un romance duradero. Encantados por la misma frescura que había llevado a su país natal, los españoles no tardaron en enamorarse de «la bomba italiana», y el primer álbum de Raffaella (con una recopilación de lo mejor que había editado en Italia) invadió los oídos de los españoles en pocas semanas. El disco incluía además algunas versiones cantadas en castellano.

Fue entonces, cuando -sin precedentes- los ejecutivos de TVE le ofrecieron hacer un especial. La Hora de Raffaella Carrà fue un experimento exitoso y una vez más la cantante italiana cimentaba su éxito en el país vecino.

Pero como todos los europeos, Raffaella quería conquistar América. Y aunque su llegada se hizo esperar hasta 1979, ya en 1976 el éxito con sus discos y sus programas enlatados era un hecho. Pero lejos de los actuales medios de alcance global (los satélites e Internet), hacia finales de los años 70 alcanzar el éxito internacional casi obligaba la presencia física. Y así fue cuando en 1979 Raffaella llegó por primera vez a América. Argentina, Chile, Uruguay, Perú, Bolivia, Venezuela, México, Ecuador, y casi cada rincón de habla hispana en el continente sucumbieron al encanto de la estrella italiana. En ese tiempo asistió al programa Sábados gigantes, los estadios y teatros se colmaban de gente, y la histeria de los fans era tal que la Carrà debía ir con varios guardaespaldas a cualquier lugar que fuera. Y así, entre especiales para la televisión, conciertos, presentaciones siguió recorriendo cada país, inclusive filmando una película en 1979.

El ritmo alegre y desinhibido de sus temas marcó una época para la música disco de principios de los ochenta en el mundo de habla hispana e italiana. Entre sus temas más famosos destacan Fiesta, En el amor todo es empezar, ¡Qué dolor!, Rumore y Caliente, caliente. También tuvo un gran éxito con el tema Tuca Tuca, escrito por su compañero sentimental y colaborador de muchos años, Gianni Boncompagni. Estableció también una larga relación con Sergio Japino.

El éxito de la cantante italiana en los países de latinoamérica era tan fabuloso, y su persona merecedora de una atención tan especial del público, que comienza a trabajar en un ambicioso proyecto que la llevaría también a la pantalla grande y en castellano. La película Bárbara se estrenó el 12 de julio de 1980 en Argentina, tras dos meses de rodaje en la capital porteña. Coloridos cuadros musicales con gran despliegue de escenografía y vestuario eran el marco perfecto para la historia de amor de una joven cantante italiana y el príncipe de un país ficticio, interpretado por Jorge Martínez. El elenco se completaba entre otros por Irma Córdoba, Manuel Tenuta y la comiquísima Edda Díaz.

También llegaría en 1980 la idea de una co-producción entre varias cadenas de TV filmada en cinco capitales del mundo. Así cada compañía produciría un especial y sería co-propietario de los otros cuatro. Ciudad de México, Moscú, Roma, Buenos Aires y Londres fueron las cinco ciudades elegidas y sus calles y lugares más significativos fueron mostrados entre cuadro y cuadro, articulado con las actuaciones de invitados de cada lugar que le daba un sentido más autóctono a cada especial.

Después, Raffaella (que había dejado la CBS como sello discográfico) empieza a bajar el ritmo que llevaba, haciendo durante 1981 y 1982 sus últimos espectáculos en América Latina visitando Chile, donde participó en el Festival de Viña del Mar llevándose todos los premios y el título de La reina del festival de ese año.

Durante 1983 y 1984 la Carrà retoma su carrera en Italia con discos y nuevos programas de televisión. Los ejecutivos de la RAI, con la inventiva del gurú mediático Gianni Bomcompagni (ex pareja de Raffaella), encomiendan a ella lo que será una revolución en la televisión a nivel global.

Durante la década de los años 1980 la Carrà siguió presentando varios programas en la RAI y Canale 5. Especialmente popular fue Pronto, Raffaella (1983-1985) en la televisión pública italiana, que tuvo su versión en España (¡Hola Raffaella!) en los años noventa.

En Noche de Gigantes, un Late Show de Canal 13 en el año 1985, conducido por Don Francisco, Raffaela Carrà, Cantó en dicho Programa, Pedro, Pedro, Pedro..., Indicando la Tentación al Sacerdote Católico chileno Raúl Hasbún, que se santigua para evitar la Tentación. Ese Momento, También fue Revivido del archivo del canal, Para el Programa Chileno TV o no TV.
A principios de los años 90 Raffaella se traslada a España, y entre 1992 y 1994 recupera la fama de la que había disfrutado quince años antes, presentando en TVE ¡Hola Raffaella!, una emisión semanal a la que luego se agregaría A las 8 con Raffaella (1993) como un magazine diario.

Posteriormente es fichada por Telecinco para conducir En casa con Raffaella (1995), una vez que finalizó su contrato con TVE. La popularidad obtenida la convierte en acreedora del Premio TP de Oro de 1993 a la Mejor Presentadora. En 1997 TVE la «rescata» para que conduzca las campanadas de fin de año junto a Ramón García, tras la baja de última hora de Ana Obregón. Luego volvió a Italia para presentar Carramba, che sorpresa (1998-2003).

A partir de 2000, Raffaella Carrà continúa haciendo apariciones en la televisión de países latinoamericanos, además de presentar diversos programas de televisión en su país natal y en España.

A finales de 2004, Raffaella es la encargada de presentar el telemaratón "Contigo" para la TVE, que tenía como objetivo apadrinar a un gran número de niños del Tercer Mundo.

Volvió a aparecer de nuevo en España en diciembre de 2006 en la gala de celebración de los 50 años de TVE, grabada el 25 de noviembre y emitida el 7 de diciembre.

La artista italiana fue la encargada de presentar la gala Salvemos Eurovisión que ofreció Televisión Española el 8 de marzo de 2008, y que sirvió para que los espectadores eligiesen cantante para Eurovisión 2008. Además, presentó otras dos galas especiales sobre este festival.

Actualmente se encuentra en Italia conduciendo la cuarta edición de su exitoso programa Carràmba Che Fortuna el cual estará en emisión hasta principios del 2009.
Fuente Wikipedia

Iva Zanicchi

Iva ZanicchiIva Zanicchi


Iva ZanicchiIva Zanicchi


Iva Zanicchi (Ligonchio, 18 de enero de 1940) es una cantante y presentadora de TV italiana.

Salvo algunas y esporádicas apariciones televisivas, como Campanile sera con Mike Bongiorno, las lecciones de canto y un tour por la región romana, inicia su carrera propiamente en 1961 veinciendo en un festival para principiantes patrocinado por la Gazzetta di Reggio Emilia.

En 1962, a través de Gianni Ravera, se inscribe en el Festival Nacional para nuevas voces de Castrocaro, arribando a la final: dada para favorita, durante la noche final una laringitis no le permite cantar a máxima potencia su portentosa interpretatión.

Su voz "negra" conquista las discográficas de la nueva firma Ri-Fi, firmando un contrato.

Su primer disco se distribuye en mayo de 1963, y contiene las canciones Zero in amore y Come un tramonto escritas para ella, y dirigida por el maestro Gorni Kramer.

En junio de ese mismo año graba otro LP de 45 rpm compuesto de los temas Tu dirai y 6 ore.

En ese tiempo, el discográfico Tonino Ansoldi, hijo del dueño Ansoldi, e alma de la casa discográfica RI-Fi, se casa con élla. Así pasó de ser una de las artistas de punta de una importante casa discográfica, y ahora con vínculo de parentela.

Ese año participa en el Festival de la Canción Italiana en Suiza con el tema Quando verrai y en el concurso "Ribalta per Sanremo", antesala de Sanremo Giovani.

En 1964 tiene un enorme suceso Come ti vorrei, versión italiana de Cry to me de Salomon Burke. La promoción de este tema vino inicialmente del "Burlamacco d'Oro de Viareggio" y sucesivamente en varios programas televisivos. Y su "45 rpm" alcanza el primer puesto en la clasificación de los discos más vendidos. La cantante manifiesta su predilección por el estilo Rhythm & blues y por la música negra en general.

En 1965 después de un enorme suceso recibido por sus LP, la invitan al Festival de San Remo dove presenta el tema I tuoi anni più belli compuesta por Mogol con música de Enrico Polito. No obstante su calidez, no accede a la final, Iva se crea su propio mercado en especial con los jóvenes.

En ese año es finalista al "Disco del verano", donde presenta la canción Accarezzami amore. Su casa discográfica saca su primer álbum Iva Zanicchi conteniendo sus éxitos en 45 rpm, y el tema Ma l'amore no, sabiamente arreglado por Augusto Martelli, que la cantante propone al programa La prova del nove presentado por Corrado Mantoni.

En 1966 participa en la segunda vuelta del Festival de San Remo con La notte dell'addio compuesta por Alberto Testa, que accede al "Disco del verano" con Fra noi, llegando casi a la final. En ese año es invitada al Festival de Nápoles, cantando Ma pecché' y Tu saje 'a verità, y en la Scala Reale, con trasmisión financiada por la "Lotteria Italia", presentando Fra noi, que la hace llegar a la finalísima, donde ejecuta su nuevo single Monete d'oro.

En 1967 se alza con la victoria en el Festival de San Remo donde interpreta Non pensare a me con Claudio Villa. Vuelve al "Disco del verano" al presentar la canción Quel momento. Sale al mercado su segundo álbum titulado Fra noi conteniendo Le montagne conocida como Ci amiamo troppo cover de River Deep, Mountain High de Ike y Tina Turner.

Descubierta como una habitué de las manifestaciones cantoras, el año sucesivo participa en San Remo presentando Per vivere, escrito por Umberto Bindi con un insólito crescendo que le permite desarrollar todo su carisma interpretativo. En el "Disco del verano" presenta sin mucha fortuna la canción Amor amor; y en "Canzonissima" canta Senza Catene, cover de Unchained melody de Righteous Brothers. Otro tema de éxito es La felicità. Sale su LP Unchained Melody

En 1969 obtiene su segunda victoria en San Remo donde canta Zingara en copia con Bobby Solo con un suceso increíble en ventas. Este tema se convierte en favorito y queda indiscutiblemente sellada sus virtuosa interpretación. Posiblemente sea su canción más famosa. Esta victoria le permite representar a Italia en el Festival de Eurovisión en Madrid con Due grosse lacrime bianche. En "Canzonissima" presenta Vivrò, cover de My prayer de Platters.

En 1970 conquista un meritorio tercer puesto en el Festival de San Remo presentando L'arca di Noè, escrita por Sergio Endrigo, uno de los primeros temas "herméticos" de la historia musical italiana.

En "Canzonissima" canta Un uomo senza tempo, el tema convocante de su nuevo álbum Iva senza tempo. En la fase sucesiva presenta Un fiume amaro, de su nuevo álbum Caro Theodorakis... Iva , un disco con doce canciones escritas por el cantautor griego Mikis Theodorakis: fue la primera cantante italiana de cantar del autor de Danza di Zorba, siguieron, Milva y Ornella Vanoni. La canción tiene un notable suceso pero el álbum, escrito en un periodo de dolor de la artista, signó de manera negativa la carrera de Iva, que estaba siendo señalada por algunos críticos musicales como cantante triste.

Se presenta en la finalísima con Una storia di mezzanotte ecrita por Nicola Di Bari clasificando sexta. En noviembre de ese año debuta como conductora radiofónica en el programa "Il gioco dei tre", donde, además de cantar, recitaba breves escenas con Antonio Guidi.

Realiza un video con Giuseppe Ungaretti para promover Un uomo senza tempo.

En ese año entra al mercado otro álbum Iva senza tempo

En enero de 1971 desarrolla un rol de actriz para la trasmisión Gli amici del bar, con la dirección de Maurizio Corgnati, el ex marido de Milva. A comienzos de abril de ese año publica el álbum Caro Aznavour donde interpreta con bravura algunos temas del chansonnier francés Charles Aznavour con Ed io tra di voi.

Fue un suceso notable marcando su madurez interpretativa y su ascendente fibra artística, como las propuestas en el álbum Shalom un LP con cantos hebraicos, y con Sciogli i cavalli al vento.

En el "Disco del verano" obtiene amplio consenso con uno de sus temas más famosos La riva bianca la riva nera, un himno pacifista, clasificado tercero en la manifestación estiva. Ese mismo tema fue segundo del Festivalbar.

En 1972 en la finalísima de "Canzonissima" 1971 presenta Coraggio e paura conquistando la tercera posición, mientras en la edición de Un disco per l'estate proponiendo Nonostante lei arriba a la final.

En la trasmisión televisiva Sai che ti dico? con Sandra Mondaini y Raimondo Vianello, Iva dedica una fantasía musical a un autor o a un intérprete, naciendo la idea del álbum Fantasia

En diciembre de ese año publica su nuevo álbum Dall'amore in poi con Amazing grace traducido por Paolo Limiti resultó La mia sera, y Mi ha stregato il viso tuo, presentada en la finalísima dr Canzonissima (3ª posición).

En febrero de 1973 recibe una extraordinaria ovación en el Madison Square Garden de Nueva York (única cantante italiana en haber tenido un concierto) con su tour por EE. UU. y Canadá. En este año su casa discográfica publica tres álbumes:

Le giornate dell'amore con la canción homónima y con I colori di diciembre, que fuera "banda sonora" del filme A Venezia... un diciembre rojo-shocking escrita para ella por Pino Donaggio
Eccezionale Iva, resumen de canciones ya editadas. Es invitada al teatro Olympia de París, dando varios conciertos, y a fines de ese año, canta Amare, non amare. En ese mismo año se reúne con Franco Simone, Fred Bongusto y con Corrado Castellari para publicar un álbum natalicio con el título Dolce notte santa notte.
En 1974, obtiene su tercera victoria en el Festival de San Remo con Ciao Cara come stai escrita por Cristiano Malgioglio. Con Testarda io (del álbum Io ti propongo) escrito por Roberto Carlos se la confirma como estrella del firmamento canoro italiano, y se puso en el primer puesto de clasificación de venta de álbum por varias semanas, saca su primer álbum en castellano, para el mercado latino con el título ¿Chao Iva cómo estas?.

En 1975 sale su álbum Io sarò la tua idea con algunos temas del hermano Castellari, e inspirados de imágenes libres transcriptas de Federico García Lorca.

En los años sucesivos aunque Iva siente la crisis discográfica, sigue interpretando y obteniendo espacio para ser cantautor.

En 1976 decide renovar su género y llama a autores como Umberto Balsamo y Cristiano Malgioglio para escribirle, para su próximo álbum Confessioni que traía temas como I discorsi tuoi, Confessioni, Che uomo sei. Al final del año publica un álbum de canciones clásicas Cara Napoli que cantó a so modo, y con la colaboración dr Tullio De Piscopo. Sale su tema para niños Mamma tutto de buen suceso discográfico.

En el Festival de San Remo 1977 es invitada como huésped de honor donde canta Arrivederci Padre.

En 1978 decide mostrar a su público la versión sexy con el álbum Playboy, un producto bien confeccionado por Cristiano Malgioglio, autor de gran parte de las canciones contenidas, Pronto 113, Agrodolce, Tu… Playboy, Quanto dura poco l'estate, escritas para ella por Donatella Rettore. Aunque Giuni Russo escribe uno de sus temas, en formato 45 rpm, publicado Mal d'amore

Participa en el Festivalbar con la canción Con la voglia di te promoviendo su álbum homónimo. La muerte de un ser querido, y la crisis de la casa Ri-Fi marcó un periodo difícil de su carrera discográfica.

En 1979 firma un contracto con una nueva casa discográfica, la Traccia, publicando su 45 rpm A parte il fatto/Capirai.

En 1980 publica el álbum D'Iva con una versión en castellano versión castellana para el mercado latino.

En 1981 saca por una casa discográfica española un nuevo LP, Ardente, con sonoridad dance, con gran popularidad en España y en América del Sur.

Siempre en el 1981 incide en su tercer álbum en castellano para el mercado latino Nostalgias.

En 1982 sale otro álbum en castellano para el mercado latino Yo, por amarte

En 1984 vuelve al mercado discográfico italiano presentándose en el Festival de San Remo con Chi mi darà escrita de su autoría "Malgioglio e Balsamo", dándole un discreto suceso. En esa ocasión mostró por primera vez su nariz, retocada con cirugía estética.

En Saint-Vincent propone Quando arriverà que daba el título al homónimo álbum.

En el transcurso del año participa en un programa Mediaset conducido por Johnny Dorelli y Ornella Muti, "Premiatissima", una gala cantora donde presenta algunos temas del pasado como una versión de Va pensiero que trata del Nabucco de Verdi, La notte, célebre canción de Adamo y la versión italiana de Strangers in the Night de Frank Sinatra que en italiano quedó Sola più che mai, que Iva puso en el álbum Iva 85.

Durante esa trasmisión se nota en la redacción del programa, la buena intervención de Iva, y le viene una oferta de conducir un quiz por la mañana en "Canale 5" con el título Facciamo un affare, conduciéndolo durante la temporada televisiva 1985/1986. La sigla de Facciamo un affare era Da domani senza te y era cantada por Iva.

En 1987 se afirma conduciendo OK il prezzo è giusto con Gigi Sabani. El programa logra un grandísimo suceso de público e Iva lo conduce por buenos trece años, en catorce ediciones (una por añ, más una del verano de 1989). Fue en este periodo que su carrera televisiva empaña su precedente carrera discográfica.

En 1987 saca el LP Care colleghe, homenaje a sus colegas más famosos;

En 1988 saca Nefertari (álbum 1988), con algunas canciones de jóvenes autores. El álbum entró en la clasificación de "Tv, Sorrisi e Canzoni" y, en el curso del año, Iva participa en el programa "Super classifica show", donde presenta su video Kajàl.

En 1989 conduce la primera noche en Canale5 con el especial Gran festa italiana

Iva participa en varias trasmisiones musicales:
en 1989 Una rotonda sul mare con Come ti vorrei y C'era una volta il festival con Zíngara con la cual se adjudica el cuarto puesto.
En 1990 conduce en primera noche del Canale 5 Holiday on ice.

Durante el verano de ese año participa en la segunda edición de Una rotonda sul mare, cantando Testrada io y Vivrò.

En 1991 está en "Five Record" con el álbum Come mi vorrei, interpretando con la tradición "soul y rhythm" en blues. Disco de gestación larguísima, con una versión de Pugni chiusi: el cover italiana de Woman in Love de Barbra Streisand qu pasó a Forte più forte.

Durante el verano conduce de lunes a sábado Estate 5.

En enero de 1992 Iva conduce Sabato Ok.

En 1993 conduce Sei meno meno un programa con protagonistas pequeños niños.

En 1995 conduce La grande avventura trasmisión de festejos de 15 años de Canale 5, y de Una sera ci incontrammo

Participa en Viva Napoli, venciendo con Tu ca nun chiagne

En los 1990s se consolida su suceso televisivo, con Ok il prezzo è giusto.

Entre 1996-97 conduce en Rete 4 Iva Show dedicado a historias de gente común e inspirado en la popular trasmisión televisiva americana de Oprah Winfrey. La primera edición salía sábados a las 18.00, la 2ª edición (setiembre 1997 a febrero de 1998) al anochecer.

Se dedica a la política en 1999, candidateándose con Forza Italia, pero no es electa.

Después de haber abandonado Ok il prezzo è giusto, en 2000 Carlo Conti la llama para darle la conducción de Domenica In. El pase a Radiotelevisione Italiana RAI pero no la gratificó y, torna a Rete 4, conduciendo el programa Sembra ieri, por Testarda io y sucesivamente Ed io tra di voi: se trataba de un talk-show con personajes sobre todo del pasado musical, que coincidía en parte con la onda del suceso del análogo programa de Paolo Limiti.

En 2001 publica el single Ho bisogno di te, y un libro, Polenta di castagne, recordando en clave irónica la historia de su familia.

En 2003 Iva torna al Festival de San Remo con Fossi un tango, y publica un nuevo álbum dedicado al tango, con su intención de reproponerla como intérprete, pero no obtiene el suceso esperado: además clasifica en el festival con el último puesto. El CD Fossi un tango con algunos tangos famosos como Caminito y Bésame Mucho, arreglados de manera moderna por Mario Lavezzi, y algunos temas inéditos escritos por Luis Bacalov, Aldo Donati, Loriana Lana, Avion Travel, y un espiritual dueto con Teo Teocoli.

En 2004 Iva realiza con otros artistas una tournée en Sudamérica en colaboración con Radio Italia.

En 2005 conduce en Canale 5 un simpático programa de cocina "Il piattoforte", que iba desde el 8 de enero los sábados y domingos. En marzo es opinóloga del Festival de San Remo conducido por Paolo Bonolis

El 11 de marzo, Iva está en el reality show "Music Farm", conducido por Simona Ventura.

El 9 de julio parte con "Fra di noi": extraordinaria tournée para cantar por toda Italia, después de 15 años.

El 6 de setiembre sale "I prati di Sara", su segundo libro que cuenta la historia de Ilde y de Emma.

El 4 de diciembre va por TV, la ficción "Caterina e le sue figlie" donde Iva interpreta con bravura a la empleada postal Liliana.

En 2006 retorna al Festival de San Remo, pero no como cantante, sino comentarista para "Verissimo".

El 2 de julio presenta a Paolo Manila la 5° edición del "Milano Gospel Festival", que va por "Telepace".

El 21 de julio Iva Zanicchi está en tournée con Shel Shapiro.

En setiembre comienza a girar con Virna Lisi en la ficción "Caterina e le sue figlie 2", donde interpreta nuevamente a Liliana.

El 29 de octubre Iva entra oficialmente en el cast de "Buona domenica" conducida por Paola Perego, donde cada domingo se comenta algunos momentos musicales.

En 2007 se la ve muy copada en "Buona domenica", y allí el 13 de mayo, Iva presenta en anteprima absoluta "Amaro amarti" su nueva canción escrita para ella por Tiziano Ferro que irá en su nuevo álbum.

Además está preparando "Amaro amarti tour 2007", para partir el 4 de julio por toda Italia. Fuente Wikipedia

lunes, 8 de marzo de 2010

Sebastián Piana

Sebastian Piana, Ciriaco Ortiz, Maffia y MarcucciSebastian Piana, Ciriaco Ortiz, Maffia y Marcucci

Partitura de Misa ReaPartitura de Misa Rea


PIANA, Sebastián. Músico. Pianista. Compositor. Arreglador. Director. Maestro de música. Entre los artistas de más extensa trayectoria que haya tenido nuestra música popular, se ha distinguido por la jerarquía y la sostenida inventiva de su obra de compositor de formidable clásicos: bastará la mención de Sobre el pucho, El pescante, Arco iris, Tinta Roja y Milonga Triste, para ubicar inmediatamente su talento, su corazón de hombre de Buenos Aires y el nobilísimo cuño de su inspiración. Figura del Boedo renovador y superador de la estética popular en torno de 1930 compartió con José González Castillo, Pedro Maffia, Hornero Manzi y Cátulo Castillo un movimiento que obligó a todos los autores a la decantación y al refinamiento. Con Manzi, particularmente logró él lo que hasta entonces parecía imposible encontrarle un rumbo diferente a un viejo género: la milonga. Su producción en conjunto, lo pone a la altura de los mayores creadores de nuestra música.
Hijo de un inmigrante piamontés llegado a la Argentina en 1890 a los ocho años de edad. Nació en el barrio de Almagro en la calle Bogado, el 15 de marzo de 1903. Vivió su infancia en Villa Crespo. Su padre también llamado Sebastián, era peluquero y a la vez músico. Amigo de Adolfo Pugliese—-padre de Osvaldo— y de Pedro Maffia, su padre tocaba piano, guitarra y mandolín e integraba los primitivos grupos de tango en los cafés de La Paloma y Tontolín, a los que lo llevó desde muy chico. Comenzó estudiando el violín con su tío Pedro Bertolero—muy buen compositor pero mediocre docente —en 1910. Como no sentía dicho instrumento abandonó durante dos años la música; hasta que se volcó hacia el piano bajo la tutela de Antonio D'Agostino. Se recibió de profesor superior de piano en 1920 cursando estudios de perfeccionamiento con el maestro Ernesto Drangosch hasta la desaparición de éste. Desde 1917 sin embargo, actuó en plena adolescencia como pianista de cines mudos, en varietés y en diversas formaciones orquestales en las que ejecutaba fantasías, óperas, dado que su padre pretendía hacer de él un músico completo.
Compuso a los 17 años de edad sus primeros tangos estimulado por las renovadoras concepciones de Agustín Bardi y de Juan Carlos Cobián: Sabor popular, La tapera y El hombre orquesta. El primero y el último de estos títulos le fueron sugeridos por José González Castillo amigo de su padre, que tendría un importante papel en su vida: por intercesión suya comenzó a trabajar como pianista en el cine Park de la cadena de Glucksmann, sala en la que actuó varios años. Con don José compuso Sobre el pucho en 1922, tango que fue presentado al concurso de obras con letra organizado por los cigarrillos Tango y entre 136 postulantes obtuvo el segundo lugar, tras El ramito, de Filiberto. Fue éste inmediatamente grabado por Gardel, su primer gran éxito personal.
Dio a conocer luego con letra de Ribeiro, Cachito de cielo; y en 1923 colaborando nuevamente con González Castillo y con el hijo de éste, Cátulo Castillo en la música, ofreció Silbando estrenado por Azucena Maizani en la revista Poker de Ases, en el viejo Teatro San Martín. Águila Real (dedicado al aviador Claudio Mejía) fue su siguiente obra uniéndose poco después a Pedro Maffia—que sería su cuñado— en la dirección de una academia de música en la calle Salguero donde comenzó su carrera de docente
Precisamente con Maffia compuso Arco Iris, tango consagrado segundo en los concursos
de Glucksmann y grabado por Francisco Canaro. Escribió luego en 1929, Milonga clásica —tango para orquesta— y con Cátulo Castillo la música para El ciego del violín, versos de Hornero Manzi que estrenó Roberto Fugazot en Patadas y Serenatas en el Barrio de las Latas, y que se titularía definitivamente Viejo ciego. Dentro de su colaboración con Manzi llegó en 1931 otro éxito fundamental: Milonga sentimental, a la que siguieron Milonga del 900, Milonga Triste, Juan Manuel, Milonga de los Fortines, Pena Mulata, Milonga de Puente Alsina, Canción por la Niña Muerta, y los tangos El pescante y De barro. Integró la orquesta de Pedro Maffia esporádicamente cuando la misma tenía dos pianos (el otro era Vicente Demarco) dirigió el acompañamiento de Mercedes Simone hasta formar su orquesta típica Candombe, con la que grabó para RCA Victor. Vinculado a la cinematografía argentina hizo la música para las películas Vidalita, Arrabalera, Derecho Viejo y He Nacido en Buenos Aires, así como para La Boina Blanca, pieza teatral de Goicoechea y Cordone, mientras volvió a resplandecer su repertorio tanguístico con otras páginas de antología: Tinta roja, Juan Tango y No aflojes, y el vals Caserón de Tejas. Profesor del Conservatorio Municipal Manuel de Falla y maestro de canto coral en la enseñanza primaria, dio a conocer también Misa de Gloria (coral a tres voces) y Escenas de Ballet. Además de las composiciones populares ya citadas, le pertenecen, en distintos momentos de su trayectoria, los tangos Recién pudo llorar, Trampa, Una aventura más, Lobo de mar, Campanas de dolor, Estuviste bien, Pirulo, Misa rea, Princesa arrabalera, El misterioso soy yo; Dale, dale, Billetes, y Son cosas del ayer. Fallecio el 17 de julio de 1994 .

Horacio Ferrer.

domingo, 7 de marzo de 2010

David Gilmour

David Gilmour con Amadou y Marian en la Union Chapel LondresDavid Gilmour con Amadou y Marian en la Union Chapel Londres

David GilmourDavid Gilmour


Sir David Gilmour CBE (Cambridge, 6 de marzo de 1946) es un músico inglés conocido por ser el vocalista, guitarrista y compositor principal junto a Roger Waters de la banda inglesa de rock progresivo Pink Floyd tras el abandono de Syd Barrett. Junto con su trabajo en esta banda, Gilmour ha colaborado en otras publicaciones como productor y ha estado envuelto activamente en ONGs a lo largo de su carrera. En el año 2003 fue condecorado con la Orden del Imperio Británico.

Sir David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, hijo de un zoólogo profesor en la Universidad de Cambridge y de una profesora y editora de cine. Acudió a la escuela Perse en Cambridge, situada al lado del instituto en el que cursaba sus estudios Syd Barrett, de quien se hizo amigo. David y Syd solían juntarse a tocar la guitarra, y David le enseñaba a tocar canciones de los Rolling Stones. En 1963 formó la banda Joker's Wild, con algo de popularidad localmente, que abandonó en 1966 para viajar por España y Francia con unos amigos. La mala situación en la que vivía, llegando incluso a ser tratado en un hospital por malnutrición y tomar empleos casuales como modelo, hizo que regresase a Inglaterra en 1967.

Gilmour entró en Pink Floyd en enero de 1968, convirtiendo a la banda en un quinteto durante un corto periodo de tiempo. En esos momentos, su trabajo consistía en sustituir a Syd Barrett cuando éste no podía continuar con los conciertos. Cuando Barrett dejó el grupo, Gilmour se convirtió en el guitarrista y en uno de los vocalistas (junto con Roger Waters y Richard Wright) del grupo. Después de la publicación de The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here, Waters se hizo con el control de la banda, componiendo la mayoría de las canciones de Animals y The Wall. Wright fue despedido durante la grabación de The Wall, y las relaciones entre Waters y Gilmour se deterioraron durante las sesiones de The Final Cut y el rodaje de la película The Wall.

En 1985, Roger Waters anuncia a traves de un comunicado, que abandonaba la banda, y manifestaba que Pink Floyd dejo de ser una fuerza creativa viable, y de esta manera asumiendo que la banda (sin él) habia llegado a su fin. No obstante Gilmour y Nick Mason publicaron un comunicado en el cual anunciaban la salida oficial de Waters y que los dos músicos pensaban continuar sin él. A partir de este anuncio, comenzó una gran batalla legal en torno al uso del nombre de la banda. Gilmour y Mason pensaron en sumar a Wright al regreso de Pink Floyd, lo cual ayudaría en la puja por el uso del nombre. La condición sería que Wright contribuiría en los shows en vivo tocando teclados, pero recibiría la paga de un músico de sesión y su nombre aparecería en los créditos del disco de retorno (A Momentary Lapse of Reason). De esta forma, el trío logra ganar la batalla legal y quedarse con el uso exclusivo del nombre, pero Waters recibiría un canon fijo por show de Pink Floyd en los cuales se hiciera alusión a ideas de Waters, como los cerdos inflables, el helicóptero, el avión incendiado, etc.

Gilmour, de este modo, asumió el control casi total de la banda, y compuso A Momentary Lapse of Reason con algunas contribuciones de Mason y escasas de Wright. De hecho, en los primeros shows de presentación del disco, ni Mason ni Wright tocaron, ya que no se encontraban en condiciones de tocar en vivo por el largo tiempo sin tocar que llevaban. Respecto de esto, Gilmour dijo que la gira de A momentary lapse realmente trajo a sus amigos "de vuelta a la vida" (nótese lo similar de la expresión al tema "Coming back to life" del posterior disco Division Bell).

"Tenía numerosos problemas con la dirección de la banda en el pasado reciente, antes de que Roger se fuese. Yo pensaba que las canciones tenían muchas palabras, porque su significado específico era muy importante, y la música se convertía en un mero vehículo para las letras, no inspiraba. Dark Side of the Moon y Wish You Were Here fueron muy exitosos no sólo por las contribuciones de Roger, sino también porque había un mejor equilibrio entre la música y las letras como lo hay en los álbumes más recientes. Eso es lo que estoy intentando hacer con A Momentary Lapse of Reason, más enfoque en las letras, restaurando el equilibrio".

En 1994, y luego de una de las giras más exitosas comercialmente en la historia de la música, el trío de vuelve a reunir en los estudios para componer y publicar The Division Bell, en el cual tanto Mason como Wright y obviamente el mismo David, tocarían todas sus partes, y Wright colaboraría con el aporte de un tema. La respectiva gira fue capturada en CD y DVD bajo el nombre PULSE,en la cual repasarían gran parte del repertorio de Floyd.

En 1986, Gilmour adquirió la casa flotante Astoria, en el río Támesis y la transformó en un estudio de grabación. La mayor parte de los últimos álbumes de Pink Floyd, así como el disco en solitario de Gilmour, On An Island, fueron grabados allí.

El 2 de julio de 2005, Gilmour tocó con Pink Floyd (incluyendo a Waters) en el Live 8. La actuación incrementó temporalmente en un 1.343% las ventas del disco Echoes: The Best of Pink Floyd. Como resultado, Gilmour donó todos sus beneficios del concierto a organizaciones de caridad y ONG's.

El 3 de febrero de 2006, en una entrevista al diario italiano La Repubblica, anunció que era muy improbable que Pink Floyd se reuniesen para hacer giras y escribir material nuevo. "Creo que lo suficiente es lo suficiente. Tengo 60 años. No tengo la oportunidad de trabajar mucho más. Pink Floyd fue una parte importante de mi vida, me lo pasé maravillosamente, pero se acabó. Para mí es mucho menos complicado trabajar solo".

En diciembre de 2006, Gilmour publicó un tributo a Syd Barrett, que había muerto en julio de aquel año, que consistía en su propia versión del primer single de Pink Floyd, "Arnold Layne". Fue grabado en directo en el Royal Albert Hall de Londres, y contiene además las versiones de algunas de las canciones de Pink Floyd interpretadas por el teclista de la banda, Richard Wright, y por el invitado especial David Bowie. El single entró en el puesto 19 de la lista UK Top 75, y se mantuvo ahí durante tres semanas.

Otros proyectos
Entre sus compromisos con Pink Floyd, David Gilmour ha trabajado también como guitarrista de sesión para importantes músicos de los 80', como productor discográfico o ingeniero de sonido para Syd Barrett, Kate Bush, Grace Jones, Tom Jones, Elton John, B.B. King, Paul McCartney, Sam Brown, Jools Holland, Bob Dylan, Pete Townshend, The Who, Supertramp, Levon Helm, Robbie Robertson, Alan Parsons y varios grupos de caridad, entre otros.

También grabó tres álbumes en solitario, de los cuales David Gilmour (1978) y About Face (1984) llegaron al top 40 en los EE.UU. y consiguieron el disco de oro. Más recientemente, Gilmour publicó su tercer álbum, On An Island (6 de marzo de 2006, el día de su 60º cumpleaños), que debutó en el primer puesto en el Reino Unido,[5] en el quinto en Suecia y Alemania y en el sexto en EE.UU., además de conseguir el disco de platino en Canadá. En este álbum aparecen colaboraciones de artistas como Robert Wyatt, David Crosby, Graham Nash, Phil Manzanera o Richard Wright, entre otros.

Gilmour realizó una gira por Europa, EE.UU. y Canadá para promocionar este disco, que se extendió desde el 10 de marzo hasta el 31 de mayo de 2006, y también entre julio y agosto de ese mismo año. En esta gira se grabó un DVD doble titulado Remember That Night - Live At The Royal Albert Hall, que fue publicado el 17 de septiembre de 2007, que además contiene un documental sobre la gira y apariciones de David Bowie y Robert Wyatt. Gilmour publicó otra actuación en vivo, que tuvo lugar el 26 de agosto de 2006 en Gdansk, Polonia ante más de 100.000 personas. Este trabajo, llamado"live in Gdansk" incluye en sendas ediciones cds del concierto en directo y un dvd con la grabación del mismo.

Aunque Gilmour es básicamente conocido por su trabajo como guitarrista, también es un competente multi-instrumentalista, puesto que toca el bajo, los teclados, la batería, la armónica y el saxofón.

Su estilo de ejecución de la guitarra se puede resumir en dos grandes características: por un lado, lo simple de sus ejecuciones, y por el otro, lo complejo de su equipamiento.

En cuanto a la ejecución en si, Gilmour se caracteriza por lograr muy emotivos solos a partir de escalas simples. En sus solos puede apreciarse el uso casi exclusivo de las escalas pentatónicas con las "Blue's note", en combinación con escalas mayores (ver como ejemplo, "Coming back to life", "Another brick in the wall part II", "Sorrow", etc.). Gilmour también gusta de improvisar sus solos muy a menudo, apartándose de las grabaciones. Gilmour tiene fraseos muy característicos, que además de su singular sonido, lo apartan del resto de los guitarristas. También se caracteriza por la no rapidez de sus solos y por el uso exhaustivo de Bends. Gilmour utiliza mucho el recurso del "Tremolo arm" de su guitarra, lo cual permite darle más vida y color a sus impresionantes "string bendings".

Respecto de su equipamiento, Gilmour utiliza una gran cantidad de efectos de sonido, el cual puede resumirse en una perfecta mezcla de la tecnología clásica con la moderna. Siguiendo los discos de Pink Floyd, la técnica como el set de efectos de Gilmour se va mejorando y en cierta medida, expandiendo. A modo de resumen, puede caracterizarse los distintos set de efectos de Gilmour en 4 grandes períodos:

1) Hasta Dark Side, Gilmour utilizaba un set bastante sencillo, que constaba de un wah-wah Vox, un booster Colorsound, un Dallas Arbiter Fuzz-face y un delay a cinta Binson Echorec, todo ello a través de sus típicos amplificadores Hiwatt DR103 con cabinetes WEM 4X12, de los cuales ya no se despojaría. Aquí incursiona con el famoso pedal "Uni-vibe", típico de la canción "Breathe".

2) Ya en Wish you were here su sonido comienza a complejizarse, con el añadido de los pedales "phasers" de MXR. En el disco Animals este sonido es llevado al extremo con el pedal phase100 de MXR. Aquí hace incursión su gran pedal, de cual utiliza hasta estos días, el Big Muff de Electro-Harmonix.

3) En la gira de Animals terminaría de complejizarse su sonido de fines de los setenta, con el añadido del mencionado Big Muff en reemplazo del Fuzz-face y el también célebre Electric-Mistress de Electro-Harmonix. Gilmour explota al máximo el uso de los compresores como el Dynacomp de MXR. Tampoco se despoja del Booster Colorsound, el cual utilizaría como overdrive también. Este fue el sonido típico de The wall, de The Final Cut y del primer y segundo disco solista de Gilmour.

4) Tras un período de experimentación y renovación, la cual puede apreciarse en el disco A momentary lapse of reason, Gilmour comienza a reeemplazar sus viejos pedales por los modernos pedales Boss, así deja el Colorsound para utilizar el Superoverdrive de Boss, los delays digitales, suma el compresor CS-3 de Boss, cambia los flangers por los Chorus, utiliza el HM-2 de Boss, dándole un uso similar al Big-Muff, el cual conservaría. El set de Gilmour comienza a tomar dimensiones gigantes y su sonido alcanza su máxima calidad en el disco Delicate sound of thunder y PULSE, en gran parte gracias a su ingeniero de sonido Phil Taylor.

Actualmente, Gilmour ha optado por volver a utilizar sus efectos clásicos y dejar de lado el equipamiento tan sofisticado que ha desarrollado hasta fines de los 90's.

Respecto de su gran afinidad por los efectos de pedal, Gilmour ha manifestado ser "un guitarrista limitado técnicamente, por lo cual los efectos ayudaron a darle a su sonido una mayor complejidad".

Al comienzo de su carrera con Pink Floyd, Gilmour tocó con multitud de guitarras de marca Fender, aunque uno de sus solos más populares ("Another Brick in the Wall Part 2") fue grabado con una Gibson Les Paul. Gilmour posee una gran colección de guitarras, la cual incluye una gran variedad de guitarras Grestch, Gibson acústicas, Taylor, Martin, y desde ya una buena cantidad de Stratocaster de Fender, entre ellas la célebre Stratocaster con el número de serie "#0001".

En 1996, Gilmour fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Pink Floyd. En agosto de 2006, su solo en "Comfortably Numb" fue votado por los espectadores de la estación de radio Planet Rock como el mejor de la historia.

David Gilmour tiene ocho hijos de dos matrimonios distintos. Sus cuatro primeros hijos los tuvo con su primera mujer, Virginia "Ginger" Hasenbein, (Alice, Clare, Sara y Matthew). Mientras que de su segundo matrimonio posee tres hijos de sangre y uno adoptado: Joe, Gabriel, Romany y Charlie, fruto de la relación de Polly Samson, su segunda mujer, con Heathcote Williams.

David ha trabajado también con varias ONGs, entre las que se encuentran Oxfam, Crisis, la Asociación Europea de Salud y Enfermedad Mental, Greenpeace o Amnistía Internacional.

Además de su talento para la música, Gilmour ha desarrollado también su pasión por la aviación, llegando a fundar su propia compania aérea, Intrepid Aviation, que acabó vendiendo Fuente Wikipedia