Rosanna Falasca

Rosanna Falasca en 1977

Rosanna Falasca

Nació un 27 de Abril de 1953 en la localidad de Humboldt (provincia de Santa Fé).

Hija de padre italiano, Ado Falasca, y madre argentina, Paula de Falasca . Rosanna era la tercera de cinco hermanos, María Cristina, Ado, Daniel, Roberto y Daniel.Tanto su padre como sus hermanos eran músicos. En una entrevista hecha a su padre, el describía a su hija como una chica particular, inteligente, emprendedora, viva y vital, era querida por todos. A pesar de su fama seguía siendo tan sencilla como cuando llegó de Santa Fé.A Chany como también la llamaban , se la conocía, como una chica muy dulce y compañera, de chica salía a tocar por las distintas ciudades junto a toda su familia.Comenzó a los diez años, cuando en una oportunidad su padre la escuchó cantar, se dió cuenta de el gran futuro que tendría como cantante.

Hector Varela

Héctor Várela

Y su Orquesta en el cabaret Chantecler, con Hugo Baralis (primer violín), César Zagnoli (piano) y Rodolfo Lezica y Armando Laborde (vocalistas).

Argentino Ledesma

Rodolfo Lesica

Hector Varela: Bandoneonista, director, arreglador y compositor(Biografia 1)
(29 de enero de 1914 - 30 de enero de 1987)
Nombre completo: Salustiano Paco Varela
Cuando tenía cinco años vivía en una casa de dos plantas en un barrio de casitas con parras y glicinas, donde el malvón reinaba en cientos de macetas. Los chicos del cincuenta nos íbamos a la cama temprano, después de comer. Yo tenía una radio en la mesita de luz y me dormía escuchando Radio El Mundo que transmitía "El Glostora Tango Club", con la participación de la orquesta de Alfredo De Angelis y Radio Belgrano donde actuaba la orquesta de Héctor Varela. La elección de la emisora corría por cuenta de la empleada de casa, que nos acostaba y se quedaba un ratito, escuchando con mi hermano Carlos y yo. Ella estaba hechizada con los cantores de Varela. Así aprendí las letras de los tangos que estaban de moda: "Fumando espero", "Fueron tres años", "Historia de un amor", "No me hablen de ella", etcétera.

Este recuerdo llegó inevitable, cuando me propuse escribir esta semblanza del bandoneonista y director Héctor Varela, porque fue mi primer encuentro con el tango, el comienzo de mi gran amor por esta música maravillosa.

Nos dice Luis Adolfo Sierra en su libro Historia de la orquesta típica: «Héctor Varela, primer bandoneón y arreglador de la orquesta de Juan D'Arienzo, por espacio de diez años, se identificó con las corrientes de neta extracción tradicional, luciendo su orquesta, como mayor atractivo, la exactitud de una difícil realización técnica, en medio de la presurosa marcación rítmica que le es propia». Y agrega Jorge Palacio "Faruk": «Y es, ni más ni menos, lo que buscó Varela durante toda su trayectoria tanguera: lograr que con su orquesta se pudiera bailar».

Héctor Várela en 1936.

Nació en Avellaneda, donde vivió toda su niñez y su juventud. Se recibió de contador pero nunca ejerció. Sus primeros estudios de bandoneón los realizó con maestros de su barrio, luego continuó en el conservatorio del maestro Eladio Blanco con quien tiempo después compartiría la fila de bandoneones de Juan D'Arienzo.

En 1929 integra la orquesta de Salvador Grupillo, con sólo 16 años. Después pasa a la orquesta que Alberto Gambino constituyó para actuar dentro del recordado programa radial "Chispazos de tradición". Luego integró el conjunto de acompañamiento de la cancionista Tita Merello en sus actuaciones personales y radiales.

Luego integró la orquesta de Juan D'Arienzo en las grabaciones para el sello Electra.

En 1935, es convocado por Enrique Santos Discépolo para ingresar a su formación que actuaba en Radio Municipal. Después, pasa a formar parte del conjunto que acompañaba a Libertad Lamarque en Radio Belgrano.

En 1939, arma su primer orquesta, se presenta en la radio, pero no llega a grabar. Tenía un estilo similar al de D'Arienzo, el preferido por los jóvenes bailarines, pero al poco tiempo es convocado por "El Rey del Compás" y la disuelve.

Es 1940 ya era un banoneonista consagrado, que compartía la formación con grandes músicos del tango: el violinista Cayetano Puglisi, el colega Carlos Lazzari y el pianista Fulvio Salamanca. Fue el primer bandoneón y arreglador de D'Arienzo durante los diez años que permaneció en su orquesta.

Héctor Várela (centro) cuando integraba como primer bandoneón la orquesta de Juan D'Arienzo,con ellos, Cayetano Puglisi y Fulvio Salamanca, en una escena de la película de Romero con Niní Marshall y Juan Carlos Thorry

Continúa diciendo "Faruk": «Fueron años plenos de éxitos por Radio El Mundo, en bailes de clubes, en inolvidables grabaciones, en el cabaret "Chantecler", con el Príncipe Cubano, en las temporadas veraniegas uruguayas, cuando el público oriental colmaba las instalaciones del Hotel Casino Carrasco (en Montevideo), para gozar con las interpretaciones del gran maestro.»

Durante ese lapso, Varela compuso varios temas: "Mirame en la cara", "Lilian", "Si supiera que la extraño", "Salí de perdedor", "Chichipía", "Don Alfonso", "Te espero en Rodríguez Peña", "Tres horas" y "Bien pulenta", entre otros. D'Arienzo le grabó, en total, veinte obras suyas.

Abandona la orquesta en 1950, en el momento de mayor éxito, para formar de nuevo su propia agrupación. Palacio nos comenta que: «El público y la crítica esperaban entonces, el nacimiento de una nueva agrupación con el viejo estilo D'Arienzo; pero Varela sorprendió a casi todos, al presentar un ajustado conjunto de ritmo y sonido absolutamente personal.»

Varela arrancó con un éxito furibundo. En la radio estaba en los horarios centrales y fue contratado en el cabaret "Chantecler". Su primera orquesta estaba integrada, entre otros, por el uruguayo César Zagnoli (piano), Antonio Marchese y Alberto San Miguel (bandoneones), Hugo Baralis y Mario Abramovich (violinistas). Las voces estaban a cargo de Armando Laborde y Rodolfo Lesica y el presentador era Jorge "Cacho" Fontana.

Sus primeras grabaciones fueron para el sello Pampa, en el año 1950, los tangos: "Tal para cual", con Armando Laborde, "El flete", "Un bailongo", con Laborde y Lesica, "El rápido", "Farolito viejo", con Laborde, y "La trilla.

Cuando Armando Laborde se desvincula de la orquesta, deja su lugar a Argentino Ledesma y se inicia la época de mayor venta de sus placas, con su dúo de cantores.

«Por esa época Héctor Varela y su orquesta fueron contratados para realizar actuaciones en Río de Janeiro y otras ciudades de Brasil. De allí trajo algunas composiciones que él volcó en ritmo de tango: "Mi corazón es un violín", "Historia de un amor", "Risque". Además estrenó un tango que bautizó con el nombre "Noches de Brasil", en homenaje a ese viaje.» (Jorge Palacio "Faruk")

También trabajó en el mítico Marabú, en los bailes de casi todos los clubes, y en el famoso programa radial "Glostora Tango Club". Fue éste, sin duda, su momento de triunfo y popularidad.

La declinación del tango, en la década del '60, lo encuentra actuando en la televisión en el programa "Grandes valores del tango" que conducía Juan Carlos Thorry primero y Silvio Soldán después.

Héctor Varela fue un músico discutido por los vanguardistas pero amado por los amantes del baile y el tango popular. Considero que su mejor etapa artística fue la de los primeros años del '50, luego, al igual que su maestro D'Arienzo, la orquesta entró en una variante comercial, producto del impresionante éxito de venta de sus discos.Fuente Ricardo García Blaya de Todotango

Héctor Várela con Argentino Ledesma y Rodolfo Lesica en 1955.

Biografia 2
Nombre completo: Salustiano Paco VarelaVÁRELA, Héctor. (Nombre de familia: Salustiano P. Várela). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Actuó en sus comienzos, hacia 1930, junto a Salvador Grupillo y a Alberto Gambino, colaborando luego en el acompañamiento de la can-cionista Tita Merello. Integró en 1934 la orquesta de Juan D'Arienzo pasando al año siguiente a formar, junto a Lalo Scalisse, Américo Caggiano, Aníbal Troilo y otros en la agrupación que Enrique Santos Discépolo dirigió por Radio Municipal. Poco después secundó a Libertad Lamarque; y en1939 por Radio Belgrano presentó su propia orquesta a la manera de D'Arienzo, entonces. Desde 1940 hasta 1950, integró como figura por segunda vez la agrupación de Juan D'Arienzo. Se independizó definitivamente luego, para grabar desde El flete y Tal para cual (1951) en discos Pampa y luego Music-Hall dentro de un estilo esquemático que dio sin embargo lugar alguna vez, a su lucimiento de ejecutante en trabajos como la variación del tango, Se mira y no se toca, originalmente concebida por Luis Moresco y el fraseo de Viejo rincón entre otros, a título de ejemplos representativos. En 1959 actuó en la comedia musical Yo te Canto Buenos Aires en el Teatro Cómico, y posteriormente en el Teatro Astros, en TV y locales nocturnos. Compuso también, la milonga Azúcar, Pimienta y Sal, su gran éxito de 1977. Compuso tangos cantables: Cantomanía (el primero, de 1933), No mientas, Oiga mozo, Lilián, Si supieras que la extraño, Tres horas, Te espero en Rodríguez Peña, Chichipía, Bandera baja, Y por qué te quiero tanto, Cruz Maídana, Bien pulenta, Qué tarde has venido, La misma mentira, Salí de perdedor y orquestales: Don Orlando y Don Alfonso. Fuente Horacio Ferrer.

Gerry Mulligan

Gerry Mulligan and Judy Holliday

Gerry Mulligan, (1927-1996), fue uno de los músicos blancos de jazz mas importantes y mas respetados de la ultima mitad del siglo XX. Instrumentista dotado de impecable técnica, compositor de talento y arreglista original e inteligente, el saxo barítono, Gerry Mulligan a lo largo de su prolífica y extraordinaria carrera, ha participado en importantes movimientos estilísticos del jazz, ha dirigido numerosos grupos y orquestas de todos los tamaños y configuraciones y grabado una impresionante cantidad de discos a su nombre, y también en calidad de invitado, ha tocado con las mas notables figuras del jazz. Considerado como uno de los cuatro grandes saxo-barítonos de la historia del jazz, Mulligan dominaba también el soprano, el tenor, el clarinete y era un pianista correcto.

Nacido en New York el 6 de abril de 1927, se crió en Philadelphia en el seno de una familia irlandesa, católica y de clase media. Buen estudiante en sus años de colegio, su inclinación por la música hace que sus padres le compren un saxofón. Tras estudiar música, colaboró con la orquesta de Elliot Lawrence, antes de dirigirse a su ciudad natal con dieciocho años donde enseguida se enroló en la bigband del baterista, Gene Krupa. En 1947, traba amistad con Charlie Parker y entra como saxo barítono y arreglista en la orquesta de Claude Thornhill, la banda donde se originó el movimiento cool. Allí conoce al otro arreglista de la banda, Gil Evans, con el que comparte ideas, conceptos y teoría. Juntos en 1949, intervienen en la gestación del del histórico Noneto que dirigido por el trompetista, Miles Davis, marca un hito en el jazz de aquella época. En 1951 graba un primer disco a su nombre para el sello "Prestige" titulado: "Mulligan Plays Mulligan" y tras obtener el favor de la critica y del publico, se marcha a California en la Costa Oeste, donde comienza una nueva etapa en su carrera.
Gerry Mulligan

El ambiente musical y los músicos que encuentra allí, le gustan y empieza a escribir arreglos para Stan Kenton, el director de una bigband magnifica y un día conoce a un trompetista llamado, Chet Baker. Con el, va a formar uno de los grupos de mas éxito de la época, el famoso "Gerry Mulligan Pianoless Quartet", un cuarteto sin piano en el que los dos vientos (barítono y trompeta) son acompañados únicamente por contrabajo y batería, ofreciendo un sonido totalmente nuevo y diferente a lo que se escuchaba por entonces. Con el éxito de esa formula alcanza la fama y empiezan las giras por Europa, adonde acude regularmente en varias ocasiones y así en olor de multitudes, Mulligan cruza la década de los cincuenta consagrado como uno de los mejores músicos de jazz del momento.
Gerry Muligan and Chet Baker

Los años sesenta le verán organizar y lanzar su "Concert jazz Band", una agrupación de trece (a veces mas) músicos con los que da rienda suelta a su faceta de arreglista y le brinda la oportunidad de conferir a su música mas volumen y amplitud. En 1964 vuelve a la formula de cuarteto y sexteto con Bob Brookmeyer, Art Farmer y el guitarrista, Jim Hall con los que vuelve a salir de gira por Europa. En 1968 se integra en el cuarteto de Dave Brubeck en sustitución del saxo alto, Paul Desmond y con Brubeck, Mulligan permanece hasta 1972. En los años ochenta y noventa, Mulligan no dejó de grabar, producir y arreglar música. También participó en innumerables conciertos y festivales de jazz en Newport, Montreux, Niza, Japón y otros.

De su abundante y extraordinaria discografía hay que destacar necesariamente tres etapas: su participación en el Noneto Capitol con Miles Davis y Gil Evans recogidas en el disco: "Birth of The Cool" en 1949; las grabaciones en cuarteto con el trompetista, Chet Baker en los años cincuenta y recogida en el álbum: "Gerry Mulligan Quartet with Chet Baker"; y su etapa en la "Concert Jazz Band" de mediados de los años sesenta y su álbum "Gerry Mulligan '63 The Concert Jazz Band".

Gerry Mulligan, fue uno de los grande músicos blancos del jazz y su aportación a la historia de esta música fue impresionante. Fuente:apoloybaco

Lucio Demare

Lucio Demare

Lucio Demare con su orquesta en Embassy. Carlos Almada era el vocalista. De izq. a der.Cópola. Mori, Capurro y Pepe (bandoneones); Arnaiz, Fredien y Melman, Bajo:Sansone; y Antonio Di Pablo, animador.

Lucio Demare


De izquierda a derecha: Agustin Irusta, Roberto Fugazot y Lucio Demare. 15 octubre 1936

Lucio Demare

Lucio Demare toca en su tanguería Malena al Sur, de Balcarce y Giuffra, en San Telmo. Detrás suyo, Inés Miguens "Galleta". 1969.


Lucio Demare. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. La innata facultad para la invención musical y el delicado temperamento creador identificaron, desde el momento mismo de su iniciación artística, la fisonomía de su obra. Involucrado, por razones de íntima afinidad esté-tica con la escuela romántica, nacida con los tangos de Cobián y Delfino, compartió con éstos y con Francisco De Caro, Carlos V. G. Flores, y con Julio De Caro, de Copacabana y con el Agustín Bardi, de Nunca tuvo novio, la línea de páginas arromanzadas de primera clase, ofrecida entre 1915y 1935, período de apogeo de esta variedad formal y anímica del tango. Mañanitas de

Lucio Demare
Lucio Demare en la última época del trio con Irusta y Fugazot: foto tomada en enero de 1936.

Montmartre, Musete, Capricho de amor, Rio de oro, Dandy, MÍ musa campera, obra suya compuesta entre 1926 y 1932, caracterizaron con su exaltado lirismo y su riqueza melódica, ese momento inicial de su producción. Posteriormente, en ubicación musical de jerarquía paralela a la de Eduardo Pereyra, Joaquín Mora y Aníbal Troilo—entre otros— dio a conocer Yo era un corazón y toda una serie de páginas cantables con versos de Homero Manzi: Telón, Hermana, Mañana zarpa un barco, Malena, Solamente ella, Tal vez será mi alcohol, que inspiraron, promovieron —y defendieron luego— la

Lucio Demare con Irusta y Fugazot en el Cartel del cine Teatro Coliseum de Barcelona (1933).

selecta dimensión de repertorio, que perfiló al tango del cuarenta. Con igual calidad de imaginación y de desarrollo, incursionó en la obra de concepción instrumental con Punto muerto, Cascarita y Sentimiento tanguero. Ejecutante de sonido y de fraseo inconfundible, ha sido un auténtico "diseur" en su piano, modalidad intimista de la que son exactamente representativas sus versiones de Mañana zarpa un barco, La casita de mis viejos, Mi noche triste, Dandy, Mañanitas de Montmartre, grabadas en 1952, para los discos Columbia; y La calle sin sueño,

Lucio Demare

Lucio Demare cuando codirigía la orquesta Demare-Vardaro, en 1938. Con él, Elvino Vardaro, el cantor Juan Carlos Miranda y los músicos Máximo "Bocha" Mori, Nicolás Pepe y Alfredo Calabró

Grisel, Nunca tuvo novio y Divina, entre las vertidas para Discjockey, en 1968. Por igual, sus arreglos instrumentales y vocales, tienen el sello de su fina personalidad de artista, así como los conjuntos que ha dirigido en intepretaciones tan logradas como Florcita (discos Odeón, 1945), Sentimiento tanguero (discos T.K., 1956) y Milonguero viejo (Artfono, 1956), entre las interpretaciones orquestales; No te apures carablanca (con Juan Carlos Miranda), El pescante, En un rincón, Qué solo estoy, Pena de amor (todos con Raúl Berón, discos Odeón, 1943-1944) y Dónde (con Armando Garrido, disco Art-fono, 1956). Nació en Buenos Aires. Hijo del violinista Domingo Demare. Así, como su hermano Lucas (director luego, de trascendente carrera cinematográfica) se consagró al bandoneón, él se dedicó al piano, instrumento cuyas
disciplinas técnicas cursó al cuidado de Vicente Scaramuzza. Integró, en sus comienzos de profesional, la orquesta del banjoista Nicolás Verona. En 1926, Francisco Canaro —-quien actuando en Francia partía con rumbo a Nueva York y deseaba dejar un conjunto a su nombre en París— lo requirió para que integrara éste en el dancing Florida. Después, por iniciativa del propio compositor de La tablada, se asoció a los cantores Agustín Irusta y Roberto Fugazot, formando el celebrado trío Irusta-Fugazot-Demare, que debutó en el Teatro Maravillas de Madrid. Con sus compañeros de conjunto tomó parte en la filmación de algunas películas españolas—
Boliche, entre ellas—, grabando una serie de discos Victor, en Barcelona, entre los que se destacan Capricho de Amor, vertido por su piano y el violín de Sam Reznik, y Mi Musa Campera, registrado por orquesta de su dirección y vocales por Agustín Irusta. Luego de dos largas y exitosas turnés por países de Centro y Sud América, de una segunda temporada europea, regresó definitivamente a Buenos Aires en 1936. Y a la par de su hermano Lucas —cada cual en lo suyo— se incorporó al cine argentino, en el que realizó una labor musical repetidamente laureada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y por la Municipalidad de Buenos Aires. Alternó esa obra, con la reaparición fugaz del trío en Buenos Aires —que actuó con Canaro en la comedia Mal de Amores— y con algunas nuevas colaboraciones con el compositor de El pollito, cuando tuvo éste dos pianos—el titular era Luis Ricardi— en su orquesta. Pero, en 1938, prefirió formar la propia, uniendo luego su nombre al de Elvino Vardaro, para presentarse ambos por Radio Belgrano, con Alfredo Calabró como primer bandoneón y Juan Carlos Miranda, como vocalista. Desde 1939, ya desvinculado artísticamente de Vardaro, continuó su carrera de director, en pleno ascenso valorativo, grabando, desde La racha y Telón, sesenta y dos versiones para la casa Odeón, con las voces de Miranda, Raúl Berón y Horacio Quintana. Después de 1950, gra-bó con su orquesta para Columbia, para T.K. y para Art-fono, entonces con las voces de Héctor Alvarado y Armando Garrido. Con su orquesta, apareció en la

Carátula de uno de los primeros tangos de Lucio Demare compuesto en París en 1926 con letra del cantor Juan Raggi, que también actuaba entonces en Europa.

película Sangre y Acero (1955). En el decenio más reciente, lo capital de su trayectoria está vinculado a una destacada labor de solista—compartida en ocasiones con Ciriaco Ortiz o con Máximo Mori— en clubes nocturnos de Buenos Aires. Y en su propio local, la Tanguería de Lucio, de la calle Cangallo, trasladada —en 1969— a San Telmo, Balcarce y Giuffra ya denominada Malena al Sur. Compuso, también, Cariño gaucho, Brumas, Más allá de mi rencor, Nació el 9/8/1906 en Buenos Aires, donde falleció el 6 de marzo de 1974.Fuente Horacio Ferrer.

Biografia de Charles Mingus

Charles Mingus

Charles Mingus fue una de las figuras más importantes del siglo XX la música americana

Charles Mingus fue un virtuoso bajista, pianista realizada, de orquesta y compositor. Nacido en una base militar en Nogales, Arizona en 1922 y creció en Watts, California, sus primeras influencias musicales vinieron de la iglesia - coro y grupo de canto y de "audiencia Duke Ellington por la radio cuando [él] tenía ocho
años de edad. " Estudió contrabajo y composición en una manera formal (cinco años con H. Rheinshagen, el bajista principal de la Filarmónica de Nueva York, y las técnicas de composición con el legendario Lloyd Reese), mientras que la absorción de la música vernácula de los grandes maestros del jazz, de primera mano. Su temprana experiencia profesional, en los 40's, lo encontraron de gira con bandas como Louis Armstrong, Kid Ory y Lionel Hampton. Finalmente se radicó en Nueva York, donde tocó

Charles Mingus

y grabó con los principales músicos de los 1950's - Charlie Parker, Miles Davis, Bud
Powell, Art Tatum y Duke Ellington a sí mismo. Uno de los pocos bajistas de hacerlo, Mingus se desarrollado rápidamente como un líder de los músicos. También fue un consumado pianista que podría haber hecho una carrera tocando ese instrumento. A mediados-50 del que había formado su propia publicación y registro a las empresas a
proteger y documentar su creciente repertorio de música original.
También fundó el "Taller de Jazz", un grupo que permite a jóvenes compositores que sus nuevas obras realizadas en conciertos y en grabaciones.
Mingus pronto se encontró en la vanguardia de la vanguardia. Sus grabaciones dan testimonio de la extraordinaria creatividad cuerpo de trabajo que le siguió. Estos incluyen: Pithecanthropus Erectus, The Clown, Tijuana Moods, Mingus Dynasty, Mingus Ah Um, El Negro y el Saint Sinner Lady, Cumbia y Jazz Fusion, Let My Children Hear
Music. Grabó más de un centenar de discos y escribió más de trescientos resultados.
A pesar de que escribió su primer concierto pieza, "Half-Mast inhibición," cuando tenía diecisiete años, no fue registrada hasta veinte años después por un 22-pieza con la orquesta de la realización de Gunther Schuller. Fue la presentación de
"Revelaciones" que combina el jazz clásico y modismos, en el 1955 Brandeis Festival de las artes creativas, que él estableció como uno de los principales compositores de jazz de su época.

Charles Mingus

Mingus En 1971 fue galardonado con el Slee Presidente de Música y pasó un semestre de enseñanza composición en la Universidad Estatal de Nueva York en Buffalo. En el mismo año, su autobiografía, bajo el Underdog, fue publicada por Knopf. En 1972 apareció en un bolsillo Bantam y se volvió a publicar después de su muerte, en 1980, de Viking / Penguin, y de nuevo por Pantheon Books, en 1991. En 1972 también re-firmado con Columbia Records. Su música se realizará con la frecuencia de las compañías de ballet, y Alvin Ailey coreografía de una hora programa llamado "La Mingus Danzas" 1972 durante una colaboración con la Robert Joffrey Ballet Company.
Realiza una gira por todo Europa, Japón, Canadá, Sudamérica y los Estados Unidos hasta finales de 1977 cuando fue diagnosticado de una rara enfermedad de los nervios, Amyotropic de Esclerosis Lateral.
Fue confinado a una silla de ruedas, y aunque él ya no era capaz de escribir música en papel o componer al piano, su última obra se canta en una grabadora.
Desde la década de 1960 hasta su muerte en 1979 a la edad de 56, Mingus permanecido en la vanguardia de la música americana. Cuando se le preguntó a comentar sobre sus logros, Mingus dice que sus habilidades como bajista fueron el resultado del trabajo duro, pero que su talento para la composición venía de Dios.
Mingus recibido subvenciones del National Endowment for the Arts, The Smithsonian Institute y la Fundación Guggenheim (dos becas). También recibió un grado honorífico de Brandeis y un premio de la Universidad de Yale. En un memorial siguientes Mingus muerte, Steve Schlesinger de la Fundación Guggenheim, comentó que Mingus es uno de
los pocos artistas que recibió dos subvenciones y añadió: "Espero que llegue el día en que podamos trascender las etiquetas como el jazz y reconocer Charles Mingus como la importante compositor americano que él es. " The New Yorker escribió: "Por la melódica y rítmica y estructural originalidad, sus composiciones puede ser igual cualquier cosa escrita en la música occidental en el siglo XX."
Murió en Mexico el 5 de enero de 1979, y sus cenizas fueron esparcidas en el Río Ganges en la India. Tanto la ciudad de Nueva York y Washington, DC honra póstumamente él "Día de Charles Mingus".

Charles Mingus

Después de su muerte, el National Endowment for the Arts subvenciones previstas para una fundación denominada Mingus "Que mis hijos Escuchar Música" que todos los catalogado de Mingus obras. Los microfilms de esas obras fueron luego dadas a la División de Música de la Biblioteca Pública de Nueva York, donde están actualmente
disponibles para su estudio y becas - Por primera vez en el jazz.
Repertorio bandas llama la Mingus Dynasty, Mingus Orchestra y la Mingus Big Band seguir desempeñando su música. Biografías de incluir Charles Mingus Mingus por Brian Priestley; Mingus / Mingus por Janet Coleman y Al joven y yo cuando estoy Real, de Gene Santoro. Mingus' obra maestra, "Epitaph", una composición que es más de 4000
medidas de largo y que requiere de dos horas para llevar a cabo, fue descubierta durante el proceso de catalogación. Con la ayuda de una donación de la Fundación Ford, la partitura y las partes instrumentales han sido copiados, y la pieza fue estrenada por una pieza de 30 orquesta, dirigida por Gunther Schuller, en un concierto producido por Sue Mingus en Alice Tully Hall de junio 3, 1989, diez
años después de Mingus muerte.
The New Yorker escribió que "Epitaph" representa el primer avance en la composición de jazz desde Duke Ellington's "Negro, marrón y beige", que ha sido escrito en 1943. The New York Times dijo que clasificó con el "más memorables eventos de jazz de la década".
Convencida de que nunca se realizó en su vida, Mingus llamó a su trabajo "Epitaph", declarando

Charles Mingus

que él escribió que "para mi lápida".
La Biblioteca del Congreso Nacional se presentó con la colección de Charles Mingus en 1993, incluidos los manuscritos autografiados, fotografías, manuscritos literarios, correspondencia, y grabaciones de entrevistas, emisiones, sesiones de grabación, componer y Mingus al piano.Fuente Web de Charles Mingus.

Florindo Sassone

Recital de despedida de la orquesta de Florindo Sassone en Tokio-Octubre de 1966

Florindo Sassone: Músico. Vioiinista. Director. Compositor. Arreglador. Nació en

Buenos Aires barriada de Liniers, el 12 de enero de 1912. En 1920 comenzó sus estu-

dios de violín cursando más tarde armonía. Profesionalmente tocó con Antonio Polito en 1930, con Roberto Firpo, en 1931 y con Osvaldo Fresedo, 1933. El 1 de enero de 1936 debutó con su primera orquesta con Francisco Amor como vocalista, actuando en Radio Belgrano y café Nacional. Desde 1940 a 1946 permaneció alejado de la actividad musical reapareciendo en 1947, con su conjunto siempre avenido a una modalidad influida por los estilos de Osvaldo Fresedo y de Carlos Di Sarli. Todas sus agrupaciones —con las que grabó para sellos Victor y Odeón, se caracterizaron por ese concepto interpretativo propenso al melodismo. Las versiones de Don Esteban, Maipo, Lágrimas, Tomasito, Bahía Blanca, entre las instrumentales, y Organito de la tarde, Esclavo de tu piel, La última cita, entre las cantables, son bien representativas de sus ideas musicales. En 1966, realizó una prolongada actuación en el Japón. Los vocalistas Jorge Casal, Ángel Díaz, Osvaldo De Sanctis, Andrés Peiró, Roberto Chanel, Raúl Lavalle, Carlos Malbrán, Rodolfo Galé y Mario Bustos alternaron en su conjunto. Sus tangos: Siempre te nombra, Tiempo al tiempo, Pleito malevo, Un cuadro y una canción, Sólo un corazón, Cancha, entre los cantados y El relámpago, para solo de orquesta. Ha dirigido, también, el sexteto Don Florindo.Fallecio el 31 de enero de 1982 

Por Horacio Ferrer

Editado y compaginaoo para la web por El tango y sus invitados

Biografia II

Violinista, director y compositor

(12 de enero de 1912 - 31 de enero de 1982)

Nombre completo: Pedro Florindo SassoneQue Florindo para su vida artística, ya que, para los que fuimos sus amigos, se llamó Pedro, que era su primer nombre de pila.

Siendo su orquesta, a partir de mil novecientos treinta y tantos, una agrupación excelentemente ajustada y de rico repertorio, no fue lo que se dice un "boom". Claro; era el tiempo en que se disputaban la supremacía Francisco Canaro, Francisco Lomuto, Roberto Firpo, Julio De Caro, Edgardo Donato, Roberto Zerrillo y Juan D'Arienzo que surgía con su ritmo nervioso.

Sassone estaba en el nivel de las orquestas de barrio como Rafael Santacápita, Mario Azzerboni, Miguel Padula, Alberto Las Heras, José Otero, Oscar Lavalle y tantas más que quedaron en el camino. Pero él persistió sin aflojar hasta que, por mérito propio, se encontró frente a su orquesta en uno de los estudios que Radio Belgrano tenía en la avenida Belgrano y Entre Ríos

Poco a poco fue moldeando un estilo propio, mezcla rara de Osvaldo Fresedo y Carlos Di Sarli, aunque llegó a no tener nada de ninguno de los dos y todo de Florindo Sassone. Es notable como en un artista pueden influir otros artistas y llegar a tener una absoluta personalidad.

Orquesta de Florindo Sassone

Hay que escuchar atentamente una grabación instrumental para advertir dónde están escondidos Fresedo y Di Sarli. Como estar, están, pero al estilo Sassone. Dueño, además, de un buen gusto fuera de lo común.

Cultiva una forma auténtica de tango, con firme preponderancia de la pureza y lozanía de la línea melódica, enmarcada en los atractivos de un lúcido juego de recursos sonoros, siempre agradables y de muy cuidadosa factura. Se advierten con frecuencia algunos agregados de matices decorativos, modernamente intercalados, un tanto ajenos a la ortodoxa estructura tradicional de las orquestas típicas.

Florindo Sassone en julio de 1936, cuando dirigía su orquesta en Radio Belgrano.

Era poco afecto al lucimiento de los ejecutantes solistas, poniendo el acento en la nutrida gama de efectos y matices a cargo de los distintos sectores instrumentales del conjunto.

Nació en el barrio de Liniers, extremo oeste de la ciudad de Buenos Aires, donde hizo sus primeros estudios musicales y se recibe de profesor de violín.

En 1930 debutó profesionalmente en un conjunto que dirigía Antonio Polito que actuaba en Radio Belgrano. Al año siguiente pega el gran salto y pasa a ser violinista en la orquesta de Roberto Firpo. Pero es con Osvaldo Fresedo que Sassone abreva su manera de sentir el tango, que lo marcará para siempre.

En 1935, ya desvinculado del "Pibe de la Paternal", Florindo forma su primer orquesta, debuta el 1 de enero de 1936 en Radio Belgrano y actúa en el café Nacional y el cabaret Marabú, con la voz de Alberto Amor. Tiempo más tarde pasa a Radio El Mundo donde hace un programa, todos los mediodías, con una gran orquesta que tenía percusión, arpa y otros exóticos instrumentos.

De derecha a Izquierda: Flonndo Sassone, Francisco Florentino y Jorge Casal. 1949

En 1940 abandona la radio y la música para dedicarse a negocios particulares hasta el año 1946 que regresa y arma una modesta formación, con músicos noveles, para actuar en cafés y escenarios barriales.

En 1947 reformula su orquesta, retorna a la radio con mucho éxito y comienza a competir con los grandes directores. Vuelve a los más importantes escenarios porteños y a los bailes.

Pero en realidad, más allá de sus reconocidas virtudes, la presencia vocal de Jorge Casal fue fundamental para ese fenómeno. Este jovencito cantor irrumpió en el mundo artístico de la mano de Sassone, con una gran repercusión, asombrando a propios y extraños por el brillo de su voz y su potencia bien administrada. Como si fuera poco, con una pinta impresionante.

Lo mismo que otros maestros, tuvo que agregar otro cantor a su orquesta, y otra vez no se equivocó, contrató a Roberto Chanel.

Pasaron los años, la televisión ya estaba consolidada y Florindo fue uno de los primeros directores que se presentó ante las cámaras. En 1960 llegó a tener un programa, donde era la figura estelar.

En 1962, la orquesta contaba con un equipo de músicos excepcional: Osvaldo Requena en el piano; en la línea de bandoneones estaban Pastor Cores, Carlos Pazos, Jesús Méndez y Daniel Lomuto; en los violines, Roberto Guisado, Claudio González, Carlos Arnaiz, Domingo Mancuso, Juan Scafino y José Amatriali; con Enrique Marcheto en el contrabajo.

En 1966 viajó al Japón donde se presentó en las más importantes ciudades por espacio de varios meses. Para esa ocasión llevó como cantor a Mario Bustos. Seis años más tarde vuelve a ese país, esta vez con otra voz: Luciano Bianco.

Colombia y Venezuela lo reciben en 1975 y en Caracas, actuó junto a una delegación artística argentina. En esa oportunidad eran sus cantores: Oscar Macri y Rodolfo Lemos. Después una gira a Porto Alegre, en Brasil y a Asunción, capital del Paraguay.

Fueron voces de su orquesta, además de los ya nombrados -Amor, Casal, Chanel, Bustos, Luciano Bianco, Macri y Lemos- los cantores Carlos Malbrán, Raúl Lavalle, Rodolfo Galé, Andrés Peyró, Fontán Luna, Ángel Díaz, Osvaldo Di Santi, Zulema Robles y Gloria Díaz.

Florindo Sassone no tiene una importante obra como compositor, pero podemos destacar entre sus temas más exitosos: la milonga "Baldosa floja" con la colaboración de Julio Bocazzi y el tango "El último escalón", con Javier Mazzea, ambos con la pluma de Dante Gilardoni. También le pertenecen: los tangos instrumentales: "El relámpago", "Cancha" y junto a Mazzea, "Rivera Sud", "Bolívar y Chile", "Tango caprichoso", "Esquina gardeliana", entre otros. 
Jorge Palacio (Faruk) 

Biografia de Benny Goodman

Benny Goodman

Primeras etapas de la vida : Benjamin David Goodman nació el 30 de mayo de 1909 en Chicago, Illinois. Fue el noveno hijo de inmigrantes David Goodman y Goodman Grisinsky Dora, que dejó Rusia para escapar del antisemitismo. Benny la madre nunca aprendió a hablar Inglés. Su padre trabajaba para una medida de apoyo a su familia numerosa, que eventualmente pasó a abarcar un total de 12 niños, y tenía problemas para hacer fin de mes.

Cuando Benny fue de 10 años, su padre lo mandó a estudiar música a Kehelah Jacob Sinagoga en Chicago. Allí, Benny aprendió el clarinete bajo la tutela de Chicago Symphony miembro Franz Schoepp, mientras que dos de sus hermanos aprendieron tuba y trompeta. Él también desempeñó en la banda a Jane Addams' famoso asentamiento social, Hull-House.

Benny Goodman

Talento y éxito
Benny's aptitud en el clarinete fue inmediatamente aparente. Aunque aún era muy joven, se convirtió en un músico profesional y se reproduce en varias bandas en Chicago. Jugó con su primer hoyo en la banda de edad de 11 años, y pasó a ser miembro de la Federación Americana de Músicos cuando tenía 14, cuando abandonó la escuela para continuar su carrera en la música. Cuando su padre murió, de 15 años Benny utilizado el dinero que hizo para ayudar a mantener a su familia. Durante estos primeros años en Chicago, tocó con muchos músicos que más tarde se convertiría en nacional de renombre, como Frank Teschemacher y Dave Tough.
Cuando Benny fue de 16, fue contratado por la banda de Ben Pollack y se mudó a Los Angeles. Permaneció con el grupo durante cuatro años, y se convirtió en un destacado solista. En 1929, año que marcó el inicio de la Gran Depresión y un tiempo de angustia para América, la izquierda Benny Ben Pollack banda a participar en sesiones de grabación y radio en la ciudad de Nueva York.

Luego, en 1933, Benny comenzó a trabajar con John Hammond, un promotor de jazz que más tarde ayudará a poner en marcha el registro de las carreras de Billie Holiday y Count Basie, entre muchos otros. Hammond Benny quería grabar con el baterista Gene Krupa y trombonista Jack Teagarden, y el resultado de esta sesión de grabación fue la aparición de Benny nacional de popularidad. Más tarde, en 1942, Benny se casan Alice Duckworth Hammond, John Hammond la hermana, y tienen dos hijas: Rachel, que se convirtió en un pianista de concierto, y Benji, que se convirtió en un violonchelista.

Benny llevó a su primera banda en 1934 y comenzó unos meses paso a Billy Rose's Music Hall, jugando Fletcher Henderson arreglos a lo largo de la banda con los miembros de Bunny Berigan, Gene Krupa y Jess Stacy. La música que ha desempeñado sus raíces en el sur de las formas de jazz y ragtime Dixieland, mientras que su estructura se adhirieron más dispuestos a que su música más de improvisación de jazz homólogos. Esto le dio una accesibilidad que hizo un llamamiento a la audiencia americana a gran escala. América comenzó a escuchar Benny 's banda cuando se obtuvo un compromiso semanal de su banda en la NBC de radio "Let's Dance", que fue grabado en vivo con un estudio de audiencia.

Benny Goodman

El rey del swing
El nuevo swing de la música ha bailar a los niños cuando, el 21 de agosto de 1935, la banda de Benny desempeñado el Palomar de baile en Los Angeles. El concierto fue sensacional y marcó el comienzo de los años que se Benny reinado como Rey: Era el Swing.

Los adolescentes y estudiantes universitarios inventado nuevos pasos de baile para acompañar a la nueva sensación de la música. La banda de Benny, junto con muchos otros, se convirtió en un enorme éxito entre los oyentes de diferentes fondos en todo el país.
Durante este período, Benny también se hizo famoso por ser colorblind cuando se trata de la segregación racial y los prejuicios. Pianista Teddy Wilson, un afro-americano, apareció por primera vez en el Benny Goodman Trío en el Hotel Congreso en 1935. Benny añadido Lionel Hampton, que más tarde forma su propia banda, a su Benny Goodman Cuarteto el próximo año. Si bien estos grupos no son bandas de la primera función, tanto a blanco y negro músicos, Benny nacional de popularidad ayudó a hacer grupos mixtos racialmente más aceptada en la corriente principal. Benny dijo una vez: "Si un chico tiene que deje que le dan. Soy de venta de música, no los prejuicios."

El éxito de Benny como un icono de la Swing Era impulsado la revista Time en 1937 que le llaman el "Rey del Swing". El próximo año, en el pináculo de la era Swing, la banda de Benny Goodman, junto con músicos de la Count Basie y Duke Ellington bandas, hizo historia como la primera banda de jazz nunca a jugar en Nueva York el prestigioso Carnegie Hall.

Benny Goodman
Tras el concierto en el Carnegie Hall, la banda de Benny Goodman había muchos cambios de alineación diferente. Gene Krupa la banda izquierda, entre otros, y versiones posteriores de la banda incluyen Cootie Williams y Charlie Christian, así como Jimmy Maxwell y Mel Powell, entre otros.

Duradera Icono del Swing Era
La Swing Era comenzaron a llegar a una estrecha como América obtuvo una mayor participación en la Segunda Guerra Mundial. Varios factores contribuyeron a su éxito menguante, incluyendo la pérdida de músicos para el proyecto y los límites que el racionamiento de gas que gira en bandas. Sin embargo, aunque la big band días fueron llegando a su fin y las nuevas formas de música están surgiendo, Benny sigue desempeñando en la música swing estilo. Él dabbled en la "balanza de pagos" movimiento de la década de 1940, pero nunca sucumbió, como el resto del mundo lo hizo, a la atracción de rock and roll influencias en los años 1950 y 1960. En lugar de ello, Benny intentado su mano en la música clásica, haciendo solos con las principales orquestas, y estudiar con internacionalmente aclamado clarinetista clásico Reginald Kell.

Estas apariciones más Benny demostró la gama como un músico. Su talento es incuestionable desde el momento en que fue de 10 años, y en sesiones de grabación a lo largo de su carrera, muy rara vez cometido errores. Krell le ha ayudado a mejorar algunas de sus técnicas, lo que hace Benny's jugando aún más fuerte.

En 1953, la banda de Benny previsto unirse a Louis Armstrong y sus All Stars en una gira juntos, pero los dos dirigentes sostuvieron banda y la gira nunca se abrió en el Carnegie Hall, como se había previsto. No está claro si la gira fue cancelada debido a la enfermedad de Benny o el conflicto entre los dirigentes de la banda. El resto de la década marcó la difusión de la música de Benny a nuevas audiencias en todo el mundo. El Benny Goodman Story, una película crónica de su vida, fue lanzado en 1955, exponiendo a nuevas audiencias más jóvenes y para su música. Benny también giras por todo el mundo, con lo que su música a Asia y Europa. Cuando viajó a la URSS, un escritor observó que "la música swing que había una vez establecido el jitterbugs el baile de la Paramount pasillos casi volaron por el Telón de Acero".

Durante los años 1960 y 1970, Benny apareció en reuniones con los demás miembros de su cuarteto: Teddy Wilson, Gene Krupa y Lionel Hampton. En 1978, la banda de Benny Goodman también apareció en el Carnegie Hall de nuevo para marcar el 30 aniversario de cuando apareció en el lugar de celebración del primer concierto de jazz.

Benny Goodman

En 1982, Benny fue honrada por el Kennedy Center por su vida los logros en la música swing. En 1986, recibió tanto un doctorado honoris causa en música de la Universidad de Columbia y el premio Grammy por Lifetime Achievement. Él siguió para escuchar la música que define su vida en fechas de conciertos ocasionales hasta su muerte en junio de 1986, del paro cardíaco. Él se sentó a descansar después de un corto nonsectarian servicio con alrededor de 40 miembros de la familia y amigos en la asistencia a 15 de junio de 1986 en Long Ridge Cementerio en Stamford, Connecticut. A través de su impresionante carrera, Benny Goodman no cambió su estilo para ajustarse a las últimas tendencias, pero conserva el sonido original que define la era Swing y le hizo el famoso mundo Rey de Swing.Fuente web de Benny Goodman.

Francisco Rotundo

Francisco Rotundo
Francisco Rotundo dirige su orquesta en los bailes del Club Atlético Boulogne

ROTUNDO, Francisco. Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires, en el barrio de Belgrano el 4 de noviembre de 1919. En 1936 formó su primera orquesta alternando ésta con su labor de enseñanza en el Conservatorio D'Andrea. En 1944 ganó el concurso de orquestas típicas en el Palermo Palace debutando en 1947 en el café Nacional, de la calle Corrientes. Actuó luego por Radio Belgrano teniendo en distintos momentos de su trayectoria como colaboradores inmediatos a Tití Rossi y a Luis Stazo. Grabósus versiones con los cantores Floreal Ruiz, Julio Sosa, Enrique Campos en los sellos Odeón y Pampa. Compositor de los tangos Estudiantes de La Plata, Siempre tu voz, Rezongo malevo, Un cariño, Un remordimiento. Fallecio el 26 de septiembre de 1997. Fuente Horacio Ferrer

Semblanza II

Pianista, compositor y director (4 de noviembre de 1919 - 26 de septiembre de 1997)

Nombre completo: Francisco Luis Rotundo

Fue una orquesta prolija, acompasada y por sobre todo al servicio del cantor, quien podía desarrollar cualquiera fuere su estilo, todo su potencial vocal, su personalidad, su fraseo, en una simbiosis que daba por resultado, una perfecta armonía entre la música y el canto.

Así desfilaron por su formación cantantes de la talla de Carlos Roldán, Mario Corrales, Floreal Ruiz, Enrique Campos, Julio Sosa, Jorge Durán, Alfredo del Río, todas voces que lograron llegar al alma del público tanguero.

Nació en Buenos Aires, en el barrio de Belgrano. Hijo de un importante empresario de la industria del papel, luego de la muerte de su padre asumió la conducción de la empresa. Desde niño dada su inquietud por la música, comienza a estudiar piano y obtiene él titulo de profesor, ejerciendo como tal en distintos conservatorios.

A los 17 años arma su primera formación y en 1944 gana un concurso de orquestas típicas que se realiza en el tradicional salón "Palermo Palace". Debuta en los carnavales de 1945 en el club San José de Flores del barrio homónimo, colaborando en la presentación y glosas, el poeta Carlos Waiss.

Durante 1947 triunfa en un palco tanguero de la calle Corrientes, nada menos que el Café Nacional, a partir de ese momento su orquesta con arreglos de su primer bandoneonista Ernesto "Tití" Rossi y en cuya línea de bandoneones participaba también Luis Stazo, comienza a desarrollar una importante participación en los bailes. Sus cantores eran Horacio Quintana y Aldo Calderón.

Orquesta de Francisco Rotundo

Pero no era lo que pretendía Rotundo que observaba que en las más importantes orquestas el éxito pasaba, fundamentalmente, a través de sus vocalistas. Llegó a la conclusión con su amigo músico y arreglador "Tití" Rossi, que debía contratar a vocalistas de gran cartel. Por tal motivo , a fines de 1948, convocó a Carlos Roldán que estaba en Montevideo y después, en marzo de 1949, a Mario Corrales, que había dejado la orquesta de Osmar Maderna. Este último permanece un año, para luego pasar ala orquesta de Carlos Di Sarli, quien le cambia el nombre por el de Mario Pomar.

Luego de los carnavales de 1949, Rotundo seguía con la idea de incorporar a una figura consagrada. Le sugiere a Rossi tentar a Floreal Ruiz en pleno éxito con Troilo. Parecía imposible concretarlo pero luego de varias reuniones lo convenció a Floreal, con una propuesta de $ 100.000, parte de ello sirvió para indemnizar a Troilo y a la RCA-Victor. Además de ese dinero, firmaron un arreglo de $ 3000 por mes durante 40 meses.

En julio de 1948, Floreal Ruiz abandona a Troilo y debuta en octubre con Rotundo. La orquesta a partir de ese momento pasó de hacer tres shows por mes a más de veinte, en los mejores cabarets. También llegó la radio y la época de los éxitos discográficos. La excelente campaña de Floreal con Rotundo se desarrolló desde 1949 hasta 1957, quedando grabados 25 temas, algunos de gran suceso como "Un infierno", "Melenita de oro", "Infamia", "Esclavas blancas".

En 1952, Rotundo produce un nuevo impacto comercial con la contratación de Enrique Campos, quien logra desarrollar con Rotundo una de las etapas más brillantes de su carrera, dejando grabadas obras de antología como los tangos "Libertad", "Llorando la carta", "Ebrio", y quizás la más perfecta interpretación a dúo, con Floreal Ruiz del vals de Charlo y José González Castillo, "El viejo vals", récord de ventas.

En 1953 al desvincularse Julio Sosa de la orquesta Francini-Pontier, es tentado por Rotundo a integrarse a su equipo. Le ofrece la suma de $ 5000 por mes. Este acepta inmediatamente. Durante los dos años que Sosa permanece con la orquesta, logra lo que sería luego, el estilo que lo impondría como solista y que lo llevaría a ser una de las grandes voces del tango. Sus temas: "Justo el 31", "Mala suerte", "Bien bohemio", "Levanta la frente", "Dios te salve m'hijo", "Secreto", batieron todos los pronósticos comerciales.

Al final del año 1955 también tuvo su paso por la orquesta otro gran vocalista, Jorge Durán, quien deja grabados dos temas, el vals "Poema para mi madre" y el tango "Sus ojos se cerraron", registrados en el mes de diciembre de ese año.

La última gran contratación de Rotundo fue la del cantor Alfredo del Río -aquel cantor de Alfredo Gobbi- testimonio de lo cual son sus dos registros: "Todavía estas a tiempo" y "Destino en flor". El último cantor de esta etapa tan brillante de Rotundo fue Roberto Argentino, quien graba un solo tema el tango, "Qué tarde has venido".

Todas estas grabaciones fueron hechas en el sello Pampa, que era subsidiario de la empresa Odeón.

A raíz de la más cruel persecusión política y por sus ideas peronistas, fue prohibido como tantos hombres del mundo de la cultura nacional y popular. Su esposa, la destacada cancionista Juanita Larrauri, también fue perseguida y terminó encarcelada por haber sido amiga personal de Eva Perón y senadora de la Nación. En su encierro compartió horas con un señor en la vida y en el arte don Hugo del Carril. A causa de estos episodios, Rotundo volvió a su empresa papelera.

Muy pocas orquestas en tan poco tiempo, apenas ocho años, lograron la popularidad de Francisco Rotundo.

Como compositor junto a Reinaldo Yiso, logró un significativo éxito con el tango "Un infierno" en las versiones de Floreal Ruiz y Alberto Morán, además compuso el tango instrumental "Para florearse", "Siempre tu voz", "Rezongo malevo", "Un cariño", "Sin remordimiento" y junto a Ernesto Rossi un tango dedicado al club de fútbol Estudiantes de La Plata.

A fines del 60 abandona la conducción de su imprenta y vuelve por unos años a su viejo amor; la música. Convoca a su amigo y hermano "Tití" Rossi e inaugura primero en el barrio de Liniers y luego en Villa Luro, su local "La Casa de Rotundo", donde armó una nueva orquesta. Por ese escenario pasaron figuras estelares de nuestra música ciudadana: Jorge Casal, Carlos Roldán, Alfredo del Río, Mario Bustos y Alfredo Dalton, también el maestro Horacio Salgán.

Rotundo además de ser un grande del tango, fue un amigo, con códigos y hombría de bien, injustamente olvidado y que hoy rescato en esta colaboración..

Abel Palermo