sábado, 23 de mayo de 2009

Alberto Gomez

Alberto Gomez con Tito Vila en 1934Alberto Gomez con Tito Vila en 1934

Alberto Gomez en 1933Alberto Gomez en 1933


GÓMEZ, Alberto. (Nombre de familia: Egidio Alberto Aducci). Canfor. Compositor. Na-
ció en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires, el 18 de junio de 1905. Estudió canto con el maestro Antonio Codegoni. Debutó muy joven como intérprete vocal en el
Teatro Segundo Coliseo, integrando poco después el trío Parada-Gómez-Vila con elcual, lo mismo que con el dúo que animó junto a Augusto "Tito" Vila, logró amplia repercusión. Fue estribillista de la Orquesta Típica Víctor, sello para el cual grabó además —desde Soy un arlequín (1929)— buena parte de su labor como solista: Manón,Alma de bandoneón, Que nadie se entere, Al pie de la santa cruz, Y dicen que no te quiero, son versiones que reflejan exactamente su estilo y su voz blanca de tenor.
Actuó en diversos países de América, tomando parte en las películas argentinas
Tango, de 1933; Juan Moreira, de 1936; y De la Sierra al Valle. Su mayor suceso de
compositor fue la Milonga que Peina Canas. Dio a conocer también los tangos Del tiempo de la Morocha, Tolerancia, Que nadie se entere, Cansancio, Que sea lo que Dios quiera. En 1959 reapareció por LR3 Radio Belgrano, compartiendo el cartel con Pedro Maffia. Falleció el 1 de mayo de 1973. 

Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

José Canet

José Canet con Alberto GomezJosé Canet con Alberto Gomez



CANET, José. (15 de diciembre de 1915 - 10 de marzo de 1984)
Músico. Guitarrista. Autor. Compositor. Acompañó al cantor Santiago Devin en 1933; fue músico de Radio Stentor y durante muchos años, estuvo artísticamente unido al cantor Alberto Gómez, al cual secundó como guitarrista acompañante. Dicho intérprete vocal fue, también, quien dio a conocer muchas de las páginas de su repertorio autoral. Creador, tanto de la música como de los versos, en la mayoría de sus obras, ofreció una serie de tangos de mérito: Tarde (grabado por Francisco Lomuto), La abandoné y no sabia (grabado por Miguel Caló), Hoy al recordarla
(grabado por Osvaldo Pugliese), Los cosos de al lao —sobre música del violinista
Marcos Larrosa— (grabado por Aníbal Troilo), difundidos todos entre 1940 y 1955.
Compuso, además, estos otros: A duras penas, Perdón, Negra mía, Este corazón, De
6 a 7, Me besó y se fue, Sueño de Pierrot, Lucía de la ribera, Che, Carola, Serpentina de esperanza. Fue solista de guitarra en 1956, en Radio Belgrano. En 1959 encabezó con Héctor Alvarado —cantor— el Quinteto Garufa. Posteriormente alcanza —como director, ejecutante y arreglador— una lucida actuación junto a Nelly Ornar, en discos, TV y escenarios en la década del 70. 

Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El Tango y sus invitados

viernes, 22 de mayo de 2009

Dutch Swing College Band

Dutch Swing College BandDutch Swing College Band

Dutch Swing College BandDutch Swing College Band

Dutch Swing College Band in 1950Dutch Swing College Band in 1950

Un dicho popular dice: "Hay dos tipos de música, buena música y mala música". Para los verdaderos fans de la buena música de jazz tradicional de la elección es sencilla, porque sólo hay una Holandesa Swing College Band. El Colegio Holandes de la Swing Banda comenzó como un combo de aficionados por la universidad en el Día de la Liberación (1945, 5 de mayo) ya través"> de los años ha crecido hasta convertirse en un conjunto de jazz de fama mundial que ha recorrido los cinco continentes . La DSC desempeña un papel destacado durante el período de la posguerra. En el momento muchos jóvenes cayeron bajo el hechizo de la música americana: el jazz. La banda, que ha existido durante más de sesenta años, ha dado conciertos en todo el mundo y los sonidos se han registrado en prácticamente todos los tipos de grabaciones de sonido desde 1945. La banda también apareció con frecuencia en la televisión y en producciones cinematográficas. A través de los años muchos grandes nombres de la música de jazz fueron apoyadas por la DSC, de Sidney Bechet, Joe Venuti y Rita Reys de Teddy Wilson. La expresión "Escuela de La Haya" nació de la gran influencia de la DSC sobre la escena de jazz holandés. Muchos aficionados de jazz merecidamente consideran DSC casi como una institución. Afortunadamente, la banda holandesa de Swing College nunca se ha presentado a sí mismo como un birllante espectáculo u orquesta. Los músicos siempre han tenido éxito en capturar la atención del público con sus excelentes actuaciones de jazz. Mostrar los trucos baratos son absolutamente fuera de cuestión. En 1960, la DSC paso al profesionalismo. A lo largo de la evolución de la música y, a pesar de un buen número de cambios en el personal (y contrariamente a muchos imitadores) la DSC sigue siendo la joya de la música jazz tradicional holandesa. Bob Kaper encabeza la formación actual, en la sucesión a Frans Vink Jr (1945-«46), Joop Schrier (1955-'60) y Peter Schilperoort (1946-55 y 1960-'90). Desde el principio la característica más llamativa de la banda siempre ha sido su único y reconocible sonido. En otras palabras, no hay grabaciones de América exitosas que fueran copiadas: la DSC creado sus propias interpretaciones, arreglos o composiciones. Un enfoque totalmente personal. La formación actual de la banda con gran experiencia ha demostrado que el antiguo nombre de la banda holandesa de Swing College todavía garantías profesionales de la música tradicional de jazz de nivel internacional!
Herman Openneer / Jazz Nederlands Archief. Fuente web de la DSC

miércoles, 20 de mayo de 2009

Carole King

Carole King
Carole King

Carole King
Carole King

Carole King Carole King


Carole King (n. 9 de febrero de 1942) es una cantante, pianista y compositora estadounidense. Su época de mayor actividad como cantante fue durante la década de los 70, si bien tanto antes como después ha tenido considerable aceptación como compositora.

King ha ganado cuatro premios Grammy y ha sido incluida en el Salón de la Fama del Rock (Rock and Roll Hall of Fame) y en el Salón de la Fama de los Compositores (Songwriters Hall of Fame) por su trabajo, junto con su compañero Gerry Goffin.

Formación y primeros éxitos como compositora.Carole King nació en 1942 en Brooklyn, un barrio de Nueva York, en el seno de una familia judía. Su nombre era Carole Klein. Empezó a estudiar piano y comenzó a cantar, formando parte de un cuarteto vocal llamado The Co-Sines en su instituto, el James Madison de Nueva York.

Pasó a estudiar en el Queens College, donde fue compañera de clase de Neil Sedaka, quien le dedicó la canción "Oh, Carol", que fue su primer gran éxito. Ella, a cambió le escribió una canción de tornada, llamada "Oh Neil". Mientras estudiaba en el Queens College, trabó amistad con Paul Simon y Gerry Goffin.

Goffin y King pronto formaron una asociación en la composición, que devino en matrimonio, cuyo fruto son dos hijas: Louise Goffin y Sherry Goffin Kondor, las cuales también son cantantes.

Mientras trabajaba en el famoso Brill Building, donde actuaron muchas de las estrellas de éxito en la década de los años 1960, la pareja Goffin-King obtuvo su primer éxito con "Will You Love Me Tomorrow", grabado por The Shirelles y que entró en las listas de éxito en 1961 y más tarde tuvo diferentes versiones de Dusty Springfield, Laura Branigan, Little Eva, Roberta Flack, y de la misma Carole King. Otros éxitos de la pareja han sido:

"Take Good Care of My Baby" (Bobby Vee y más tarde Dion, Bobby Vinton, Stephen Collins y Smokie)
"The Loco-Motion" (Little Eva, y luego Grand Funk Railroad, Tina Turner, Kylie Minogue y Dwight Yoakam)
"One Fine Day" (The Chiffons y más tarde Aaron Neville, Rita Coolidge y Natalie Merchant así como la propia King, en 1980)
"Pleasant Valley Sunday" (The Monkees)
"Porpoise Song" (The Monkees)
"Some Kind of Wonderful" (The Drifters; no confundir con el éxito de Grand Funk Railroad)
"Up on the Roof" (The Drifters, Laura Nyro, Billy Joe Royal, James Taylor, Neil Diamond, Peter Cincotti y más tarde la propia Carole King )
"Chains" (The Cookies, y luego The Beatles)
"Don't Say Nothing Bad About My Baby" (Cookies)
"(You Make Me Feel Like) A Natural Woman" (Aretha Franklin y también Mary J. Blige, Laura Nyro, Patti LaBelle, Rod Stewart, Céline Dion, y la propia Carole King).
"Don't Bring Me Down" (The Animals)
"Hi De Ho" (Blood, Sweat & Tears)
"Oh No Not My Baby" (Maxine Brown, Manfred Mann, y más tarde Rod Stewart y Linda Ronstadt entre otros)
"Wasn't Born to Follow" (The Byrds)
"Hey Girl" (Freddie Scott, y más tarde Donny Osmond y Billy Joel)
"I'm into Something Good" (Ethel "Earl-Jean" McCrea de The Cookies, luego también Herman's Hermits)
"Go Away Little Girl" (Steve Lawrence y más tarde Donny Osmond)
"Time Don't Run Out On Me" (Anne Murray)
"He Hit Me (And It Felt Like a Kiss)" (The Crystals)
Además, en 1965 la pareja Goffin y King escribieron el tema de introdución de la serie de televisión de Sidney Sheldon, I Dream of Jeannie, pero la canción fue rechazada en favor de un tema instrumental compuesto por Hugo Montenegro.

Mientras, la carrera de Carole King como cantante avanzaba lentamente, esperando encontrar su momento. Tuvo un modesto éxito cantando una de sus propias canciones en 1962: "It Might As Well Rain Until September" (que alcanzó el número 22 en las listas estadounidenses y llegó al top 10 en Reino Unido, convirtiéndose más tarde en un éxito en Canadá pero de la mano de Gary & Dave). sin embargo, "He's a Bad Boy" sólo llegó al puesto 94 in 1963, y King no volvió a entrar en la lista de los cien singles más vendidos en los ocho años siguientes.

Después de intentar sin éxito lanzar su carrera en solitario, Carole King apoyó a una incipiente discográfica, Tomorrow Records, mientras en lo personal se divorciaba de Goffin y se casaba con Charles Larkey (del grupo Myddle Class).

Trasladados a la costa oeste de su país, Larkey, King y Danny Kortchmar formaron un grupo llamado The City, con el que grabaron un álbum Now That Everything's Been Said, que fue un fracaso comercial. Entonces King grabó en solitario Writer (1970), que fue otro fracaso en ventas.

Sin embargo, la publicación de Tapestry al año siguiente fue una inflexión total en su carrera, ya que el álbum fue un gran éxito. Lleva más de 10 millones de copias vendidas y es uno de los 15 álbumes más vendidos de los años 1970.

Inmediatamente Tapestry obtuvo el reconocimiento de la crítica y del público, aclamado y considerado como uno de los álbumes que marcó el comienzo de los años 1970 y a una generación.

Con numerosos éxitos como singles, Tapestry permaneció en las listas de éxito durante cerca de seis años, vendiendo más de 10 millones de copias y siendo el álbum más popular de King tanto entre sus fans como para la crítica. El álbum ganó cuatro premios Grammy.

Music (1971), Rhymes and Reasons (1972) y Wrap Around Joy (1974) fueron los álbumes que siguieron a Tapestry, que fue situada en el puesto 36 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos por Rolling Stone.[1]

En 1973, Carole King dio un concierto con entrada libre en Nueva York, en el Parque Central de esta ciudad, batiendo todas las plusmarcas de asistencia en este tipo de eventos, con más de 100.000 personas.[2] (Este récord fue roto posteriormente en 1981 por Simon and Garfunkel, con 500,000 personas.)

Goffin y King se unieron de nuevo para componer Thoroughbred, que vio la luz en 1975, álbum para el que contó con la colaboración de David Crosby, Graham Nash y James Taylor, quien era un viejo amigo de Carole. Ese mismo año, Carole compuso varias canciones para Really Rosiem una producción de animación para televisión de Maurice Sendak.

Carole se casó de nuevo y de nuevo con un compañero en la composición, Rick Evers, tras grabar su siguiente álbum Simple Things en 1977. Rick Evers murió de sobredosis de cocaína un año después.

Tras grabar Speeding Time en 1983, se trasladó a Idaho, tomando unas vacaciones en las que destacó como activista en favor del medio ambiente.

Carole volvió a la música tras seis años de retito, en 1989, grabando City Streets, álbum al que siguió Color of Your Dreams en 1993, en el que colaboró Slash, el guitarrista de los Guns N' Roses. Por otra parte, su canción "Now and Forever" aparece con los títulos de crédito de la película de 1992 A League of Their Own.

En 1995, un abultado rol de estrellas consagradas de la música rindió homenaje a Carole grabando el álbum Tapestry Revisited: A Tribute to Carole King. De este álbum salieron algunos éxitos en las listas, como la versión de Rod Stewart de "So Far Away" y la que Celine Dion hizo de "A Natural Woman". Otros artistas que aparecieron en el álbum fueron Amy Grant ("It's Too Late"), Richard Marx ("Beautiful"), Aretha Franklin ("You've Got a Friend"), Faith Hill ("Where You Lead") o los Bee Gees ("Will You Still Love Me Tomorrow?").

Además de las numerosas versiones con éxito de sus canciones con Gerry Goffin y de Tapestry Revisited, muchas otras versiones de los trabajos de Carole han ido apareciendo a lo largo de los años. Una de las más versionadas es "You've Got a Friend" un éxito inolvidable en la voz de James Taylor en 1971 (justo dos semanas antes de que la canción "It's Too Late", de Carole, fuera número uno durante cinco semanas en el Billboard Hot 100) y de nuevo éxito en las listas cantada por Roberta Flack y Donny Hathaway ese mismo año. Barbra Streisand consiguió entrar en las listas de éxitos dos veces con "Where You Lead" (la primera vez en solitario y la segunda como parte de "Sweet Inspiration"). The Carpenters grabaron la canción de Carole "It's Going to Take Some Time" en 1972 y alcanzaron el puesto número 12 en las listas del Billboard. Martika llegó al puesto 25 en 1989 con su versión de "I Feel the Earth Move", y "It's Too Late" fue retomada para entrar de nuevo en las listas de éxitos en 1995 por Gloria Estefan. Celine Dion también grabó "The Reason" en 1997 para su álbum Let's Talk About Love.

En 1996 se rodó una película basada en su vida, si bien bastante libremente: Grace of My Heart. En esta película, una aspirante a cantante, Denise Waverly (interpretada por Illeana Douglas, sacrifica su propia carrera como cantante para componer canciones de éxito y lanzar las carreras de otros cantantes. Reflejando la vida de Carole King, la película sigue su trayectoria hasta su primer éxito, a través del dolor del rechazo de la industria discográfica y del fracaso de su matrimonio, llegando a un éxito final y la realización del sueño de grabar su propio álbum.

Carole King ha sido muy activa políticamente como simpatizante del Partido Demócrata de su país. En 2003 hizo campaña a favor de John Kerry, visitando casas particulares para contactar con los delegados en las primarias demócratas. El 29 de julio de 2004, hizo un pequeño discurso y cantó en la Convención Nacional de los Demócratas, unas dos horas antes de que Kerry pronunciara su discurso en el que aceptaba el nombramiento de candidato a la presidencia por su partido. Durante la campaña presidencial, Carole continuó apoyando al candidato demócrata.

La canción "Where You Lead (I Will Follow)", compuesta por Carole, es el tema de la serie de televisión Las chicas Gilmore. En esta composición, Carole canta junto con su hija Louise. La propia Carole ha hecho cameos en la serie, en la segunda, quinta y sexta temporadas, representando el personaje de la propietaria de una tienda de música.

Carole King se embarcó en el "Living Room Tour" (enlazado con su presencia en hogares particulares durante las primarias demócratas) el 15 de julio de 2004, en el Auditorium Theatre de Chicago. Esta actuación, junto con las realizadas en el Greek Theatre de Los Ángeles y en el Cape Cod Melody Tent en Hyannis (Massachusetts) se grabaron para ser editadas como disco en directo con el nombre de The Living Room Tour, que fue editado cómo álbum el 12 de julio de 2005. Durante 2005 la gira "The Living Room Tour" se trasladó a Canadá.


Premios y reconocimiento: En 1990, Carol King fue admitida, junto con Jerry Goffin, su ex marido y coautor de muchas de sus composiciones, en el Rock and Roll Hall of Fame por sus contribuciones como compositores.
En 2007, Carole fue también admitida en el Long Island Music Hall of Fame. Fuente Wikipedia

lunes, 18 de mayo de 2009

Marlene Dietrich

Marlene DietrichMarlene Dietrich

Marlene Dietrich en 1935Marlene Dietrich en 1935


Marie Magdalene Dietrich, llamada Marlene Dietrich (Berlín, 27 de diciembre, 1901 – París, 6 de mayo, 1992), fue una actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense. Es considerada como uno de los mitos del llamado Séptimo Arte.

Nacida en el barrio berlinés de Schöneberg, Alemania, fue hija de Louis Erich Otto Dietrich y Wilhelmina Elisabeth Josephine Felsing. Tenía una hermana dos años mayor que ella llamada Elisabeth. Marlene Dietrich tocaba el violín antes de entrar en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921. Hizo su debut en el cine dos años después (aunque los historiadores insistenen que Dietrich apareció como extra en un filme alemán de 1919). Tras empezar su carrera en películas alemanas (mientras bailaba además en coros de cabaret y en algunas obras menores), obtuvo un papel en la primera película europea sonora, El ángel azul (1930), dirigida por Josef Von Sternberg.

Josef von Sternberg construyó en torno a Marlene Dietrich el mito de la diva, ya que le rindió pública devoción.

Marlene Dietrich viajó a Hollywood para rodar Marruecos (1930), por la cual recibió su única nominación al premio Oscar. Su contribución a la historia del cine más recordada es como estrella en varios filmes dirigidos por von Sternberg a comienzos de los años 1930, tales como Capricho Imperial y Expreso de Shangai, en los cuales interpreta a femmes fatales. En Devil is a woman (El Diablo era mujer), basada en un relato de Pierre Louys, encarnó a una española «de rompe y rasga», con múltiples tópicos que motivaron las protestas del gobierno de la II República española; la película fue prohibida en el país.

Gradualmente Marlene amplía su repertorio en Arizona, Berlín Occidente y Testigo de cargo (bajo la dirección de Billy Wilder), Sed de mal (Touch of evil) de Orson Welles y Vencedores o vencidos, sobre los Juicios de Núremberg. En esta última película, tiene una hermosa escena en la que pasea por la calle con el actor Spencer Tracy y escuchan como música de fondo de una taberna alemana la famosa canción Lili Marleen que ella popularizó y que ella misma traduce al inglés en la película.

Fue poseedora del título de «las piernas perfectas», tanto que fueron aseguradas por un millón de dólares. Fue la única estrella capaz de hacer sombra al colosal destello de Greta Garbo, con la que vivió una relación lésbica en su juventud. Su deslumbrante presencia e innegable glamour hicieron de Marlene una de las auténticas divas en la historia del cine.

Dietrich cantó en varios de sus filmes; muy señaladamente en El ángel azul, de Von Sternberg, en el cual canta Enamorándome otra vez (en alemán, Ich bin von Kopf bis Fuss auf Liebe eingestellt), grabada en Alemania en la década de 1920. Tras una etapa floja en su carrera, grabó varios discos para Decca, Elektrola, EMI y Columbia. Grabó una famosa versión de Lili Marleen. Su característica voz fue luego satirizada en algunas canciones.

En 1937, a la vez que su carrera cinematográfica se detenía, Dietrich se nacionalizó norteamericana. En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Dietrich fue una de las primeras estrellas en recaudar bonos de guerra estadounidenses, además de entretener a las tropas en el frente, y fue muy conocida por sus fuertes convicciones políticas. Fue una firme anti-nazi que despreció las políticas antisemitas de su tiempo. Incluso grabó varios discos antinazis en alemán, incluyendo Lili Marlene, un ejemplo curioso de una canción transcendiendo los odios de la guerra. Además tocaba la sierra musical para entretener a las tropas y cantó para los aliados en Argelia, Francia y en Alemania con los generales James M. Gavin y George S. Patton. Cuando le preguntaron por qué lo había hecho a pesar del evidente peligro, contestó su ya famosa frase: «aus Anstand» («por decencia»).

A diferencia de su vida profesional, cuidadosamente manejada, mantuvo su vida personal alejada del público. Marlene era famosa por su pulcra apariencia, su buen vestir (impuso la moda del pantalón femenino) y su imagen de femme fatale, fue icono de la elegancia y el glamour, siempre apareció como parte del jet set hollywodense.

Se casó con el asistente de director Rudolf Sieber, un católico que más tarde se convirtió en director de Paramount Pictures en Francia.

Su única hija, Maria Elisabeth Sieber (nombre de casada, Maria Riva), nació el 13 de diciembre, de 1924. Cuando Maria Riva dio a luz a un hijo en 1948, Dietrich recibió el apodo de «la abuela más glamourosa del mundo». El gran amor de la actriz, sin embargo, fue el actor y héroe militar francés Jean Gabin.

Maria Sieber (Riva, cuando casada), dio a conocer una controvertida e impactante biografía de su madre, Marlene Dietrich por su hija, Maria Riva, donde destaca varias intimidades sexuales de la actriz, facetas desconocidas de ella y del ambiente hollywoodiense de la época.

Adicionalmente, Dietrich demostró ser bisexual y tuvo romances con mujeres: Mercedes de Acosta, Claudette Colbert y, supuestamente, la mítica Greta Garbo y María Félix, además de muchos hombres, como Yul Brynner. Incluso se dijo de ella que nunca le gustó el sexo realmente, lo que quedó confirmado cuando se publicó el libro de su hija, María Sieber en el cual habla de los gustos sexuales de su famosa madre. A pesar de tener numerosos amantes, la práctica del acto sexual nunca gustó del todo a Dietrich.

De los años 1950 a mediados de los años 1970, Dietrich hizo giras internacionales como gran actriz de cabaret. Su repertorio incluía canciones de sus películas, así como canciones populares de aquel entonces. Hasta la mitad de los años 1960, su director musical fue el famoso compositor Burt Bacharach. Sus arreglos ayudaron a disfrazar su limitado rango de voz y le permitieron interpretar sus canciones al máximo grado de efectos dramáticos.

Espectaculares vestuarios (de Jean Louis), trajes de látex, luces cuidadosamente utilizadas, y -se rumorea- leves estiramientos faciales improvisados (estirando su piel al hacerse apretadas y tensas trenzas y luego poniendo sensuales pelucas), la ayudaron a conservar su glamorosa imagen aún a cierta edad.

En 1968, recibió un Premio Tony por su espectáculo de teatro, y éste fue transmitido por televisión en 1973.

Su carrera en el espectáculo terminó en 1974, cuando se rompió una pierna en el escenario. Apareció brevemente en la película Gigoló (Just A Gigolo), en 1979, junto a Kim Novak y David Bowie. Además, escribió y contribuyó a varios libros en los años 1980. Pasó su última década principalmente en reposo en su apartamento en la avenida Montaigne de París, Francia, tiempo en el cual no fue vista en público, pero fue muy aficionada a escribir cartas y llamar por teléfono. Maximilian Schell la persuadió para ser entrevistada para su documental de 1984 Marlene, pero no apareció en pantalla. No estuvo mucho en contacto con su hija, Maria Riva, quien competía con ella en los mismos ámbitos, pero sí con su nieto, Peter Riva. Su esposo, Rudolf Sieber, murió de cáncer el 24 de junio de 1976.

En una entrevista para la revista alemana Der Spiegel en noviembre de 2005, su hija y nieto afirmaron que Marlene Dietrich estuvo políticamente "activa" durante esos años; mantuvo contacto telefónico con prominentes gobernantes, gastando más de 3.000 dólares mensuales en llamadas telefónicas. Sus contactos incluían Ronald Reagan y Mijaíl Gorbachov, aunque su influencia sobre ellos se desconoce.


Dietrich murió tranquilamente el 6 de mayo de 1992, a los 90 años, en París. Su cortejo fúnebre fue realizado en la iglesia de La Madeleine de París ante 3.500 dolientes y una multitud fuera del templo. Su cuerpo, cubierto con una bandera norteamericana, fue enviado a Berlín donde fue enterrada en el cementerio municipal de Berlin-Schöneberg, su lugar de nacimiento. Marlene Dietrich dijo al amigo que le acompañaba en el dormitorio de su lujosa vivienda en París, justo antes de morir: «Lo quisimos todo, y lo conseguimos, ¿no es verdad?»

En 1994, su memorabilia (documentos y objetos personales) fue vendida a la Cineteca de la Fundación Alemana (después de que instituciones norteamericanas no mostraron interés en ella) donde fueron el centro de atención de la exhibición[1] del Centro Sony de Potsdamer Platz, Berlín.

Dietrich nunca se integró realmente en la industria del ocio de Hollywood, siendo siempre independiente del gusto general en su país de adopción. Su fuerte acento alemán dio un toque extra a sus interpretaciones, pero la etiquetó como "extranjera" a los ojos de los norteamericanos.

Fue además un icono de la moda para los altos diseñadores así como para las estrellas que la sucedieron. Popularizó, entre otras prendas, el uso de pantalones, lo cual, junto con su imagen pública y las insinuaciones de bisexualidad en alguna de sus películas, contribuyó a menudo a crear fuertes rumores, nunca confirmados por ella, sobre su vida sentimental.Fuente Wikipedia

domingo, 17 de mayo de 2009

Orquesta de Lancy-Genève

Orquesta de Lancy-GenèveOrquesta de Lancy-Genève

Orquesta de Lancy-GenèveOrquesta de Lancy-Genève



Fundada en 1975 por Roberto Sawicki, su actual director musical, la Orquesta de Lancy-Genève reúne a músicos profesionales de alto nivel, entre los cuales miembros de la Orquesta de la Suisse Romande. Actuando principalmente en la región de Ginebra, el conjunto se presenta regularmente en Francia y ha ofrecido conciertos en Hungría, Polonia, Bulgaria, Checoslovaquia, Rumania, España y América del Sud.
Fundada en 1975 por Roberto Sawicki, su actual director musical, la Orquesta de Lancy-Genève reúne a músicos profesionales de alto nivel, entre los cuales miembros de la Orquesta de la Suisse Romande. Actuando principalmente en la región de Ginebra, el conjunto se presenta regularmente en Francia y ha ofrecido conciertos en Hungría, Polonia, Bulgaria, Checoslovaquia, Rumania, España y América del Sud.

Fundamentalmente orquesta de cuerdas, la Orquesta de Lancy-Genève incorpora con frecuencia otras familias de instrumentos, tales como vientos y percusiones; flexibilidad que le permite abordar un vasto repertorio, desde la época barroca a la contemporánea. En los programas de la Orquesta de Lancy-Genève figuran habitualmente los grandes clásicos como Haydn, Mozart, Grieg, Tchaikovsky, Bartok , Bloch y los argentinos Ginastera , Piazzolla, Aguirre, Stalman , Cosentino.

Explorando sin cesar repertorios diferentes y nuevos, Roberto Sawicki se inclina igualmente hacia el cuarteto de cuerdas y elige cuidadosamente partituras cuya escritura contiene en potencia una dimensión orquestal . Es así como ha interpretado con su conjunto, cuartetos de Schubert, Verdi, Tchaikovsky y Ginastera. Además Roberto Sawicki y el violista Zoltan Kacsoch han realizado juntos y en colaboración con Adrián Kreda, numerosas transcripciones para esta orquesta. Citemos como las más recientes, obras de Verdi, “Catfishraw” de Gershwin, la suite “Baal Shem” de Bloch y “Pampeana No.2 » de Ginastera.

Entre los conciertos memorables, se puede mencionar, especialmente, la creación “romande” de la Tercera Sinfonía de Gorecki en la Catedral de Ginebra, el concierto ofrecido en la Radio Suisse Romande en homenaje a Bloch y recientemente en el Conservatorio de Ginebra, el homenaje a Ginastera, conciertos que tuvieron muchos ecos favorables en la prensa ginebrina. Desde hace algunos años, la Orquesta se distingue igualmente en el dominio del disco. Su grabación dedicada a Ernest Bloch, en particular, atrajo la atención de la revista francesa “Diapasón” que le otorgó la distinción “5 diapasones”, en su número de septiembre de 2001. Está en preparación un CD dedicado a Alberto Ginastera. Fuente web de la orquesta

Roberto Sawicki (Director de la Orquesta de Lancy-Genève)

Roberto SawickiRoberto Sawicki


Roberto Sawicki: Violinista y director de orquesta, Roberto Sawicki realiza sus estudios musicales en Buenos Aires, su ciudad natal. En Argentina gana varios concursos prestigiosos entre los cuales se destacan el Concurso de Santa Fe (ejecución del concerto de Dvorak con orquesta), y el Premio Beethoven que recompensa su interpretación del concerto para violín en re mayor del compositor alemán.

Entre 1970 y 1975, Roberto Sawicki es primer violín en la Orquesta de la Suisse Romande. En 1975, funda su propio conjunto musical: el nacimiento de la Orquesta de Lancy-Genève marca el inicio de una larga y fructífera labor. En 1977, crea los “Estivales Océans” en la costa atlántica francesa, un festival que animará durante más de veinte años junto con su orquesta.

En el marco de los conciertos por la paz Roberto Sawicki ha interpretado un programa que incluyó obras de los compositores Abdel Rahim y Ernest Bloch, tanto en la Opera de El Cairo como en numerosas ciudades de Israel. Desde el año 2002 es músico invitado al Festival Internacional de Música de Buenos Aires que tiene lugar en el Teatro Colón. Roberto Sawicki es asimismo profesor del Conservatorio Popular de Música de Ginebra.