sábado, 16 de agosto de 2008

Alfredo De Angelis

Alfredo De AngelisAlfredo De Angelis

Alfredo De Angelis en pleno apogeo de su orquesta, con su más exitosa pareja de voces: Carlos Dante y Julio Martel. 1946.


Alfredo De AngelisAlfredo De Angelis


DE ANGELIS, Alfredo: Pianista, director y compositor(2 de noviembre de 1910 – 31 de marzo de 1992) Apodo: El colorado
Nació en la localidad de Adrogué —provincia de Buenos Aires—el 2 de noviembre de 1912Hijo del violinista Virgilio De Angelis. En 1922 inició sus estudios musicales al cuidado del maestro Guillermo Olson, consagrando sus inquietudes artísticas al bandoneón, instrumento con el cual debutó en público durante un festival escolar. Se dedicó más tarde al piano, despuntando su carrera como ejecutante de una academia de baile de Suipacha al 300 y en torno de 1930. Poco después —corría 1932— Anselmo Aieta requirió sus servicios para la orquesta que dirigía en el café Germinal, abando- nando, por la música, las perspectivas de su ya obtenido título de perito mercantil.
Continuó su trayectoria como pianista solista en salas cienematográficas de barrio, colaborando, en 1934, con Graciano De Leone, cuando el veterano bandoneón presentaba uno de sus conjuntos por la desaparecida Radio Ultra. Pasó, luego, a la agrupación de Daniel Álvarez, con el cual, en 1936, compartió el cartel como orquesta Álvarez-De Angelis. Hacia 1939, formó como pianista de la orquesta Los Mendocinos, conducida por Francisco Lauro, última instancia antes de la integración de su propio conjunto. Debutó con éste el 20 de marzo de 1941, en el palco del café Marzotto y ante los micrófonos de Radio Splendid primero, luego en El Mundo, con Héctor Morea y Floreal Ruiz como vocalistas, sucediéndolo poco más tarde a aquél, Julio Martel. Su primer disco para Odeón —casa que lo ha contado en su elenco artístico desde entonces— tuvo en sus fases los tangos Marioneta y Qué buena es, con el estilo orquestal y perfectamente definido en su escasa ambición musical, su elemental concepción armónica y la constitutiva limitación de ideas, propia de la modalidad exclusivamente destinada a servir a la danza. La atracción de las voces que desfilaron, a través de veinticinco años largos de actuación ininterrumpida, fue también uno de los pilares de su permanente suceso: a las figuras iniciales se sucedieron Carlos Dante, Oscar Larroca, Roberto Florio, Lalo Martel y otros, cultores del repertorio preferentemente estructurado sobre la base de páginas cantables que impuso a su labor. Sus versiones de Mocosita, Alelí, Gloria, Pastora, Bajo el cono azul y Cómo nos cambia la vida, son bien representativas de su modo interpretativo, extendido sin variantes sustanciales a composiciones instrumentales de excelente elección como El pial y Flores negras. Tomó parte en la realización de varias películas, entre ellas Al Compás de tu Mentira (1950), en la cual ejecutó a dos pianos, con Osmar Maderna, un tema de tango romanza. Su primer suceso de compositor fue Pregonera, en 1945, al cual siguieron Pastora, Alelí, Pimpollo roto. Mi cariñito, Mañanita linda, Qué lento corre el tren, entre las piezas para canto, y el instrumental El taladro.Fuente Horacio Ferrer
Alfredo De AngelisAlfredo De Angelis

De Angelis con los cantores Godoy y Florio


Biografia 2 por Ricardo Garcia Blaya de Todotango
En la segunda mitad de la década del treinta las músicas internacionales prevalecían sobre el tango, a tal punto, que nuestras orquestas típicas más tradicionales incluían en su repertorio foxtrots, polcas, corridos, pasodobles, congas y rumbas. Desde Canaro, Lomuto y la Típica Víctor, hasta De Caro y Fresedo, mixturaron los tangos con las músicas más extravagantes. Pero la irrupción del ritmo audaz y vertiginoso de Juan D'Arienzo, coloca nuevamente al tango en la preferencia de los jóvenes, que no sólo recuperaron el gusto por su danza, sino que también se lanzaron a recrearlo.

Alfredo De AngelisAlfredo De Angelis

Alfredo De Angelis, c. 1930, cuando ya había dejado el bandoneón por el piano y tocaba con Anselmo Aieta.

Aparecieron entonces, cientos de orquestas y vocalistas, produciéndose el renacimiento del “dos por cuatro” y así, la maravillosa década del cuarenta.
Alfredo De Angelis se inscribe dentro del grupo de orquestas que pusieron el acento en el baile. Esto sin embargo no significa que carecieran de valor artístico, por el contrario, eran afiatadas, muy bien orquestadas y contaban con grandes músicos y vocalistas.
Nuestra elite intelectual siempre peyorizó lo popular, lo que prendía rápidamente en el gusto de la gente, porque no valorizaba, ni valoriza, el fenómeno sociocultural que significa la danza.
Siempre escuché decir sobre De Angelis que era una orquesta “calesita”, que sólo servía en el salón, que le faltaba creatividad. Supongo que el adjetivo hacía alusión, a la curiosa modalidad de los bailarines de recorrer el terreno girando ordenadamente alrededor del perímetro de la pista. Desde otra óptica, la crítica podía apuntar a la música fácil, elemental y rutinaria de las calesitas (carruseles). A estas definiciones las encuentro dasafortunadas.
De Angelis tuvo la belleza de un trabajo armonioso y sincronizado, del que resultaba un tango prolijo y sencillo, logrado con un eficaz manejo del ritmo y muy respetuoso de la melodía y del lucimiento del cantante.
Se dirá que el estilo era simple y la fórmula poco ambiciosa se repetía, pero hoy, a la distancia, me deleito escuchando sus grabaciones algunas de ellas antológicas. "Al pie de la Santa Cruz", "La brisa", "Ya estamos iguales" (con la voz de Carlos Dante), "Marioneta" (a cargo de Floreal Ruiz), "Atenti pebeta", "Un tango y nada más", "De igual a igual" (con Julio Martel).
Nació en la localidad de Adrogué (sur del gran Buenos Aires) y de muy chico comenzó a aprender solfeo y armonía. Sus primeras actuaciones fueron acompañando al cantor Juan Giliberti, que anunciaba sus presentaciones con carteles que afirmaban que el propio Gardel lo había reconocido como su sucesor.
Al poco tiempo pasa a la orquesta de Anselmo Aieta reemplazando al pianista Juan Polito. Como dato curioso, en aquella formación participaba como violinista Juan D'Arienzo.
Conjuntamente con el bandoneonista Ernesto de la Cruz, acompaña al cantor Félix Gutiérrez, exitoso estribillista de varias orquestas de la época. Fugazmente, allá por 1934, pasa por la orquesta de Graciano de Leone. Después arma un binomio con Daniel Álvarez y más tarde, integra la orquesta Los Mendocinos dirigida por Francisco Lauro.

Orquesta Alfredo De Angelis Es recién a partir de 1940 que forma su propia orquesta, debutando el 20 de marzo de 1941 en el café Marzotto de la calle Corrientes, con los vocalista Héctor Morea, quien es el único de sus cantores que no llega al disco.
Actúa en radio El Mundo, con las voces del referido Morea y de su nueva incorporación, Floreal Ruiz. Así llegamos al “Glostora Tango Club”, mítico programa radial que se emitía diariamente y que estaba un ratito antes del más popular de los radioteatros: “Los Pérez García”.
Así, De Angelis adquirió fama y popularidad y no resultó extraño que el sello Odeon lo incorporara en su elenco artístico, donde grabó 486 temas, desde el 23 de julio de 1943 al 21 de enero de 1977.
De Angelis se caracterizó por haber elegido muy buenos cantores, basten como ejemplo: Floreal Ruiz, Carlos Dante, Julio Martel, Oscar Larroca, Juan Carlos Godoy, Roberto Florio, Roberto Mancini, Lalo Martel, entre otros.
El caso de Carlos Dante es muy especial porque ya había sido un consagrado estribillista y llega a la orquesta en su plenitud, convirtiéndose en su mejor cantor, su sello distintivo.
Alfredo De Angelis fue en el cuarenta el propulsor de los dúos vocales. Recorriendo su discografía se destacan en primer lugar el binomio Dante-Martel con sus “perlas” "Pregonera", "Remolino" y "Pastora", entre otros. Luego el dúo Dante-Larroca, después Juan Carlos Godoy con Lalo Martel y Roberto Mancini.
Es autor de "El taladro", en homenaje al club de fútbol Banfield, de "Pregonera", "Pastora" (ambos con letra de José Rótulo), "Qué lento corre el tren" (letra de Carmelo Volpe) y de esa maravilla melódica que es "Remolino" (también con Rótulo).
De Angelis no tuvo la impronta de Troilo ni de Pugliese, pero fue un director honesto que se refugió en un tango tradicional que llegaba fácilmente al reconocimiento popular. La prueba está en la cantidad de discos que grabó y que tuvieron un impresionante éxito comercial.



In English
De Angelis, Alfredo: Pianist, director and composer (November 2, 1910 - March 31, 1992) Nickname: The colorado
Born in the town of Adrogué-province of Buenos Aires on November 2, the violinist 1912Hijo Virgilio De Angelis. In 1922 began his musical studies in the care of teacher William Olson, devoting his artistic concerns the bandoneon, an instrument with which debuted during a festival in public school. It later spent at the piano, tipping his career as a performing a dance academy at Suipacha 300 and around 1930. Shortly after-ran 1932 - Anselmo Aieta required its services for the orchestra led in coffee Germinal, left-ing, music, the prospects for its already obtained an expert commercial.
He continued his career as a solo pianist in theaters cienematográficas neighborhood, working in 1934, with Graciano De Leone, where the veteran bandoneon presented one of their sets by the defunct Radio Ultra. He, then, a grouping of Daniel Alvarez, with whom, in 1936, shared the cartel-like orchestra Alvarez De Angelis. By 1939, trained as a pianist of Mendocinos The orchestra, conducted by Francisco Lauro, before ultimately integrating its own set. He made his debut with him on March 20, 1941, at the stage of coffee and Marzotto before the microphones of Radio Splendid first, then in El Mundo, with Hector Ruiz Morea and Floreal as vocalists and succeeded by bit later than, Julio Martel. His first record for Odeon-house which has counted on its artistic cast since then-took the stage and puppet tangos Which is good, with orchestral style and clearly defined limited ambition in his music, his elementary harmonic conception and the constitutive limitation of ideas, typical of the pattern exclusively designed to serve the dance. The attraction of the voices who marched, through long twenty-five years of uninterrupted action, was also one of the pillars of its ongoing success: the initial figures succeeded Carlos Dante, Oscar Larroca, Robert Florio, Lalo Martel and others, cultores repertoire preferably structured on the basis of pages vocalist who imposed their work. His renditions of Mocosita, Alelí, Gloria, Pastora, Under the blue cone and do we change the life, are well representative of their mode of interpretation, extended without substantial variations of instrumental compositions excellent choice as The pial and black flowers. Took part in the realization of several films, among them Al Compás your Lie (1950), which ran for two pianos, Osmar Maderna, a subject of tango romanza. His first event was Pregonera composer in 1945, which followed Pastora, Alelí, Pimpollo broken. My cariñito, Mañanita nice, do slow the train runs between the pieces for singing, and instrumentation The taladro.Fuente Horacio Ferrer


Biography 2 by Ricardo Garcia Blaya of Todotango
In the second half of the thirties music took precedence over international tango, to the point that our more traditional tango orchestras included in his repertoire foxtrots, polkas, corridos, pasodobles, congas and rumbas. Since Canaro Typical Lomuto and Victor, until De Caro and Fresedo mixture tangos with the most extravagant music. But the emergence of bold and dizzying pace of John D'Arienzo, positioned again to tango in the preference of young people, who not only regained his taste for dance, but also took to recreate it.
Then, hundreds of orchestras and vocalists, leading the rebirth of "two by four" and so, the wonderful forties.
Alfredo De Angelis is part of the group of orchestras that put the emphasis on dancing. This however does not mean that lacked artistic value, by contrast, were afiatadas well-orchestrated and had great musicians and vocalists.
Our intellectual elite peyorizó always popular, Prendes quickly that the taste of people, because no recovery, nor valued, the sociocultural phenomenon that means dance.
Always heard that De Angelis was an orchestra "Carousel," which only served in the lounge, which lacked creativity. I suppose the adjective referring to the curious form of the dancers to tour the ground orderly turning around the perimeter of the track. From another perspective, critics could point to the music easy, elementary and routine of calesita (carousels). These definitions dasafortunadas the meeting.
De Angelis was the beauty of a harmonious and synchronized work of a tango that was neat and simple, achieved with an efficient handling of pace and very respectful of the melody and the showcasing of the singer.
It will say that the style was simple and unambitious formula was repeated, but today, at the distance, I am delighted listening to his recordings some of them anthological. "At the foot of the Holy Cross," "breeze", "We are already equal" (with the voice of Carlos Dante), "puppet" (by Floreal Ruiz), "Atenti pebeta", "One tango and nothing else "," Equal footing "(with Julio Martel).
Born in the town of Adrogué (south of Buenos Aires great) and very boy began to learn music theory and harmony. His first performances were accompanying the singer John Giliberti, announcing their presentations with posters claiming that he had Gardel himself recognized as his successor.
Soon thereafter becomes the orchestra Anselmo Aieta replacing the pianist John Polito. As curious information, participated in that training as a violinist John D'Arienzo.
Together with the bandoneonist Ernesto de la Cruz, accompanied the singer Felix Gutierrez, successful refrain from several orchestras of the time. Fleeting, back in 1934, passing through the orchestra Graciano de Leone. After a gun team with Daniel Alvarez and later integrates Mendocinos The orchestra led by Francisco Lauro.

Orchestra Alfredo De Angelis is just after 1940 forming his own orchestra, debuting on March 20, 1941 in coffee Marzotto on Corrientes Street, with vocalist Hector Morea, who is the only one of their singers who do not reach the record .
It acts on radio El Mundo, with the voices of that Morea and its new addition, Floreal Ruiz. Thus we come to "Glostora Tango Club", legendary radio program that is broadcast daily and that it was un ratito before the most popular radio: "Perez Garcia."
Thus, De Angelis gained fame and popularity and it was not strange that the Odeon incorporate into their artistic cast, where he recorded 486 items, from July 23, 1943 to January 21, 1977.
De Angelis was characterized by having chosen very good singers, suffice as an example: Floreal Ruiz, Carlos Dante, Julio Martel, Oscar Larroca, Juan Carlos Godoy, Robert Florio, Roberto Mancini, Lalo Martel, among others.
The case of Carlos Dante is very special because it had been a devoted and refrain comes to the orchestra in its fullness, becoming its best singer, his hallmark.
Alfredo De Angelis was in the forties the propellant of vocal duets. Walking his discography highlights the first-team Dante Martel with his "pearls" "Pregonera", "Whirlpool" and "Pastora," among others. Then the duo Dante-Larroca, after Juan Carlos Godoy with Lalo Martel and Roberto Mancini.
He is the author of "The drill", in homage to the football club Banfield, "Pregonera", "Pastora" (both with lyrics by Joseph Banner), "What is the slow train" (lyrics by Caramel Volpe) and marvel that that is melodic "Whirlpool" (also with Banner).
De Angelis did not have the imprint of Troilus nor Pugliese, but he was an honest leader who took refuge in a traditional tango that came easily to popular recognition. The proof is in the amount of records and that they had recorded an impressive commercial success

viernes, 15 de agosto de 2008

Count Basie en español and in English

Count Basie

Count Basie
Count Basie and you Big Band


El hombre que iba a ser líder de una de las mas extraordinarias orquestas de jazz de toda la historia y haría de ella el paradigma absoluto de "swing band" a imitar, empieza a recibir sus primeras clases de piano de su madre, una lavandera enamorada de la música. En 1923 se marcha a New York y escucha a los grandes pianistas del estilo "stride" imperante en la época: Fats Waller, James P. Johnson y Willie "The Lión" Smith, principalmente. Su primer trabajo profesional importante llega en 1925 cuando le contratan en el grupo que acompaña a la cantante y bailarina, Katie Krippen. Poco después participa en el "vaudeville", un género de música con letras picantes, que realiza el famoso "circuito TOBA" siglas del "Theatre Owners Booking Association", sindicato de empresarios especializados en espectáculos para negros en los EE.UU.

En 1929, en Kansas City, entra a formar parte de una de las mejores bandas de la ciudad, la del pianista, Bennie Moten, de la que al poco tiempo es su pianista titular y desde donde graba sus primeros solos en discos. Cuando la banda se disuelve tras el fallecimiento de Bennie, le contratan en el Reno Club de la ciudad desde donde empieza a exportar el sonido que le haría famoso en el mundo entero y en esa orquesta ya estaba en la cuerda de saxos, un músico que revolucionaría la forma de tocar el instrumento: el gran Lester Young. El club Reno, tenía un acuerdo con una radio local que varios días a la semana conectaba en directo con el club y dado que esa emisora estaba conectada a una cadena de programas que se oían por todo el país, el promotor neoyorquino, John Hammond, escucha una noche de 1935 en el radio de su coche aquélla orquesta y se queda impresionado por el swing que generaba la banda de Count Basie.

Apenas unas semanas después, Count Basie firma un contrato discográfico con la compañía DECCA, y comienza así una fulgurante carrera musical que le hizo famoso y popular. La II Guerra mundial apareció en el escenario y aquélla banda con solistas espléndidos como el ya citado saxofonista, Lester Young o Hershel Evans, los trompetistas, Buck Clayton o Harry Edison, tuvo una época de transición que una vez terminado el conflicto bélico explotó de nuevo. Norman Granz, el famoso productor lo contrata para su sello Verve en 1952 y Basie resurge como el Ave Fénix de sus cenizas con un concepto de música ya muy maduro y en la que introduce cambios importantes en su orquesta. Amplía la banda con cuatro trompetas, tres trombones, cinco saxos y cuatro de rítmica. El volumen sonoro aumenta y el sonido está mas trabajado. Incorpora grandes solistas, entre ellos el magnifico, Freddie Green y también al cantante, Joe Williams.

Así a partir de aquellos años, y durante toda la década de los sesenta y durante los últimos veinte años de su vida, Count Basie se va a transformar junto con su orquesta en toda una institución y ya no pasará un año en que no realice giras por todo el mundo e incluso participe en algunas películas. Count Basie fallece mientras dormía el 26 de abril de 1984, y con el se fue el más grande, junto con Duke Ellington, líder de bigband de toda la historia del jazz.

Count Basie

Count Basie and band, with vocalist Ethel Waters, from the film Stage Door Canteen (1943)


In English
William "Count" Basie (August 21, 1904 – April 26, 1984) was an American jazz pianist, organist, bandleader, and composer. Widely regarded as one of the most important jazz bandleaders of his time, Basie led his popular Count Basie Orchestra for almost 50 years. Many notable musicians came to prominence under his direction, including tenor saxophonists Lester Young and Herschel Evans, trumpeters Buck Clayton and Harry "Sweets" Edison and singers Jimmy Rushing and Joe Williams. Basie's theme songs were "One O'Clock Jump" and "April In Paris".

Early life
William James Basie was born in Red Bank, New Jersey to Harvey Lee Basie and Lillian Ann Childs, who lived on Mechanic Street.[1] His father worked as a coachman and caretaker for a wealthy judge. After automobiles replaced horses, his father became a groundskeeper and handyman for several families in the area.[2] His mother took in laundry and baked cakes for sale and paid 25 cents a lesson for piano instruction for him.[3]

Basie was not much of a student and instead dreamed of a traveling life, inspired by the carnivals which came to town. He only got as far as junior high school.[4] He would hang out at the Palace theater in Red Bank and did occasional chores for the management, which got him free admission to the shows. He also learned to operate the spotlights for the vaudeville shows. One day, when the pianist didn’t arrive by show time, Basie took his place. Playing by ear, he quickly learned to improvise music appropriate to silent movies.[5]

Though a natural at the piano, Basie preferred drums. However, the obvious talents of another young Red Bank drummer, Sonny Greer (who was Duke Ellington's drummer from 1919 to 1951), discouraged Basie and he switched to piano exclusively by age 15.[6] They played together in venues until Greer set out on his professional career. By then Basie was playing with pick up groups for dances, resorts, and amateur shows, including Harry Richardson’s “Kings of Syncopation”.[7] When not playing a gig, he hung out at the local pool hall with other musicians where he picked up on upcoming play dates and gossip. He got some jobs in Asbury Park, playing at the Hongkong Inn, until a better player took his place.[8]


Early career
Around 1924, he went to Harlem, a hotbed of jazz, living down the block from the Alhambra Theater. Early after his arrival, he bumped into Sonny Greer, who was then the drummer for the Washingtonians, Duke Ellington’s early band.[9] Soon, Basie met many of the Harlem musicians who were making the scene, including Willie “the Lion” Smith and James P. Johnson.

Basie toured in several acts between 1925 and 1927, including Katie Krippen and Her Kiddies as part of the Hippity Hop show, on the Keith, the Columbia Burlesque, and the Theater Owners Bookers Association (T.O.B.A.) vaudeville circuits, as a soloist and accompanist to blues singers Katie Krippen and Gonzelle White.[10][11] His touring took him to Kansas City, St. Louis, New Orleans, and Chicago. Throughout his tours, Basie met many great jazz musicians, including Louis Armstrong.[12]

Back in Harlem in 1925, Basie got his first steady job at Leroy’s, a place known for its piano players and its “cutting contests”, The place catered to “uptown celebrities”, and typically the band winged every number without sheet music (using “head” arrangements).[13] He met Fats Waller, who was playing organ at the Lincoln Theater accompanying silent movies, and Waller taught him how to play that instrument (Basie later played organ at the Eblon Theater in Kansas City).[14] As he did with Duke Ellington, Willie “the Lion” Smith helped Basie out during the lean times arranging gigs at house-rent parties, introducing him to other top musicians, and teaching him some piano technique.[15]

In 1928 Basie was in Tulsa and heard Walter Page and his Famous Blue Devils, one of the first big bands, which featured Jimmy Rushing on vocals.[16] A few months later, he was invited to join the band, which played mostly in Texas and Oklahoma. It was at this time that he began to be known as "Count" Basie (see Jazz royalty).[17]


Kansas City years
The following year, Basie became the pianist with the Bennie Moten band based in Kansas City, inspired by Moten’s ambition to raise his band to the level of Duke Ellington’s or Fletcher Henderson’s.[18] Where the Blue Devils were ”snappier” and more “bluesy”, the Moten band was classier and more respected, and played in the “Kansas City stomp” style.[19] In addition to playing piano, Basie was co-arranger with Eddie Durham, who actually did the notating.[20] During a stay in Chicago, Basie recorded with the band. He occasionally played four-hand piano and dual pianos with Moten, who also conducted.[21] The band improved with several personnel changes, including the addition of sax man Ben Webster.

When the band voted Moten out, Basie took over for several months as Count Basie and his Cherry Blossoms until the band folded, when he returned to Moten's newly re-organized band.[22] When Moten died in 1935 after a surgical procedure, the band unsuccessfully attempted to stay together. Then Basie formed a new band, which included many Moten alumni, with the important addition of tenor saxophone player Lester Young. They played at the Reno Club and sometimes were broadcast on local radio. Late one night with time to fill, the band started improvising. Basie liked the results and named the piece "One O'Clock Jump".[23] According to Basie, “we hit it with the rhythm section and went into the riffs, and the riffs just stuck. We set the thing up front in D-flat, and then we just went on playing in F”. It became his signature tune.[24]


[edit] Hammond and first recordings

Basie and band, with vocalist Ethel Waters, from the film Stage Door Canteen (1943)At the end of 1936, Basie and his band, now billed as Count Basie and His Barons of Rhythm, moved from Kansas City and honed their repertoire at a long engagement at the Grand Terrace Ballroom in Chicago.[25] Right from the start, Basie’s band was noted for its rhythm section. Another Basie innovation was the use of two tenor saxophone players; at the time, most bands had just one. When Lester Young complained of Herschel Evans' vibrato, the two were split apart and placed one on each side of the alto players, and soon Basie had the tenor players engaged in “duels”. Many other bands later adapted the split tenor arrangement.[26]

In that city in October 1936, members of the band participated in a recording session which producer John Hammond later described as "the only perfect, completely perfect recording session I've ever had anything to do with".[27] Hammond, according to Basie, had heard Basie’s band over short-wave radio, then he went to Kansas City to check them out.[28] It was Lester Young’s earliest recordings. Those four sides were released under the name Jones-Smith Incorporated because Basie had already signed with Decca Records but had not started recording for them (his first Decca session was January 1937). The sides included: "Shoe Shine Boy", "Evening", "Boogie Woogie", and "Oh, Lady Be Good".[29]

By now, Basie's sound was characterized by his trademark "jumping" beat and the contrapuntal accents of his own piano. His personnel around 1937 included: Lester Young and Herschel Evans (tenor sax), Freddie Green (guitar), Jo Jones (drums), Walter Page (bass), Earle Warren (alto sax), Buck Clayton and Harry Edison (trumpet), Benny Morton and Dickie Wells (trombone).[30] Lester Young, known as “Prez” by the band, came up with nicknames for all the other band members. Basie became known as “Holy Man”, “Holy Main”, and just plain “Holy”.[31]

Basie favored blues, and he showcased some of the most notable blues singers of the era: Billie Holiday, Jimmy Rushing, Big Joe Turner, Helen Humes, and Joe Williams. He also hired arrangers who knew how to maximize the band's abilities, such as Eddie Durham and Jimmy Mundy.


[edit] New York City and the Swing years
When they arrived in New York, they made the Woodside Hotel their base (where they often rehearsed in the basement). Soon, they were booked at the famed Roseland Ballroom for the Christmas show. Basie recalled a review, which in his words was something like, “We caught the great Count Basie band which is supposed to be so hot he was going to come in here and set the Roseland on fire. Well, the Roseland is still standing”.[32] Compared to the reigning band of Fletcher Henderson, Basie’s band lacked polish and presentation.[33] Hammond advised and encouraged them, and they soon came up with some adjustments, including softer playing, more solos, more standards, and saving their hottest numbers for later in the show to give the audience a chance to warm up.[34] His first official recordings for Decca followed, under contract to agent MCA, including Pennies from Heaven and Honeysuckle Rose.[35]

Hammond introduced Basie to Billie Holiday and soon she sang with the band. (Holiday didn’t record with Basie, however, as she had her own record contract and preferred working with small combos).[36] The band’s first appearance at the Apollo Theater followed, with vocalists Holiday and Rushing getting the most attention.[37] Eddie Durham came back to help with arranging and composing, but for the most part their numbers were worked out in rehearsal, with Basie guiding the proceedings, and the results written out little if at all. Once they found what they liked, they usually were able to repeat it using their collective memory.[38]

Next, Basie played at the Savoy, which was noted more for jitterbugging while the Roseland was more of a place for fox-trots and congas.[39] In early 1938, the Savoy was the meeting ground for a “battle of the bands” with Chick Webb’s group. Basie had Holiday and Webb countered with Ella Fitzgerald. As Metronome magazine proclaimed, “Basie’s Brilliant Band Conquers Chick’s”, then it went on in detail, “Throughout the fight, which never let down in its intensity during the whole fray, Chick took the aggressive, with the Count playing along easily and, on the whole, more musically scientifically. Undismayed by Chick’s forceful drum beating, which sent the audience into shouts of encouragement and appreciation and casual beads of perspiration to drop from Chick’s brow onto the brass cymbals, the Count maintained an attitude of poise and self-assurance. He constantly parried Chick’s thundering haymakers with tantalizing runs and arpeggios which teased more and more force from his adversary”.[40] The publicity over the battle, before and after, gave the Basie band a big boost and they gained wider recognition, as evidenced by Benny Goodman’s recording of One O’Clock Jump shortly thereafter.[41]

A few months later, Holiday left for Artie Shaw’s band, and was replaced by Helen Humes; she was also ushered in by John Hammond, and stayed with Basie for four years.[42] Co-arranger and trombone player Eddie Durham left for Glenn Miller’s orchestra and was replaced by Dicky Wells. Basie’s 14-man band began playing at the Famous Door, a mid-town nightspot, with a CBS network feed and air conditioning. Their fame took a huge leap.[43] Adding to their play book, Basie received arrangements from Jimmy Mundy (who had also worked with Benny Goodman and Earl Hines) particularly for "Cherokee", "Easy Does It", and "Super Chief".[44] In 1939, Basie and his band made a major cross-country tour, including their first West Coast dates. A few months later, Basie quit MCA and signed with the William Morris Agency, who got them better fees.[45]

In 1942, Basie moved to Queens with Catherine Morgan, after being married to her for a few years. On the West Coast, the band did a spot in Reveille With Beverly, a musical starring Ann Miller, and also a "Command Performance" for Armed Forces Radio with Hollywood stars Clark Gable, Bette Davis, Carmen Miranda, Jerry Colonna, and singer Dinah Shore.[46] Other minor movie spots followed including Choo Choo Swing, Crazy House, Top Man, and Hit Parade of 1943.[47] They also started to record with RCA.[48] The war years caused a lot of turn over and the band worked many play dates with lower pay. Dance hall bookings were down sharply as swing began to fade, the bebop revolution began, and the era of the pop singer was about to take hold.


[edit] Post war and later years
The big band era appeared to be over after the war, and Basie disbanded the group. For awhile, he performed in combos, sometimes stretched to an orchestra, until he re-formed his group as a 16-piece orchestra in 1952. Basie credits Billy Eckstine, a top male vocalist of the time, for prompting his return to Big Band and Norman Granz for getting him into the Birdland club and promoting the new band through recordings on the Mercury, Clef, and Verve labels.[49] The jukebox era had begun and Basie shared the exposure along with early rock'n'roll and rhythm and blues artists. Basie's new band was more of an ensemble group, with fewer solo turns, and relying less on “head” and more on written arrangements.


Count Basie Theatre in Red Bank, New JerseyBasie added touches of bop “so long as it made sense”, and he required that “it all had to have feeling”. Basie’s band was sharing Birdland with bop greats Charlie Parker, Dizzy Gillespie, and Miles Davis. Behind the occasional bop solos, though, he always kept his strict rhythmic pulse, “so it doesn’t matter what they do up front; the audience gets the beat”.[50] Basie also added flute to some numbers, a novelty at the time that became widely copied.[51] Soon, they were touring and recording again. The new band included: Paul Campbell, Tommy Turrentine, Johnny Letman, and Idris Sulieman (later Joe Newman) (trumpet); Jimmy Wilkins, Benny Powell, Matthew Gee (trombone); Paul Quinchette and Floyd Johnson (tenor sax); Marshall Royal and Ernie Wilkins (alto sax); and Charlie Fowlkes (baritone sax).[52] Downbeat said, Basie “has managed to assemble an ensemble that can thrill both the listener who remembers 1938 and the youngster who has never before heard a big band like this”.[53]

In 1954, the band made its first European tour. Jazz was especially strong in France, Holland, and Germany in the 1950’s; These countries were the stomping grounds for many ex-patriate jazz stars who were either resurrecting their careers or sitting out the years of racial divide in the United States. Neal Hefti began to provide arrangements, notably "Li’l Darlin’". By the mid-1950s, Basie's band had become one of the pre-eminent backing big bands for some of the most prominent jazz vocalists of the time. They also toured with the “Birdland Stars of 1955”, whose lineup included Sarah Vaughan, Erroll Garner, Lester Young, George Shearing, and Stan Getz.[54]

In 1957, Basie released the live album At Newport. April in Paris (arrangement by Wild Bill Davis) was a best-selling instrumental and the title song for the hit album.[55] The Basie band made two tours in the British Isles and on the second, they put on a ”Command Performance” for Queen Elizabeth II, along with Judy Garland, Vera Lynn, and Mario Lanza.[56] In 1959, Basie’s band recorded a “greatest hits” double album The Count Basie Story (Frank Foster, arranger). Later that year, Basie appeared on a television special with Fred Astaire, featuring a dance solo to Sweet Georgia Brown, followed in January 1960 by Basie performing at one of the five John F. Kennedy Inaugural Balls.[57] That summer, Basie and Duke Ellington combined forces for the recording First Time! The Count Meets the Duke, each providing four numbers from their play books.


Count Basie in concert (Cologne 1975)During the balance of the 1960s, the band kept busy with tours, recordings, television appearances, festivals, Las Vegas shows, and travel abroad, including cruises. Some time around 1964, Basie adopted his trademark yachting cap.[59] Through steady changes in personnel, Basie led the band into the 1970s. Basie made a few more movie appearances, such as the Jerry Lewis film Cinderfella (1960) and the Mel Brooks movie Blazing Saddles (1974), playing his arrangement of "April in Paris".

Basie died of pancreatic cancer in Hollywood, Florida on April 26, 1984 at the age of 79.[60] Basie was a member of the Omega Psi Phi fraternity.


The Singers
Basie hitched his star to some of the most famous vocalists of the 1950’s and 1960’s, which helped keep the Big Band sound alive and added greatly to his recording catalog. Joe Williams toured with the band and was featured on the 1957 album One O'Clock Jump, and 1956's Count Basie Swings, Joe Williams Sings, with Every Day (I have the Blues) becoming a huge hit. Ella Fitzgerald made some memorable recordings with Basie, including the 1963 album Ella and Basie!. With the 'New Testament' Basie band in full swing, and arrangements written by a youthful Quincy Jones, this album proved a swinging respite from her Songbook recordings and constant touring she did during this period. She even toured with the Basie Orchestra in the mid-1970s, and Fitzgerald and Basie also met on the 1979 albums Digital III at Montreux, A Classy Pair, and A Perfect Match, the last two also recorded live at Montreux. In addition to Quincy Jones Basie was using arrangers such as Benny Carter (Kansas City Suite), Neal Hefti ( The Atomic Mr Basie), and Sammy Nestico (Basie-Straight Ahead).

Frank Sinatra recorded for the first time with Basie on 1962's Sinatra-Basie and for a second studio album on 1964's It Might as Well Be Swing, which was arranged by Quincy Jones. Jones also arranged and conducted 1966's live Sinatra at the Sands. In November 1970, Sinatra performed in London's Royal Festival Hall with the Basie orchestra, in a charity benefit for the National Society for the Prevention of Cruelty to Children. The shows were taped for a BBC special, Sinatra: In Concert at The Royal Festival Hall. Sinatra later said of this concert "I have a funny feeling that those two nights could have been my finest hour, really. It went so well; it was so thrilling and exciting".

Basie also recorded with Tony Bennett in the early 1960s — their albums together included the live recording at Las Vegas and Strike Up the Band, a studio album. Basie also toured with Bennett, including a date at Carnegie Hall. Other notable recordings were with Sammy Davis, Jr., Bing Crosby, and Sarah Vaughn. One of Basie’s biggest regrets was never recording with Louis Armstrong, though they shared the same bill several times.[62]


Legacy
Count Basie introduced several generations of listeners to the Big Band sound and left an influential catalogue. Basie is remembered by many who worked for him as being considerate of musicians and their opinions, modest, relaxed, fun-loving, drily witty, and always enthusiastic about his music. As he summed up the key to his understated style, in his autobiography, “I think the band can really swing when it swings easy, when it can just play along like you are cutting butter”.

Other cultural connections include Jerry Lewis using "Blues in Hoss' Flat" from Basie's Chairman of the Board album, as the basis for his own "Chairman of the Board" routine in the movie The Errand Boy, in which Lewis pantomimed the movements of a corporate executive holding a board meeting. (In the early 1980s, Lewis revived the routine during the live broadcast of one of his Muscular Dystrophy Association telethons). Blues in Hoss' Flat, composed by Basie band member Frank Foster, was also the longtime theme song of San Francisco and New York radio DJ Al "Jazzbeaux" Collins. In addition, Basie is one of the producers of the "world's greatest music" that Brenda Fricker's "Pigeon Lady" character claims to have heard in Carnegie Hall in 1992's Home Alone 2: Lost in New York. Drummer Neil Peart of the Canadian rock band Rush recorded a version of "One O'Clock Jump" with the Buddy Rich Big Band, and has used it at the end of his drum solos on the 2002 Vapor Trails Tour and Rush's 30th Anniversary Tour.
The Count Basie Theatre in his hometown of Red Bank, New Jersey was named in his honor.Fuente wikipedia

jueves, 14 de agosto de 2008

Atilio Stampone

Atilio StamponeAtilio Stampone

Orquesta de Atilio Stampone con Eduardo Rovira y Reynaldo NichelliOrquesta de Atilio Stampone con Eduardo Rovira y Reynaldo Nichelli

De izquierda a derecha: Di Filippo, Insúa, Molo, Astor Piazzolla, Atilio Stampone, Campoamor y Baralis, cuando Atilio era pianista de la orquesta de Astor PiazzollaDe izquierda a derecha: Di Filippo, Insúa, Molo, Astor Piazzolla, Atilio Stampone, Campoamor y Baralis, cuando Atilio era pianista de la orquesta de Astor Piazzolla


Atilio StamponeAtilio Stampone en 1974


Atilio Stampone: Nombre real:Antonio Atilio Stampone. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. Nació en Buenos Aires —barrio de San Cristóbal—el 1 de julio de 1926. Tenía diez años de edad cuando comenzó sus estudios músicales cursando piano con Pedro Rubione. Las primeras actuaciones en público las complió en orquestas de su barrio continuando luego ya como profesional, en los conjuntos de Roberto Dimas Lourbes, en 1941, y Pedro Maffia, en 1942, cuando las presentaciones de éste en el cabaret Tibidabo de la calle Corrientes. En 1946 integró la agrupación de acompañamiento del vocalista Roberto Rufino. Identificado por sensibilidad y por convicciones estéticas a las tendencias de vanguardia surgidas entre los músicos de la Generación del Cuarenta, actuó desde 1946 —hasta su disolución—en la orquesta de Astor Piazzolla, con quien grabó buena parte de las realizaciones para el sello Odeón, destacándose en particular su gran labor en Taconeando, Se armó y Orgullo criollo. En 1949 juntamente con Julián Plaza, Alfredo Marcucci y otros jóvenes elementos viajó a Europa. Continuando los cursos de perfeccionamiento que había seguido en Buenos Aires con Vicente Scaramuza, estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia en Italia, con el maestro Carlos Zecchi. Compartió después con Eduardo Bianco una gira artística por países del Cercano Oriente. A su regreso formó su primer conjunto propio con Leopoldo Federico, presentándose en Tibidabo, Radio Belgrano y registrando dos refinadas versiones —Cholla linda y Tierrita—, ésta con Antonio Rodríguez Lesende en vocales y ambas con Simón Bajour como primer violín y arreglos de Argentino Galván. En 1956 ya como director independiente presentó su orquesta, estilísticamente volcada a la gran corriente de nuevos intérpretes que consagraron en torno de 1955 los postulados del tango de avanzada. Grabó sus realizaciones para el sello Odeón, destacándose la versión de El marne de Arólas, registrando más tarde su trabajo orquestal para la empresa Audio Fidelity, que difundió su labor en Estados Unidos y en Brasil. Simultáneamente desde su fundación hasta 1958 integró el Octeto Buenos Aires, en recitales en Montevideo y en Buenos Aires, y en discos con lucidos desempeños de conducción y de solos en Arrabal, La revancha y Tierra querida. Retomó sus estudios desde 1955 con Julián Bautista y Teodoro Fuchs, ofreciendo luego de 1960 conciertos en el aula Magna de la Facultad de Medicina, bajo los auspicios del Círculo de Amigos del Buen Tango y grabando para el sello Microfón. En 1965 contribuyó decisivamente a la apertura, al mantenimiento, al gran éxito de Caño 14, sala nocturna de la calle Uruguay —luego en Talcahuano—, convertida en centro obligado de calificadas manifestaciones de tango.
Pianísticamente formado bajo el influjo de Salgan y de Maderna, se realizó como personal ejecutante. Excelente sonido y gran fuerza conductora son características de su labor. Colaboró como solista destacado —sin abandonar su actividad de director— con otrosconjuntos, entre ellos los de Aníbal Troilo, Eduardo Rovira, Héctor Artola, Argentino Galván, formando parte también del cuarteto evocativo Palais de Glace. Escribió música para cine, perteneciéndole los temas cantables e incidentales de La Mano en la Trampa (1959) y Un Guapo del 900 (1960).
Sus tangos: Afiches y Mocosa, ambos cantables y Ciudadano y Romance de tango, instrumentales. Verano porteño, La rayuela, Cabulero, Mi refugio, Tango dei eco, El recodo, El arranque, se cuentan entre las creaciones interpretativas de su orquesta, grabadas para los sellos Audio Fidelity y Microfón entre 1958 y 1966. Dirigió y arregló luego los acompañamientos de Virginia Luque, de Néstor Fabián y de Roberto Goyeneche, y en 1973 viajó a Brasil con su octeto que integraron: Osvaldo Montes (bandoneón); Tito Besprobán y Eduardo Walzac (violines); Alberto Seleson (viola); José Luis Bragato (cello); Juan Antonio Vasallo (bajo); Rubén "Chocho" Ruiz (guitarra eléctrica) y él (piano, arreglos y dirección). Actuó en Río de Janeiro —cuatro recitales en televisión, en el programa Fantástico— y en Porto Alegre. Con la misma formación, con las voces de Gloria Vélez y de Néstor Fabián volvió a representar a la música de Buenos Aires en el exterior; realizó en 1974 una gira de sesenta días por la Unión Soviética, ofreciendo recitales de tango en teatros de Moscú, Volvogrado, Astrakán, Ulianov y otras ciudades de la región asiática de Rusia. A su regreso em-prendió la grabación orgánica de una serie de discos de larga duración para la casa Microfón, en la que expuso sus nuevas orientaciones musicales: Concepto, Imágenes, Jaque mate y Mis maestros. Y alternando sus giras con presentaciones en Buenos Aires, hizo música en Caño 14 (1972 a 1974); en La Bola Loca (1975); en Michelángelo y en el Teatro del Carmen (1976); en Lagar del Virrey, y nuevamente Michelángelo (1977). En 1978 acompañó la actuación de Susana Rinaldi en París.

In Inglish
Antonio Atilio Stampone). Music. Pianist. Manager. Composer. Settlement. Born in Buenos Aires neighborhood of San Cristobal-the-July 1, 1926. I was ten years old when he began his musical studies studying piano with Peter Rubione. The first public performances in the comples orchestras in his neighborhood and then continuing as a professional in the joint Lourbes Roberto Dimas, in 1941, and Pedro Maffia, in 1942, when his presentations at the cabaret Tibidabo on Corrientes Street. In 1946 he joined the group accompanying the vocalist Roberto Rufino. Identified by sensitivity and aesthetic convictions of trends have emerged among the leading musicians of the Generation of Forty, served from 1946 until its dissolution in the orchestra of Astor Piazzolla, with whom he recorded much of achievements for Odeon, stressing in particular his great work in Taconeando, was armed and Pride Creole. In 1949 together with Julian Plaza, Alfredo Marcucci and other youth elements traveled to Europe. Continuing upgrading courses that had continued in Buenos Aires with Vincent Scaramuza, studied at the Conservatory of Santa Cecilia in Italy, with maestro Carlos Zecchi. He shared with Eduardo Bianco after a tour of art by countries in the Near East. Upon his return he formed his own first set with Leopoldo Federico, appearing in Tibidabo, Radio Belgrano and recording two versions-refined and beautiful Cholla-Tierrita it with Antonio Rodriguez Lesende in both vocal and Simon Bajour as the first violin and arrangements Argentine Galvan . In 1956 and as a freelance director presented his orchestra, stylistically geared to the large influx of new performers who devoted around 1955 the tenets of tango advance. He recorded his achievements for Odeon, highlighting version of The marne Arola, recording his latest orchestral work for the company Audio Fidelity, which spread its work in the United States and Brazil. Simultaneously since its founding until 1958 he joined the Octet Buenos Aires, Montevideo and in recitals in Buenos Aires, and discs with lucid performances and driving alone in Arrabal, revenge and beloved Earth. Resume his studies since 1955 with Bautista and Julian Teodoro Fuchs, offering concerts in 1960 after the Magna classroom at the Faculty of Medicine, under the auspices of the Circle of Friends of the Good Tango and recording for the label microphone. In 1965 he was instrumental in opening, maintenance, to great success Caño 14, room night street Uruguay-then-in Talcahuano, converted into centre of qualified demonstrations forced tango. Pianist formed under the influence of Salgan and Maderna, was conducted as performing staff. Excellent sound and great driving force are characteristic of his work. He worked as soloist prominent without abandoning its activity with director-otrosconjuntos, including those of Anibal Troilo, Eduardo Rovira, Hector Artola, Argentine Galvan, forming part of the quartet also evocative Palais de Glace. He wrote music for films, belongs vocalist and incidental items of La Mano Trap (1959) and A Guapo's 900 (1960).
His tangos: Posters and punk, both vocalist and Citizen and Romance of tango instrumental. Summer Buenos Aires, hopscotch, Cabulero, my refuge, Tango dei echo, bend, boot, are among the creations of interpretative his orchestra recorded for the stamps Audio Fidelity and microphones between 1958 and 1966. He then arranged and the accompaniments of Virginia Luque, Nestor Fabian and Roberto Goyeneche, and in 1973 he traveled to Brazil with his octet that included: Osvaldo Montes (bandoneon); Besprobán Tito and Eduardo Walzac (violins); Alberto Seleson (viola) ; Jose Luis Bragato (cello); Juan Antonio Vasallo (bass); Ruben "Chocho" Ruiz (electric guitar) and he (piano, arranger and conductor). Served in Rio de Janeiro-four performances on television, in the program's fantastic-and in Porto Alegre. With the same formation, with the voices of Gloria Velez and Nestor Fabian returned to represent the music of Buenos Aires abroad; undertook in 1974 a tour of sixty days by the Soviet Union, offering tango concerts in theatres in Moscow, Volvogrado, Astrakán, Ulianova and other cities in the Asian region of Russia. Upon his return em-prendió organic recording a series of long-term records for home Microfón, which presented its new musical directions: Concept, Images, Checkmate and my teachers. And alternating tours with their presentations in Buenos Aires, made music Caño 14 (1972 to 1974) in The Mad Ball (1975); Michelángelo and at the Teatro del Carmen (1976); Lagar in the Viceroy, and again Michelángelo ( 1977). In 1978 he accompanied the performance of Susana Rinaldi in Paris.Fuente Horacio Ferrer

miércoles, 13 de agosto de 2008

Eladia Blazquez

Eladia BlazquezEladia Blazquez

Eladia BlazquezEladia Blazquez con Astor Piazzolla

Nací artista. A los ochos años, ya era profesional. Cantaba, tocaba la guitarra y el piano de oído. Al poco tiempo comencé a componer, sin darle todavía demasiada importancia.
Llegando a mi juventud, se perfiló la creación de una manera más contundente.
Grabé en diferentes épocas y en diferentes géneros, pero no tanto, considerando que tengo alrededor de 300 temas propios. Pero sí, he contado con una gama diversa de intérpretes de primera línea.
Como compuse canciones de muchos estilos, los intérpretes también lo fueron. Primero la canción española, luego fue la melódica y sudamericana; más tarde el folklore y finalmente el tango y la balada. Muchas veces me preguntaron, cómo se produce el hecho de la creación, en mi caso, o si tengo alguna fórmula para componer. No!. En absoluto. La creación es un estado mágico, una fuga de la realidad. Hay momentos en que la inspiración puede darse sin buscarla, pero no es lo más frecuente; lo común es sentarse a trabajar para obtener mejores resultados. Solo en dos oportunidades recuerdo que los temas brotaron como si me los dictaran, uno fue mi blues “Humo y alcohol” y el otro el tango “Sin piel”.
En una carrera larga como la mía, es normal que haya conocido a muchas figuras, desde los comienzos. Cuando era niña no podía medir lo que ellos iban a llegar a ser, ni siquiera yo misma soñaba con llegar al 2000 actuando. Recuerdo el viejo patio de la casona donde funcionaba Radio Argentina, mis escapadas a la sala de ensayo para buscar melodías en el piano con mis dedos pequeños y recuerdo a un guapísimo jóven que me alzaba a cococho, porque le hacía gracia que siendo tan niña mostrara tanta vocación por la música; era Hugo del Carril.
Pero seguirá quedando en el misterio, mi vuelco al tango, siendo hija de inmigrantes, criada en las costumbres españolas, y nacida en el barrio sur de Avellaneda. Tal vez sea por todo ello. Nunca fui artista de grandes “booms”, ni de éxito fácil. Más bien todo lo contrario. Mi carrera se amasó en el esfuerzo. Pero me di cuenta que en el tiempo, es una condición para perdurar.
Desde hace 25 años, vengo recibiendo premios y distinciones que mas allá del halago que me producen, marcan inexorablemente un largo camino recorrido.

Eladia BlazquezEladia Blazquez

In English
I was born artist. For the eight years since it was professional. He sang, played guitar and piano by ear. Soon I began to compose, still without giving too much importance.
Arriving in my youth, were outlined the creation of a more forceful.
I burned at different times and in different genres, but not much, considering that I have about 300 items themselves. But yes, he enjoyed a diverse range of performers frontline.
As I composed songs in many styles, so too were the interpreters. First Spanish song, then was melodic and South American; later folklore and finally tango and the ballad. Many times I wondered, how is the fact of creation, in my case, or if I have any formula to compose. No!. Not at all. The creation is a magical state, a flight from reality. There are times when that inspiration can occur without look, but not more often, what is common to sit down to work for better results. Only twice remember that items brotaron dictate to me as if one was my blues "Smoke and alcohol" and another tango "Without skin."
In a long career like mine, it is normal that there are many known figures, from the beginning. When I was a little girl could not measure what they iban to become, not even myself dreamed of reaching the 2000 act. I remember the old courtyard of the house where he worked Radio Argentina, my trips to the trial chamber to find melodies on the piano with my small fingers and I remember a beautiful young man that I alzaba to cococho, because he was being so that grace girl show so vocation for music; was Hugo del Carril.
But will being in the mystery, my turnaround to tango, being the daughter of immigrants, raised in the Spanish customs, and born in the southern district of Avellaneda. Perhaps for these reasons. Never went to great artist "booms", or easy success. Quite the contrary. My career is kneaded in the effort. But I realized that in time, is a condition to endure.
For 25 years, I come to receive awards and distinctions beyond the flattery that I produce, inexorably marked a long way. Fuente web de Eladia Blazquez

martes, 12 de agosto de 2008

Roberto Firpo

Roberto FirpoLa orquesta de Roberto Firpo en el Ambassadeurs del barrio Parque, en 1936.De izquierda a derecha: Carlitos García (piano); sentados: Vicente Toppi, Calixto Sallago, Rafael Margaruccio y el "torito" Marino (bandoneones); de pie: Enrique Forte, Raúl Bera, Antonio Rossi (primer violín), Angel Corlelo (bajo)y Claudio González.

Roberto Firpo
Roberto Firpo en su casa (1928)

Roberto Firpo
Roberto Firpo con los integrantes de su cuarteto,1936. Sentado, junto a él, su bandoneonista Juan Cambareri. 

Roberto Firpo
Roberto Firpo dirige una orquesta típica de 100 músicos en el escenario del Teatro Colón (setiembre de 1933)

Roberto Firpo
Roberto Firpo con su hijo Roberto a los 8 años de edad, posteriormente pianista como su padre en Mayo de 1935

Roberto Firpo
Roberto Firpo en su piano

FIRPO, Roberto. Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en la localidad de Las Flores —provincia de Buenos Aires—el 10 de mayo de 1884. Vivió la infancia en la capital, en el barrio de los Corrales Viejos, donde su padre instaló almacén. Desde su extrema juventud ganó para su vida con sucesivos trabajos: pintor, empleado, obrero del calzado, y en la fundición de Vasena, en Bahía Blanca, funcionario aduanero en Ing. White. Alternó estas ocupaciones de sustento con unos incipientes estudios autodidácticos de violín, primero; de piano, después. A comienzos de siglo, ya resuelta su vocación, inició su carrera de músico como pianista de locales para baile, perfeccionando su formación técnica al cuidado de Alfredo Bevilacqua. Éste, además, lo vinculó a ejecutantes populares de la época, con dos de los cuales, Juan Carlos Bazán(clarinete) y Francisco Postiglione (violín), integró en el recreo El Velódromo.

lunes, 11 de agosto de 2008

Informacion sobre el Rat Pack en español and in English

The Rat Pack

Frank Sinatra

Dean Martin


Rat Pack (Pandilla de ratas) fue el nombre con el que se conoció a un grupo de artistas estadounidenses que, reunidos alrededor de Frank Sinatra, prolongaron sus actividades privadas como amigos a la realización de determinadas actividades artísticas, tales como películas, conciertos, espectáculos, etc. Activo entre mediados de los 1950s y mediados de los 1960s, sus miembros más conocidos fueron, aparte de Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop, como núcleo principal; además, formaron parte ocasional del mismo
artistas como Shirley MacLaine, Lauren Bacall, Angie Dickinson, Marilyn Monroe y Judy Garland.
El nombre "Rat Pack" fue usado en un principio para referirse a un grupo de amigos de Hollywood quienes en un principio estaban organizados alrededor de Humphrey Bogart, un grupo que incluía a un joven Frank Sinatra. El termino "Rat Pack" fue supuestamente asignado al grupo original de Bogart por "Den Mother" Lauren Bacall, luego de verlos regresar de una noche en Las Vegas, ella siendo la más joven del grupo y viéndolos cansados y descompuestos, al decir: “Ustedes se ven como una maldita pandilla de ratas” ("You look like a goddamn rat pack"), refiriéndose a la apariencia de cansancio de los otros miembros del grupo. De acuerdo a otra explicación, el termino, "Rat Pack" no fue idea de Bacall, sino que se inició con Humphrey Bogart, el entonces marido de Bacall y co-estrella de ella y de su amigo Sinatra, quien nombro al grupo de sus amigos de tragos los “Holmby Hills Rat Pack”, luego de una noche en la casa de Judy Garland y su marido Sid Luft (un lugar
frecuente de estos encuentros). Otra explicación era que el referido grupo de ratas rechazaba a cualquier Nuevo miembro que tratara de unirse al mismo.

De acuerdo con Stephen Bogart, los miembros del 'Holmby Hills Rat Pack eran Sinatra (el jefe de la pandilla), Garland (primer vice-presidente), Bacall (la madre den), Luft (el jefe de la jaula), Bogart (la rata encargada de las relaciones públicas), Swifty Lazar (el secretario de las grabaciones), Nathaniel Benchley (el historiador), David Niven, Katharine Hepburn, Spencer Tracy, George Cukor, Michael
Romanoff y James Van Heusen. De acuerdo con esta explicación, confirmada en la autobiografía de David Niven The Moon's a Balloon, el Rat Pack contenía originalmente a David Niven y no así a Sammy Davis o Dean Martin.

Sammy Davis Jr.

El Rat Pack de los sesenta;La versión de la década de 1960 estaba integrada por Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop, y Peter Lawford (cuñado de John F. Kennedy). Angie Dickinson, Juliet Prowse, y Shirley MacLaine usualmente fueron mencionadas como las "Rat Pack Mascots" (Mascotas del Rat Pack), un título que hizo sentir a estas mujeres como "uno de los muchachos". La versión posterior a
Bogart del grupo nunca fue llamada como Rat Pack por parte de sus miembros.
Shirley MacLaine era considerada como una miembro de honor del Rat Pack y fue la única chica a la que se consideró como "uno de los chicos".
La nueva versión del grupo no se autodenominaba "rat pack", sino "Summit" o "the Clan". "The Rat Pack" fue el nombre que les daban los periodistas, de forma que este fue el nombre por el que el grupo fue conocido. Cuando se habla del rat pack, normalmente se refieren a esta versión.
Por la relación de Lawford con John F. Kennedy y tal vez por las conexiones de Sinatra con la mafia, así como por el papel que representaron en las campañas de Kennedy y los Demócratas, el grupo adquirió relevancia e influencia no sólo en el mundo del espectáculo, sino también en círculos políticos. Sin embargo, aunque Sinatra esperaba formar parte de de la camarilla de Kennedy tras su elección, no fue así, lo cual hizo que dejaran a Peter Lawford fuera del grupo después de 1962: su papel en Robin and the Seven Hoods se le dio a Bing Crosby. (No era la primera vez que Sinatra actuaba así, el papel de Sammy Davis en Never So Few se lo dieron a Steve McQueen cuando Sinatra y Davis se pelearon temporalmente.)
El Rat Pack actuó a menudo en Las Vegas, y fueron claves en el crecimiento de esta ciudad como destino para un turismo que buscaba espectáulos. Tuvieron además mucha importancia en la integración de las personas negras en los hoteles y casinos a principio de los 60:
Sinatra y los otros no actuaron o patrocinaron a aquellos establecimientos que no admitieran a Sammy Davis (afro-americano). Los casinos se vieron obligados a tener políticas no segregacionistas.
El grupo se hizo famosos por su estilo de música, sus espectáculos cómicos y sus películas. A menudo, cuando uno de los miembros era contratado para un espectáculo, el resto de los miembros hacían cameos, lo cual agradaba mucho a su público y hacía que la expectación fuera mayor, con lo que a menudo las localidades para sus espectáculos se agotaban. En los hoteles que les contrataban se podían ver carteles del tipo "DEAN MARTIN - MAYBE FRANK - MAYBE SAMMY" (DEAN MARTIN - tal vez FRANK - tal vez SAMMY).
Pese a que los miembros del Rat Pack permanecieron juntos (a excepción de Peter Lawford), la popularidad del Rat Pack comenzó a caer a finales de los 60. Sin embargo, individualmente siguieron gozando de gran popularidad.

Joey Bishop

Peter Lawford


In English
Rat Pack (Gang of rats) was the name under which she met a group of American artists who gathered around Frank Sinatra, continued their activities as private friends to the realization of certain artistic activities, such as movies,concerts, shows, etc.. Active between the mid-1950s and the mid-1960s, its members were best known, apart from Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford and Joey Bishop, as core, as well as occasional part of it artists such as Shirley MacLaine, Lauren Bacall, Angie Dickinson, Marilyn Monroe and Judy Garland.
The name "Rat Pack" was used at first to refer to a group of friends in Hollywood who were initially organized about Humphrey Bogart, a group that included a young Frank Sinatra. The term "Rat Pack" was allegedly assigned to group original Bogart in "Den Mother" Lauren Bacall, after seeing them return from a night in Las Vegas, she was the youngest of the group and viéndolos tired and decomposed, saying: "You are an evil gang of rats" ( "You look like a goddamn rat pack") referring to the appearance of tiredness in the other group members. According to another explanation, the term, "Rat Pack" idea was not Bacall, but started with Humphrey Bogart, Bacall and then husband of her co-star and his friend Sinatra, who appointed the group of his friends drinks "Holmby Hills Rat Pack", after a night at the home of Judy Garland and her husband Sid Luft (a place frequent these meetings). Another explanation was that the aforementioned group of rats rejecting any new member who tried to join
At the same.

According to Stephen Bogart, members' Holmby Hills Rat Pack was Sinatra (the head of the gang), Garland (first vice-chairman), Bacall (den mother), Luft (the head of the cage), Bogart (rats responsible for public relations), Swifty Lazar (secretary of recordings), Nathaniel Benchley (historian), David Niven, Katharine Hepburn, Spencer Tracy, George Cukor, Michael Romanoff and James Van Heusen. According to this explanation, confirmed in the autobiography of David Niven The Moon's a Balloon, the Rat Pack originally contained a David Niven and not to Dean Martin or Sammy Davis.
The Rat Pack of the sixties: The version of the 1960's was composed by Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis, Jr.., Joey

Bishop and Peter Lawford (brother-in-law of John F. Kennedy). Angie Dickinson, Juliet Prowse, and Shirley MacLaine were usually referred to as "Mascots Rat Pack" (Pets of the Rat Pack), a title that made these women feel like "one of the boys." The later version to Bogart group was never called as Rat Pack by its members.
Shirley MacLaine was considered an honorary member of the Rat Pack and was the only girl to be considered as "one of the boys."
The new version of the group not call themselves "pack rat", but "Summit" or "the Clan." "The Rat Pack" was the name they gave the journalists, so this was the name by which the group was known. When speaking of the rat pack, usually refer to this
version.
For Lawford's relationship with John F. Kennedy and perhaps by Sinatra connections with the Mafia, as well as the role that accounted in the campaigns of Kennedy and Democrats, the group acquired relevance and influence not only in show business, but also in political circles. But while Sinatra expected to be part of the clique Kennedy after his election, was not well, which made to stop Peter Lawford outside the group after 1962: his role in Robin and the Seven Hoods was given to Bing Crosby. (There was first time that Sinatra was performing well, the role of Sammy Davis in Never So Few is what gave Steve McQueen when Sinatra and Davis are fought
temporarily.)

The Rat Pack often acted in Las Vegas, and were key in the growth of this city as a tourism destination for his basketball espectáulos. They were also very important in the integration of black people in hotels and casinos at the beginning of the 60:
Sinatra and others failed to act or sponsored those establishments which do not admit to Sammy Davis (African American). The casinos are forced to take non-segregationist policies.Fuente Wikipedia

domingo, 10 de agosto de 2008

Alberto Podesta

Alberto PodestaAlberto Podesta y Roberto Mancini
Alberto Podesta (Alejandro Washington Alé Podestá nació el 22 de setiembre de 1924)
SU INFANCIA
Alejandro Washington Alé Podestá nació el 22 de septiembre de 1924 en San Juan. Era muy niño cuando falleció su padre y pasaron privaciones con su madre y sus cinco hermanos. Ello le obligó a trabajar desde muy pequeño, para ayudar a su hermano mayor que se había constituido en el sostén de la familia que, además se completaba con su abuela.

SUS ESTUDIOS
"Yo llegué hasta sexto grado. Llegué a las trompadas, pero llegué" –diría en un reportaje–. En la escuela empezó cantar y simultáneamente en un programa de radio que dirigía una maestra. Era un recreación infantil y se llamaba "Rayito de sol" Cada alumno aportaba alguna canción de moda y el pequeño Albertito, a quien ya le había llegado la admiración por Carlos Gardel, aprendía rápidamente
las letras del Zorzal y las vertía en esas audiciones. Por ese motivo comenzaron a llamarlo Gardelito.
GANARSE UNAS CHIROLAS
Fue chocolatinero en el cine de una familia amiga, donde obtenía unos pesitos diarios que contribuían a la economía hogareña.
EL EMPUJONCITO
De gira, por el interior del país, llegaron para actuar en San Juan, el dúo cómico Buono-Striano, quienes luego de escucharlo cantar, lo invitan a viajar a Buenos Aires y le prometen darle una mano y conectarlo con las principales figuras tangueras de ese momento. También Hugo del Carril –"…un tipo maravilloso. No creo que haya otro hombre tan correcto y derecho como Hugo del Carril. Un hombre de una condición inigualable como ser humano", define Alberto Podestá– lo aconseja en el sentido que todo se cuece en la Capital Federal y le pide que lo vaya a ver, ofreciéndole sus buenos oficios para desarrollar su carrera.

PRIMAVERA EN BUENOS AIRES
Por fin en la primavera de 1939, se decide y junto con uno de sus hermanos se instala en Buenos Aires.
En la confitería "Paradise", local bailable que tenía habilitadas dos secciones, desde las siete de la tarde hasta las nueve y desde las once de la noche a las cuatro de la mañana, conoce a Roberto Caló. Por supuesto el encuentro fue por la tarde ya que Podestá era menor de edad y los edictos policiales, muy estrictos, tenían prohibida la presencia de menores en esos locales luego de las diez de la noche.
Hizo una prueba con Roberto Caló, cantando varios temas: "La mariposa", "Cosas olvidadas", "Martirio" y "La que murió en París". Como la prueba fue satisfactoria, Roberto Caló le prometió que hablaría con Miguel Caló, a quien le faltaba un vocalista ante la deserción de Mario Corrales (Mario Pomar).
Quedó en la orquesta, donde coincidió con grandes músicos como Osmar Maderna, Domingo Federico, Armando Portier, Raúl Kaplún, Enrique Mario Francini.
""Roberto Caló me hizo el puente para que cante en la orquesta de su hermano Miguel, en la cual estaban las más promisorias figuras de la nueva camada de nuestra música ciudadana. Pero de ellos hubo dos que destacaré, ya que con el correr del tiempo se transformarían en mis hermanos de vida: Armando Pontier y Enrique Mario Francini" –cuenta recordando sus inicios–.

PUDO SER JUAN D´ARIENZO
Previamente, recorriendo las posibilidades que se presentaban, se entera de que D´Arienzo estaba buscando un cantor. Con sus mejores pilchas, se presenta hacia las diez de la noche en el cabaret Chantecler. Pero D´Arienzo no estaba, y Héctor Varela, le informó que sin el "Rey del compás" no podía decidir nada. Después se supo que ya habían designado a Héctor Mauré. Y se frustró la prueba y su probable vinculación con D´Arienzo.

LAS TIRITAS
Suele recordar Alberto Podestá que cuando comenzó a trabajar con Miguel Caló lo hizo en el cabaret Singapur, en la calle Montevideo entre Sarmiento y Corrientes. Añade que luego el local fue ocupado por un teatro y también por una academia de tango. Para bailar con una chica, había que comprar una entrada para diez bailes. Las chicas cada vez que bailaban cortaban una tirita. La orquesta de turno no tocaba los tangos enteros. Y de esa forma las chicas, con menos baile, recaudaban un poco más.

PRIMERA GRABACIÓN
Cantando con Miguel Caló, además de los grandes músicos ya nombrados, conoce a Homero Expósito, que llegaba todas las tardes desde Zárate. Su familia tenía una confitería que se llamaba "Mimo", precisamente el apodo familiar de Homero. Con esta orquesta graba su primer tango, que firmaban Domingo Federico y Homero Expósito.
Luego registró dos preciosos valses, "Pedacito de cielo" y "Bajo un cielo de estrellas" de Enrique Mario Francini y Héctor Luciano Stamponi como compositores, y la poesía de Homero Aldo Expósito y José María Contursi.

LA CAMISA QUE NO COMPRÓ
Se encontraba a menudo con Francisco Fiorentino, siempre hecho un dandy, y en una charla, café de por medio, se animó a preguntarle donde podía comprar una camisa con la que vestía Fiore. Solícito, el cantor de Troilo le indicó la sastrería de la calle Maipú donde la había comprado. Podestá, aun no consolidado económicamente, se desilusionó cuando supo el precio de esa prenda, pero Fiorentino le aseguró que seguramente le iban a hacer una rebaja. Pero el joven cantor de Miguel Caló, con sus diez y seis años, en principio pensó que por ahora no estaba para semejante gasto.

CARLOS DI SARLI
Al poco tiempo se decidió por la compra de la camisa, pero en el trayecto coincidió con el representante de Carlos Di Sarli, quien a boca de jarro le preguntó si quería incorporarse a la orquesta del maestro bahiense, que actuaría en Radio El Mundo, en bailes y sobre todo en los inminentes bailes de carnaval.
Con Miguel Caló solo actuaban en el cabaret y de cuando en cuando en radio. Aún no era la gran orquesta de las estrellas que tanto trabajo dio a lo músicos y vocalistas que lo acompañaban.
Di Sarli, en la casa de él, en la calle Sarmiento, lo escucha cantando varios temas y lo bautiza artísticamente como Alberto Podestá, tomando su apellido materno y reemplazando el seudónimo que usaba hasta entonces: Juan Carlos Morel.
"Miguel Caló me pagaba 250 pesos por mes –cuenta Alberto Podestá–. Cuando el representante de Di Sarli me informó que ganaría 350 pesos por la actuación en el cabaret; 250 en la radio y entre 30 y 35 pesos por cada baile, me volví loco. Eran como 10.000 dólares…"

DERECHO DE PISO
Cuando se anunciaba la orquesta el presentador decía: "Carlos Di Sarli, con sus cantores, Roberto Rufino y Alberto Podestá", pero cobraba la plata casi sin cantar. Iban cinco temas de Rufino y por ahí ligaba uno Podestá.
Rumiaba su bronca, en parte porque Rufino era un fenómeno y lo pedía toda la gente tanto en los bailes como en el Marabú o en el Príncipe Georges y a él mismo le complacía escucharlo.
A pesar de las cifras importantes de su remuneración, le planteó a Di Sarli su incomodidad de cobrar por no cantar. Ya había conversado con Pedro Láurenz e incorporado a su orquesta, pudo grabar dentro de lo poco que el mercado discográfico le ofrecía a Láurenz. Registra entonces, para el sello Víctor, el tango "Nunca tuvo novio".

ALMA DE BOHEMIO
Este tango de Roberto Firpo tuvo para Alberto Podestá una primera vez ingrata. La estrella de la orquesta de Carlos Di Sarli era Roberto Rufino. En determinado momento de una reunión bailable, en que la gente dejaba de bailar para escucharlo, Rufino, pidió que el tango "Alma de bohemio" que siempre hacía él, lo cantara Alberto Podestá. (En realidad Roberto Rufino, profundo conocedor de la interpretación, sentía que con su compañero, peligraba su estrellato y preparó esta trastada para desacreditarlo). Pequeño conciliábulo, le preguntan si lo conocía, y al ser afirmativa la respuesta se inició el tango, con los cantables a cargo del sanjuanino. Pobre Podestá, sin ensayo previo y "a lo toro", la intervención no pudo ser peor. Casi inmediatamente la gente, en disconformidad con la actuación de Podestá, se empezó a alejar del escenario. De no haber sido por Pedro Láurenz, que lo convenció de su calidad interpretativa, no lo hubiera cantando jamás.

CAMBIO DE SELLO
Láurenz es contratado por el sello Odeón y entonces llega su tiempo de grabar y de que su nombre figurara en las etiquetas de los discos. Las grabaciones hechas con Caló no indicaban su intervención, salvo con la frase "con estribillo", a efectos de no pagar gravámenes por la intervención del cantor. Graba su caballito de batalla, "Alma de Bohemio", y en el reverso del disco "Patria mía", a los que siguen "Garúa", "Como el hornero" y el vals "Paisaje".

ANÍBAL TROILO QUE NO FUE
Conjuntamente con Láurenz vuelve a la orquesta de Miguel Caló para completar la dupla de cantores con Raúl Berón. Entabla una relación amistosa con la mayoría de las grandes figuras, especialmente con Aníbal Troilo (lo llamaba Gordurita), pero también con Francini, Pontier y otros, con quienes compartía partidos de fútbol como excusa para compartir un asado. Actuaba de árbitro el "charro" José Manuel Moreno, célebre jugador..
En dos oportunidades estuvo a punto de cantar en la orquesta de Pichuco, la primera reemplazando a Alberto Marino, pero tuvo que realizar una gira previa con Di Sarli al Uruguay, y al regresar ya estaban ensayando en la orquesta Edmundo Rivero y Floreal Ruiz. Y la segunda vez, cuando Podestá estaba actuando en Chile, se desvincula de Troilo Raúl Berón, y aunque el interés de Pichuco era que el "Turco" llegara de una vez a su conjunto, las urgencias empresariales le exigieron a Troilo no esperarlo y contratar a Carlos Olmedo y Pablo Lozano, con lo que el sanjuanino otra vez quedó afuera de la orquesta.

FRANCINI–PONTIER
Corre el año 1945 y se forma una gran orquesta, dirigida por el binomio Francini-Pontier, y Alberto Podestá es el cantor, a quien pronto acompañaría Julio Sosa.
Julio Sosa fue tal vez el mejor amigo que tuvo Podestá, un muchacho decidido pero escuchador de los consejos de los más experimentados. Era una persona ávida de conocimientos, a los que trataba de acceder siempre, y de la mejor mesa. Aunque era de físico pequeño, no había comida que le resultara suficiente y devoraba con fruición los postres.

LAS ACTUACIONES
Actuaban en el Sans Souci, en Montecarlo y Picadilly, alternando con Osvaldo Puglese, y el en Tibidabo, cubriendo la ausencia de Aníbal Troilo, que durante los seis meses de primavera y verano dejaba de actuar.

LOS POETAS
Para Podestá los poetas más destacados eran Homero Manzi, Enrique Santos Discépolo, Héctor Pedro Blomberg, Francisco García Jiménez y otros muchos más.

LOS BAILES
Había muchos clubes bailables que reunían entre quinientas y dos mil personas. Desde Independiente, a Villa Malcolm; estaban los bailes del "Apolo", "Flores que surgen", el "Príncipe Georges", "Boca Juniors", "Comunicaciones" por nombrar algunos, ya que en toda la provincia de Buenos Aires y en la Capital se renovaban 350 bailes semanales, y cada orquesta tenía músicos estables y exclusivos que pecibían un importante sueldo, lo que les permitía una situación eonómicamente desahogada..

LAS GRABACIONES
"Con Caló, en las distintas épocas: ´Percal´, ´Bajo un cielo de estrellas´; con Di Sarli, ´Al compás del corazón´, ´Nada, , ´La capilla blanca´. Pedro Laurenz marcó otra etapa de mi vida artística. Con ese gran hombre y excelente músico, director y compositor, grabé por primera vez: ´Alma de bohemio´, ´Garúa´, ´Recién´, ´Paisaje´... Con Francini-Pontier, ´Margo´, ´Qué me van a hablar de amor´, ´El milagro´; el vals de Francini y Sanguinetti ´El hijo triste´ –que lo hice a dúo con otro gran amigo: Julio Sosa–, ´Calesita de mi barrio´, ´La cumparsita´, ´Sin palabras´; con Enrique Francini: ´Bailemos´, ´Fueron tres años´, ´Un tango para el recuerdo´. Con Armando Pontier en 1963 estrené el último gran éxito de nuestro tango: ´Qué falta que me hacés´. También "Pecado", "Es nuestra despedida", entre muchos otros. Asimismo grabé en Colombia con Cristóbal Ramos, Ramón Ozán y Joaquín Mauricio Mora, que lo hizo como bandoneonista y no como pianista. En Venezuela con ´Los caballeros del tango´. En Uruguay con ´El potrillo´ César Zagnoli. También la hice en Chile con Lucho Ibarra. Como solista en nuestro medio con Juan José Paz, Leopoldo Federico, Alberto Di Paulo, Luis Stazo, Jorge Dragone, Tití Rossi y Roberto Grela y sus guitarras."

RONDA DE ASES
Dos veces semanales se transmitía desde el teatro Casino un programa de tangos denominado "Ronda de Ases", por la onda de Radio El Mundo. El auspiciante era aceite Cocinero. Las orquestas que se sucedían eran Osvaldo Fresedo, Aníbal Troilo, Carlos Di Sarli y Ricardo Tanturi., que ejecutaban un tango cada una. Y luego un "grupo soporte", como se dice ahora: tocaba la orquesta de Alberto Soifer con el cantor Roberto Quiroga; y en la segunda media hora, las cuatro orquestas con temas cantables, y de acuerdo al aplauso del público, se determinaba qué tango u orquesta había gustado más. Alberto Podestá ganó, en una de las audiciones, con el tango "Al compás del corazón".

ALBERTO PODESTÁ SOLISTA
En el año 1951 comienza su carrera como solista, debutando en Radio Splendid, locales y cabaret Maipú Pigall, el recordado Tronio, lugar de variedades donde desfilaron las grandes figuras internacionales, y confiterías de Buenos Aires.
Fue nombrado Académico de Honor por la Academia Nacional del Tango de la Argentina.

GIRAS POR AMÉRICA
Ha recorrido con el tango países como Colombia, Chile, Perú, Venezuela, Ecuador, México, República Dominicana, EEUU, actuando en Nueva York, Chicago, Los Ángeles, Boston, Filadelfia.

SUS GRABACIONES Y ACOMPAÑAMIENTOS
Grabó en los sellos RCA Victor, Odeón, Music Hall, Magenta y recientemente en Vaivén.
En sus grabaciones contó con acompañamientos de Alberto Di Paulo, Leopoldo Federico, Luis Stazo y Jorge Dragone.
En Colombia grabó con el gran compositor Joaquín Mauricio Mora, en Venezuela con Los Caballeros del Tango; en Chile con Luis Ibarra, y en este país fue galardonado con el Disco de Oro por el gran éxito del tango "Qué falta que me hacés".
También grabó con guitarras, con el acompañamiento de Roberto Grela.
Ha grabado casi quinientas versiones, entre las que se encuentran: "Alma de bohemio", "Nada", "Percal", "Al compás del corazón", "Nido gaucho", "La capilla blanca", "El milagro", "Margo", "Qué falta que me hacés", "Qué me van hablar de amor" entre otras, y un sinfín de tangos que fueron jalones inolvidables y creaciones en su voz, como el éxito que le pertenece junto a Roberto Rufino "El bazar de los juguetes".
También en su momento, durante mucho tiempo, su actuación en Caño 14, y al lado de Edmundo Rivero en El Viejo Almacén.
En teatro lo hizo junto a Juan Carlos Copes y su ballet.
Últimamente realizó una gira por los estados de Brasil con el espectáculo "Una noche en Buenos Aires", con el acompañamiento orquestal de Carlos Buono.

DECLINACIÓN
Según su pensamiento, la caída del tango ha tenido varias motivaciones internas y externas. Los conjuntos se sindicalizaron y los representantes, en el afán de sostener situaciones especiales, comenzaron a intervenir en las contrataciones de los conjuntos con los empresarios exigiendo igual tratamiento: para todos igual retribución, lo que obligó a las salas, cabarets y clubes a plantearse la necesidad de efectuar las reuniones bailables con registros grabados de las principales orquestas, debido a lo oneroso que resultaba contar con orquesta en vivo.
Por el lado de las empresas discográficas se produjo una invasión de música importada, que llevó a los sellos grabadores no sólo a reemplazar el tango por otros ritmos, sino como en el caso del sello del "perrito", donde el señor Ricardo Mejía borró parte del acervo cultural al destruir las matrices de todas la orquesta de tango.
Alberto Podesta

ES OPTIMISTA
Cree que la gente joven está retomando el tango, aprendiendo a bailarlo, y aspira a que se siga tocando tango ("No Piazzolla", acota). Refundar a Troilo, a Tanturi, a la raíz misma del tango.

PIAZZOLLA
Expresa sobre Piazzolla: " …sabía mucho de tango. Estuvo al lado de Troilo. Y al lado de Troilo se tocaba tango. Pero hay un motivo muy especial que nosotros decíamos: "¿Pero cómo puede ser esa orquesta?" Todos, Francini, Pontier, lo admiraban a él, cómo tocaba, como orquestador. La orquesta que él tenía en el '46 era netamente tanguera. Yo compré dos CD de él con tangos que grabó en el '46. Después él hizo el Octeto Buenos Aires, que todavía era tango. Estaban Francini, Federico, Bragato, Stampone… Y se fue cambiando, cambiando. La orquesta de él trabajaba, pero no le llegó a gustar al público. No entró en el público nuestro, de tango.
Después fue buscando su línea y encontró su bache, su "música de Buenos Aires", como él la llamaba. Indiscutiblemente no se le puede negar nada. Es un musicazo bárbaro y admirado por todos los músicos de este país y de afuera. Hay obras que él habrá hecho en la cocina de su casa y las sacó. Pero hay obras como "Verano porteño", "Invierno porteño", "Otoño porteño", "Adiós Nonino", que son magníficas. Una obra sublime." 1

"EL TANGO ME DIÓ LA VIDA …"
Acota como conclusión: "Al tango le debo mucho, le debo mis hijos, mi familia, mi bienestar. Nunca sobresalí, pero nunca faltó trabajo, el cariño de ustedes, el público argentino. A mí nunca me han hecho sentir menos. El tango me dio la vida, es adoración que siento por mi música, por mi país y por la gente de mi país." 2
"Estoy en una nube. Los cantores pibes me hablan, me tocan, me piden consejos; Gustavo Santaolalla, que es un fenómeno de muchacho, me hace grabar para Café de los Maestros; en octubre voy a empezar a filmar como protagonista la película El cantor de tango, con dirección de Eduardo Calcagno; vos que venís hasta mi casa y me hacés esta nota... Escuchame: yo ví cantar a Gardel a los nueve años y me cambió la vida. Después estuve en las mejores orquestas. Viajé por todo el mundo. Pero estas caricias... nunca". Fuente: Florentino Tino Diez de tangomias

Alberto Podesta

Reportaje de Mariano del Mazo a Alberto Podesta para Clarin 14/07/2005
mdelmazo@clarin.com
"Parece que me están descubriendo"

Es una gloria del tango. Cantor de Miguel Caló y Carlos Di Sarli, sigue actuando. Y va a protagonizar una película sobre su vida. Aquí habla de lo bien qué se siente, crítica a D'Arrienzo y Roberto Rufino, elogia a Di Sarli y Salgán y cuenta, a los 80 años, cuáles son sus sueños.


A los 80 años Alberto Podestá está viendo cosas raras. Observa, por ejemplo, su cara multiplicada por miles en los afiches callejeros que lo anuncian como la figura central del ciclo que se realiza los jueves en el Tasso. Observa orquestas jóvenes que no lo convencen. "Me gusta El Arranque, sí. Pero la otra vez vi una, la Fernández Fierro, que suben a tocar en zapatillas y con la camiseta de Chacarita... ¡Eso no está bien! Si al menos se pusieran la de River....".

Alberto Podestá observa también, atónito, una especie de tardía reivindicación. "Estoy en una nube. Los cantores pibes me hablan, me tocan, me piden consejos; Gustavo Santaolalla, que es un fenómeno de muchacho, me hace grabar para Café de los Maestros; en octubre voy a empezar a filmar como protagonista la película El cantor de tango, con dirección de Eduardo Calcagno; vos que venís hasta mi casa y me hacés está nota... Escuchame: yo vi cantar a Gardel a los 9 años y me cambió la vida. Después estuve en las mejores orquestas. Viajé por todo el mundo. Pero estas caricias... nunca".

Alejandro Washington Alé Podestá nació el 22 de setiembre de 1924 en San Juan. De chico lo llamaban "Gardelito" y cantaba serenatas para los "filitos" de los amigos más grandes. A pesar de que ya se escuchaban tonadas y cuecas, y Antonio Tormo empezaba a cambiar la historia de la música popular cuyana, Podestá ancló sin dudarlo en el tango mirándose en el espejo de Carlos Gardel. "El fue mi maestro de tango. Aprendía escuchándolo. Después me pulió Di Sarli". De pantalones cortos actuaba en LV5 Radio Los Andes y gracias a un convite del dúo Buono-Striano y a un onda que le tiró Hugo del Carril de paso por San Juan, se animó a tomarse un tren a Buenos Aires junto con su hermano mayor.

En una pensión del Centro, un verano, empezaba la historia grande. "Había una chica jovencita en la pensión, de unos 20, 21 años, que era la mantenida de otro tipo de una de las piezas. Ella andaba por la noche y un día me dice: Te voy a llevar donde toca Roberto Caló. Claro, era la orquesta de Juan y Roberto Caló, que actuaba en el Paradise, ahí, donde estaba La Armonía, que ahora es el Consejo de Abogados. Y fui, y logré que Roberto me tomara una prueba en el cabaret. Al final canté y le gusté. Me dijo que me iba a presentar a su hermano, Miguel. ¡Esa era la posta! ¡Un orquestón, con mucho cartel! Me palmeó y me dijo: Pibe, mañana te llamo a las 12 a la pensión. Yo pensé que era un modo de despacharme. Pero me llamó. Y tuve una audición con Miguel Caló en el cabaret Singapur, Montevideo entre Sarmiento y Corrientes".

¿Y qué pasó? Usted era menor...

Dieciséis años. Miguel Caló era el dueño del cabaret... Bueno, me tuvo dos horas por reloj cantando con un pianista. Con micrófono, sin micrófono...

¿Qué repertorio hacía?

Lo que sabía. Hacía Gardel, te cantaba Martirio, te cantaba Cosas olvidadas, te cantaba Charlemos, La que murió en París, El día que me quieras. Yo sabía todo Gardel, pero "todo" en serio. Era de tarde. Había algunos tipos por ahí, tomando un vermucito. Las chicas del cabaret pasaban y me alentaban por lo bajo: "Muy bien, muy bien". Miguel Caló se alejó y se reunió con algunos miembros de la orquesta que también me habían escuchado. A los veinte minutos viene Enrique Francini, solo, y me dice: "Bien, pibe". Atrás, Armando Pontier. Igual. Finalmente Caló, que me dijo secamente: "Va a quedar en la orquesta y va a ganar 250 pesos por mes". Un vagón de guita. El 13 de diciembre de 1939 empecé a cantar con él.

Dos años estuvo Podestá con la "orquesta de las estrellas" (título ganado por la cantidad de talentos que integraron sus filas: además de Francini y Pontier, Julio Ahumada, Domingo Federico, Eduardo Rovira, Héctor Stamponi). Pero la consagración y la fama vendrían con el gran Carlos Di Sarli. La década del 40 estallaba y El Tuerto lo convocó, a pesar de que tenía un cantor ganador como Roberto Rufino. "La gente lo amaba a Rufino. Era un ídolo. Cuando yo entré me volvió loco. Créame. Las noches del 42 en el Marabú eran un martirio para mí. Rufino me avasallaba, me humillaba. Yo ganaba mucha plata, pero no era feliz. He llorado de tristeza en esa etapa. Un día no aguanté más y me fui. Al poco tiempo Rufino se fue de la orquesta y Di Sarli me llamó de nuevo. Volví y empecé a grabar.

¿No cree que la orquesta de Di Sarli está poco valorada?

Totalmente. Lo que ocurrió es que alguien le puso eso de que era mufa y fue muy perjudicada. Pero la gente lo amaba. En los carnavales llenaba que daba calambre. Pero pasó eso de la mufa. Una injusticia tremenda. En SADAIC hay fotos de todos los directores menos de él. Le dije el otro día a Atilio Stampone... "Viejo, no puede ser...". El que hablaba muy mal de Di Sarli era D'Arienzo. Decía cosas como: "No, no lo contratés que trae mala suerte. Se te va a caer la lámpara..." Le tenía rabia porque Di Sarli siempre le ponía la tapa en los bailes. Aparte no vas a comparar... ¡Por favor! Por algo a Di Sarli lo llamaban El señor del tango. Me enseñó muchísimo.

Por ejemplo...

Era severísimo. Me insistía por ejemplo que no gritara, que fuera cuidadoso con el tratamiento de mi voz. Me decía: "Cantá con el interés"

¿Cómo sería eso?

Claro, que no cantara con toda la voz que tenía. Que cantara con el interés, no con el capital.

La casa de Alberto Podestá queda a dos cuadras de Puente Pacífico sobre la avenida Juan B. Justo. Es un departamento austero, algo oscuro, con una decoración muy años 50, dominado por algunos premios y fotografías de sus dos hijos: Alberto y Betina. Alberto trabaja en el free shop del Aeroparque Jorge Newbery; Betina también canta, de hecho comparte algunos tangos con su padre durante los jueves del Tasso. La esposa de Podestá ofrece café y desaparece por una puerta. Hay una radio encendida, AM.

¿No ganó buen dinero en aquellos años del apogeo del tango?

Sí gané. Lo que pasó es que en San Juan mi familia perdió todo con el terremoto de 1944. Tuve que traerlos a vivir a Buenos Aires, a mi mamá, a mis hermanos, a todos. Vivíamos en Concepción Arenal y Libertador, un barrio que ahora se puso de moda. ¿Las Cañitas?

¿Cómo vivió la decadencia del género a partir de los años 60?

Viajé mucho. Hasta me radiqué en Chile entre 1967 y 1970. Y anduve por todos lados: América latina, Centroamérica, los Estados Unidos, Europa, Japón, Asia. En Colombia me ha ido muy pero muy bien.

¿Y ahora? ¿Sigue viajando
Sí, estuve con Lisandro Adrover en Chile, Brasil. Igual quiero parar. A algunos lugares no da. A Japón no voy más. Demasiado traqueteo. Voy para los ochenta y uno...

Podestá habla de su amistad con Homero Expósito, de los tangos que él mismo escribió y del suceso de El bazar de los juguetes y recuerda también los años en que los jugadores de fútbol iban a escuchar tango. "A Carlos Di Sarli venían a escucharlo el Charro Moreno, Adolfo Pedernera, Tucho Méndez; de Racing también venía el maestro Rubén Bravo".

¿Es cierto que el Charro Moreno se acostaba a las seis de la mañana y el domingo se despertaba como si nada y la rompía?
Es cierto.

Dice que hablaba mucho de fútbol con Troilo. "Los dos éramos de River. Había una linda relación. Dos veces estuve a punto de entrar a su orquesta y no pudo ser. Y bueno, ya está."

¿Le hubiese gustado?

Sí, sí. Pero más me hubiese gustado cantar con Salgán. Hace poco se lo pude decir. ¿Sabe qué me respondió? Así, todo movedizo como es él, me dijo como si nada: "Hubiese sido lindo".



¿Y por qué no lo intenta?

No, bueno, ya está, él ya medio se retiró. Me gustaría grabar un nuevo disco, pero no con guitarrita. Con una orquesta. Como antes. Pero ya no quedan. Quedan, sí, la de Leopoldo Federico, el Sexteto Mayor... Pero no típicas, típicas.



¿Como sería ese disco?

Algunos tangos nuevos, clásicos y una buena orquesta dirigida por el maestro Atilio Stampone. Sería un sueño. Igual no me quejo. Estoy bárbaro: a los 80 años parece que me están descubriendo.
Es una gloria del tango. Cantor de Miguel Caló y Carlos Di Sarli, sigue actuando. Y va a protagonizar una película sobre su vida. Aquí habla de lo bien qué se siente, crítica a D'Arrienzo y Roberto Rufino, elogia a Di Sarli y Salgán y cuenta, a los 80 años, cuáles son sus sueños.
Un cantor de los años 40 en el siglo XXI
Alberto Podestá no sólo está en el proyecto Café de los Maestros que producen Gustavo Santaolalla y Gustavo Mozzi, sino también en La Selección del Tango, una especie de dream team orquestal que cuenta con músicos como Leopoldo Federico, Rodolfo Mederos, Ernesto Baffa y Nicolás Ledesma. Con Café de los Maestros va a cantar en diciembre en el Teatro Colón, en el Argentino de La Plata y en Luna Park y con La Selección... va a hacer una serie de recitales en agosto en la sala del N/D Ateneo.

Paralelamente actúa en el circuito for export de San Telmo, en locales como La esquina de tango y La Cumparsita. Y hoy, jueves, sigue con el espectáculo que lleva a cabo junto con el guitarrista Hugo Rivas y la dupla de voz y guitarra de Ariel Ardit y Jorge Giuliano. "Para mi Ardit es uno de los mejores cantores de la nueva generación. No hay tantos como dicen...", observa. Y sigue con su presente febril. "Tengo mucho trabajo. Me hace realmente bien mantenerme en actividad. Y me gusta estar en contacto con la juventud. También me da placer cantar con mi hija. Es buena, eh. No lo digo porque sea mi hija. Primero larga Ardit y después yo. Ahí se me suma la Beti y hacemos un vals. Y al final, como bis, cantamos a dos voces El día que me quieras. Para mí es muy emocionante".