sábado, 25 de julio de 2009

Gigliola Cinquetti

Gigliola CinquettiGigliola Cinquetti

Gigliola CinquettiGigliola Cinquetti


Gigliola Cinquetti ( n. Verona, 20 de diciembre de 1947) es una cantante y animadora de televisión italiana.

Debuta a los dieciséis años en el Festival de San Remo de 1964, junto con Patricia Carli, ganando el concurso con la canción Non ho l'età (per amarti) ("No tengo edad (para amarte)"). Dos meses después vence en Copenhague, con la misma canción, en el Festival de la Canción de Eurovisión.

En total, ha participado en doce ediciones del Festival de San Remo, venciendo en dos ocasiones. La segunda vez fue en 1966, en compañía de Domenico Modugno, cantando la canción Dio, come ti amo ("Dios, cómo te amo"). En 1973 participa en el programa "Canzonissima" venciendo con la canción Alle porte del sole ("A las puertas del cielo"), re-editada dos años después por el cantante italoamericano Al Martino, que alcanzó la posición número 17 en el Billboard Hot 100. En 1974 participa de nuevo en el Festival de Eurovisión, quedando segunda con la canción Sì (ya que la primera posición la alcanzó ABBA, con la canción "Waterloo"). La versión inglesa del tema llegó a la séptima posición de la lista de ventas inglesa.

Durante los años 90 y hasta hoy en día trabaja como animadora de televisión en la RAI.Fuente Wikipedia

viernes, 24 de julio de 2009

A.V. - Los tangos del siglo vol 03


Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 60 Mb/Total time: 40:06
Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!

Ver Volumen 01 al 20 Col. Tangos del siglo
Tracks
01-Hector Stamponi (Edmundo Rivero)****Cafetin de Buenos Aires-1959
02-Hector Stamponi(Instrumental)*****Adios Pampa mia-1994
03-Carlos Gardel(Con guitarras)*****Mano a mano-1928
04-Anibal Troilo(Jorge Casal)*****Los Cosos del al lao-1954
05-Horacio Molina(Guitarra Roberto Aussel)*****Milonga triste-1984
06-Los violines de oro*****El entrerriano-1959
07-Alberto Castillo(Orq.Angel Condercuri)*****Tortazos-1960
08-Rodolfo Lesica(Orq.Jorge Caldara)*****Pasional-1965
09-Agustin Magaldi(Con guitarras)*****Llorando la carta
10-Roberto Goyeneche(Trio Los Modernos)*****Cuesta abajo
11-Amelita Baltar*****Balada para un loco
12-Osvaldo Pugliese(Instrumental)*****Nonino-1961
13-Edmundo Rivero*****Habla Edmundo Rivero
Bajar

jueves, 23 de julio de 2009

Chico Buarque

Chico Buarque
Chico Buarque

Chico Buarque
Chico Buarque

Chico BuarqueChico Buarque


Francisco Buarque de Hollanda (Río de Janeiro, 19 de junio de 1944), más conocido como Chico Buarque, es un poeta, músico, compositor, dramaturgo y novelista brasileño.

Se le conoce principalmente por sus canciones de refinada armonía, deudoras en parte de Antonio Carlos Jobim, y por sus letras, que oscilan entre una temática de carácter intimista, hasta cuestiones como la situación cultural, económica y social de Brasil. A lo largo de su vida ha ido alternando su carrera musical con la de novelista y dramaturgo. Su último libro, Budapeste (2005), fue muy aclamado y ganó el importante Prêmio Jabuti.

Nació en el seno de una familia intelectual y privilegiada. Su padre, Sergio Buarque de Hollanda, era un conocido historiador y sociólogo. Buarque fue un niño estudioso con un interés precoz en la música y la escritura. Desde temprano le impresionó la música, sobre todo la bossa nova y en especial el trabajo de João Gilberto.

Se casó con la actriz Marieta Severo, con quien tiene tres hijas (Sílvia, Helena y Luísa).

El debut público de Buarque como músico y compositor ocurrió en 1964 y pronto se hizo una reputación a través de su participación en festivales musicales y programas de televisión. Su primer álbum, Chico Buarque, mostraba el trabajo por venir, con sambas pegadizas, caracterizadas por juegos de palabras creativos y un trasfondo de nostalgia trágica.

Su cada vez mayor actividad política contra la dictadura militar de Brasil le valió ser arrestado en 1968 y lo movió al exilio a Italia en 1969. Chico Buarque regresó a Brasil en 1970, donde empleó su fama y habilidad para escribir canciones como protesta contra la dictadura. En esta época su sencillo de protesta (ligeramente disimulada) "A pesar de você" pasó desapercibido de alguna manera por los censores militares y se convirtió en el himno del movimiento democrático. Después de vender 100.000 copias, el sencillo fue finalmente censurado y todas las copias fueron retiradas del mercado. A pesar de la censura, canciones como "Samba de Orlý" (1970), "Acorda amor" (1974) y "Vai passar" (1983) hicieron patente la continua oposición de Chico.

Durante los años setenta y ochenta, Chico colaboró con cineastas, dramaturgos y músicos en trabajos que protestaban contra la dictadura.

En el año del golpe militar de Brasil, 1964, Chico escribió sobre la situación y evitó la censura al usar analogías crípticas y juegos de palabras. Por ejemplo, en la canción "Cálice" juega con las palabras portuguesas para "cállese" y "cáliz" para cantar sobre la opresión militar bajo la apariencia de relato bíblico. Aunque bien es cierto que sus letras también abordan temas de carácter más personal, con un aire sutil, y en un contexto musical hondo y refinado.

En 1998, la escuela de samba de Mangueira ganó el primer lugar del carnaval carioca con un tema de homenaje a Chico Buarque. Fuente Wikipedia

martes, 21 de julio de 2009

Barbara Casini

Barbara CasiniBarbara Casini

Barbara CasiniBarbara Casini


Nacida en Florencia en 1954, se graduó en Psicología, una vida dedicada a la música, especialmente el canto, el amor de niña por Brasil que se ha convertido en su segunda patria de la música, Barbara Casini ha sido reiteradamente definido como el más importante intérprete de la música brasileña en Italia.
Comenzó a la edad de quince años, con el descubrimientode la bossa nova de Jobim y João Gilberto, su conocimiento de la música popular brasileña ha profundizado cada vez más, hasta la formación en el early'80s, el trío Outro Lado (Beppe Fornaroli con la guitarra y la percusión de Naco), que ha funcionado bien, como en teatros y clubes en Italia, en París, en el norte de Europa, África y Brasil, participando en festivales de jazz y la música etno-comentarios . Con esta formación ha registrado un LP, "Outro Lado" más adelante en el CD reeditado Filología.
En 1994 forma un cuarteto con el pianista Stefano Bollani, Rafael Francisco Petreni Pareti a bajo y batería.
Ha trabajado con grandes músicos de jazz, entre los que se encuentran: - Enrico Rava ha registrado con el "viento" para el sello francés Label Bleu, con Stefano Bollani al piano, contrabajo de John Thomas, Roberto Gatto en batería, y con el acompañamiento de la Filarmónica della Scala realizado por Paolo Silvestri, autor de los arreglos (por participar en Umbria Jazz 2000);
- Phil Woods, con quien grabó el cd "Você e Eu" (Filología, 2001) Una reinterpretación de clásicos brasileños con Stefano Bollani;
- Lee Konitz, con quien grabó "Outra vez" (Filología, 2002) junto con el guitarrista Sandro Gibellini que entró definitivamente a unirse al cuarteto en el Bollani.
En 1997 lanzó el CD "Todo o Amor" (Filología), la primera obra en su totalidad en su nombre que dio lugar a proponer, así como de intérprete, a pesar de que el autor de la música y textos, y que recibió excelentes críticas tanto en Italia como en el extranjero.
En, en noviembre de 1998, la producción (de nuevo de Filología) CD" Stasera Beatles ", en la que el cuarteto ofrece un examen en latín jazz y una de 13 canciones de los Beatles. A continuación se deja el CD "sozinho" (Filología, 2000) grabados en directo en Pisa DR JAZZ Bárbara donde realiza solo en voz y guitarra, "Uma Voz Para Caetano" (Filología 2003), un homenaje a Caetano Veloso y "Anos Dourados" (Filología, 2003), dedicado por completo a la música de Tom Jobim.
También colaboró con grabados por Luigi Bonafede ( "Otro lado de mí", 1991), Attilio Zanchi ( "otro lugar", 1992), Massimo Colombo ( "Border Line", 1993), Naco ( "Naco", 1995 ) y Enrico Rava (italiano Baladas, 1996).
HURACÁN ELIS, un homenaje a Elis Regina, con su equipo histórico por el piano, percusión y tres de bronce, con arreglos de Paul Silvestri, fue lanzado en octubre de 2004 en la Via Veneto Jazz.
Fue recientemente a Brasil para una gira de conciertos (S Paulo y Río), al salir de la Guanabara Documentos LUIZA CD, y para promover ITALIANO BOSSA JAZZ FESTIVAL que se celebrará en las principales capitales brasileñas (S Paulo , Porto Alegre, Belo Horizonte, Brasilia, etc) y que será uno de los artistas invitados, junto con otros grandes nombres del jazz italiano.
Por último, el reciente registro de trabajo:
ÁNGULOS confundirse (Doble Trazos Records, 2006), junto con Pedro y Tonolo Alessandro Galati, original "tres manos", en la que Bárbara es también el autor de todos los textos (en italiano), un proyecto que está en camino de convertirse en un evento semi - Teatro con la participación del físico nuclear y Pablo Giusti que quiere combinar la mirada introspectiva y de relación con el último de los misterios de la naturaleza
PRIMERA Palabra (Filología, 2006) con Beppe Fornaroli y Sandro Gibellini, un homenaje al gran autor y compositor Chico Buarque de Hollanda
Nordestina (Filología en 2007) un examen de forró brasileño, con un personal completamente renovado entre ellos se destaca el acordeón Beccalossi y Fausto Rubén Chaviano violín, un extraordinario músico de Santa Clara, Cuba, desde hace años trasplantados en Italia. Fuente web de Barbara Casini (Traducion automatica)

lunes, 20 de julio de 2009

José Angel Trelles

José Angel TrellesJosé Angel Trelles

José Angel TrellesJosé Angel Trelles


Aquel muchacho comido por la emoción y los nervios del debut en Buenos Aires que subió en 1975 al escenario del Teatro Coliseo (¡nada menos!) a cantar, decir e interpretar canciones en portugués, italiano y español junto al Octeto Electrónico de Astor Piazzolla (¡nada menos!), es hoy un artista muy importante del país de los argentinos. Ha pasado mucha agua bajo los puentes del espectáculo, Pepe Trelles se ganó un lugar no solo como cantante solista, actor, pero quizá le quede mejor otro título: cantor nacional, por su permanente compromiso con los grandes músicos y poetas de la Argentina. Una tarea nada sencilla, todo lo contrario, es titánica, bajo unos cielos (los nuestros) que encumbran el facilismo para arrinconar muchas veces el arte, el talento, la capacidad, el estudio (¡si lo sabrán los huesos de Piazzolla!). De aquella noche consagratoria del Coliseo han pasado muchos años. Trelles siempre estuvo cerca de Pîazzolla, y también de Estela Raval, Victor Heredia, Nicolás Mancera, Alberto Cortez, Sandro, Oscar Cardozo Ocampo, Rubén Juárez, Carlos Carella Daniel Binelli, José Ogiviecki, Raúl Lavié, María Graña, Pablo Ziegler,. Ana María Cores, Milva, Camerata Porteña. Es el intérprete que más veces cantó en todo el mundo “María de Buenos Aires”, junto a Horacio Ferrer y un músico fundamental de estos tiempos: Gidon Kremer. El escenario hoy de Trelles es el mundo, con hitos para enorgullecer al artista: Teatro Comunale de Bologna, Carneggie Hall de New York, Tokio Metropolitan, Miraj Hall (Yokohama de Japón). Lleva grabados 16 discos (LP antes; CD’s hoy). Fue protagonista de la comedia musical de mayor suceso en toda la historia teatral de Buenos Aires: “El diluvio que viene”. Decir José Angel Trelles en este 2003, es decir cantorazo en su plenitud y apogeo. Ahora, lo que tiene ganas de decir mirando hacia atrás, el hoy, y espiando el futuro.

Tomando un café, en el almuerzo o cuando íbamos a nadar un rato, El Viejo (*) era un fenómeno, una delicia de persona. Pero cuando se trataba de laburar era a cara de perro. Una vez estábamos preparando el repertorio para ir a Cuba, y marcó: “Vamos con el final de La Bicicleta Blanca”. Yo, canchero, la canté medio de taquito. El Viejo se agarró un embale tremendo, paró el ensayo y me dijo con bronca: “Cantá, carajo, parece que estás haciendo churros con el culo”. Un genio hasta para carajear. Otro día nos agarró un paro de aviones yendo hacia Lima, Perú. Un fastidio bárbaro. Yo trataba de dormir un rato porque se había complicado todo: la llegada, la conferencia de prensa y enseguida venía el recital. En eso pasa por el pasillo, me pregunta como estoy, y yo le digo: “cansado”. Entonces me dice: “¿A vos dónde te gustaría jugar, en Defensores de Cambaceres o en el Milan? Bueno, esto es el Milan y se juega así” El respeto que tenía ese hombre por el espectáculo era enorme: “Hay que estar concentrados, salir al escenario bien vestidos, respetar al que paga una entrada”. Podía perdonar un error pero no la desidia. Y el mismo respeto y cuidado tenía por todos nosotros, los músicos y en mi caso, por los cantantes.

En vuelos muy largos, por lo general, venía el comisario de a bordo y le decía: “Astor, lo invitamos a pasar a Primera”. Pero el Viejo iba siempre y cuando hubiera lugar para todos nosotros, si no se quedaba en Turista.
Yo le debo todo, sin Piazzolla hoy no sería nada. Por lo que fue para mi desarrollo profesional y por las pautas artísticas que me dio, claras y directas. “Escuchá mucho a Gardel y a Goyeneche. Los demás son todos cantores de orquesta, maravillosos pero cantores de orquesta. Los únicos dos solistas en serio fueron Gardel y Goyeneche. Escúchalos y avívate de cómo roban tiempo, siempre van un poquito adelante, para lucir el arreglo y a los músicos”. Una vez le comenté a que mi viejo le gustaba mucho Alfredo Gobbi y que yo también escuchaba sus discos. Le salió una sonrisa enorme y me dijo: “Pibe, por ahí pasamos todos..., todos le sacamos algo, fue el inventor del swing en el tango”.

Soy fanático de Hugo del Carril. Lo amo por su coherencia personal, su conducta, es un ejemplo maravilloso. Cantaba como los dioses pero solo le importaba en función de juntar dinero para hacer un cine comprometido, filmar lo que él sentía y quería. Cuando a mí me dicen que soy un cantor nacional me halagan hasta la última célula. Eso fueron Hugo del Carril o Atahualpa Yupanqui. Cuando yo tenía 20 años tuve un inolvidable encuentro con Yupanqui.
Me dijo: “A veces los cantores se creen más importantes que el repertorio. Enorme error: si usted m’hijito, cuando dentro de 20 o 30 años tenga cuatro o cinco canciones de esas que la gente aplaude apenas usted empieza a cantarlas, se podrá considerar entonces un artista popular”. Es una definición impresionante. Cuando empiezo a cantar Los pájaros perdidos, La bicicleta blanca, Balada para un loco o Qué maravilla Goyo, y la gente aplaude, me conmuevo al pensar en Yupanqui y aquella clase magistral metida en una frase..

En New York me topé con una calle que se llama Jack Dempsey. Una vez salí a caminar por una calle de Santiago de Chile con Antonio Prieto y la gente no lo dejaba avanzar, todo el mundo quería saludarlo. El nuestro, en cambio, es un país injusto con sus artistas populares o los deportistas que hicieron época. ¿Por qué no ponerle Amadeo Carrizo a una calle? ¿Hay qué esperar que se muera? ¿Y si ésa es la ley, donde está la que se llama Angel Labruna, o Floreal Ruiz, o Edmundo Rivero?

Me preocupa mucho el futuro de los pibes que se van a dedicar a la canción o a la música. Mi generación, en cambio, tuvo información generosa. Un chico de hoy que tiene 18 años, ¿sabe quién fue Aníbal Troilo? ¿Silbó alguna vez un tango de Agustín Bardi o una melodía de Yupanqui o Eduardo Falú? Por eso salen esos híbridos que quieren tocar la guitarra como Eric Clapton sin haber escuchado nunca a Roberto Grela.

También me preocupan los que van directo a Piazzolla, sin pasar antes por Eduardo Arolas, Bardi o los hermanos De Caro. No se puede comprender a Piazzolla desde la nada. ¿Cómo se hace? Hay una sola manera: la escuela. La música argentina tiene que entrar como los palotes, después que cada uno decida: le gusta o no le gusta. Pero tuvo la oportunidad. Es la única manera de defender un patrimonio cultural riquísimo.

En mis giras llevo siempre discos de Pugliese, Troilo, Gobbi. Los músicos extranjeros se vuelven locos No digo Piazzolla, ya está, lo reconoce y lo admira el mundo. María de Buenos Aires, la óperita de Astor y Horacio Ferrer se toca en forma permanente en todas partes.. Yo sé de esto, he realizado giras y tengo contratos hasta el 2006 para hacerla con la orquesta de cámara de Gidon Kremer. En Bologna, el cartel anunciando María de Buenos Aires estaba entre Tosca de Puccini con Plácido Domingo y La Traviata de Verdi con Luciano Pavarotti. En la Argentina, digo en Buenos Aires, la operita no sube a un escenario desde su estreno en la década del ’60. Algo nos pasa a los argentinos; tenemos que salir de esta enorme confusión. Alguien va a tener que entrar a un canal de televisión y decir basta de tanta mierda y tanta porquería que embrutece a la gente indefensa.

Un día, cuando estaba a punto de manejar un remise por la falta de trabajo, agarré un mapamundi y lo puse sobre la mesa de mi casa. Me pregunté: ¿Hasta donde llega la música de Piazzolla? Si yo fui su cantante por muchos años, ¿por qué tengo que sentirme derrotado? Y me dije para adentro: esto es mío, voy a actuar en todo el mundo. Y las puertas que aquí se cerraban se me abrieron en el exterior.

La vida de los artistas empieza todos los días. La voz hay que cuidarla, es la herramienta, porque es única, como la huella digital. Yo sigo yendo todos los días a mi maestra de canto, y si estoy de gira hay que encerrarse en la pieza del hotel y hacer los ejercicios. No se puede subir a un escenario a gallear o bastardear una obra. No me lo permite el recuerdo de Piazzolla. Es cierto que como decía Jaime Dávalos con tanta razón, “el miedo es el padre de todas las artes”, pero cantando al lado de Piazzolla yo me sentía Enrico Caruso. Fuente Natalio Gorín en Tango Siglo XXI

domingo, 19 de julio de 2009

Paul Mauriat

Paul Mauriat en 1982Paul Mauriat en 1982

Paul Mauriat en 1982Paul Mauriat en 1982


Paul Mauriat (Marsella, 4 de marzo de 1925 - Perpiñán, 3 de noviembre de 2006), fue un director de orquesta francés, que se especializó en música ligera. Se dio a conocer con el éxito logrado por la grabación de "El amor es azul" (L'Amour est bleu) del compositor francés André Popp, y que fue la # 1 durante 5 semanas en 1968 en las carteleras de Estados Unidos.

Mauriat creció en Marsella y comenzó con su propia banda durante la Segunda Guerra Mundial. En la década de 1950 se convirtió en director musical de por lo menos dos conocidos cantantes franceses, Charles Aznavour y Maurice Chevalier, a quienes acompañó en diversas giras.

En 1958 grabó su primer EP, previo a en 1959 firmar contrato con la compañía Bel-Air. En 1965 inició una relación comercial con el sello Philips, donde realizó la mayor parte de sus grabaciones y estuvo vinculado a ella hasta 1993.

En 1998 realizó su última actuación al frente de su orquesta, la cual siguió actuando.

Para los aficionados a la radio, merece la pena mencionar que la sintonía de inicio del veterano programa de Radio 3 Flor de Pasión es un hermoso tema de Serge Gainsbourg grabado por Paul Mariat, Attends ou va-ten.Fuente Wikipedia