sábado, 12 de diciembre de 2009

Carlos Gardel

Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931

Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931

Carlos Gardel en El dia que me quierasCarlos Gardel en El dia que me quieras

Carlos Gardel en New York en 1931Carlos Gardel en New York en 1931

Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934

Carlos Gardel y Azucena MaizaniCarlos Gardel y Azucena Maizani (Buenos Aires.1933)


Carlos Gardel en la Costa AzulCarlos Gardel en la Costa Azul (1931), con el barón y la baronesa de Wakefield y el famoso futbolista del Barcelona, Samitier.

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel.

Carlos Gardel con Charles Chaplin en Niza


Carlitos, con Charles Chaplin en Niza

Carlos Gardel con Astor Piazzolla


Astor Piazzolla con Carlos Gardel
Astor Piazzolla en 1934, interpreta un pequeño papel de canillita en las escenas iniciales de El Día que me Quieras. Película Paramount protagonizada por Carlos Gardel.Con ellos en la foto Tito Lusiardo




Carlos Gardel con la actriz Blanca Vischer Con la actriz Blanca Vischer en una escena de ElTango en Broadway (1934), filmada en Estados Unidos

Carlos Gardel con los hermanos Juan (izquierda) y DomingoTorteroloFoto de la izquierda: Con los hermanos Juan (izquierda) y DomingoTorterolo.

Foto de la derecha: Carlos Gardel con Elías Alippi y César Ratti, en el hipódromo de Palermo acompañados porel jockey Domingo Torterolo.

Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata (febrero de1916). Cantaron en el Teatro Odeón, en la compañía de Orfilia Rico.



Carlos Gardel canta en Radio BelgranoCarlos Gardel canta en Radio Belgrano en setiembre de1933.


Gardel fotografiado en Barcelona en 1932 Gardel fotografiado en Barcelona en 1932.

Carlos Gardel con Isabel del Valle Carlos Gardel con Isabel del Valle.

Carlos Gardel en 1922, cuando cantó con RazzanoCarlos Gardel en 1922, cuando cantó con Razzano para Jacinto Benavente. Carlitos aparece entre Barbieri y don Jacinto; (a la derecha) Razzano y "El Negro" Ricardo. Fotografía tomada en el Colegio Internacional de Olivos.

Gardel con Imperio ArgentinaGardel con Imperio Argentina, en una escena de la
película Melodía de Arrabal filmada en Francia

Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo en1917Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo en 1917.


Gardel en Montevideo en 1933 El gran fotógrafo oriental Rafael Caruso logró estatoma de Gardel en Montevideo en 1933.


El dúo Gardel-Razzano en 1922El dúo Gardel-Razzano en 1922.


Carlos Gardel con ropas criollasCarlos Gardel con ropas criollas en tiempos de sus primeros triunfos en Europa.

Carlos Gardel con Ignacio Corsini en 1933 Carlos Gardel con Ignacio Corsini en 1933


Carlos Gardel con Horacio Pettorosi en 1933Carlos Gardel con Horacio Pettorosi en 1933


Carlos Gardel en 1912Carlos Gardel en 1912

Carlos Gardelen 1911Carlos Gardel en 1911


Carlos Gardelen 1912Carlos Gardel en 1912


Carlos Gardel con Eduardo Bonessi, Guillermo Barbieri y Carlos Gardel con Eduardo Bonessi, Guillermo Barbieri y "El Negro" Ricardo en la provincia de San Luis,
durante una gira.


Carlos Gardel en 1910 Carlos Gardel en 1910


Carlos Gardel en 1905Carlos Gardel en 1905



Carlos Gardel en 1908Carlos Gardel en 1908

Carlos Gardel en 1916Carlos Gardel en 1916


GARDEL, Carlos. Músico. Cantor. Compositor. 1. Ubicación personal. Fue el creador—en lo artístico—, el primer cultor emocional y estéticamente genuino —en lo histórico— y el mayor intérprete —en lo valorativo— de las formas vocales del tango. Su personalidad integral gravitó, además, en todo el panorama de la música popular y en el estilo espiritual de las ciudades del Río de la Plata, de los que fue la figura más representativa; en vida, primero, y luego en la ascendente proyección afectiva y social de su legendaria memoria.
2. Ubicación histórica. Fue hombre de la generación de 1910, gestora de la transformación profunda que hizo del tango primerizo un género perfectamente diferenciado de arte musical. Alternó en ella con los compositores y con los ejecutantes —Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martínez, Fresedo, Roccatagliata, Carlos V. G. Flores— que, en distintas latitudes de temperamento, promovieron la génesis del tango cantable con caracteres melódicos rítmicos y armónicos propios, y con los letristas que encabezados por Pascual Contursi aportaron la equivalente dimensión literaria. Él, a su vez, rompiendo revolucionariamente con las arcaicas maneras vocales que, representadas por Ángel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodríguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma y otros, habían prevalecido hasta entonces, dio a ese flamante y auspicioso repertorio para canto, la exacta configuración interpretativa. Sus versiones de Flor de fango(Gentile-Contursi), Milonguita (Delfino-Linnig), Mi noche triste (Castriota-Contursi), De vuelta al bulín (Martínez-Contursi), Mar-got (Ricardo-C. E. Flores), Carne de cabaret (Lambertucci-Roldán) y Pobre Paica (Cobián-Contursi), grabadas en discos Nacional Odeón entre 1918 y 1920, lo mostraron ya en toda la originalidad que desarrolló y enriqueció a lo largo de su breve carrera posterior.
3. Fisonomía creadora. En el plano vocal, irreprochable de afinación, de impostación, plena en todas las notas de equilibrado y parejo vibrato, su voz de barítono, de caudal mediano y próxima a las dos oc-tavas en su tesitura, fue cambiando de color a través de los años. Pero su inesperado e inconfundible timbre, su característica presencia sonora, quedaron radicalmente y para siempre identificados con el tango. No fue que tuviera él "voz de tango"; éste—más bien— nació de su voz. En el plano musical, le fue natural el refinamiento y la imaginación para tratar la línea melódica, dividiéndola, acentuándola, matizándola con exquisito e invariable buen gusto, todo lo cual, juntamente con su marcada tendencia al "tempo rubato" y a su instinto innato del ritmo —creador en alto grado del propio ritmo del tango— concurrió a perfilar su inconfundible fraseo. En lo interpretativo tuvo la rara aptitud de poder recrear, en un solo e indivisible acto de expresión, el texto musical y el texto literario. Esto es, cantando y "diciendo" a la vez con precisa y simultánea comprensión del contenido y de la intención de cada tango diferente: festivo en Qué querés con esa cara; compadecido en Pobre corazoncito; nostálgico en El bulín de la calle Ayacucho; cachador en Tierrita; coloquial en Mano a mano; trasnochado en Y reías como loca; melancólico en La per-canta está triste; arrabalero en Del barrio de las latas; romántico en Trovas; sentencioso en Pompas; grotesco en Chorra; irónico en Se acabaron los otarios; burlesco en Otario que andás penando; pretensioso en Si soy así; trágico en Cuesta abajo; reflexivo en Meditando; compadre en Taconeando, aun- que con una constitutiva inclinación a teñir toda su riquísima gama de intérprete con una pátina de melancolía profunda.

4. Esbozo temperamental. En el indesglosable todo de su creación, hubo la convicción de un arte en el que se combinaron su naturaleza anímica entre picaresca y solemne de hombre del bajo ciudadano, con las hondas raices de su criollismo —conocedor de cuanto había de manifiesto o de sobreentendido en lo que cantaba— y su señorío de hombre de clase por imperio espiritual.
5.Gravitación artística. La influencia de su personalidad que vivida y fecunda superó largamente a su muerte, y que se había afianzado luego de 1925, nació con su advenimiento mismo y alcanzó a enriquecer todos los aspectos del tango. Fue incitación para músicos y para letristas, los cuales lo sirvieron con un repertorio copioso del que, en medida importante, procedió la evolución y la diferenciación en estilos y tendencias de las composiciones cantables, a las que contribuyó él mismo con una obra de primera fila —Soledad, Arrabal amargo, Volvió una noche, Cuesta abajo, Volver, Golondrinas—, especialmente durante sus años postreros. Gravitó, intenso y dominante, en las corrientes vocales: únicamente pudieron sustraerse totalmente a su influjo, algunos de sus contemporáneos, como Ignacio Corsini, Agustín Magaldi y la mayor parte de las cancionistas; y fue absorbente su maestría, incluso para aquéllos que formados en su admiración y en su escuela —Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularmente Rivera— se expresaron en modalidades de jerarquía, con mayor independencia. La fuerza ordenadora y el contenido precursor de su manera de sentir y de tratar musicalmente el tango, concomitantes a los quefueron propios de la corriente decarista, influyeron por lo profundo en toda la familia de estilos orquestales auspiciada por ésta, inclusive en sus más avanzados cultores.
6. Trascendencia popular. Su arte, su naturaleza, su conducta, su temperamento, su
fisonomía, ejercieron una verdadera fascinación para varias generaciones, como una manera plena de confirmarse en todo cuanto define a lo porteño y a lo rioplatense. De esa pura y sencilla exaltación emocional, se alimentó el cariño y la imaginación popular que gestó, luego de su muerte, la legendaria imagen suya. Vivificado por el disco de fonógrafo —en el cual permanece su voz— o por la película de cine —en la que perdura su fisonomía—, su enorme fantasma se agregó a la doméstica constelación mitológica del Plata, junto a los Carriego, Arolas, Pepino el 88, Florencio Sánchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, pero compendiándolos en una sola e ideal representación espiritual.
7. Biografía. Los orígenes nacional y familiar, y la fecha y lugar de nacimiento, son cuatro aspectos capitales de su vida en torno de los cuales no hay todavía definitiva certeza: los documentos y los testimonios personales son contradictorios por igual, tan susceptibles de duda los unos como los otros. Una partida expedida en la ciudad de Toulouse —sur de Francia— lo ubica nacido en ésta el 11 de diciembre de 1890, hijo de Berthe Gardés—tolosana, también— y de padre desconocido. Esta fecha fue desvirtuada más tarde por él mismo en su testamento ológrafo (noviembre de 1933), al declararse nacido el 10 de diciembre de 1890, y por su compañero de labor artística José Razzano, quien dio otra —11 de diciembre de 1887—en el libro Vida de Carlos Gardel, (contada por José Razzano y escrita por Francisco García Jiménez), fecha que él también dio para toda su documentación personal. Un documento de identidad testimonia su nacimiento en el Departamento de Tacuarembó (R. O. del Uruguay), posibilidad sobre la cual el investigador uruguayo Erasmo Silva Cabrera ha escrito un ensayo ubicándolo como hijo del coronel oriental Carlos Escayola. De acuerdo con la primera hipótesis, su nombre familiar fue Charles Romuald Gardés; conforme a la segunda, fue Carlos Escayola. Su infancia y su adolescencia aparecen también envueltas en un misterio hecho de referencias orales desencontradas e imprecisas sobre la vida en Buenos Aires hasta 1912, residiendo con Berthe Gardés—quien fuera o no su madre, se comportó como tal hasta su muerte— en Corrientes al 1500, casi Rodríguez Peña, primero; des-pués, en la casa de la calle Jean Jaurés 735, barrio del Mercado del Abasto. Los principios de su trayectoria de artista corresponden a esa época, refrendados ya por menciones en la prensa: integró en 1912 un dúo con Francisco Martirio y un trío vocal de repertorio criollo con éste y con José Razzano, conjunto que debutó en un festival realizado en la Casa Suiza de la calle Rodríguez Peña y se convirtió, poco después en cuarteto con la incorporación de Saúl Salinas ("El víbora") para cantar en la localidad de Zarate durante el carnaval de 1913. Desvinculado Salinas, el trío Gar-del-Martino-Razzano continuó su gira por la provincia de Buenos Aires; y en Gral. Viamonte quedó reducido a dúo por la deserción de Martino. Ese mismo año hizo su primera serie de grabaciones fonográficas en solo y para la casa Columbia, integrada por catorce canciones campesinas en quese acompañó él mismo con elementales rasgueos de guitarra; la placa inicial, por orden de aparición en la venta, contuvo sus interpretaciones de La Mañanita y Me Dejaste. A fines de 1913, formando el dúo con Razzano, debutó en el cabaret Armenonville, presentándose durante 1914 como fin de fiesta de las representaciones de la compañía Ducasse-Alippi en el Teatro Nacional (enero), con Perdiguero-Casaux en el Apolo (marzo), con Arellano-Tesada-Aranaz- Mancini en Rosario de Santa Fe (junio), con Vitone-Pomar en Córdoba (julio), con Rico Mangiante en el Moderno de Buenos Aires (octubre) y, en este mismo escenario, para un concierto de la Sociedad Argentina de Compositores (noviembre). Al año siguiente cantó con Razzano en Montevideo, en el Teatro Royal y en el 18 de Julio, como parte del elenco de Arellano, integrando el cual viajó a Río de Janeiro en la puesta de Juan Moreira, que se estrenó en el mes de noviembre en el Teatro San Martín. En esta ocasión se agregó a su dúo el guitarrista José Ricardo. En 1916 acompañó —siem-pre con Razzano —la actuación de Orfilia Rico en el Odeón de Mar del Plata (febrero) y al recién constituido binomio de actores Muiño-Alippi en las salas del Marconi y del Nuevo, pasando en octubre al Esmeralda, donde cantó en solo Mi noche triste, primer tango que interpretó en actuaciones públicas. Durante esa misma temporada, desempeñó un pequeño papel en la filmación de la película Flor de Durazno, que dirigió el dramaturgo Francisco Defilippis Novoa, y volvió a Montevideo con Razzano, en la compañía de Rogelio Juárez y Lola Membrives, de actuación en el Urquiza. Llamado por Glucksmann, grabó el dúo —el 9 de abril de 1917— para Odeón, su placa inicial con la canción de Ángel Villoldo Cantar Eterno, quedando confiado a un solo de Razzano —la cifra Entre Colores— la faz complementaria de ese primer disco de fonógrafo. Y continuaron las presentaciones teatrales, en el Esmeralda —nuevamente— con Blanca Podestá; Alberto Ballesteros y Salvador Rosich, en el San Martín y en el Empire; con Florencio Parravicini, luego, en San Nicolás, durante una gira por provincias que incluyó un contrato cumplido por el dueto en Chile. En 1918, año de sus dos primeros tangos cantados para el disco —Flor de fango y Mi noche triste (éste apareció antes que aquél en la venta)—, actuó con el dúo en Montevideo: Teatro 18 de Julio y festival benéfico en el Parque Hotel. Desde entonces, marcadamente a partir de 1922, su figura fue cobrando señalada supremacía respecto de la de Razzano, quien paulatinamente disminuyó la intervención en los registros fonográficos. Con los guitarristas José Ricardo y Guillermo Barbieri (incorporado éste al acompañamiento en 1921), y una vez cumplidos los compromisos artísticos en la escena del Florida porteño y del 18 de Julio montevideano con el elenco de Enrique De Rosas y Matilde Rivera, embarcaron con estos actores rumbo a España; debutaron en diciembre en el Teatro Apolo de Madrid. De regreso, grabó —a fines del 24—, como solista, secundado por la orquesta de Francisco Canaro, algunas versiones para Odeón, la primera de las cuales fue el tango La garconníére; y, en 1925 —temporada de su debut en la radiotelefonía por ondas de Splendid—, llevó al disco dos tangos: Perdón, viejita y Fea, con marco orquestal dirigido por Osvaldo Fresedo. Desde setiembre de ese año —fecha de su desvinculación de Razzano—continuó su carrera de artista como figura independiente y con un segundo viaje a Es-paña; cantó en el Romea de Madrid y grabó a partir de Echaste buena, una serie de caras para la Odeón de Barcelona, labor que cumplió acompañado únicamente por José Ricardo. Luego de una fugaz reaparición en Buenos Aires —que incluyó audiciones en Radio Prieto—, volvió a los escenarios españoles, esta vez con Ricardo y Barbieri, sus dos guitarristas. Durante los dos años siguientes, sumado ya José María Aguilar al acompañamiento, actuó en París: Teatro Fémina, cabaret Florida y discos de la Odeón francesa —en 1928— y Teatro Ópera y Empire —enero y febrero de 1929—; en abril y mayo, cantó en el Principal Palace de Barcelona y en el Avenida de Madrid. Volvió en junio a Buenos Aires, tomando parte en una serie de películas breves dirigidas por Eduardo Morera, actuando en el Teatro Florida, ante micrófonos de Radio Nacional y en la sala del Artigas de Montevideo. Regresó a Europa durante el siguiente año, debutando en Niza e interpretando el papel protagónico en Luces de Buenos Aires, película que, dirigida por Adelqui Millar, se rodó en Joinville con Gloria Guzmán; Pedro Quartucci y otros elementos de la compañía del Teatro Sarmiento en gira en los demás roles de importancia, y el sexteto de Julio De Caro. En setiembre de 1931, luego de haber registrado un segundo lote de versiones para la Odeón de París, reapareció en el Broadway de Buenos Aires con los guitarristas Guillermo Barbieri, Ángel Domingo Riverol y Julio Vivas. De 1932 es su serie de películas Paramount, durante la cual em-pezó a colaborar con él, como argumentista y letristas de canciones, Alfredo Le Pera: Espérame (Direc: Louis Gasnier), La Casa es Seria (Dir.: Jacquelux), Melodía de Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). Tras otra fugaz presentación por Radio Belgrano retornó a Europa, grabando en Barcelona, el 22 y 23 de julio, una tanda de placas con el violín de Solsona y el piano de Juan Cruz Mateo, y el 6 de noviembre en la Argentina, sus últimas versiones para Odeón: Madame Ivonne, Tu Diagnóstico, El Tirador Plateado. Dos meses antes había realizado una breve temporada en el Teatro 18 de Julio de Montevideo y pocos días después viajó rumbo a París, en el "Conte Biancamano", acompañado por sus músicos Alberto Castellanos y Horacio Pettorossi. De allí se trasladó a Nueva York, cantando por la NBC (National Broadcasting Corporation) con un marco orquestal concertado por Hugo Mariani. En 1934 y 1935 filmó sus cinco películas para la Paramount en Norteamérica: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango en Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), El Día que me Quieras (Dir.: John Reinhardt, 1935), Tango Bar (Direc: John Reinhardt, 1935) y escenas para Cazadores de Estrellas (Dir.:Norman Taurog, 1935). En marzo de dicho año cantó desde Nueva York para Radio Belgrano de Buenos Aires, en tanto que la RCA Víctor imprimía en discos los canta-bles incluidos en su labor cinematográfica: el tango Amargura fue el último que interpretó para el surco y la canción criolla Apure Delantero Buey —grabados ambos los días 19, 20 y 23 de marzo— la postrera realización suya —sin distinción de géneros— para la fonografía. A principios de abril inició su gira por ciudades latinoamericanas. Comenzada en San Juan de Puerto Rico, dicha turné lo llevó sucesivamente a Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena y Medellín. El 23 de junio cumplió la actuación final de su carrera en el Teatro Real de Bogotá. El 24 de junio de 1935, elaparato que lo llevaba desde esa ciudad hacia Calí, hizo escala en Medellín, en el aeródromo Olaya Herrera, sobre cuya pista, al recomenzar el viaje se estrelló en tierra contra otro avión, determinando su muerte.
Además de las composiciones ya mencionadas, dio a conocer los tangos Mano a mano, Ave sin rumbo, Mi alhaja (luego Medallita de la suerte), Noche fría, Desdén, Estudiante, Melodía de arrabal, Me da pena confesario, Tomo y obligo, Silencio, Recordando, Evocación, Amor, Sus ojos se cerrarón y Mí Buenos Aires Querido. Fuente Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel


In English Automatic Traducion
GARDEL, Carlos. Music. Cantor. Composer. 1. Ubica staff. He was the creator-in-the artistic, emotional and aesthetically cultor first genuine in-the-historical interpreter and the largest-in terms of value-vocal forms of tango. His personality comprehensive gravitation also across the landscape of popular music and spiritual style of the cities of Rio de la Plata, which was the most representative figure in life, first, and then in the upward projection affective and social development of his legendary memory. 2. Ubica historic. He was man of the generation of 1910, manages the profound transformation that gave tango a genre perfectly first time differential of musical art. Alternator on it with composers and performers-Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martinez, Fresedo, Roccatagliata, Charles V. G. Flores-who, in different parts of temperament, promoted the genesis of tango vocalist with melodic rhythmic and harmonic characters themselves, and with lyricists who headed Pascual Contursi contributed the equivalent literary dimension. He, in turn, breaking revolutionarily with archaic ways that voice, represented by Angel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodriguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma and others, had prevailed until then, gave this brand new and auspicious for repertoire singing, the exact configuration interpretative. His renditions of Flower of mud (Contursi-Gentile), Milonguita (Delfino-Linnig), My sad night (Castriota-Contursi), Back to bulín (Martinez-Contursi), Mar-got (Ricardo Flores-EC), Meat cabaret (Lambertucci-Roldan) and Poor Paice (Cobián-Contursi), recorded on discs National Odeon between 1918 and 1920, and it showed throughout the originality that enriched and developed throughout his career shortly thereafter. 3. Fisonomía creative. In terms of voice, impeccable pitch, impost, in full of all notes and evenly balanced vibrato, his baritone voice, flow and medium next to the two oc-TAV in his position, was changing color across year. But his unexpected and unmistakable timbre, its characteristic sound presence, were radically and forever identified with the tango. It was not that he had "voice of tango"; latter-rather-was born of his voice. In musical terms, it was natural refinement and imagination to deal with the melodic line, dividing, accentuated by qualifying with exquisite and invariable good taste, all of which, together with its strong tendency to "tempo rubato" and his innate instinct of pace-maker in high degree of self-paced tango-attended outline his unmistakable phrasing. In the interpretive had the rare ability of being able to recreate in a single and indivisible act of expression, the musical text and the literary text. That is, and chanting "saying" at the same time and simultaneously with precise understanding of the content and intent of each different tango: a festive want to do this face; compadecido in Poor heart; nostalgic bulín in the street Ayacucho; Cachadora in Tierrita; colloquial Hand in Hand; outdated and laughed at as crazy; melancholy in per-sung is sad; arrabalero in the neighborhood of cans; trove in romantic; judgmental in Pompas; grotesque in Chorra; ironic in Goodbye Otari; burlesque in Otario that andás penando; pretensioso If I am in well; tragic in Cuesta abajo; thoughtful meditation on; compadre in Taconeando, even though with a constituent inclination to colour all his rich range of interpreter with a patina of deep melancholy. 4. Outline temperamental. In indesglosable all of creation, there was the conviction in an art that combined their nature animosity between picaresque and solemn man under citizen, with its deep roots criollismo-connoisseur of what had been apparent or understood in what they sang-lordship of man and his classmates by spiritual empire. 5.Gravitación artistic. The influence of his personality that lived long and fruitful surpassed his death, and which had been strengthened after 1925, was born with its advent to enrich himself and reached all aspects of tango. It was incitement to musicians and lyricists, which is served with a repertoire of copious that, in a major way, proceeded evolution and differentiation in styles and trends compositions vocalist, who helped himself with a piece of front row - Soledad, Arrabal bitter, returned one night, Cuesta abajo, back, Golondrinas, especially during his years last. Gravitation, intense and dominant voice on the pattern: only able to completely escape its influence, some of his contemporaries, as Ignacio Corsini, Agustin Magaldi and most of the female singers, and was acquiring his master, even for those who trained in their admiration and their school-Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularly Rivera-were expressed in forms of hierarchy, with greater independence. The strength and substance ordering forerunner of the way and try to feel musically tango, concomitant to quefueron own flow Decaro, influenced by the deep throughout the family orchestral styles sponsored by it, including its most advanced cultores . 6. Transcendence popular. His art, its nature, conduct, his temperament, his physiognomy, brought a real fascination for several generations, as a fully confirmed in all that defines what the Buenos Aires and River Plate. That pure and simple emotional exaltation, is fed affection and the popular imagination that gesture, after his death, his legendary image. Enlivened by the phonograph record-which remains in his voice-or the film-which persists in its appearance, its huge ghost was added to the domestic constellation mythological del Plata, along with Carriego, Arolas, Cucumber the 88, Florencio Sanchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, but compendium in one spiritual and ideal representation. 7. Biography. The national origins and family, and date and place of birth, are four aspects of his life in capitals around which there is still no definitive certainty: documents and personal testimonies are equally contradictory, so one could doubt as others. A departure issued in the southern city of Toulouse-France-born it places him on December 11, 1890, son of Berthe Gardés-Toulouse, too-and an unknown father. This date was later invalidated by himself in his will ológrafo (November 1933), to declare born on December 10, 1890, and his artistic work colleague Joseph Razzano, who gave another -11 December 1887-in the book Life of Carlos Gardel (counted by Jose Razzano and written by Francisco Garcia Jimenez), when he also gave to all his personal documentation. An identity document testifies to its source in the Department of Tacuarembó (RO of Uruguay), a possibility about which the investigator Uruguayan Erasmo Silva Cabrera has written an essay, identified as the son of Colonel Carlos Eastern Escayola. Under the first scenario, his family name was Charles Romuald Gardés; under the second, Carlos was Escayola. His childhood and adolescence are also wrapped in a mystery fact references oral desencontradas and imprecise about life in Buenos Aires until 1912, residing with Berthe Gardés-or who was not her mother, behaved as such until his death in-flows to 1500, almost Rodriguez Pena, first; af-ter, at the home of Jean Jaurés 735 Street, Market neighborhood of Abasto. The principles of his career as artist correspond to that time, already endorsed by mentions in the press: in 1912 he joined a duo with Francisco Martyrdom and a vocal trio repertoire of Creole with him and with Jose Razzano, set to debut at a festival held in House Switzerland in the street and became Peña Rodríguez, shortly after a quartet with the addition of Saul Salinas ( "viper") to sing in the town of Zarate during the carnival of 1913. Salinas split, the trio Gar-of-Martino-Razzano continued his tour of the province of Buenos Aires and in Gral. Viamonte was reduced to a duo by the defection of Martino. That same year he made his first series of phonographic recordings in the house alone and to Columbia, composed of fourteen songs in peasant cate accompanied himself with elementary rasgueos guitar; initial plate, in order of appearance in the sale, kept their interpretations of The Mañanita and left me. In late 1913, forming the duo with Razzano, debuted at the cabaret Armenonville, appearing during 1914 so as party representations of the company-Alippi Ducasse at the National Theater (January), with Perdiguero-Casaux in the Apollo (March ), With Arellano-TES-Aranaz-Mancini in Rosario de Santa Fe (June), with Viton-Pomar in Cordoba (July), with Rico Mangiante in the Modern Buenos Aires (October) and, in this scenario, for a concert of the Society of Composers Argentina (November). The following year he sang with Razzano in Montevideo, at the Theatre Royal and in the July 18, as part of the cast of Arellano, integrating which traveled to Rio de Janeiro in the making of John Moreira, which premiered in November at the Teatro San Martin. On this occasion was added to its duo guitarist Jose Ricardo. In 1916-always accompanied with Razzano-performance Orfilia Rico at the Odeon of Mar del Plata (February) and the newly formed team of actors Muiño-Alippi in the halls of Marconi and the New, moving in October to Esmeralda, where he sang in My only sad night, that first tango interpreted in public performances. During that same season, played a small role in the filming of the movie peach blossom, who led the playwright Francisco Defilippis Novoa, and returned to Montevideo with Razzano, in the company Rogelio Juarez and Lola Membrives, action in the Urquiza. Called by Glucksmann, recorded the duet-the April 9, 1917 - for Odeon, its initial plate with the song Angel Villoldo Eternal Song, being entrusted to a single-figure Razzano Among Colors-the face of that first record supplementary of phonograph. And continued theatrical presentations, in the Emerald-again-with White Podesta; Alberto Ballesteros and Salvador Rosich, in St. Maarten and the Empire, with Florencio Parravicini, then, in San Nicolas, during a tour of provinces which included a contract performed by the duet in Chile. In 1918, the year of its first two tangos sung for the hard-Flower of My mud and sad night (he appeared before him in the sale) - she appeared with the duo in Montevideo: Theatre festival on July 18 and beneficial in the Park Hotel. Since then, sharply from 1922, his figure was brought gaining supremacy over the Razzano, who gradually fell intervention in the recordings. With the guitarists Jose and Ricardo Guillermo Barbieri (incorporated it in the accompanying 1921), and once completed commitments in the artistic scene of Florida Buenos Aires and Montevideo on July 18 with the cast of Enrique De Rosas and Matilde Rivera, embarked with these players headed to Spain; debuted in December at the Teatro Apollo in Madrid. In return, recorded in the late-24 - as soloist, supported by the orchestra Francisco Canaro, some versions for Odeon, the first of which was the tango The Garconniere and, in 1925-his debut season in radiotelephony Splendid-wave led to record two tangos: Sorry, viejita and Fea, with orchestral framework led by Osvaldo Fresedo. Since September this year, date of untying-Razzano continued his career as an artist and independent figure with a second trip to Spain is; sang in the Romea Madrid and recorded from Echaste good, a series of expensive for the Odeon Barcelona, which played accompanied only by Jose Ricardo. After a fleeting reappearance in Buenos Aires that included hearings on Radio-Prieto, Spaniards returned to the stage, this time with Ricardo and Barbieri, his two guitarists. During the next two years, joined Jose Maria Aguilar and the accompanying acted in Paris: Theatre Fémina, Florida and cabaret records of the French-Odeon in 1928 - and Opera Theater and Empire-January and February 1929 - in April and May , Sang in the Main Palace in Barcelona and Madrid Avenue. He returned to Buenos Aires in June, taking part in a series of short films directed by Eduardo Morera, acting at the Teatro Florida, before microphones National Radio and the chamber of Artigas Montevideo. He returned to Europe during the next year, debuting in Nice and interpreting the leading role in lights of Buenos Aires, film, directed by Adelqui Millar, was filmed in Joinville with Gloria Guzman, Pedro Quartucci and other elements of the Company Theatre in Sarmiento revolves other important roles, and the sextet Julio De Caro. In September 1931, after having registered a second batch of releases for the Odeon in Paris, reappeared in the Broadway of Buenos Aires with the guitarists Guillermo Barbieri, Angel Domingo Riverol and Julio Vivas. From 1932 is his series of films Paramount, during which em-fish to work with him as a script writer and lyricists of songs, Alfredo Le Pera: Espérame (Director: Louis Gasnier), La Casa is Seria (Dir.: Jacquelux) Melody of Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). After another brief presentation on Radio Belgrano returned to Europe, recorded in Barcelona on 22 and July 23, a round plate with the violin and piano of Solsona Juan Cruz Matthew, and November 6 in Argentina, their latest Odeon versions: Madame Ivonne, Tu Diagnostics, Silver shooter. Two months earlier had made a brief season at the Theatre on July 18 in Montevideo and a few days later traveled to Paris direction, "Conte Biancamano, accompanied by his musicians and Horacio Alberto Castellanos Pettorossi. From there he moved to New York, singing by the NBC (National Broadcasting Corporation) with an orchestral framework agreed upon by Hugo Mariani. In 1934 and 1935 filmed his five films for Paramount in North America: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango on Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), The day you love me (Dir.: John Reinhardt , 1935), Tango Bar (Director: John Reinhardt, 1935) and scenes for Hunters Stars (Dir.: Norman Taurog, 1935). In March of that year sang from New York to Radio Belgrano in Buenos Aires, while the RCA Victor records printed in the sing-able included in his film work: the tango Bitterness was the last thing interpreted for the furrow and the folk song Striker Apure Ox-taped both 19, 20 and March 23-the realization his second season-irrespective of gender-for phonography. In early April he began his tour of Latin American cities. Began in San Juan, Puerto Rico, said Turner took him successively to Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena and Medellin. On June 23 met the performance end of his career at the Teatro Real in Bogota. On June 24, 1935, elaparato that it was carrying from that city to Cali, Medellin stopped in at the Olaya Herrera airport, whose runway, to restart the trip crashed ashore against another plane, determining their death. In addition to the aforementioned compositions, released tangos Mano a mano, Ave aimlessly, Alhaj My (then Medallita of luck), Cold Night, Desdén, Student, suburb of melody, I'm confesario penalty, Volume and obligations, Silence, recalling, evocation, Love, Your eyes are cerrarón and Mi Buenos Aires Querido. Source Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel

viernes, 11 de diciembre de 2009

Carlos Vives

Carlos Vives
Carlos Vives

Carlos VivesCarlos Vives


La historia de Carlos Vives, el hijo de Aracelly Restrepo y Luis Aurelio Vives, comienza el 7 de agosto de 1961 en la hermosa ciudad de Santa Marta, donde vive tan sólo 14 años. Además de aprender a jugar fútbol, se interesó por el piano. Las reuniones de músicos citados por su padre, hicieron que desde pequeño se identificara con los grandes exponentes de la tradición oral del Caribe.
En 1973 su familia se mudó a Bogotá, donde tuvo contacto con otra clase de música: el rock. Empezó cantando en bares y en 1982 inició su trabajo en televisión en recordadas telenovelas como El faraón, Tuyo es mi corazón y Gallito Ramírez. En el año 1986 grabó Carlos Vives por fuera y por dentro, en 1987 No podrás escapar de mí y en 1989 Al centro de la ciudad.

Más adelante siguió con su carrera actoral y protagonizó LP, Loca Pasión, un seriado para los jóvenes del momento y en 1990 recibió una propuesta para trabajar en Puerto Rico.

En 1991 el director de cine y televisión Sergio Cabrera le propuso protagonizar Escalona, un seriado que trataba sobre la vida y obra del cantante vallenato Rafael Escalona. Fue en ese momento donde se reencontró con los sonidos de su infancia, llegando a grabar dos discos para la serie que tuvieron un gran reconocimiento.

Después de darse cuenta que lo suyo era cantar vallenato y encontrar su propio sonido creó La Provincia, grupo en el que integra guitarras eléctricas, bajos, batería y gaita con instrumentos clásicos del vallenato tradicional. Como resultado obtuvo un sonido innovador con el que fue grabado el albúm Clásicos de la Provincia del que hace parte una de las canciones, tal vez, más recordadas por los colombianos: La gota fría, su primer gran éxito y canción originalmente interpretada por el maestro Emiliano Zuleta.

Posteriormente y con el apoyo de algunos amigos como Conde Anzures (alias el Chacas) y Martín de Francisco, creó La tele, un programa animado que pretendió criticar algunas situaciones especiales del país. El proyecto duró algunos años, siendo aún recordado por su éxito en todo el País.

En 1995 lanzó La Tierra del Olvido, donde compuso por primera vez y cantó canciones propias. Siguió con el estilo que lo caracterizaba, fusionando los ritmos tradicionales del vallenato con otros más contemporáneos. De este álbum se destacaron éxitos tan importantes como La Tierra del Olvido y Pa Mayté. Para ese entonces lanzó Gaira Música Local, un sello discográfico que le abrió las puertas a muchos músicos Colombianos.

Su carrera músical continuó con Tengo fe en 1997 y El Amor de mi Tierra en 1999. Para el 2001 Vives regresó con Déjame entrar, disco con el que ganó un premio Grammy anglo al Mejor Álbum Tropical. Tres años después se lanzó El Rock de mi pueblo que le otorgó otros tantos éxitos.

Pombo Musical es un homenaje al maestro Rafael Pombo, y en él, Carlos como productor y la fundación Rafael Pombo, reunieron a figuras de la talla de Fonseca, Cabas, Juanes, Ilona, Verónica Orozco, Aterciopelados, Lucia Pulido y Adriana Lucía, entre otros.

En 2008 y al lado de Juanes, Miguel Bosé, Alejandro Sanz y Juan Luis Guerra, entre otros, participó en el concierto Paz sin Fronteras que marcó a Colombianos y Venezolanos, enviando a todos un mensaje de paz y hermandad.

Para 2009, Carlos Vives decidió lanzar un nuevo álbum: Clásicos de la Provincia II. Un disco ciertamente esperado que rompe con una pausa prolongada en cuanto al sonido que más le ha hecho característico, y que tal como ocurrió con su antecesor, espera alcanzar un éxito total.

Actualmente se encuentra casado con la ex-reina colombiana de belleza Claudia Elena Vásquez con quien tiene una hija. Fuente web de Carlos Vives

jueves, 10 de diciembre de 2009

Ubaldo De Lío

Ubaldo De Lio y Horacio SalganUbaldo De Lio y Horacio Salgan
Ubaldo De Lio con Horacio Salgan en 1965Ubaldo De Lio con Horacio Salgan en 1965
Ubaldo De Lio con Anibal Troilo en 1975Ubaldo De Lio con Anibal Troilo en 1975

Ubaldo De Lio con Hugo Del CarrilUbaldo De Lio con Hugo Del Carril
Ubaldo De Lio en 1938Ubaldo De Lio en 1938


DE LIO, Ubaldo. (Nombre de familia: Uvaldo Aquiles De Lío). Músico. Guitarrista.
Compositor. Nació en Buenos Aires, barrio de Boedo, el 11 de marzo de 1929. A los seis años de edad, inició sus estudios de guitarra con Juan Spumer y con José Canet. Y en 1938, ingresó al Conservatorio Nacional, del que egresó cuatro años después con su título de profesor de guitarra.
Debutó, profesionalmente, colaborando con José María de Hoyos y con la Tropilla de Huachi Pampa, trabajando —desde adolescente, también— con Hilario Cuadros, y con José Luis Padula en Radio Prieto. Entre 1944 y 1946, integró los acompañamientos de los cantores Alberto Serna, Alfredo Bermúdez y Edmundo Rivero, formando entre los músicos estables de Radio Belgrano el terceto de guitarras Ciacio, Cortese y De Lío. Trabajó, durante muchas tem-poradas con Hugo del Carril y con Néstor Feria, secundando a Ignacio Corsini en las actuaciones postreras de éste. En 1953, con Lalo Schifrin (piano) y Hernán Oliva (violín) compuso un quinteto a la manera del quinteto de jazz del Hot Club de Francia, tocando mandolín con Eddie Pequenino en la grabación de discos RCA de temas brasileños.
En plena juventud, ya estaba estimado como uno de los mayores guitarristas populares argentinos; a su irreprochable técnica, de formación ortodoxa, supo él asociar la imaginación melódica y armónica, el gusto para decir una frase, y matizarla y acentuarla con exquisita sensibilidad de artista. Conocedor de todos los secretos generísticos de nuestra música popular, tocó, a partir de 1955, tanto la guitarra española como la americana o la amplificada: y trabajando en la boite Jamaica, surgió su colaboración con Horacio Salgán: ha actuado con éste para la grabación de discos Philips y Caval; en tres giras al Japón con el Quinteto Real; en los recitales ofrecidos en Washington y en Nueva York, en Puerto Rico y en Colombia y, desde luego, en Caño 14, El Viejo Almacén, Malena al Sur, Portal de San Pedro de Buenos Aires, y todo el interior de la Argentina, y Teatro Solís de Montevideo. En 1975 y 1976, fue solista en el estreno del Oratorio Carios Gardel, de Horacio Salgán y Horacio Ferrer, en el Teatro Atlantic de Mar del Plata, ofrecido, luego, en 1977, en Montevideo y en Mendoza. Intervino en la filmación de las películas Detrás de la Mentira y Buenos días, Buenos Aires; colaboró con Ciriaco Ortiz —especialmente en la grabación de discos—, y ha integrado durante años el conjunto de André y el sexteto de Mariano Mores, siendo decisiva su participación en la formación del último cuarteto de Aníbal Troilo, con el que, además, grabó su único disco de larga duración con Osvaldo Berlingieri (piano) y Rafael del Bagno (bajo). Compositor de los valses El vals y Tú, y Las Muchachas de la Plaza Italia, de la zamba Novia Gaucha y de un tango de antología: Aquellos tangos camperos (en colaboración con Salgán). 

Por Horacio Ferrer

Cristina Banegas

Cristina BanegasCristina Banegas

Cristina BanegasCristina Banegas

Cristina BanegasCristina Banegas


El fin de 2004 la encontró más cansada que nunca. Fue un año profesional arduo que coronó una trayectoria de casi 40 años en la escena, en la pantalla chica y en la grande. Pero Cristina Banegas no se queja. No es de las que se quejan, aunque su actividad le impida disfrutar de su reformada casa de Palermo Viejo, que transformó, por obra y gracia del ingenio creativo, en un pequeño palacio de cristal que permite que la luz acaricie con su luminosidad. Allí se destacan sus premios y las fotos de sus seres queridos: su madre, su hija y su nieta, familiares y amigos que le sonríen desde las fotografías.

Con mucha serenidad, pero también satisfacción, Cristina reconoce su cansancio, sobre todo por la filmación de "Decir tu nombre", de Albertina Carri, que acaba de finalizar, aunque un brillo de orgullo ilumina sus ojos cuando expresa que "es mi primer protagónico en cine".

El primer papel protagónico en el cine, después de haber participado en más de 34 películas, convierte a 2004 en un año muy especial para ella. Pero no es el único mérito alcanzado. Su interpretación de "La señora Macbeth", de Griselda Gambaro, que presentó en el Centro Cultural de la Cooperación y que en 2005 pasará al escenario del Teatro Cervantes, fue tan visceral y emotiva que la ha hecho merecedora de varios premios. Y por si esto fuera poco, su brillante participación en el programa televisivo "Locas de amor" (en el papel de Regina De Teglia, una arquitecta brava, manipuladora y psicótica) y su incursión en la música como cantante, le permite además calificar a este año como uno de los más prolíficos de su vida profesional y que le deparó muchas satisfacciones.

Criada en un ambiente donde la rutina familiar estaba invadida por el lenguaje y los códigos televisivos (su padre Oscar era actor y productor y su madre, Nelly Prince, inauguró, desde la locución y la actuación, la televisión argentina), no era de extrañar que la joven se sintiera tentada de seguir los pasos paternos. Pero su preferencia artística infantil la llevó al ballet. Hasta los 10 años estudió con María Ruanova y Mecha Quintana, pero a la hora de las definiciones intervino su padre, que la hizo reflexionar sobre los sacrificios y esfuerzos permanentes que representaba ser bailarina. Y eso determinó que Cristina Banegas hiciera un paréntesis hasta que sintió la vocación de ser actriz.

A los 15 años empezó a estudiar teatro con Enrique Escope y a trabajar en televisión, donde debutó con "La solterona", con Oscar Ferrigno, experiencia que la ligó al medio televisivo. Entre sus primeras experiencias teatrales recuerda a la compañía de muñecos Los Ta-te-títeres, liderado por Virginia Pasetti, con quien aprendió el oficio y debutó en una temporada en Mar del Plata.

Toda su vida tuvo un gran despliegue de actividad porque siempre buscó las respuestas a los grandes interrogantes que le planteaba su profesión. "Porque éste es un trabajo que te lleva toda la vida; encontrar las respuestas adecuadas a preguntas tales como cuál es el fenómeno de la actuación o qué es ser actor lleva muchos años de lecturas, charlas, introspecciones y ejercitación. Además, ser actor es como querer ser pianista: exige estudio y mucha preparación, independientemente del talento que se tenga", expresó alguna vez la actriz.

Por este motivo estudió filosofía con León Rozichner, literatura argentina con Noé Jitrik, canto con Roy Hart y Susana Naidich. También se sintió tentada de escribir canciones, y este acercamiento a la música la impulsó al canto en recitales como "Veladas criollas", "Tangos" y "La Morocha", y a la grabación de dos discos: "Tangos", con Ubaldo de Lio, y "La criollez", con Edgardo Cardozo.

"En realidad canté mucho mientras actuaba -explica la actriz-. En `Woyzeck´, con música de Pablo Ziegler; en `La vuelta de la manzana´, de Hugo Midón; en `Las romerías´, un sainete de González Pacheco; en el programa de TV `Yo soy porteño´. Además, vengo de una familia de cantores, muy criolla. Mi madre ha cantado mucho profesionalmente; mi padre también era cantor y todo se manifestaba en las reuniones familiares donde se cantaba, se recitaba, se improvisaba. En `La Morocha´, yo decía un poema de Vacarezza que aprendí de mi padre, porque nunca lo vi escrito, ni sé a qué sainete pertenece. En `La criollez´ hago una milonguita llamada `Cobrate y dame el vuelto´, que la cantaba mi papá. Sigo retomando y resignificando esta tradición que aparece en la cultura argentina y que tiene que ver con la actuación y el tango, las mujeres actrices y cantantes de tango o vedettes o mujeres de la revista, del varieté, del sainete, del teatro, de la radio, de la televisión."

En cine, trabajó con directores como David Kohon, Néstor Lescovich, Fernando Solanas, Juan Carlos Desanzo, Bebé Kamín, Beda Docampo Feijóo y David Lipzick, entre otros. Pero desde temprano, el teatro fue su foco de atención. En 1967 subió al escenario para participar en "Aprobado en castidad", de Narciso Ibáñez Serrador. A partir de ahí tuvo encuentros con las obras de Osborne, Pinter, Shakespeare, Buchner, Sófocles, Müller, Dostoievski, Synge, Beckett, Strindberg, sin que faltaran los autores locales: Roberto Cossa, Griselda Gambaro, José González Castillo, Leónidas Lamborghini, Daniel Veronese, Juan Gelman y Adriana Genta.

"Empecé a actuar en teatro en 1967 y no puedo contabilizar las horas que me pasé ensayando, aunque debo reconocer que allí sucede lo más importante. Es como un viaje que se hace en un trance compartido." Pero no termina aquí su actividad profesional, hay otra labor que viene desempeñando y a la que no le puede dedicar todo el tiempo que quisiera: la docencia.

Afincada en El Excéntrico de la 18, su sala propia, se afana en seguir desarrollando las inquietudes actorales de los jóvenes que encuentran en la actriz un modelo de interpretación por el grado de compromiso que asume al encarar cada personaje. Le resulta difícil escindir una labor de otra; en última instancia se puede afirmar que la interpretación es el motor de su vida que la lleva por el camino de la perfección hasta alcanzar la máxima expresividad. Fuente Entrevista Diario La Nacion por Susana Freire

miércoles, 9 de diciembre de 2009

Myriam Hernandez

Myriam HernandezMyriam Hernandez

Myriam HernandezMyriam Hernandez


Myriam Raquel Hernández Navarro (Ñuñoa, Santiago de Chile, 2 de mayo de 1967) es una cantante chilena. Desde 1989, ha lanzado ocho discos inéditos además de recopilaciones y álbumes en vivo, con los cuales suma más de cinco millones de copias vendidas en toda América.

El estilo musical de Myriam es principalmente la balada romántica, por lo que a veces es referida como la baladista de América, pero en los últimos años ha diversificado su estilo en álbumes como + y más... (2000) donde mezcla electrónica con sus característicasletras románticas, e incluso hip-hop en El amor de mi vida, canción del disco Huellas (2004) a dúo con el grupo chileno de funk Los Tetas. Desde el año 2000, Hernández dejó su residencia chilena para radicarse en Miami (Estados Unidos) con el fin de proyectar su carrera internacional.

Hernández también ha participado exitosamente como presentadora de televisión, trabajando en programas como Con mucho cariño y animando durante cinco años el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.

Hija de una familia de padres muy jóvenes, Jaime y Pilar, de un hogar de clase media en Ñuñoa en Santiago de Chile, Myriam fue la primera de tres hermanos, {Pamela, y Jaime} y conoció la condición especial de ser hija única durante cuatro años, antes de que nacieran su hermana Pamela y su hermano Jaime. Siempre supo que quería cantar desde que tenía cuatro años, se miraba al espejo, tomaba el cepillo de pelo como micrófono y cantaba para sus amigos; y ese deseo se pudo proyectar por primera vez a los diez años.

Participó en un festival estudiantil donde era la más pequeña, y ganó. De intervención en intervención, de canto en canto, y de programa en programa, Myriam se fue convirtiendo poco a poco en una “figura”, condición muy deseable para cualquier artista que aspire a una carrera dentro del mundo del espectáculo. Hasta que comenzó a sentir la necesidad de una proyección original.

Myriam Hernández comenzó su carrera a finales de la década de los 80 e inicios de los 90. Tanto su belleza como su voz han llamado la atención de cuantos han presenciado sus actuaciones en directo. Su talento artístico, sumado a su tenacidad, ilusión y dedicación han sido sus mejores aliados para conseguir que, con su primer disco, Myriam ya fuera conocida como una de las figuras más destacadas en la música de su país natal, Chile. El público latinoamericano la conoció en el festival Acapulco 92 y quedó sorprendido: en un mundo en que las canciones de amor rebosan de frustraciones, rencores y ansias de revancha, los temas tiernos de Myriam eran un verdadero solaz, un buen romanticismo.

Myriam contrajo matrimonio a los 25 años de edad con el empresario chileno Jorge Saint-Jean el 15 de agosto de 1992 en los salones del Hotel Hyatt. Jorge es también manager de Myriam y ella le ha dedicado algunas de sus canciones. “Muchos me preguntan si es difícil mantener un matrimonio estable mientras eres artista, yo digo que no hay nada imposible, sobre todo cuando como yo, se cree en el amor eterno”. El 17 de noviembre de 1994 nació su primer hijo Jorge Ignacio y el 10 de mayo de 1997 nació su hija Myriam Isidora, para Myriam ser mamá es lo más maravilloso que le ha podido ocurrir en la vida.

Myriam sigue apostando al castellano como la lengua que le ha permitido definir su estilo y ganarse un lugar dentro de un mercado bastante competitivo. Pensando siempre en un público global, nos sigue entregando sus canciones dedicadas al amor en diversos matices, que son un verdadero deleite a nuestros oídos. Myriam incursionó como modelo y ha conducido varios programas de televisión en Chile, así como también co-animó el Festival de Viña del Mar durante cinco años, confirmando así, que Myriam es una artista integral y muy profesional en todo lo que se propone hacer, pero ante todo, ella reconoce que su verdadera pasión es el canto.

Myriam Hernández, es la voz, el romance, la elegancia y sobre todo, la sencillez combinada de un aire de humanidad que la caracterizó desde pequeña, ya que esta mujer, que es también madre, no es sólo una estrella reconocida, sino también humanitaria y sensible al dolor ajeno.

En mayo de 1982, Sábados Gigantes iniciaba un nuevo espacio. Era el Ránking Juvenil y en él competían futuras promesas de la canción chilena. Eran 10 jovencitos con el sueño de ganar. La menor de todas, una niña de sólo 16 años llamada Myriam Hernández, que había debutado en TV, dos años antes. Era la menor de todos los integrantes del Ranking juvenil. Vestía jumper y tenía un pelo negro que lucía amarrado con una trenza. Con sólo 16 años y con la misma personalidad que se le conoce, Myriam Hernández se paraba en el escenario del programa más exitoso de la TV. Competía entonces junto a otros 10 jóvenes en la carrera de convertirse en las futuras promesas de la canción chilena.

Esta sección de Sábados Gigantes fue uno de los tantos programas de la época en que se mostraban promisorias figuras juveniles. La diferencia era que la transmisión la hacía el programa con más éxito del momento y que es recordado por ser el semillero de varios jóvenes intérpretes que tuvieron la oportunidad de seguir una carrera artística.

Muchos de ellos lo lograron. Otros se perdieron en la memoria del público. Dirigido por Eduardo Domínguez, el Ranking convocaba a jóvenes a participar. Se elegían 10 temas que eran defendidos por solistas o grupos durante un mes. Tras esos cuatro sábados en pantalla, quien obtuviera mayor votación (a través de unos cupones que aparecían en la revista Vea) se integraban de modo estable a Sábados Gigantes y dejaban su lugar para otro joven.

Esta era la idea, sin embargo, sólo al principio fue así, pues de a poco los elegidos iban desapareciendo de la pantalla. De esta manera, los jóvenes preferían perder para seguir en competencia y así en televisión, reconoce Andrea Labarca, una de las voces femeninas que, en aquella época, ocupaba las primeras preferencias.

Las canciones escogidas para participar, eran éxitos internacionales. Se tomaban las melodías y se les colocaba letra en español que fuera acorde con el ritmo, recuerda Andrea. La asesoría estaba a cargo del director del espacio, de Roberto Espinoza y Michelle Astaburuaga. En las voces de los jóvenes sonaban las canciones de Air Supply, por ejemplo, o en el caso de Myriam, Kenny Roggers con My Lady. Los nombres en carrera eran Paz Ballara, Gabriela Massai, el grupo Raíces (compuesto, entre otros, por dos hijos de músicos: Giolito y Valentín Trujillo), Ricardo Sepúlveda, Reneé Rich, Andrea Labarca y la joven Myriam Hernández, eran algunos.

La conocida cantante, pasados varios meses, ocupaba las primeras preferencias, pero no el primer lugar. Según ella reconoció más tarde, sólo en dos oportunidades alcanzó ese puesto por votación de la gente. En aquella ocasión eran sólo dos las estudiantes secundarias: ella y Soledad Guerrero. Más tarde se incorporaría un adolescente Luis Jara, el cual ya había participado en numerosos espacios del Clan Infantil.

Tenía sí las cosas muy claras y lo decía: “Quiero ser la mejor profesional y eso implica no sólo cantar, también hay que bailar, actuar y, bueno, yo también hago muchas imitaciones... Tengo fe en que los del Ranking serán los futuros artistas de Chile”. Con sus 16 años también sabía que era clave para su futuro el encontrar un compositor. “Yo espero que alguien se interese en mí”, señalaba la cantante, quien entonces no podía sospechar cuán lejos llegaría.Fuyente Wikipedia

martes, 8 de diciembre de 2009

Nelly Vazquez

Nelly Vázquez con Piazzolla en 1962Nelly Vázquez con Piazzolla en 1962


Nelly Vázquez, Anibal Troilo y Tito ReyesNelly Vázquez, Anibal Troilo y Tito Reyes

Nelly Vazquez con Anibal Troilo en 1965Nelly Vazquez con Anibal Troilo en 1965


VÁZQUEZ, Nelly Berta. Cancionista. Nació en Morón, provincia de Buenos Aires el 1 de enero de 1940, pero su niñez pertenece al barrio porteño de Liniers. Estudió canto con Eduardo Bonessi y, luego, con Marta Constante. Con sus primeras inquietudes artísticas encaminadas al canto lírico, integró los coros del Teatro Colón. Sus comienzos en el tango datan de su adolescencia cuando integró la agrupación de Eduardo Rovira. Durante 1961 y 62, fue llamada por Astor Piazzolla con el que grabó sus primeros temas en disco: Bandoneón arrabalero, María, y Cristal, evidenciando sus sobresalientes aptitudes, ampliamente confirmadas en las intervenciones que cumplió por Radio Splendid con la orquesta de cuerdas y bandoneón solista del compositor de Años de soledad, especialmente la lograda con el tango de Delfino, Griseta. Siguiendo su ascendente trayectoria personal y siempre convocada por los mayores directores de su tiempo, cantó con Mariano Mores, dejando de esta nueva etapa suya una realización magistral del tango de éste, Viejo Madrid.
A partir de 1964 actuó con Aníbal Troilo, desempeñándose tanto en la orquesta como en el conjunto pequeño de Pichuco, en recitales, teatros, giras y disco. Milonguita, Barrio de tango, Madreselva y Raconto se cuentan entre sus más felices aciertos en este momento de su trayectoria de artista. Posteriormente cantó como solista en todos los locales importantes de Buenos Aires: en Mar del Plata, siete temporadas sucesivas; en Re-Fa-Si, Caño 14, Tango Bar, La Campana, Grandes Valores del Tango y La Cachila. En el exterior además de una temporada anual en Montevideo, cantó en 1972 en Chile; en 1973, en Colombia; en 1975, en Perú y en Ecuador, países a los que regresó en 1977, extendiendo su presentación esta vez hasta Colombia. En 1975, durante el homenaje tributado a Carlos Gardel en el Teatro Colón, actuó acompañada por la orquesta que dirigió Héctor Mario Artola.
En 1977 compartió con Osvaldo Pugliese el cartel de una de las salas del Estrellas, secundada por el terceto de Carlos Galván.
Sus discos: 1969 y 1972 en Microfón (arreglos y dir.: Osvaldo Requena); 1976, en Embassy (arreglos y direc: Alberto Di Paulo). En 1972 recibió el Bamba, discernido por el periodismo cordobés a la mejor figura vocal femenina de ese año. 
El tango y sus invitados

domingo, 6 de diciembre de 2009

Orquesta Du Capitole de Toulouse

Raul Garello dirige la Orquesta Du Capitole de Toulouse-1997Raul Garello dirige la Orquesta Du Capitole de Toulouse-1997

Orquesta Du Capitole de ToulouseOrquesta Du Capitole de Toulouse


El director de la orquesta es el ruso, Tugan Sokhiev, desde septiembre de 2005, siendo su principal director invitado y asesor musical de la Orquesta Nacional del Capitole, desde septiembre de 2008, dejara de ser el director musical.
Creada en el siglo XIX para la temporada de ópera de la Orquesta del Capitole du Théâtre du Capitole de Toulouse se ha convertido en Orquesta Sinfónica desde 1945. Andre Cluytens y George Priest la han dirigido. La llegada de Michel Plasson en 1968 fue un hito en la vida de la Orquesta. Bajo su liderazgo, su vocación Sinfónica se ha desarrollado considerablemente. Ha realizado numerosas giras fuera de Francia y estableció con Emi Francia con una extensa discografía. El tamaño de la orquesta ha crecido a 104 músicos en el marco del plan de recuperación musical lanzada por Marcel Landowski, y en 1980 el Ministro de Cultura le otorgó el título de la Orquesta Nacional de España.
Michel Plasson ha dejado la cabeza de la Orquesta Nacional del Capitole en agosto de 2003, y es director honorario.
La Orquesta Nacional del Capitole proporciona Temporada Sinfónica de la Halle aux Grains de Toulouse y la temporada de ópera y la coreografía del Teatro Capitol, y numerosos conciertos de la descentralización regional. Es una invitada habitual de los teatros (2007/2008: Piano aux Jacobins, Chorégies Orange, Noches de Fourvière Asistencia Radio France ...), y numerosas giras en el extranjero puede ser conocida por el público Internacional.
La Orquesta Nacional del Capitole ha grabado numerosos discos con artistas de reconocido prestigio. Entre las últimas grabaciones con Michel Plasson incluyen Carmen, con Angela Gheorghiu y Roberto Alagna, que ha logrado gran éxito con el público y la crítica, y recibió una Victoire de la Musique Classique en 2004 en la categoría de clásicos de grabación 'Año', y un DVD de Werther de Jules Massenet (versión para barítono), grabado en el Théâtre du Châtelet con Thomas Hampson y Susan Graham (2006).
Tugan Sokhiev y la Orquesta Nacional del Capitole firmó un contrato con Naïve clásico. Dos discos ya se han hecho: Cuadros de una exposición de Mussorgsky / Sinfonía n º 4 de Tchaikovsky (2006) y Pedro y el Lobo, con la participación de Valérie Lemercier (2007).
En febrero de 2008, la orquesta recibió una "Victoire d'honneur" en la 15 ª edición de las Victorias de la música clásica celebrado en la Halle aux Grains de Toulouse.
Fuente Web de la Orchestre en Frances

Michel Plasson

Michel Plasson Michel Plasson

Michel Plasson Michel Plasson


Michel Plasson (París, 2 de octubre de 1933), es un director de orquesta francés.

Michel Plasson está muy ligado y asociado con la Orquesta y Coro Nacional del Capitolio de Toulouse desde 1968 hasta 2003 y ahora es sólo su director honorario. Con esta orquesta, realizó las mejores grabaciones de las operetas conocidas de Jacques Offenbach, incluido Orphée aux enfers, La vie parisienne, La Périchole y La belle Hélene.

Su discografía también incluyó notables grabaciones de Montségur de Landowski con Karan Armstrong y Gino Quilico, 1987 y Romeo y Julieta de Charles Gounod con Roberto Alagna y Angela Gheorghiu en 1995.