sábado, 2 de enero de 2010

Barbara Dennerlein

Barbara DennerleinBarbara Dennerlein

Barbara DennerleinBarbara Dennerlein


A la edad de 11 años, Dennerlein comenzó a tocar el órgano eléctrico. Después de iniciar las lecciones de órgano, ella aprendió a tocar el órgano dos manos con un pedalera bajo. Después de año y medio de lecciones continuó estudiando sin instrucción formal. A la edad de 15 años, interpretó en un club de jazz por primera vez. Siendo líder de las bandas propia, Dennerlein a menudo fue el músico más joven del grupo, y aprendió a cooperar con músicos más experimentados. Su reputación local como el "órgano tornado de Munich" se extendió después de sus primeras apariciones de TV en 1982.ón que creció con el boom de órgano Hammond de los años cincuenta.

Cuando se publicó su tercer LP "Bebab", Dennerlein estableció su propio sello discográfico en 1985. Recibió el Premio de los críticos de jazz alemán. A continuación, hizo tres grabaciones en ENJA y tres en la etiqueta internacional de jazz VERVE. En estas grabaciones, trabajó con Ray Anderson, Randy Brecker, Dennis Chambers, Roy Hargrove, Mitch Watkins y Jeff 'Tain (en inglés)' Watts.

Las actuaciones de Dennerlein sobre el órgano Hammond incluyen actuaciones en solos así como quintetos (por ejemplo, su banda de "Bebab"). Ella tiene interfaces MIDI y desencadenadores construidos en pedales y manuales de su órgano Hammond B-3, lo que le permite añadir sintetizadores y ampliar a su sonido.

Después de una gran variedad de proyectos y después de tocar con reconocidos músicos no convencionales, tales como Friedrich Gulda, Dennerlein comenzó a tocar el órgano en 1994. En 2002, grabó un álbum de jazz en el órgano de la Iglesia. Desde 2003 también ha desarrollado proyectos de jazz con orquestas sinfónicas.
El primer álbum de Dennerlein incluyó cuatro de sus propios títulos. Sus composiciones varían de regímenes de tradicional blues, románticas, melancólicas baladas al tempo impulsada por composiciones con elementos de swing, bebop, funk y ritmos latinos. Los tempos rápidos y figuras rítmicas que ella utiliza en sus interpretaciones de las normas conocidas y en muchas de sus propias composiciones, requiere trabajo de pie de pedalera rápido bajo. Dennerlein utiliza a menudo cambiantes metricos (por ejemplo, 3/4 a 4/4), así como cambios armónicos poco convencionales para agregar expresión a sus composiciones. Fuente Wikipedia en Ingles

viernes, 1 de enero de 2010

Eduardo Bianco

 Eduardo Bianco Eduardo Bianco


Orquesta Bianco y BachichaLa orquesta Bianco-Bachicha cuando actuaba en el teatro Olympia y en el cabaret Palermo de París,en el Hotel Ruhl de Niza y en Pavillon Royal de Biarritz. 1930, tiempos del éxito del tango de
Eduardo Bianco Plegaria: "Cuando el sol se va ocultando, una plegaria . . ."


BIANCO, Eduardo. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Juntamente con Manuel Pizarro, fue el más popular entre los artistas rioplatenses que salieron a conquistar las plazas europeas desde la década del veinte. Nacido en Buenos Aires en 1892, integró distintos conjuntos porteños y en 1923 partió con destino a Francia, donde compartió la dirección de su orquesta con Manuel Pizarro, primero, y luego con Juan Deambroggio bajo la denominación Bianco-Bachicha. Actuó en el Teatro Romea, de Madrid; en el ópera, de París; en el Capítol, de Marsella; en el Real Cinema, de Biarritz; en Leningrado; en el Gran Ópera, de Nueva York y en el Metropolitan, de Boston. Durante algunos años fue Horacio Pettorossi su colaborador in-mediato, desfilando más tarde por su agrupación, músicos de las más diversas promociones como Atilio Stampone, Julián Plaza y Alfredo Marcucci que le secundaron en una larga gira por ciudades del Cercano Oriente en 1950. Compuso varios tangos de enorme divulgación internacional, dentro de una línea conceptual europea, como Plegaria, su mayor suceso. Crepúsculo, Perjuro, Congojas, Adoración, Incertidumbre, Desilusión, Siempre, Piedad, Sueña corazón, se contaron también en su repertorio algunos de ellos compuestos con la colabora-ción de Mario Melfi. Dio a conocer también estos otros: Razón 5° y Poema. Falleció en 1959 a los 67 años de edad.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

(Bachicha) DEAMBROGGIO, Juan B.

Bachicha centro con Carlos Acuña y Argentino LedesmaBachicha centro con Carlos Acuña y Argentino Ledesma

Orquesta Bianco - Bachicha en Niza en 1930Orquesta Bianco - Bachicha en Niza en 1930


DEAMBROGGIO, Juan B. ("Bachicha"): Músico Bandoneonista. Director. Compositor. (2 de marzo de 1890 - 28 de noviembre de 1963) Herrero de oficio, alternó desde joven la fragua con el bandoneón, el cual tocó antes de 1910 en almacenes y cafés de barrio. Apareció en locales céntricos juntamente con Roberto Firpo, actuando en la confitería El Centenario, de la Avenida de Mayo. Integró la Orquesta Royal, con Roberto Goyeneche. Continuó luego como elemento de la orquesta de Firpo, cuando la integraban Puglisi y Ferrazano —violinistas—y el flautista Alejandro Michetti. Posteriormente, le correspondió dirigir la agrupación del Teatro Apolo y por último, en 1922, con Muiño y Alippi se marchó rumbo a Europa, donde hizo una larga carrera, compartiendo con Eduardo Bianco la dirección de la orquesta Bianco-Bachicha en París y en prolongadas travesías que alcanzaron los cuatro puntos cardinales del viejo continente y ciudades del Cercano Oriente. El más celebrado de sus tangos, data de 1926, llevó letra de Pascual Contursi y se tituló Bandoneón arrabalero. Otros: Vidalita, Mentaberry, Maipú, Taita, Tengo ganas cíe llorar, La yegüesita.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

jueves, 31 de diciembre de 2009

Miguel Aceves Mejía

Miguel Aceves MejíaMiguel Aceves Mejía

Miguel Aceves MejíaMiguel Aceves Mejía


Miguel Aceves Mejía (Chihuahua, México, 15 de noviembre de 1915 - 8 de noviembre de 2006) fue un cantante, actor y autor de canciones vernáculas mexicanas.

El rey del falsete, como era conocido, esta considerado, junto a Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís uno de los pilares de la canción tradicional mexicana.

En su juventud trabajó como Chofer de una familia chihuahuense adinerada, misma que al emigrar a la Ciudad de México, invita también al joven Miguel Aceves a trasladarse ahí, donde posteriormente formó parte de una compañía teatral ambulante y en 1938 grabó con el trío Los Porteños; al mismo tiempo trabajaba como mecánico en la ciudad de México y cantaba en la radio boleros y ritmos afrocubanos.

A partir de 1945 se dedicó exclusivamente al genero ranchero. Si bien partecipó como actor protagonista, tras la muerte de Jorge Negrete y Pedro Infante, en más de 60 películas, Miguel Aceves Mejía es recordado sobre todo como un gran cantante. Aunque fue un interprete de gran versatilidad, es tal vez en la modalidad del huapango donde su arte alcanzó el máximo esplendor. Grabó más de mil canciones de todos los géneros folclóricos mexicanos, acompañado en ocasiones del Mariachi Vargas de Tecalitlán. Entre las más populares melodías que interpretó están "El pastor", "La malagueña", "Yo tenía un chorro de voz’’, "La del rebozo blanco’’, "Vaya con Dios’’, "El jinete’’, " La Noche y tú" y "Cuatro caminos’’. Fuente Wikipedia en español

miércoles, 30 de diciembre de 2009

Ariel Ramirez

Ariel Ramirez en Paris en 1988Ariel Ramirez en Paris en 1988

Ariel Ramirez en el Calafate en 2004Ariel Ramirez en el Calafate en 2004

Ariel RamirezAriel Ramirez


En Ariel Ramírez se resumen las cualidades de un artista que, fiel a las raíces y valores culturales de su pueblo, conformó una trayectoria creativa que le permitió trascender el ámbito de su país de origen -nació en Santa Fe, ciudad del Litoral de la Argentina, el 4 de setiembre de 1921-, para convertirse en un pianista y compositor de notable reconocimiento universal.

Cuarto entre los seis hermanos nacidos del matrimonio entre doña Rosa Blanca Servetti y don Zenón Ramírez (maestro, periodista y escritor), Ariel estudió piano en su ciudad natal y, luego de obtener su título de maestro de escuela, ya convencido de que su futuro estaría destinado a expresar musicalmente las vivencias del hombre del interior de su país, buscó familiarizarse con las manifestaciones de instrumentistas y cantores populares. Fue crucial en su elección la visita a la Escuela Normal de Santa Fe de un inspector de Música, dueño de un elegante estilo pianístico, llamado Arturo Schianca, incansable difusor del repertorio sureño.

Radicado en Córdoba, al amparo de sus amigos estudiantes tucumanos Chonchón y Raúl Mothe, conoció a Atahualpa Yupanqui quien lo impulsó a conocer el noroeste; así a partir de 1941 viajó por las provincias de Tucumán, Salta y Jujuy. Vivió varios meses en Humahuaca, donde recibió una fecunda orientación del Dr. Justiniano Torres Aparicio, músico y conocedor de la cultura nacional. También estuvo radicado un tiempo en la región cuyana, principalmente en Mendoza.

Hacia 1943, iniciada ya su carrera de intérprete de un variado repertorio pianístico basado en la música folklórica sudamericana, se presenta como solista de piano en Buenos Aires en conciertos y filmaciones, como así también integrando ciclos de emisiones radiales de arte nacional, especialmente a través de Radio El Mundo. Su participación es asimismo requerida por las compañías grabadoras de discos, y es RCA Víctor la que imprime, en 1946, sus primeras placas en 78 r.p.m. con sus obras La tristecita (zamba), Purmamarca (bailecito) y Malambo: "lo más puro de mi creación", según ha observado el propio Ramírez. Su vinculación con la mencionada compañía se extiende hasta 1956, con 21 discos dobles grabados.

Al conocimiento de los secretos de la creación popular, de sus estructuras rítmicas y el espíritu de su lenguaje melódico, sumó Ariel Ramírez el invalorable apoyo del estudio académico de la música: en el Conservatorio Nacional, donde recibe durante un año lecciones de técnica pianística y estudios de composición a través de las lecciones del maestro Luis Gianneo. El novel compositor pronto alcanzó el grado de madurez expresiva que le permitió lograr una serie de notables creaciones que de inmediato se popularizaron en el territorio argentino y en los países vecinos.


En 1950 realiza su primer viaje a Europa. Radicado en Roma, mayormente en el "Istituto Italo-Argentino per gli Scambi Culturali ed Artistici", durante cuatro años se presenta como intérprete de la música argentina y sudamericana en salas de concierto de las Universidades de Barcelona, Santander, Roma, Cambridge, Utrecht y Amsterdam; también actuó como invitado por la Cameratta Musicale Romana en el Palacio Marignolli y ofreció recitales en la Sala Brahms y la Academia de Música de Viena, la Musikhalle de Hamburgo, el Ateneo de Madrid, el Withmore Hall y la BBC de Londres, también en Radio Vaticano donde fue recibido, luego de su concierto, por su Santidad, el Papa Pío XII. Durante 1951, radicado en Madrid, fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para efectuar estudios sobre la música de tradición oral española.

Al volver del viejo continente, luego de realizar varios conciertos en ciudades argentinas, se establece en Lima (Perú), a partir de 1954, donde recibe el honor de ser nombrado miembro del Instituto Sanmartiniano de Perú. En las reuniones de pintores, escritores y músicos peruanos que organizaba una notable pianista y compositora limeña, Rosa Mercedes de Morales, asimiló las cadencias y ritmos de la música folklórica local; durante ese período continúa con sus presentaciones en varias capitales sudamericanas. De la organización de estos conciertos se ocupaba Miguel Brascó, amigos desde entonces, se convertirá en uno de sus más frecuentes colaboradores; la calidad de sus textos ha significado un valioso aporte a las canciones creadas por Ramírez.

En 1955 regresa a la Argentina y emprende la tarea de organizar la Compañía de Folklore Ariel Ramírez con la cual recorre innumerables escenarios del interior del país durante más de dos décadas. En su etapa inicial convoca a intérpretes que representaban lo más puro de las expresiones musicales vernáculas, tales como el conjunto vocal Los Fronterizos y el magistral charanguista boliviano Mauro Núñez.

Dijo Carlos Vega, eminente musicólogo argentino: "Ariel Ramírez, celebrado pianista y compositor nativo, parece haber entendido muy bien que la danza natural es, sin más, un bello espectáculo. Sobre la pura base de las formas rurales, sin alterar las estructuras tradicionales (salvo lo indispensable para su adecuación a la escena) Ariel Ramírez, ha creado para su Compañía de Folklore un programa en que la destreza de los bailarines, la calidad de la música y la excelencia y propiedad de los trajes y el vistoso manejo de las luces, se unifican para ofrecer al espectador una profunda nota de arte depurada por la mesura y el buen gusto. La intensa labor de difusión que su conjunto desarrolla por el interior presta el mejor servicio al conocimiento de las tradiciones argentinas".

También proyectó esa labor en el exterior y en ese sentido, merece destacarse la gira que los veinte integrantes de la Compañía realizaron durante cinco meses, en 1957, visitando las principales ciudades de la Unión Soviética (Moscú, Bacú, Tbilisi, Kishinov, Sochi y Erevan), de Polonia Varsovia (Warjzawa), Bialistok (Bialystock), Dancing (Gdansk), Radom, Rzeszow, Crakovia (Krakow), Oswiecim, Katoviche (Katowice), de Checoslovaquia (Praga, Ostrava y Pilsen).

La Compañía, liderada por Ramírez dio la posibilidad de iniciarse en sus respectivas carreras a numerosos valores trascendentes del arte folklórico de los últimos cuarenta años.

Durante esa etapa su labor compositiva se enriquece con temas como Los inundados, Volveré siempre a San Juan, La última palabra, La equívoca, El Charrúa, Allá lejos y hace tiempo, Cuatro rumbos y El Paraná en una zamba. Paralelamente reinicia sus estudios de composición con el maestro Erwin Leuchter, que continúa durante la década de 1960.

A partir de 1961 la empresa discográfica Philips lo cuenta entre sus más destacados artistas, ya que impulsa la realización de una serie de obras cuyas innovaciones amplían la temática y las formas de la canción tradicional. Inicia sus grabaciones en dicha empresa con un "long play" integrado por una completa muestra de danzas de las distintas regiones del país; algunos temas tradicionales, con arreglos del propio Ramírez y otros de su autoría. En cada disco se observa un trabajo muy serio de análisis y selección de los materiales, como asimismo una marcada vocación por dar a conocer la riqueza musical de cada ámbito musical, en este sentido ofrece series como La Pampa y El Litoral. Siguiendo la misma línea selecciona las más exquisitas composiciones de tres de las más representativas especies de la música argentina: la Zamba, el Vals criollo y el Tango. En su constante labor creativa busca nuevas sonoridades y experiencias personales enriquecedoras, así integra exitosos elencos con notables artistas, tal es el caso de Eduardo Falú, Los Fronterizos, El Conjunto Ritmus (director: Antonio Yepes), Jaime Torres, León Jacobson, Lolita Torres y Mercedes Sosa. También incursionó en la cinematografía, al producir bandas sonoras para algunas películas de los directores argentinos Leopoldo Torre Nilsson, Fernando Ayala y Héctor Olivera y en otros medios como Luz y Sonido en la Quinta Pueyrredón, con libro de Victoria Ocampo.

1964 es un hito especialmente significativo en su trayectoria, puesto que para la Navidad de ese año da a conocer Misa Criolla, con la cual se abre uno de los períodos más brillantes en su labor creativa jalonado de obras de reconocido mérito como Navidad Nuestra, Los Caudillos, Mujeres Argentinas y Cantata Sudamericana.

Como corolario de años de giras por el interior del país, en octubre de 1964 se presenta en la ciudad de Buenos Aires la mencionada Compañía conjuntamente con los dos grupos folklóricos más destacados del momento -Los Chalchaleros y Los Fronterizos- en el Teatro Odeón bajo el título de Esto es Folklore!. El ciclo de espectáculos, que se repitió en los años subsiguientes con variados elencos, recibió la ponderación de la crítica especializada.

Su carrera internacional continuó ininterrumpidamente, llevando su arte a otros países americanos, como Brasil, Ecuador, Colombia, Venezuela, México y Uruguay; precisamente fue en Mercedes, donde se realizó la primera audición pública de Misa Criolla, el 20 de diciembre de 1965 en un espectáculo organizado por la Peña Lazo y Estribo.

En 1967 emprende la primera gira de su obra Misa Criolla por el continente europeo con el elenco original, producida por Lippman + Rau, una empresa de conciertos alemana. Mercedes Sosa, Chito Cevallos y Carlos Amaya también fueron convocados a participar de la delegación, que ofreció recitales en importantes ciudades de Alemania, Holanda, Bélgica y Suiza. La gira concluyó en Roma, con una audición en Radio Vaticano y una significativa audiencia privada con Su Santidad el Papa Paulo VI, quien recibió un ejemplar del disco de la Misa.

Paralelamente a su actividad artística Ariel Ramírez ha desarrollado una intensa labor en defensa del derecho de autor. "Me hice dirigente autoral porque me robaron una obra. Fue en Francia que grabaron con otro título mi obra "La Peregrinación". Sentí mucha pena. Y pensé que si a un tema tan difundido y de un autor al que le grabaron muchísimas composiciones le hacen esto, qué será a los menos difundidos. Tras sentir en carne propia el daño moral y material que eso significa, decidí ponerme al lado de los que tanto lucharon y siguen luchando por los derechos autorales". (La Tribuna, Asunción, martes 5 de mayo de 1970). El reclamo fue atendido favorablemente editándose para Francia con su otro título "Aloutte" (La Peregrinación) y la correspondiente poesía en francés.

La vocación docente del Maestro Ramírez, evidenciada a través de toda su variada obra, se concreta en el campo de la pedagogía musical, al componer una serie de estudios para facilitar la interpretación pianística de la música popular; el álbum, publicado en 1975, es texto de estudio en los Conservatorios nacionales y privados del país. Asimismo compuso una serie de canciones provincianas escritas para las voces iguales de los niños, álbum que tuvo gran aceptación en la escuela primaria.

En 1974 realiza una gira europea con su obra Misa Criolla interpretada por un solista - si bien originariamente había sido escrita para dos voces- y el Coro Madrigal de Bucarest, dirigido por el Maestro Marín Constantin. El cantante seleccionado, dada la amplitud de su registro, fue Zamba Quipildor, nacido y criado entre los sones de la baguala, alma musical del noroeste argentino.

En 1981, con el estreno de su nueva obra coral Misa por la Paz y la Justicia, Ariel Ramírez renueva su vibrante mensaje de amor y paz realizado con indudable jerarquía a través de la participación de artistas notables como Alfredo Alcón, Oscar Cardozo Ocampo, Zamba Quipildor, Damián Sánchez y Domingo Cura. Al igual que en su anterior obra religiosa, estuvo guiado en los fundamentos teológicos por el presbítero Osvaldo Catena, su entrañable amigo desde los años juveniles en Santa Fe.

Sus canciones han sido objeto de múltiples grabaciones de artistas internacionales y se conocen versiones pertenecientes no sólo al mundo hispano-parlante sino muchas registradas en inglés, italiano, francés, hebreo y árabe. Algunas de las más difundidas son: Alfonsina y el mar, La peregrinación, Los Reyes Magos, La anunciación, Antiguo dueño de las flechas, Juana Azurduy y Navidad en verano todas ellas con poesía de su más frecuente colaborador, el destacado historiador, Dr. Félix Luna.

Entre las numerosas giras artísticas guardan especial importancia aquellas realizadas en Israel, donde las presentaciones de Misa Criolla recibieron siempre los más calurosos elogios de la crítica.

En 1987 el famoso tenor español José Carreras grabó en la iglesia La Bien Aparecida en las montañas de Santander (España), una nueva versión de Misa Criolla para el sello Philips Classics Productions; en los años siguientes se la pudo apreciar en las más prestigiosas salas del arte lírico y, entre otras presentaciones memorables, se destacó la realizada en Ciudad del Vaticano.

Desde su función al frente del Centro de Divulgación Musical de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, proyecta con Flavio Barbieri y un equipo de especialistas un programa de asistencia a la educación musical en las escuelas primarias denominado "La música va a la escuela" destinado al conocimiento y difusión de las culturas musicales regionales del país. También debido a su iniciativa del CDM ha puesto en funcionamiento un programa de divulgación de todas las manifestaciones musicales -tanto populares como académicas- y en tal sentido promueve la actuación en todos los ámbitos de la ciudad, en especial espacios al aire libre y en forma gratuita, de organismos estables sinfónicos y corales, grupos instrumentales y solistas. En la temporada de verano, de noviembre a marzo de 1988 se calcula que cerca de un millón de personas concurrieron a dichos acontecimientos culturales.

En 1992 presentó su espectáculo Misa Criolla en el Auditorio Manuel de Falla de Granada y en la Expo '92 de Sevilla. Con el mismo espectáculo tomó parte en el "Meeting per l'amicizia fra I popoli" de la ciudad de Rimini, con la presencia como solista del tenor español José Carreras, reeditando en vivo el éxito del CD grabado en 1987 en España. En el mismo año, con motivo de celebrar sus 50 años con la Música Nacional realizó tres memorables conciertos en el Teatro Colón y en el Luna Park, de Buenos Aires, donde ofreció un programa dedicado íntegramente a sus propias creaciones interpretadas por artistas de la talla de Eduardo Falú, Jairo, Facundo Ramírez, Domingo Cura y Zamba Quipildor.

Es digna de mención por su notable repercusión la serie de conciertos que realizó en Polonia durante 1993, que culminó con su actuación en la Sala de Conciertos de la Filarmónica Nacional, en Varsovia y en la Iglesia de Cracovia.

En junio de 1995 presentó Misa Criolla por primera vez en Londres. El concierto se realizó en el Royal Festival Hall con la participación de coro más importante de Gran Bretaña -fundado bajo los auspicios de la Reina Victoria en 1871-, la Royal Choral Society. Con el patronazgo de Su Majestad La Reina Isabel II y la Presidencia de Su Alteza El Duque de Kent, dicha entidad musical celebró sus 125 años cantando la muy difundida Misa Criolla, dirigida por su autor, ante 3.000 espectadores.

El Departamento de Música de la Universidad de Sud Africa editó en 1995 el nuevo "Piano Examination Album" donde incluye cuatro listas de cuatro obras cada una, correspondientes a distintos períodos del arte pianístico. En la última lista, que representa a autores del siglo XX y compositores de Sud Africa, aparece el Estudio N° 2 Bailecito (extraído de: 15 Estudios para Piano, sobre ritmos y formas de la tradición musical argentina, Editorial Lagos y Famac S.C.A., Buenos Aires, 1975) de Ariel Ramírez: una muestra más del prestigio internacional alcanzado por sus composiciones.

Con su Misa por la Paz y la Justicia -que incluye recitados de pasajes bíblicos de profunda significación- obtuvo resonante éxito durante los conciertos realizados en 1997, con la participación del Coro de la Iglesia de Leiden (Holanda), especialmente en el Concertgebouw de Amsterdam. Consecuentemente, al año siguiente Sony Music Entertainment reeditó en Holanda y Alemania la grabación original, que pronto se ubicó al tope de las preferencias discográficas. Años más tarde reiteró su presencia en el Concertgebouw y en el Musiekcentrum Frits Philips, de Eindhoven, para ejecutar con organismos corales holandeses la citada Misa.

La primera presentación de Misa Criolla en Japón tuvo lugar en el Suntory Hall de Tokio en 1998, durante un concierto memorable, a sala llena.

El Teatro Nuevo Apolo (1989) y el Teatro Albeniz (1997 y 1998), de Madrid el Gran Teatro (1999), de Córdoba fueron los escenarios elegidos por el productor José Lata Liste para presentar el tango y el folklore de Argentina, en el espectáculo denominado Los Creadores. Reunió el piano de Ramírez, al de Mariano Mores, y luego al bandoneón de Julián Plaza. Los tres nombres, destacados compositores, asimismo.

Nuevamente, a comienzos del 2000 se reúne con José Carreras para actuar en el Palau de la Música Catalana, y el 9 de Julio, para celebrar la fecha patria, Misa Criolla es ejecutada por su autor, en la Plaza Central de la Expo 2000 de Hannover, con coro alemán y elenco de Argentina.

Ariel Ramírez tiene en preparación una cantata denominada Los Sonidos del Nuevo Mundo, compuesta en homenaje a España en conmemoración de los Quinientos años del Descubrimiento. Con temas y personajes relativos a la conquista de América, los poemas pertenecen a María Elena Walsh y Miguel Brascó, también incluye fragmentos poéticos de culturas precolombinas.

Como dirigente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC) ha ocupado numerosos cargos nacionales e internacionales; en 1988 le correspondió el honor de haber sido el primer latinoamericano elegido para presidir la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC). Fue Presidente de SADAIC durante cinco períodos. Actualmente ocupa el cargo de Presidente de la Junta Consultiva.

En sus continuas giras en el exterior sigue corroborando la vigencia y aceptación internacional de su afamada obra Misa Criolla. Fuente web de Ariel Ramirez

martes, 29 de diciembre de 2009

Dyango

DyangoDyango


DyangoDyango


José Gómez Romero (Barcelona, 5 de marzo de 1940) es un cantante español de música romántica, conocido artísticamente como Dyango.

Dyango nació el 5 de marzo de 1940, pero fue inscripto por su padre recién el 8 de mayo, y así figura como su fecha de nacimiento en los documentos oficiales.[cita requerida]

Dyango adoptó como nombre artístico el de Django Reinhardt (guitarrista de jazz gitano) por el cual se le conoce y debutó en el Festival de la Canción del Duero (1965). Discográficamente se inicia en Zafiro, en 1974, y posteriormente fichó para EMI. Su primer álbum en 1975 tuvo mucho éxito en Latinoamérica, en contraste con la escasa repercusión de su música en España. Desde la grabación del tango 'Nostalgia', en 1976, Dyango comenzó su conquista del mercado español de la balada romántica.

Tras obtener en el mismo año el premio al mejor intérprete y a la mejor canción del Festival de Benidorm con el tema 'Si yo fuera él', su carrera resultaría imparable tanto a nivel nacional como internacional y se extiende hasta la actualidad, con canciones tan conocidas como La mare (en catalán), Por esa mujer, Doctor, Amor de tango, cuando quieras, entre otras.

En 1980 representa a Espana en el Festival OTI 1980 con la canción Querer y Perder escrita por Ray Girado, ocupando el segundo lugar.

Dyango es padre de los cantantes Marcos Llunas y Jordi.Fuente Wikipedia

lunes, 28 de diciembre de 2009

Alfredo Marcucci



Alfredo Marcucciy su bandoneonAlfredo Marcucci y su bandoneon

Alfredo MarcucciAlfredo Marcucci

Alfredo Marcucci

Alfredo Marcucci

En un pueblito a 60 kilómetros en las afueras de Bruselas vive Alfredo Marcucci. Durante catorce años, entre 1962 y 1976, fue el fiel escribiente de todas las actuaciones del grupo Los Paraguayos, con Luis Alberto del Paraná y Reynaldo Meza. Metódico, el maestro conserva esosdiarios de viaje donde está resumida la extensa historia de ese grupo que viajó por Asia, Europa y América conquistando nuevos mercados para el arte latinoamericano.

Marcucci fue el arreglador de ''Los Paraguayos'' y sigue dedicado a la música. Pudimos entrevistarlo justo antes de que partiera rumbo a Taiwán para ofrecer una serie de presentaciones junto a su grupo de tango. Con sus 70 años encima, sigue vital, lleno de alegrías y con una modestia

envidiable. Gracias a la amable gestión del embajador paraguayo en Bélgica y Unión Europea, Manuel María Cáceres, hemos podido contactar personalmente con Marcucci. Antes habíamos conversado telefónicamente y siempre se mostró abierto a un diálogo franco y directo. El viaje desde Bruselas a Landen lo compartimos con el cónsul Juan Castillo, quien llegara a estas latitudes

hace varios lustros. Conocedor de la trayectoria y el valor del aporte del músico argentino, Castillo nos brindó estimables detalles sobre el paso de Paraná por Bélgica.
Marcucci nació en 1930 en las afueras de Buenos Aires. Desde niño se dedicó a ejecutar el bandoneón, bajo la dirección de su tío Carlos Marcucci. Como no contaban por entonces con partituras, el joven instrumentista aprendió las melodías de oído. A los 15 años perdió a su padre y su tío le dio la oportunidad de integrar su orquesta. Nace así una carrera que lo llevaría

por los más distantes escenarios, incluyendo giras con Julio de Caro y Carlos di Sarli. El repertorio de entonces incluía tango y jazz.

''Siempre anotaba todo. Tenía esa manía desde Japón. Como estaba condenado a un viaje perpetuo, dedicaba parte de mi tiempo a llevar un registro de todas mis actividades'', señala el maestro que también compartió giras con Julián Plaza, Atilio Stampone y Ariel Ramírez. Los viajes de Marcucci en los años cincuenta por Asia y el Medio Oriente le permiten un fortuito encuentro con Paraná en Estambul. De ese primer contacto surge la invitación de Paraná para integrar el grupo, situación

que luego se concreta en 1962.

El diario de Marcucci con ''Los Paraguayos'' arranca un 7 de julio con el concierto en el estadio de Sofía, Bulgaria. La meticulosidad es increíble, pues hasta su alejamiento del conjunto, en 1976, tiene registrado día a día la actividad del grupo, con particulares detalles que tornan esos registros

en un documento imprescindible para conocer una parte significativa de la carrera de Paraná.

A modo de resumen, solamente en sus dos primeros años, se consignan 20 actuaciones en Bulgaria, 44 en Rumania, 27 en Israel, 1 en Alemania, 18 en Inglaterra, 27 de nuevo en Israel, 24 consecutivas, más otras 8 alternadas y 6 galas en Turquía, 7 en Chipre, 38 en Grecia, 12 en Alemania, una en Suiza, grabaciones en Bélgica para la Philips, 25 en Finlandia, 15 nuevamente en Alemania, 35 en Turquía, de regreso a Alemania, Suiza e Inglaterra con más de 50 recitales. Entre medio, viajes a la ciudad belga de Amberes, al reparador descanso en el hotel Old Tom, a cincuenta metros de la estación central de trenes.
Justamente el lunes 4 de noviembre de 1963 es una fecha histórica para Paraná y ''Los Paraguayos''. En el Reino Unido se realizaba anualmente una gala con los mejores artistas de las más diversas disciplinas artísticas, los célebres conciertos benéficos organizados para la realeza británica.

''Sabíamos que había un conjunto que estaba haciendo furor, pero yo no tenía idea exacta de quiénes eran 'Los Beatles' '', recuerda Marcucci que conserva en su poder el diploma que le entregaron firmado por la Reina Elizabeth.

''Desde la mañana, durante los ensayos, había tantos periodistas y fotógrafos. 'Los Beatles' eran tipos muy elegantitos, con pelo raro para esa época. Cada conjunto tenía marcado solamente dos piezas y para el saludo final debía subir al escenario un integrante. En representación de nosotros, estuvo Luis Alberto. Como ellos eran muy famosos, estuvieron los cuatro'', memora Marcucci.

Cuando le consultamos si tenía un programa de ese concierto, nos pidió que aguardáramos un momento y subió al altillo de su confortable vivienda en las afueras de Landen. Era un día soleado de primavera, lleno de luz y aprovechamos para reproducir en el jardín algunas de las fotos inéditas que cuenta en su abundante archivo. Marcucci regresó con un cajón de cartón lleno de documentos y rebuscando bien abajo del mismo, sacó primero un atado de fotografías de esas que se entregaban a los fans. Luego encontró el programa y el diploma firmado por la Reina Madre.

Increíblemente, este testimonio de un logro que poquísimos artistas en el mundo alcanzaron en su carrera estaba escondido en un cajón, documento que muchos otros explotarían como un pasaporte de prestigio. El maestro, en cambio, tiene una actitud mucho más modesta y conserva recuerdos que hablan de su amor hacia el Paraguay.
Desde su incorporación al grupo de Paraná, el maestro argentino fue el responsable de los arreglos de ''Los Paraguayos'', además de interpretar la guitarra, el bajo eléctrico, canto y por supuesto, su pasión, el bandoneón. En su residencia conserva uno de los discos de oro que recibieron ''Los

Paraguayos'' por ventas de más de un millón de copias de los entonces LP's para la Philips. Esas cantidades en la década del sesenta eran cifras muy difíciles de lograr, más todavía con música folclórica latinoamericana.

''Muchas veces me pregunto qué pasará si lo pongo en el tocadiscos'', bromea Marcucci, mirando la placa dorada que cuelga en su sala, a un costado de un cuadro pintado por un amigo argentino donde se lo ve al maestro ejecutando el bandoneón. La revisión de los diarios escritos con tanto esmero abarca por supuesto la muerte de Paraná en Londres, ese domingo 14 de setiembre de 1974. Los dibujos, el detalle de cada actuación, la modalidad de viaje, el lugar donde se presentaban, la cantidad de conciertos y el porcentaje que le correspondía a los músicos son una hoja de ruta que mirando atrás habla del profesionalismo de estos artistas.

Durante dos años más, hasta 1976, Marcucci continuó con Reynaldo en el conjunto, para luego regresar definitivamente a Bélgica, donde fijó residencia, abandonó la música, trabajó como empleado en una fabrica de plástico, de la cual es jubilado, hasta que el llamado de la música lo

retornó a los escenarios.

En 1997 lanzó el disco compacto ''Tímeles tango (Tangos sin tiempo)'', junto con el Ensamble Piacevole, un quinteto formado por Nico Baltussen, Gudrun Vercanpt, Yves Cortvrint, Luc Dejes, Ludo Joly. El repertorio elegido incluye composiciones de Astor Piazzolla (1921-1992), Carlos

Marcucci (1903-1957), Julio de Caro (1899-1980), Dirk Brosse, Vicente Greco (1888-1924), Juan Carlos Cohíban (1896-1953).

La historia de Marcucci es extensa y da para numerosas otras anécdotas. Su valioso diario encierra la verdadera ruta trazada por uno de los artistas paraguayos que más prestigio le dio al país, Paraná, con giras que llenaban los más amplios escenarios mundiales. La admiración y respeto que el maestro tiene hacia nuestro compatriota es total. Conserva un recuerdo casi mítico de Luis Osmer Meza y debido a la dificultad de contactar con las nuevas generaciones en el Paraguay y la

Argentina, sigue su carrera por nuevos senderos, siempre de la mano de su bandoneón.

La última vez que visito Asunción fue en 1987, es decir hace 14 años. ''Estuve solamente unas horas en el aeropuerto. Intenté llamar a algunos amigos, pero inclusive los números de teléfono que tenía ya no correspondían. Lo mismo me sucedió en la Argentina''.

Casado y con hijos belgas, sus raíces sudamericanas están un tanto cortadas por el Océano Atlántico. Tal vez sería bueno que en un futuro no muy lejano, algún empresario recuerde a este artista que sigue impresionado por los sonidos de las polcas, chamamés y guaranias. Cuando le hicimos escuchar el disco de Juan Carlos Oviedo con los hermanos Acuña, con el bandoneón de

Catalino Argüello, como si fuera un niño travieso se puso a jugar en el aire con las notas, trazar figuras y preguntarle a Castillo cómo hacía Argüello para tocar del modo que lo hacía. ''Eso en Si bemol no lo tengo yo. ¡Qué linda la picadita del arpa (de Tito Acuña)! Parece que no va a llegar, y llega'', fueron algunas de sus expresiones.

La gira en Taiwán se extenderá hasta fin de mayo. Es increíble cómo los asiáticos siguen sensibilizados hacia expresiones que tienen sus orígenes en Sudamérica, mientras nosotros continuamos olvidando a figuras artísticas como Alfredo Marcucci, un señor de esos que quedan pocos en el ambiente cultural. Fuente José Luis de Tone desde Bélgica.

Ensemble Piacevole

Ensemble Piacevole: Nico Baltussen, Gudrun Vercampt (violin),Yves Cortvrint (viola),Luc Dewez (violoncello),Ludo Joly (double bass)Ensemble Piacevole: Nico Baltussen, Gudrun Vercampt (violin),Yves Cortvrint (viola),Luc Dewez (violoncello),Ludo Joly (double bass)


Ensemble Piacevole fue fundada en 1990 por doble bajista Ludo Joly.
Piacevole también es un término musical italiano que significa "agradable, agradable, fácilmente, aplicable tanto a la música que el grupo está haciendo y la actitud con la que enfoque de su arte.
La alegría y ligereza en su ejecucion de hecho es muy contagiosa.
El núcleo del conjunto es el quinteto de cuerda que se puede ampliar de varias maneras.
Se puede crear una atmósfera íntima de música de cámara, a veces suenan como una orquesta completa y que acompañan los solistas. De hecho, una parte considerable de su repertorio en el pasado solía ser desempeñado por piacevole como conjunto.
Original y es muy enriquecedora para el grupo es la colaboración del magnífico
bandoneonista Alfredo Marcucci.
Su repertorio es amplio, desde el barroco a través de los maestros clásicos y románticos a los 20th century music incluyendo compositores contemporáneos.

domingo, 27 de diciembre de 2009

John Cale

John CaleJohn Cale

John CaleJohn Cale


John Cale (Garnant, Gales, 1942), compositor, productor y cantante, se educó como músico en las vanguardias de John Cage y LaMonte Young, y en 1965 fundó con Lou Reed el legendario grupo Velvet Underground. Aunque Lou Reed puso el carisma, la voz y las letras, Cale inventó los arreglos y el "sonido": su viola delirante y monótona ayudó a que The Velvet Underground & Nico y White light/white heat (1967) sean, todavía hoy, dos de los discos más revolucionarios e influyentes de toda la historia del rock. Siempre desde la sombra, las ideas musicales de Cale han continuado abriendo caminos. Como productor, ha sido alma mater del punk y la new wave. A él se deben los primeros discos de los Stooges, Nico, Modern Lovers, y el celebrado Horses (1976) de Patti Smith. Su obra en solitario es amplia e inclasificable, y se mueve en una tensión entre lo experimental y lo accesible. Ha creado algunos discos hermosos y poéticos (Paris 1919, 1973; Music for a new society, 1982; Fragments of a rainy season, 1992). En la música para el cine ha encontrado últimamente un lugar cómodo para sus ideas, aunque no en Hollywood, sino en producciones independientes y, sobre todo, en Europa: Algo salvaje, 1986; Basquiat, 1996; American psycho, 2000. Sus conciertos suelen estar adornados con su voz, un piano y una guitarra. Con el paso del tiempo, sus viejas nuevas canciones han ganado en lirismo, ternura y emoción, interpretadas por un Cale intenso e intimista. En 2005 John Cale vuelve a España en plena forma para presentarnos en directo su último trabajo en estudio: el magnifico "Black Acetate", su disco más rockero. Con el paso del tiempo, sus viejas nuevas canciones han ganado en lirismo, ternura y emoción, interpretadas por un Cale intenso e intimista. Ahora, un año después de que nos visitaran en una gira inolvidable presentándonos su último disco de estudio ("Black Acetate"), John Cale y su banda vuelven con el recopilatorio en formato doble "Circus Live" (a la venta a partir del 19 de febrero) para demostrarnos que se encuentran en su mejor momento de forma. Fuente Indy Rock