Esta pagina ha sido creada para difundir y hacer conocer nuestra música ciudadana "El TANGO" y sus artistas.
Compartimos el lugar con otros géneros, debido a que toda la música es arte, placer y ......
Aquellos que gusten de estos últimos y no conozcan el Tango, lo descubrirán y posiblemente lo empezaran a disfrutar.
jueves, 31 de diciembre de 2009
Miguel Aceves Mejía
Miguel Aceves Mejía (Chihuahua, México, 15 de noviembre de 1915 - 8 de noviembre de 2006) fue un cantante, actor y autor de canciones vernáculas mexicanas.
El rey del falsete, como era conocido, esta considerado, junto a Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís uno de los pilares de la canción tradicional mexicana.
En su juventud trabajó como Chofer de una familia chihuahuense adinerada, misma que al emigrar a la Ciudad de México, invita también al joven Miguel Aceves a trasladarse ahí, donde posteriormente formó parte de una compañía teatral ambulante y en 1938 grabó con el trío Los Porteños; al mismo tiempo trabajaba como mecánico en la ciudad de México y cantaba en la radio boleros y ritmos afrocubanos.
A partir de 1945 se dedicó exclusivamente al genero ranchero. Si bien partecipó como actor protagonista, tras la muerte de Jorge Negrete y Pedro Infante, en más de 60 películas, Miguel Aceves Mejía es recordado sobre todo como un gran cantante. Aunque fue un interprete de gran versatilidad, es tal vez en la modalidad del huapango donde su arte alcanzó el máximo esplendor. Grabó más de mil canciones de todos los géneros folclóricos mexicanos, acompañado en ocasiones del Mariachi Vargas de Tecalitlán. Entre las más populares melodías que interpretó están "El pastor", "La malagueña", "Yo tenía un chorro de voz’’, "La del rebozo blanco’’, "Vaya con Dios’’, "El jinete’’, " La Noche y tú" y "Cuatro caminos’’. Fuente Wikipedia en español
miércoles, 30 de diciembre de 2009
Ariel Ramirez
En Ariel Ramírez se resumen las cualidades de un artista que, fiel a las raíces y valores culturales de su pueblo, conformó una trayectoria creativa que le permitió trascender el ámbito de su país de origen -nació en Santa Fe, ciudad del Litoral de la Argentina, el 4 de setiembre de 1921-, para convertirse en un pianista y compositor de notable reconocimiento universal.
Cuarto entre los seis hermanos nacidos del matrimonio entre doña Rosa Blanca Servetti y don Zenón Ramírez (maestro, periodista y escritor), Ariel estudió piano en su ciudad natal y, luego de obtener su título de maestro de escuela, ya convencido de que su futuro estaría destinado a expresar musicalmente las vivencias del hombre del interior de su país, buscó familiarizarse con las manifestaciones de instrumentistas y cantores populares. Fue crucial en su elección la visita a la Escuela Normal de Santa Fe de un inspector de Música, dueño de un elegante estilo pianístico, llamado Arturo Schianca, incansable difusor del repertorio sureño.
Radicado en Córdoba, al amparo de sus amigos estudiantes tucumanos Chonchón y Raúl Mothe, conoció a Atahualpa Yupanqui quien lo impulsó a conocer el noroeste; así a partir de 1941 viajó por las provincias de Tucumán, Salta y Jujuy. Vivió varios meses en Humahuaca, donde recibió una fecunda orientación del Dr. Justiniano Torres Aparicio, músico y conocedor de la cultura nacional. También estuvo radicado un tiempo en la región cuyana, principalmente en Mendoza.
Hacia 1943, iniciada ya su carrera de intérprete de un variado repertorio pianístico basado en la música folklórica sudamericana, se presenta como solista de piano en Buenos Aires en conciertos y filmaciones, como así también integrando ciclos de emisiones radiales de arte nacional, especialmente a través de Radio El Mundo. Su participación es asimismo requerida por las compañías grabadoras de discos, y es RCA Víctor la que imprime, en 1946, sus primeras placas en 78 r.p.m. con sus obras La tristecita (zamba), Purmamarca (bailecito) y Malambo: "lo más puro de mi creación", según ha observado el propio Ramírez. Su vinculación con la mencionada compañía se extiende hasta 1956, con 21 discos dobles grabados.
Al conocimiento de los secretos de la creación popular, de sus estructuras rítmicas y el espíritu de su lenguaje melódico, sumó Ariel Ramírez el invalorable apoyo del estudio académico de la música: en el Conservatorio Nacional, donde recibe durante un año lecciones de técnica pianística y estudios de composición a través de las lecciones del maestro Luis Gianneo. El novel compositor pronto alcanzó el grado de madurez expresiva que le permitió lograr una serie de notables creaciones que de inmediato se popularizaron en el territorio argentino y en los países vecinos.
En 1950 realiza su primer viaje a Europa. Radicado en Roma, mayormente en el "Istituto Italo-Argentino per gli Scambi Culturali ed Artistici", durante cuatro años se presenta como intérprete de la música argentina y sudamericana en salas de concierto de las Universidades de Barcelona, Santander, Roma, Cambridge, Utrecht y Amsterdam; también actuó como invitado por la Cameratta Musicale Romana en el Palacio Marignolli y ofreció recitales en la Sala Brahms y la Academia de Música de Viena, la Musikhalle de Hamburgo, el Ateneo de Madrid, el Withmore Hall y la BBC de Londres, también en Radio Vaticano donde fue recibido, luego de su concierto, por su Santidad, el Papa Pío XII. Durante 1951, radicado en Madrid, fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para efectuar estudios sobre la música de tradición oral española.
Al volver del viejo continente, luego de realizar varios conciertos en ciudades argentinas, se establece en Lima (Perú), a partir de 1954, donde recibe el honor de ser nombrado miembro del Instituto Sanmartiniano de Perú. En las reuniones de pintores, escritores y músicos peruanos que organizaba una notable pianista y compositora limeña, Rosa Mercedes de Morales, asimiló las cadencias y ritmos de la música folklórica local; durante ese período continúa con sus presentaciones en varias capitales sudamericanas. De la organización de estos conciertos se ocupaba Miguel Brascó, amigos desde entonces, se convertirá en uno de sus más frecuentes colaboradores; la calidad de sus textos ha significado un valioso aporte a las canciones creadas por Ramírez.
En 1955 regresa a la Argentina y emprende la tarea de organizar la Compañía de Folklore Ariel Ramírez con la cual recorre innumerables escenarios del interior del país durante más de dos décadas. En su etapa inicial convoca a intérpretes que representaban lo más puro de las expresiones musicales vernáculas, tales como el conjunto vocal Los Fronterizos y el magistral charanguista boliviano Mauro Núñez.
Dijo Carlos Vega, eminente musicólogo argentino: "Ariel Ramírez, celebrado pianista y compositor nativo, parece haber entendido muy bien que la danza natural es, sin más, un bello espectáculo. Sobre la pura base de las formas rurales, sin alterar las estructuras tradicionales (salvo lo indispensable para su adecuación a la escena) Ariel Ramírez, ha creado para su Compañía de Folklore un programa en que la destreza de los bailarines, la calidad de la música y la excelencia y propiedad de los trajes y el vistoso manejo de las luces, se unifican para ofrecer al espectador una profunda nota de arte depurada por la mesura y el buen gusto. La intensa labor de difusión que su conjunto desarrolla por el interior presta el mejor servicio al conocimiento de las tradiciones argentinas".
También proyectó esa labor en el exterior y en ese sentido, merece destacarse la gira que los veinte integrantes de la Compañía realizaron durante cinco meses, en 1957, visitando las principales ciudades de la Unión Soviética (Moscú, Bacú, Tbilisi, Kishinov, Sochi y Erevan), de Polonia Varsovia (Warjzawa), Bialistok (Bialystock), Dancing (Gdansk), Radom, Rzeszow, Crakovia (Krakow), Oswiecim, Katoviche (Katowice), de Checoslovaquia (Praga, Ostrava y Pilsen).
La Compañía, liderada por Ramírez dio la posibilidad de iniciarse en sus respectivas carreras a numerosos valores trascendentes del arte folklórico de los últimos cuarenta años.
Durante esa etapa su labor compositiva se enriquece con temas como Los inundados, Volveré siempre a San Juan, La última palabra, La equívoca, El Charrúa, Allá lejos y hace tiempo, Cuatro rumbos y El Paraná en una zamba. Paralelamente reinicia sus estudios de composición con el maestro Erwin Leuchter, que continúa durante la década de 1960.
A partir de 1961 la empresa discográfica Philips lo cuenta entre sus más destacados artistas, ya que impulsa la realización de una serie de obras cuyas innovaciones amplían la temática y las formas de la canción tradicional. Inicia sus grabaciones en dicha empresa con un "long play" integrado por una completa muestra de danzas de las distintas regiones del país; algunos temas tradicionales, con arreglos del propio Ramírez y otros de su autoría. En cada disco se observa un trabajo muy serio de análisis y selección de los materiales, como asimismo una marcada vocación por dar a conocer la riqueza musical de cada ámbito musical, en este sentido ofrece series como La Pampa y El Litoral. Siguiendo la misma línea selecciona las más exquisitas composiciones de tres de las más representativas especies de la música argentina: la Zamba, el Vals criollo y el Tango. En su constante labor creativa busca nuevas sonoridades y experiencias personales enriquecedoras, así integra exitosos elencos con notables artistas, tal es el caso de Eduardo Falú, Los Fronterizos, El Conjunto Ritmus (director: Antonio Yepes), Jaime Torres, León Jacobson, Lolita Torres y Mercedes Sosa. También incursionó en la cinematografía, al producir bandas sonoras para algunas películas de los directores argentinos Leopoldo Torre Nilsson, Fernando Ayala y Héctor Olivera y en otros medios como Luz y Sonido en la Quinta Pueyrredón, con libro de Victoria Ocampo.
1964 es un hito especialmente significativo en su trayectoria, puesto que para la Navidad de ese año da a conocer Misa Criolla, con la cual se abre uno de los períodos más brillantes en su labor creativa jalonado de obras de reconocido mérito como Navidad Nuestra, Los Caudillos, Mujeres Argentinas y Cantata Sudamericana.
Como corolario de años de giras por el interior del país, en octubre de 1964 se presenta en la ciudad de Buenos Aires la mencionada Compañía conjuntamente con los dos grupos folklóricos más destacados del momento -Los Chalchaleros y Los Fronterizos- en el Teatro Odeón bajo el título de Esto es Folklore!. El ciclo de espectáculos, que se repitió en los años subsiguientes con variados elencos, recibió la ponderación de la crítica especializada.
Su carrera internacional continuó ininterrumpidamente, llevando su arte a otros países americanos, como Brasil, Ecuador, Colombia, Venezuela, México y Uruguay; precisamente fue en Mercedes, donde se realizó la primera audición pública de Misa Criolla, el 20 de diciembre de 1965 en un espectáculo organizado por la Peña Lazo y Estribo.
En 1967 emprende la primera gira de su obra Misa Criolla por el continente europeo con el elenco original, producida por Lippman + Rau, una empresa de conciertos alemana. Mercedes Sosa, Chito Cevallos y Carlos Amaya también fueron convocados a participar de la delegación, que ofreció recitales en importantes ciudades de Alemania, Holanda, Bélgica y Suiza. La gira concluyó en Roma, con una audición en Radio Vaticano y una significativa audiencia privada con Su Santidad el Papa Paulo VI, quien recibió un ejemplar del disco de la Misa.
Paralelamente a su actividad artística Ariel Ramírez ha desarrollado una intensa labor en defensa del derecho de autor. "Me hice dirigente autoral porque me robaron una obra. Fue en Francia que grabaron con otro título mi obra "La Peregrinación". Sentí mucha pena. Y pensé que si a un tema tan difundido y de un autor al que le grabaron muchísimas composiciones le hacen esto, qué será a los menos difundidos. Tras sentir en carne propia el daño moral y material que eso significa, decidí ponerme al lado de los que tanto lucharon y siguen luchando por los derechos autorales". (La Tribuna, Asunción, martes 5 de mayo de 1970). El reclamo fue atendido favorablemente editándose para Francia con su otro título "Aloutte" (La Peregrinación) y la correspondiente poesía en francés.
La vocación docente del Maestro Ramírez, evidenciada a través de toda su variada obra, se concreta en el campo de la pedagogía musical, al componer una serie de estudios para facilitar la interpretación pianística de la música popular; el álbum, publicado en 1975, es texto de estudio en los Conservatorios nacionales y privados del país. Asimismo compuso una serie de canciones provincianas escritas para las voces iguales de los niños, álbum que tuvo gran aceptación en la escuela primaria.
En 1974 realiza una gira europea con su obra Misa Criolla interpretada por un solista - si bien originariamente había sido escrita para dos voces- y el Coro Madrigal de Bucarest, dirigido por el Maestro Marín Constantin. El cantante seleccionado, dada la amplitud de su registro, fue Zamba Quipildor, nacido y criado entre los sones de la baguala, alma musical del noroeste argentino.
En 1981, con el estreno de su nueva obra coral Misa por la Paz y la Justicia, Ariel Ramírez renueva su vibrante mensaje de amor y paz realizado con indudable jerarquía a través de la participación de artistas notables como Alfredo Alcón, Oscar Cardozo Ocampo, Zamba Quipildor, Damián Sánchez y Domingo Cura. Al igual que en su anterior obra religiosa, estuvo guiado en los fundamentos teológicos por el presbítero Osvaldo Catena, su entrañable amigo desde los años juveniles en Santa Fe.
Sus canciones han sido objeto de múltiples grabaciones de artistas internacionales y se conocen versiones pertenecientes no sólo al mundo hispano-parlante sino muchas registradas en inglés, italiano, francés, hebreo y árabe. Algunas de las más difundidas son: Alfonsina y el mar, La peregrinación, Los Reyes Magos, La anunciación, Antiguo dueño de las flechas, Juana Azurduy y Navidad en verano todas ellas con poesía de su más frecuente colaborador, el destacado historiador, Dr. Félix Luna.
Entre las numerosas giras artísticas guardan especial importancia aquellas realizadas en Israel, donde las presentaciones de Misa Criolla recibieron siempre los más calurosos elogios de la crítica.
En 1987 el famoso tenor español José Carreras grabó en la iglesia La Bien Aparecida en las montañas de Santander (España), una nueva versión de Misa Criolla para el sello Philips Classics Productions; en los años siguientes se la pudo apreciar en las más prestigiosas salas del arte lírico y, entre otras presentaciones memorables, se destacó la realizada en Ciudad del Vaticano.
Desde su función al frente del Centro de Divulgación Musical de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, proyecta con Flavio Barbieri y un equipo de especialistas un programa de asistencia a la educación musical en las escuelas primarias denominado "La música va a la escuela" destinado al conocimiento y difusión de las culturas musicales regionales del país. También debido a su iniciativa del CDM ha puesto en funcionamiento un programa de divulgación de todas las manifestaciones musicales -tanto populares como académicas- y en tal sentido promueve la actuación en todos los ámbitos de la ciudad, en especial espacios al aire libre y en forma gratuita, de organismos estables sinfónicos y corales, grupos instrumentales y solistas. En la temporada de verano, de noviembre a marzo de 1988 se calcula que cerca de un millón de personas concurrieron a dichos acontecimientos culturales.
En 1992 presentó su espectáculo Misa Criolla en el Auditorio Manuel de Falla de Granada y en la Expo '92 de Sevilla. Con el mismo espectáculo tomó parte en el "Meeting per l'amicizia fra I popoli" de la ciudad de Rimini, con la presencia como solista del tenor español José Carreras, reeditando en vivo el éxito del CD grabado en 1987 en España. En el mismo año, con motivo de celebrar sus 50 años con la Música Nacional realizó tres memorables conciertos en el Teatro Colón y en el Luna Park, de Buenos Aires, donde ofreció un programa dedicado íntegramente a sus propias creaciones interpretadas por artistas de la talla de Eduardo Falú, Jairo, Facundo Ramírez, Domingo Cura y Zamba Quipildor.
Es digna de mención por su notable repercusión la serie de conciertos que realizó en Polonia durante 1993, que culminó con su actuación en la Sala de Conciertos de la Filarmónica Nacional, en Varsovia y en la Iglesia de Cracovia.
En junio de 1995 presentó Misa Criolla por primera vez en Londres. El concierto se realizó en el Royal Festival Hall con la participación de coro más importante de Gran Bretaña -fundado bajo los auspicios de la Reina Victoria en 1871-, la Royal Choral Society. Con el patronazgo de Su Majestad La Reina Isabel II y la Presidencia de Su Alteza El Duque de Kent, dicha entidad musical celebró sus 125 años cantando la muy difundida Misa Criolla, dirigida por su autor, ante 3.000 espectadores.
El Departamento de Música de la Universidad de Sud Africa editó en 1995 el nuevo "Piano Examination Album" donde incluye cuatro listas de cuatro obras cada una, correspondientes a distintos períodos del arte pianístico. En la última lista, que representa a autores del siglo XX y compositores de Sud Africa, aparece el Estudio N° 2 Bailecito (extraído de: 15 Estudios para Piano, sobre ritmos y formas de la tradición musical argentina, Editorial Lagos y Famac S.C.A., Buenos Aires, 1975) de Ariel Ramírez: una muestra más del prestigio internacional alcanzado por sus composiciones.
Con su Misa por la Paz y la Justicia -que incluye recitados de pasajes bíblicos de profunda significación- obtuvo resonante éxito durante los conciertos realizados en 1997, con la participación del Coro de la Iglesia de Leiden (Holanda), especialmente en el Concertgebouw de Amsterdam. Consecuentemente, al año siguiente Sony Music Entertainment reeditó en Holanda y Alemania la grabación original, que pronto se ubicó al tope de las preferencias discográficas. Años más tarde reiteró su presencia en el Concertgebouw y en el Musiekcentrum Frits Philips, de Eindhoven, para ejecutar con organismos corales holandeses la citada Misa.
La primera presentación de Misa Criolla en Japón tuvo lugar en el Suntory Hall de Tokio en 1998, durante un concierto memorable, a sala llena.
El Teatro Nuevo Apolo (1989) y el Teatro Albeniz (1997 y 1998), de Madrid el Gran Teatro (1999), de Córdoba fueron los escenarios elegidos por el productor José Lata Liste para presentar el tango y el folklore de Argentina, en el espectáculo denominado Los Creadores. Reunió el piano de Ramírez, al de Mariano Mores, y luego al bandoneón de Julián Plaza. Los tres nombres, destacados compositores, asimismo.
Nuevamente, a comienzos del 2000 se reúne con José Carreras para actuar en el Palau de la Música Catalana, y el 9 de Julio, para celebrar la fecha patria, Misa Criolla es ejecutada por su autor, en la Plaza Central de la Expo 2000 de Hannover, con coro alemán y elenco de Argentina.
Ariel Ramírez tiene en preparación una cantata denominada Los Sonidos del Nuevo Mundo, compuesta en homenaje a España en conmemoración de los Quinientos años del Descubrimiento. Con temas y personajes relativos a la conquista de América, los poemas pertenecen a María Elena Walsh y Miguel Brascó, también incluye fragmentos poéticos de culturas precolombinas.
Como dirigente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC) ha ocupado numerosos cargos nacionales e internacionales; en 1988 le correspondió el honor de haber sido el primer latinoamericano elegido para presidir la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC). Fue Presidente de SADAIC durante cinco períodos. Actualmente ocupa el cargo de Presidente de la Junta Consultiva.
En sus continuas giras en el exterior sigue corroborando la vigencia y aceptación internacional de su afamada obra Misa Criolla. Fuente web de Ariel Ramirez
martes, 29 de diciembre de 2009
Dyango
José Gómez Romero (Barcelona, 5 de marzo de 1940) es un cantante español de música romántica, conocido artísticamente como Dyango.
Dyango nació el 5 de marzo de 1940, pero fue inscripto por su padre recién el 8 de mayo, y así figura como su fecha de nacimiento en los documentos oficiales.[cita requerida]
Dyango adoptó como nombre artístico el de Django Reinhardt (guitarrista de jazz gitano) por el cual se le conoce y debutó en el Festival de la Canción del Duero (1965). Discográficamente se inicia en Zafiro, en 1974, y posteriormente fichó para EMI. Su primer álbum en 1975 tuvo mucho éxito en Latinoamérica, en contraste con la escasa repercusión de su música en España. Desde la grabación del tango 'Nostalgia', en 1976, Dyango comenzó su conquista del mercado español de la balada romántica.
Tras obtener en el mismo año el premio al mejor intérprete y a la mejor canción del Festival de Benidorm con el tema 'Si yo fuera él', su carrera resultaría imparable tanto a nivel nacional como internacional y se extiende hasta la actualidad, con canciones tan conocidas como La mare (en catalán), Por esa mujer, Doctor, Amor de tango, cuando quieras, entre otras.
En 1980 representa a Espana en el Festival OTI 1980 con la canción Querer y Perder escrita por Ray Girado, ocupando el segundo lugar.
Dyango es padre de los cantantes Marcos Llunas y Jordi.Fuente Wikipedia
lunes, 28 de diciembre de 2009
Alfredo Marcucci
En un pueblito a 60 kilómetros en las afueras de Bruselas vive Alfredo Marcucci. Durante catorce años, entre 1962 y 1976, fue el fiel escribiente de todas las actuaciones del grupo Los Paraguayos, con Luis Alberto del Paraná y Reynaldo Meza. Metódico, el maestro conserva esosdiarios de viaje donde está resumida la extensa historia de ese grupo que viajó por Asia, Europa y América conquistando nuevos mercados para el arte latinoamericano.
Marcucci fue el arreglador de ''Los Paraguayos'' y sigue dedicado a la música. Pudimos entrevistarlo justo antes de que partiera rumbo a Taiwán para ofrecer una serie de presentaciones junto a su grupo de tango. Con sus 70 años encima, sigue vital, lleno de alegrías y con una modestia
envidiable. Gracias a la amable gestión del embajador paraguayo en Bélgica y Unión Europea, Manuel María Cáceres, hemos podido contactar personalmente con Marcucci. Antes habíamos conversado telefónicamente y siempre se mostró abierto a un diálogo franco y directo. El viaje desde Bruselas a Landen lo compartimos con el cónsul Juan Castillo, quien llegara a estas latitudes
hace varios lustros. Conocedor de la trayectoria y el valor del aporte del músico argentino, Castillo nos brindó estimables detalles sobre el paso de Paraná por Bélgica.
Marcucci nació en 1930 en las afueras de Buenos Aires. Desde niño se dedicó a ejecutar el bandoneón, bajo la dirección de su tío Carlos Marcucci. Como no contaban por entonces con partituras, el joven instrumentista aprendió las melodías de oído. A los 15 años perdió a su padre y su tío le dio la oportunidad de integrar su orquesta. Nace así una carrera que lo llevaría
por los más distantes escenarios, incluyendo giras con Julio de Caro y Carlos di Sarli. El repertorio de entonces incluía tango y jazz.
''Siempre anotaba todo. Tenía esa manía desde Japón. Como estaba condenado a un viaje perpetuo, dedicaba parte de mi tiempo a llevar un registro de todas mis actividades'', señala el maestro que también compartió giras con Julián Plaza, Atilio Stampone y Ariel Ramírez. Los viajes de Marcucci en los años cincuenta por Asia y el Medio Oriente le permiten un fortuito encuentro con Paraná en Estambul. De ese primer contacto surge la invitación de Paraná para integrar el grupo, situación
que luego se concreta en 1962.
El diario de Marcucci con ''Los Paraguayos'' arranca un 7 de julio con el concierto en el estadio de Sofía, Bulgaria. La meticulosidad es increíble, pues hasta su alejamiento del conjunto, en 1976, tiene registrado día a día la actividad del grupo, con particulares detalles que tornan esos registros
en un documento imprescindible para conocer una parte significativa de la carrera de Paraná.
A modo de resumen, solamente en sus dos primeros años, se consignan 20 actuaciones en Bulgaria, 44 en Rumania, 27 en Israel, 1 en Alemania, 18 en Inglaterra, 27 de nuevo en Israel, 24 consecutivas, más otras 8 alternadas y 6 galas en Turquía, 7 en Chipre, 38 en Grecia, 12 en Alemania, una en Suiza, grabaciones en Bélgica para la Philips, 25 en Finlandia, 15 nuevamente en Alemania, 35 en Turquía, de regreso a Alemania, Suiza e Inglaterra con más de 50 recitales. Entre medio, viajes a la ciudad belga de Amberes, al reparador descanso en el hotel Old Tom, a cincuenta metros de la estación central de trenes.
Justamente el lunes 4 de noviembre de 1963 es una fecha histórica para Paraná y ''Los Paraguayos''. En el Reino Unido se realizaba anualmente una gala con los mejores artistas de las más diversas disciplinas artísticas, los célebres conciertos benéficos organizados para la realeza británica.
''Sabíamos que había un conjunto que estaba haciendo furor, pero yo no tenía idea exacta de quiénes eran 'Los Beatles' '', recuerda Marcucci que conserva en su poder el diploma que le entregaron firmado por la Reina Elizabeth.
''Desde la mañana, durante los ensayos, había tantos periodistas y fotógrafos. 'Los Beatles' eran tipos muy elegantitos, con pelo raro para esa época. Cada conjunto tenía marcado solamente dos piezas y para el saludo final debía subir al escenario un integrante. En representación de nosotros, estuvo Luis Alberto. Como ellos eran muy famosos, estuvieron los cuatro'', memora Marcucci.
Cuando le consultamos si tenía un programa de ese concierto, nos pidió que aguardáramos un momento y subió al altillo de su confortable vivienda en las afueras de Landen. Era un día soleado de primavera, lleno de luz y aprovechamos para reproducir en el jardín algunas de las fotos inéditas que cuenta en su abundante archivo. Marcucci regresó con un cajón de cartón lleno de documentos y rebuscando bien abajo del mismo, sacó primero un atado de fotografías de esas que se entregaban a los fans. Luego encontró el programa y el diploma firmado por la Reina Madre.
Increíblemente, este testimonio de un logro que poquísimos artistas en el mundo alcanzaron en su carrera estaba escondido en un cajón, documento que muchos otros explotarían como un pasaporte de prestigio. El maestro, en cambio, tiene una actitud mucho más modesta y conserva recuerdos que hablan de su amor hacia el Paraguay.
Desde su incorporación al grupo de Paraná, el maestro argentino fue el responsable de los arreglos de ''Los Paraguayos'', además de interpretar la guitarra, el bajo eléctrico, canto y por supuesto, su pasión, el bandoneón. En su residencia conserva uno de los discos de oro que recibieron ''Los
Paraguayos'' por ventas de más de un millón de copias de los entonces LP's para la Philips. Esas cantidades en la década del sesenta eran cifras muy difíciles de lograr, más todavía con música folclórica latinoamericana.
''Muchas veces me pregunto qué pasará si lo pongo en el tocadiscos'', bromea Marcucci, mirando la placa dorada que cuelga en su sala, a un costado de un cuadro pintado por un amigo argentino donde se lo ve al maestro ejecutando el bandoneón. La revisión de los diarios escritos con tanto esmero abarca por supuesto la muerte de Paraná en Londres, ese domingo 14 de setiembre de 1974. Los dibujos, el detalle de cada actuación, la modalidad de viaje, el lugar donde se presentaban, la cantidad de conciertos y el porcentaje que le correspondía a los músicos son una hoja de ruta que mirando atrás habla del profesionalismo de estos artistas.
Durante dos años más, hasta 1976, Marcucci continuó con Reynaldo en el conjunto, para luego regresar definitivamente a Bélgica, donde fijó residencia, abandonó la música, trabajó como empleado en una fabrica de plástico, de la cual es jubilado, hasta que el llamado de la música lo
retornó a los escenarios.
En 1997 lanzó el disco compacto ''Tímeles tango (Tangos sin tiempo)'', junto con el Ensamble Piacevole, un quinteto formado por Nico Baltussen, Gudrun Vercanpt, Yves Cortvrint, Luc Dejes, Ludo Joly. El repertorio elegido incluye composiciones de Astor Piazzolla (1921-1992), Carlos
Marcucci (1903-1957), Julio de Caro (1899-1980), Dirk Brosse, Vicente Greco (1888-1924), Juan Carlos Cohíban (1896-1953).
La historia de Marcucci es extensa y da para numerosas otras anécdotas. Su valioso diario encierra la verdadera ruta trazada por uno de los artistas paraguayos que más prestigio le dio al país, Paraná, con giras que llenaban los más amplios escenarios mundiales. La admiración y respeto que el maestro tiene hacia nuestro compatriota es total. Conserva un recuerdo casi mítico de Luis Osmer Meza y debido a la dificultad de contactar con las nuevas generaciones en el Paraguay y la
Argentina, sigue su carrera por nuevos senderos, siempre de la mano de su bandoneón.
La última vez que visito Asunción fue en 1987, es decir hace 14 años. ''Estuve solamente unas horas en el aeropuerto. Intenté llamar a algunos amigos, pero inclusive los números de teléfono que tenía ya no correspondían. Lo mismo me sucedió en la Argentina''.
Casado y con hijos belgas, sus raíces sudamericanas están un tanto cortadas por el Océano Atlántico. Tal vez sería bueno que en un futuro no muy lejano, algún empresario recuerde a este artista que sigue impresionado por los sonidos de las polcas, chamamés y guaranias. Cuando le hicimos escuchar el disco de Juan Carlos Oviedo con los hermanos Acuña, con el bandoneón de
Catalino Argüello, como si fuera un niño travieso se puso a jugar en el aire con las notas, trazar figuras y preguntarle a Castillo cómo hacía Argüello para tocar del modo que lo hacía. ''Eso en Si bemol no lo tengo yo. ¡Qué linda la picadita del arpa (de Tito Acuña)! Parece que no va a llegar, y llega'', fueron algunas de sus expresiones.
La gira en Taiwán se extenderá hasta fin de mayo. Es increíble cómo los asiáticos siguen sensibilizados hacia expresiones que tienen sus orígenes en Sudamérica, mientras nosotros continuamos olvidando a figuras artísticas como Alfredo Marcucci, un señor de esos que quedan pocos en el ambiente cultural. Fuente José Luis de Tone desde Bélgica.
Ensemble Piacevole
Ensemble Piacevole: Nico Baltussen, Gudrun Vercampt (violin),Yves Cortvrint (viola),Luc Dewez (violoncello),Ludo Joly (double bass)
Ensemble Piacevole fue fundada en 1990 por doble bajista Ludo Joly.
Piacevole también es un término musical italiano que significa "agradable, agradable, fácilmente, aplicable tanto a la música que el grupo está haciendo y la actitud con la que enfoque de su arte.
La alegría y ligereza en su ejecucion de hecho es muy contagiosa.
El núcleo del conjunto es el quinteto de cuerda que se puede ampliar de varias maneras.
Se puede crear una atmósfera íntima de música de cámara, a veces suenan como una orquesta completa y que acompañan los solistas. De hecho, una parte considerable de su repertorio en el pasado solía ser desempeñado por piacevole como conjunto.
Original y es muy enriquecedora para el grupo es la colaboración del magnífico
bandoneonista Alfredo Marcucci.
Su repertorio es amplio, desde el barroco a través de los maestros clásicos y románticos a los 20th century music incluyendo compositores contemporáneos.
domingo, 27 de diciembre de 2009
John Cale
John Cale (Garnant, Gales, 1942), compositor, productor y cantante, se educó como músico en las vanguardias de John Cage y LaMonte Young, y en 1965 fundó con Lou Reed el legendario grupo Velvet Underground. Aunque Lou Reed puso el carisma, la voz y las letras, Cale inventó los arreglos y el "sonido": su viola delirante y monótona ayudó a que The Velvet Underground & Nico y White light/white heat (1967) sean, todavía hoy, dos de los discos más revolucionarios e influyentes de toda la historia del rock. Siempre desde la sombra, las ideas musicales de Cale han continuado abriendo caminos. Como productor, ha sido alma mater del punk y la new wave. A él se deben los primeros discos de los Stooges, Nico, Modern Lovers, y el celebrado Horses (1976) de Patti Smith. Su obra en solitario es amplia e inclasificable, y se mueve en una tensión entre lo experimental y lo accesible. Ha creado algunos discos hermosos y poéticos (Paris 1919, 1973; Music for a new society, 1982; Fragments of a rainy season, 1992). En la música para el cine ha encontrado últimamente un lugar cómodo para sus ideas, aunque no en Hollywood, sino en producciones independientes y, sobre todo, en Europa: Algo salvaje, 1986; Basquiat, 1996; American psycho, 2000. Sus conciertos suelen estar adornados con su voz, un piano y una guitarra. Con el paso del tiempo, sus viejas nuevas canciones han ganado en lirismo, ternura y emoción, interpretadas por un Cale intenso e intimista. En 2005 John Cale vuelve a España en plena forma para presentarnos en directo su último trabajo en estudio: el magnifico "Black Acetate", su disco más rockero. Con el paso del tiempo, sus viejas nuevas canciones han ganado en lirismo, ternura y emoción, interpretadas por un Cale intenso e intimista. Ahora, un año después de que nos visitaran en una gira inolvidable presentándonos su último disco de estudio ("Black Acetate"), John Cale y su banda vuelven con el recopilatorio en formato doble "Circus Live" (a la venta a partir del 19 de febrero) para demostrarnos que se encuentran en su mejor momento de forma. Fuente Indy Rock
sábado, 26 de diciembre de 2009
Caracol (Roberto Paviotti)
Nombre: Roberto Paviotti
Lugar de Nacimiento: La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina
Nombre artístico: Caracol
Profesión: Cantante, Músico, Compositor y Arreglador
Trayectoria: Debutó a los seis años como vocalista de la Orquesta Infantil Favero. Hizo sus primeras giras artísticas entre los siete y los once años, apadrinado por el reconocido actor argentino Fidel Pintos. Compartió giras con el mismo Fidel Pintos, Oscar Casco y otros.
En 1979 participó con el cantante y compositor Chico Novarro en el espectáculo "Canciones con historia".
Compartió escenarios con artistas como Osvaldo Tarantino, Chabuca Granda, Homero y Virgilio Expósito, Sebastian Piana, Eladia Blázquez, Héctor Stamponi, Juan Falú, Daniel Riolobos, Susana Rinaldi, Hector Negro, Eduardo Lagos, Quinteto Piazzolla, Juanjo Dominguez, Pedro Aznar, Daniel Binelli, Raúl Carnota, Omar Moreno Palacios, Juan Verdaguer, Luis Salinas, Luis Ordoñez, Lito Vitale, Lucho González, Hamlet Lima Quintana, Adolfo Abalos, Oscar Cardozo Ocampo, Jaime Dávalos, Armando Tejada Gómez, Mario Arnedo Gallo, Esteban Morgado, entre otros.
Composiciones
Compuso con Héctor Negro, Hugo Nadalino, Alicia Crest, María Volonté, Jorge Taboada, Elsa Borneman, Mercedes Montagnaro.
Varios de estos temas están incluídos en sus CDs “Cantar” y “Son cosas del amor”
Actuaciones: En los últimos años, se presentó en varias ciudades del interior del País (Córdoba, Cosquín, Unquilllo, Rosario, Neuquen, Roca, Mar del Plata, Tandil, Azul, Chivilcoy, Lujan, Bariloche, entre otras) y del Extranjero (Ámsterdam-Holanda, Rótterdam-Holanda, Bruselas-Bélgica, Granada-España, Canela-Brasil, Porto Alegre-Brasil, Nueva Orleáns-USA, Almeria-España, Guadix-España, Madrid-España, Ginebra-Suiza, Zurich-Suiza, Lausana-Suiza, Berna-Suiza, Sierre-Suiza). En su ciudad natal La Plata, actuó en el Teatro Argentino, en el Pasaje Dardo Rocha, Teatro Lozano, Centro Cultural Malvinas, Pasillo de las Artes, Coliseo Podestá, El Teatro, entre otros. En la ciudad de Buenos Aires, realizó ciclos en el Club del Vino, Clásica y Moderna, La Bodeguita, Uno y medio, La Trastienda, Ghandi, Sala A y B del Teatro General San Martín, Teatro General Alvear, Centro Cultural del Sur, Facultad de Agronomía, La Revuelta, Hotel Sheraton, Teatro Payro, Bar 36 Billares, Teatro Torquato Tasso, Café Homero, Bar Tuñon, Bar Quintino, Museo del Tango, Casa de la Cultura, Casa Victoria Ocampo, La Biblioteca Café, El Empujón del Diablo, etc.
Ha realizado exitosos ciclos junto a Juan Falú, María Volonté, Esteban Morgado y Jacqueline Sigaut.
- En 1998 participó de la Expomusic de Canela, Brasil
- En 1999 participó del XI Festival de Tango de Granada, España
- En 1999 participó del Festival de Tango de Porto Alegre, Brasil
- Dio apertura al Ciclo Cultural Platense, el 28 de febrero de 2003 en el Centro Cultural Islas Malvinas, convocado por la Secretaria de Cultura de la ciudad de La Plata.
.- En 2004 cantó acompañado por la orquesta de la Ciudad Música Argentina Juan de Dios Filiberto, dirigida por el Maestro Atilio Stampone, en el teatro Nacional Cervantes.
- Fue convocado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires a participar en varias ediciones del Festival de Tango que organiza anualmente:
- V Festival Internacional del Tango de Buenos Aires - Bar o Bar (2002)
- V Festival Internacional del Tango de Buenos Aires - Esquina Homero Manzi (2002) - Invitado de Esteban Morgado
- VI Festival Internacional del Tango de Buenos Aires - Café London City (2004)
- VII Festival Internacional del Tango de Buenos Aires - Centro Cultural Torcuato Tasso (2005)
-VIII Festival Internacional del Tango de Buenos Aires – Centro Cultural General San Martin (2006)
- IX Festival Internacional del Tango de Buenos Aires - Centro Cultural del Sur (2007)
- X Festival Internacional del Tango de Buenos Aires – Salón Harrods (2008)
- Fue convocado por el Ministerio de Cultura y Ente Turismo de la Ciudad de Buenos Aires a participar del Programa de Revitalización y Puesta en Valor de la Avenida de Mayo “La Gran Vía de Mayo” – Casa de Cultura (2008)
- Fue convocado por la Comisión de Bares Notables de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires para actuar en Bar o Bar (2003), en El Bar García (2005), en el Bar Los 36 Billares (2006 y 2007)
- Participó como invitado en 31º Festival de Música Popular de Baradero (2005)
- Participó como invitado en el 7º Festival Patagonia y Tango, organizado por la Fundación Patagonia y Tango, Bariloche (2008)
- Cerró la 8ª Cumbre Mundial del Tango de Bariloche (2009)
- Participó en el VI Festival Internacional del Tango de Almería, España (2009)
- Participó en el Pre Festival Internacional del Tango de Granada en el Ayuntamiento de Guadix, España (2009)
- Participó en el XXI Festival Internacional del Tango de Granada, España (2009)
- Participó en la 35 Feria del Libro de Buenos Aires, invitado por Esteban Morgado (2009)
- Participó en el XXVI Festival Nacional de Tango de La Falda, Córdoba (2009)
Fuente web de Caracol
jueves, 24 de diciembre de 2009
Cello Trio
Aquellos que piensan que la música brasileña está definida por la samba y la bossa nova se sorprenderan por el trío de violonchelo, ya que tocan a través de material de algunos de los compositores de renombre de ese país clásico, con tangos de Ernesto Nazareth - el padre del género y opus tanto por la gran Heitor Villa-Lobos y el modernismo Jaime M. Zenamon, entre otros. Abren la puerta a un mundo que se extiende mucho más allá de las playas y los Carnavales de Río de Janeiro y Salvador, y lo hacen de una manera más aventurera, ya que una alineación de tres violonchelos juntos no cabe como estándar en el libro de nadie. Sin embargo, el régimen de belleza y de juego exquisito poner de manifiesto las cualidades poco comunes en la música, hay un momento en "Reflejos de Miranda", donde los violonchelos parecen imitar una guitarra de acero, mientras que en Villa-Lobos "Trenzinho Caipira" uno de los instrumentos parece Escuchar las notas imposibles de alcanzar para un cello. La oscuridad, los tonos de madera ofrecen mucha sombra a las melodías, tanto si es la gracia de deslizamiento de tangos de Nazareth o el contrapunto de Bach-ian de entrée "Zenamon's." Los compositores aquí de pie con la mejor de Europa, lo que demuestra que el Brasil tiene mucho que ofrecer que permanece prácticamente desconocido fuera del país. Una pequeña joya y un triunfo de un disco.
El Cello ha dejado su huella en la música brasileña en una forma muy especial. El trío Cello muestra cómo ambos sonidos indígenas tradiciones folklóricas e internacionales clásicas puede crear una mezcla única de música brasileña. Con "Tango Brasileiro," caer en el tono aterciopelado de siglo 20 la música brasileña clásica, balanceándose y melancólico al mismo tiempo. Este álbum incluye composiciones puramente brasileña, con razón famosos por su original mezcla rasgos europeos e indígenas. Las piezas son luego interpretadas por los miembros del Trio: Márcio Carneiro, Pedro Dauelsberg y Matías de Oliveira Pinto
miércoles, 23 de diciembre de 2009
Dorival Caymmi
Dorival Caymmi (* 30 de abril de 1914, Salvador de Bahía - †16 de agosto de 2008) es considerado uno de los más influyentes cantautores de la música popular brasileña. Habiendo alcanzado su madurez musical antes del surgimiento de la bossa nova como tal, actuó como fuente de influencia para varios de los máximos exponentes de este género, entre ellos Antonio Carlos Jobim y João Gilberto. Su influencia se extendió a estilos posteriores, como el tropicalismo y, en general, a la música popular brasileña en su conjunto.
A nivel artístico, si bien se destacó principalmente en el campo de la música, también se dedicó a la pintura.
Hijo de Durval Enrique Caymmi, inmigrante italiano, y de Aurelina Soares Caymmi, bahiana nativa, Dorival nació y creció en Itapuã, por ese entonces un pueblo de pescadores todavía distante del centro de Salvador de Bahía.
Vivió su niñez en un estrecho y constante vínculo con la playa de dicho poblado, desarrollando su pasión por el mar, por la vida del pescador y por la figura de Iemanjá.
Sus padres amaban la música y, la curiosidad de Caymmi por esta disciplina, fue estimulada de manera natural desde temprana edad. De niño participó en un coro de Iglesia; de adolescente comenzó a aprender guitarra como autodidacta y a componer sus primeras canciones. A los trece años Dorival dejó sus estudios con la intención de trabajar. Se desempeñó, entre otras tareas, como auxiliar en un estudio de abogacía, así como reportero y dibujante
A los veinte años cantaba para la Rádio Clube da Bahia. Dos años más tarde, en 1936, ganó un concurso de canciones para carnaval con una samba llamada A Bahia também dá.
En 1938 se mudó a Río de Janeiro con la idea de retomar sus estudios y trabajar como periodista. Sin embargo, pronto decidió dedicarse enteramente a la música. A pesar de que desde ese momento pocas veces volvió a Bahía, sus canciones, sin embargo, continuaron inspirándose en la idiosincrasia de su ciudad natal: la vida cotidiana del hombre de pesca, la playa y el mar.
Obtuvo su primer éxito en 1939 con O que é que a baiana tem?, canción incluida en la película Banana da Terra, protagonizada por Carmen Miranda.
En 1940, mientras su popularidad crecía, gracias a la canción anteriormente citada y a otras como O mar, Rainha do mar y Promessa de pescador, se casó con la cantante Stella Maris.
En la segunda mitad de la década de 1940 dedicó una mayor atención a la pintura. Como en su música, es posible encontrar en sus cuadros rasgos bahianos.
En el año 1947, grabó Marina, dando inicio a una nueva etapa en su producción musical, donde predominaría el género samba-canción, así como las canciones intimistas.
Durante los años 1954 y 1955 grabó sus dos primeros LP, Canções praieiras y Sambas de Caymmi, iniciándose una etapa prolífica y muy activa en lo que respecta a la producción de discos de larga duración, tras quince años de publicar exclusivamente en formato sencillo.
A finales de la década, en pleno surgimiento de la bossa nova, la figura de Caymmi fue popularizada por varios de los pioneros del nuevo género. Colaboró con Antonio Carlos Jobim y, en la década de 1960, muchas de sus canciones fueron interpretadas por João Gilberto. Entre estas interpretaciones se destacan Doralice (1945),Samba de minha tierra, Saudade de Bahia (1957) y Rosa Morena.
En 1965, tras la interpretación de una de sus canciones por parte del cantante estadounidense Andy Williams, viajó a Los Ángeles, donde residió cuatro meses y grabó un nuevo LP.
Durante 1968, el gobierno de Bahía le regaló una casa en Salvador como retribución a la divulgación internacional de la cultura local, tras lo cual volvió a vivir un tiempo en dicha ciudad, aprovechando la ocasión para vincularse más estrechamente al candomblé, religión con la que siempre había tenido afinidad.
Escribió, en 1972, Oração de Mãe Menininha, una canción en homenaje a Mae Menininha do Gantois, sacerdotisa de candomblé. Esta canción fue grabada luego por músicos como Gal Costa y Maria Bethânia.
Tres años después, su canción Gabriela fue emitida por Rede Globo como cortina musical de la telenovela homónima, basada ésta en la novela Gabriela, Cravo e Canela de Jorge Amado, gran amigo de Caymmi.
En 1984, en ocasión de su septuagésimo aniversario, fue condecorado en París por el ministro de cultura francés Jack Lang con la Encomienda de las artes y letras de Francia. Fuente Wikipedia
Ary Barroso
ARY Barroso (7 de noviembre de 1903 en Ubá, Minas Gerais — 9 de febrero de 1964 en Río de Janeiro) fue un compositor brasileño nominado al Oscar, pianista, comentarista de fútbol y talentoso animador en radio y televisión. Fue uno de los compositores más exitosos de Brasil en la primera mitad del siglo XX.
Biografía
Dos composiciones son las más conocidas del Barroso, las sambas "Aquarela do Brasil" ("Brasil"), escrita en 1939 y "Na Baixa do Sapateiro" ("Bahía"), compuesta un año antes. "Brasil" apareció en Saludos Amigos (1942) y "Na Bahia" en el Disney tres caballeros (1944)las dos. Las dos canciones se convirtieron en en éxitos internacionales y han sido registradas por cientos de artistas del mundo. Entre sus intérpretes principales son Carmen Miranda y João Gilberto.
En 1945, su canción "Rio de Janeiro", en el Brasil de la película de 1944, fue uno de los cinco finalistas nominados para el Oscar para mejor canción original.
Su canción, Aquarela Brasil fue utilizado como el tema principal de 1985, en el cine "Brasil".
Murió de cirrosis hepática en 1964.
martes, 22 de diciembre de 2009
El tango en Mexico
Con el disco "Mi noche triste", grabado por Carlos Gardel en 1917, comienza la era del tango canción que influiría definitivamente en la estructura musical, la temática y la literatura del tango. A partir de los versos de Pascual Contursi que salen de su garganta, "El Morocho" inventa el modo de cantar los tangos. Los cantantes que lo sucedieron, Ignacio Corsini, Rosita Quiroga, Charlo, Azucena Maizani y Hugo del Carril, entre muchos otros, se sujetaron por fuerza a este estilo de interpretación.
Mariano Mores y Jorge "Che" Sareli
De este modo, la carta definitiva del tango cantado estaba echada. Había nacido a principios del siglo XX, se consagró en España y en Francia para formar parte de la vida social europea, cruzó el océano y se introdujo en el medio cinematográfico de Estados Unidos. En los países iberoamericanos despertó un extraordinario interés a partir de sus letras dramáticas y de elocuente espíritu carcelario. En suma, eran pasajes de la vida cotidiana que transcurrían en ambas márgenes del Río de la Plata, pero que eran transmisibles, por su universalidad, al resto de los pueblos hispanoparlantes.
México no fue la excepción, gracias al apogeo de la radiodifusión y los avances fonográficos, en un país que estaba en plena modernización y recuperándose de una guerra civil. Su majestad el tango invadió las estaciones de radio, las casas de discos, los gramófonos, los altavoces de ferias y la mayoría de los hogares mexicanos.
Los Gauchos de los Ponchos Verdes
Comenta Jorge Sareli en su libro "El tango a través del tiempo": «En la década de los treinta, el tango se situaba en la ciudad de México, por su calidad, su ritmo, su cadencia, su languidez, su temática, su drama, su tragedia, su ternura, su breve filosofía de la vida, su mensaje, sus situaciones humorísticas y su coreografía diferente a otros ritmos musicales; cobró miles de aficionados a este género que apasionó y cautivó a todas las clases sociales tanto suburbanas como a la elite capitalina».
Continúa diciendo: «Era la música que más se difundía y se escuchaba con mucho interés y entusiasmo, se cantaba y se bailaba con la alegría clara de la novedad, que el pueblo de la ciudad de México asimiló insospechadamente y se adaptó a tal grado, que compositores y cantantes mexicanos se dedicaron de lleno a interpretarlo y a sentirlo tanto como cualquier artista argentino o uruguayo».
Juan Arvizu
En XEB "La estación del buen tono" y en XEQ "Cadena Radio Continental", se crearon grupos de cantantes que cultivaban el tango. Allí estaban Maruca Pérez "La Mocosita", quien fuera la primera intérprete de la obra de Agustín Lara, Carlos de Nava "El Gardel Mexicano", Blanca Reducindo, los hermanos Américo y Abdón Alak , "El Trío Argentino", grupo mexicano que tomaba como modelo el trío homónimo de Irusta, Fugazot, Demare, Blanca de la Fuente, Raquel Moreno y "El Che" Sareli, entre muchos otros.
Por supuesto que tendríamos que considerar en esta lista a los anteriormente consagrados: Emilio Tuero, barítono español radicado en México, el tenor Juan Arvizu, que fue primer cantante de tangos, el tenor Alfonso Ortiz Tirado, con su gran recreación del tango "Clavel del aire", el popular Tito Guizar, Fernando Fernández, luego director de cine y gran amigo de Discépolo, "Los gauchos de los ponchos verdes" y el famoso bolerista Pedro Vargas, quienes además tuvieron la osadía de llevar al mundo, un repertorio con tangos compuestos por autores mexicanos como el inspiradísimo Agustín Lara con su tango "Arráncame la vida" o Belisario de Jesús García, creador de "Tango negro".
Belisario de Jsús García
Nos relata Sereli que: «en esa época, procedentes de Argentina, llegaban artistas de todas categorías y diferentes cualidades histriónicas; por ejemplo, actores, cantores, cancionistas, declamadores, poetas, compositores, autores, cómicos, bailarines, coreógrafos, escritores y directores de cine».
La estrella argentina Libertad Lamarque conoció a Pedro Vargas y a Ortiz Tirado en el ambiente de radio de Buenos Aires, iniciándose una amistad que luego se acrecentaría con su llegada a México. El éxito que tuvo la cantante argentina fue contundente, no tenía competencia en el país azteca donde había muy pocas cancionistas de tango. Su extraordinaria repercusión popular la transformó en una diva, no sólo de la canción, también de la cinematografía y, a partir de la repercusión de sus películas, sus admiradores la distinguieron con la frase: "La novia de América".
Antes que ella en 1938, había estado la bella Mercedes Simone que fue la primera artista extranjera contratada por el mítico local nocturno "El patio", propiedad del empresario Vicente Miranda. En 1932 estuvo el famoso Trío Argentino integrado por Irusta, Fugazot y Demare, aunque este último no viajó y en su reemplazo lo hizo Rafael Iriarte.
Otros que llegaron entre 1937 y 1945, fueron: Azucena Maizani, Agustín Irusta, Alberto Gómez, el dueto Llamas-Barroso, que hacían tango, folclore y humor, Rosita Quintana y el gran Hugo del Carril. También triunfaron en sus escenarios: Ignacio Corsini, Charlo, Ángel Vargas y Amanda Ledesma "El angel rubio del tango", quien tuvo una breve pero interesante carrera artística en el cine azteca.
Agustín Lara
Agustín Lara, sin duda el máximo autor popular que tuvo México, tampoco pudo evitar la influencia de la música ciudadana en su obra. Compuso varios tangos, la mayoría de ellos fueron grabados por Libertad Lamarque y entre los que sobresalen "Arráncame la vida", posiblemente el más conocido, "Carita de cielo", "Mentira", "Reproche", " No tengo la culpa", "Canalla", "El cofre", "Lejos", "Adiós", "Como te extraño", "Consejo", "Lo de siempre", todos de gran calidad y difusión.
El eximio creador de tantos boleros y canciones inolvidables como "Granada" o "María bonita", nació en la ciudad de México el 30 de octubre de 1896 y falleció el 6 de noviembre de 1970. Fuente: Jesús Orosco en Todotango www.todotango.com
lunes, 21 de diciembre de 2009
Claudio Baglioni
Claudio Baglioni (Roma, 16 de mayo de 1951) es un músico, compositor y cantante italiano.
Con 4 años ya actuó en público cantando de pie sobre la silla de un bar el tema "Una casita en Canadá". Su carrera artística prosiguió en 1964 cuando tenía apenas 13 años con su participación en un concurso en su barrio de Roma, Centocelle, cantando Ogni volta de Paul Anka. En 1967 escribe su primera canción, Annabelle Lee, inspirada en la poesía homónima de Edgar Allan Poe.
En 1969 firma su primer contrato con la casa discográfica RCA, lanzando su primer álbum en 1970. Dos años después, interpreta algunas canciones para la banda sonora de la película Fratello sole, sorella luna (Hermano Sol, Hermana Luna) de Franco Zeffirelli.
En 1972, lanza el álbum Questo piccolo grande amore que lo consagra e identifica para siempre como uno de los mayores cantautores románticos de Italia.
El 4 de agosto de 1973 se casa con Paola Massari y ese mismo año lanza su cuarto álbum, Gira che ti rigira amore bello, que obtiene tanto éxito como el anterior.
Es en 1974 cuando se confirma su consagración como músico y cantante. Es el año del álbum "E tu...", con arreglos musicales de un aún desconocido Vangelis, y grabado íntegramente en París. Son curiosas algunas anécdotas de la pareja musical Baglioni-Vangelis durante la grabación de aquel álbum.
Durante toda la década de los 70's, Claudio Baglioni da conciertos en toda Europa, América, mientras que en Italia sus álbumes baten records absolutos, alcanzando millones de copias vendidas.
Después de tres años de silencio, en 1981 lanza el álbum Strada facendo, que supera más de un millón de copias vendidas. De su unión con Paola Massari, en 1982 nace su hijo Giovanni a quien dedica la canción Avrai, grabada en el estudio de Paul McCartney en Londres.
En 1985 lanza el álbum La vita è adesso, que vende um millón y medio de copias, nuevo récord de ventas, permaneciendo en las listas de éxitos por casi 2 años.
Después de un tiempo de silencio en su carrera musical, Claudio compone y graba el doble álbum autobiográfico Oltre, publicado en 1990. Este trabajo es el más valorado por muchos de sus seguidores y por el mismo Claudio según afirmó en una entrevista en el 2005
Más tarde, en 1995, lanzó el álbum Io sono qui. Éste es uno de los trabajos más ricos y variados de Claudio ya que todo el disco en conjunto es una rapsodia en el que se pueden encontrar canciones lentas y tristes, estilos de Rock, Jazz, Blues. Esta hecho a modo de film, con distintas partes narradas (tiempos) que acompañan a las canciones. En España se publicó en 1996 una versión "mutilada" (sin esas partes cinematográficas) de este disco.
En 1998 el cantautor romano compone Da me a te, el himno de la selección italiana de fútbol para el Mundial de Francia. Así reafirma su fama como compositor y hace el gran concierto del "Allo Stadio" en el Estadio Olímpico de Roma ese mismo año para presentar el single. A pesar del gran impacto y de la espectacularidad de los efectos sonoros, coreografías y diseños, el concierto recibe varias críticas por la mala acústica.
domingo, 20 de diciembre de 2009
Laura Canoura
Sus comienzos artísticos pueden ubicarse hacia 1978 al finalizar sus estudios teatrales en la escuela de los actores Roberto Fontana y Nelly Goitiño. Poco después, su participación en el Conservatorio del Núcleo de Estudios Musicales le vale el acercarse a varios músicos junto a los cuales integraría al año siguiente el grupo Rumbo
Desde principios de 1979 comienza su vinculo con los músicos Mauricio Ubal, Gonzalo Moreira, Gustavo Ripa, Miguel López y Carlos Vicente lo que produciría a la postre la fundación del grupo Rumbo. Brindan su primerrecital en el Teatro Astral en junio de 1979.[4]
Su primer larga duración, titulado “Para abrir la noche”, fue editado por el sello Ayuí / Tacuabé en 1980. En años siguientes editaron los otros dos álbumes que conformaron su discografía: "Sosteniendo la pared" en 1982 y "Otro tiempo" en 1985 y brindaron conciertos por muchos puntos de Uruguay, actuando también en varias oportunidades en Buenos Aires.
En el transcurso de 1984 y paralelamente a su trayectoria en Rumbo, Canoura comienza la preparación de un disco solista, el cual contó con la producción artística de Jaime Roos y el apoyo musical del grupo Repique, que estaba integrado además por Andrés Recagno, Alberto Magnone, Gustavo Etchenique y Carlos "Boca" Ferreira.[5] Este trabajo se concreta al año siguiente con la edición de su primer obra solista la cual llevó por título "Esa tristeza
En los ocho años de existencia del grupo, fue objeto de censura por parte de la dictadura cívico-militar uruguaya que se materializó en suspensión de conciertos,[4] o eliminación de parte de los créditos de su primer fonograma, debido a la prohibición que pesaba sobre los autores Mario Benedetti, Adela Gleijer y Diana Reches.[6]
Hacia 1987 Rumbo se separa, dando comienzo a las prolíficas trayectorias personales de Ubal y Canoura. A mediados de ese año y en el transcurso del siguiente, Canoura retoma su actividad artística, presentándose junto a Esteban Klísich y Mauricio Ubal en dos ciclos de espectáculos en Montevideo que lograron una gran respuesta del público.
A fines de 1988 comienza las presentaciones del espectáculo "Las tres" junto a Estela Magnone y Mariana Ingold (la cual dejaría su lugar poco tiempo después a Flavia Ripa). El mismo consistía era un espectáculo que brindaban estas artistas en La Barraca, haciendo cada una su propio repertorio acompañado por las restantes y otros tres músicos.[7] El disco de dicho espectáculo se editaría al año siguiente, logrando un nivel de ventas que les valió obtener el Disco de Oro.
Luego del éxito de este espectáculo, Canoura decide conformar su propia banda y hacer un relanzamiento de su disco "Esa tristeza", el cual, por falta de fechas libres del grupo Repique, nunca pudo presentarse en vivo.
Es así como en el correr de los años 1990 y 1991, la artista brinda exitosas presentaciones de este disco en varios puntos del Uruguay, entre las cuales se destacan varias actuaciones en el Teatro Solís de Montevideo. El disco llegó a ocupar los primeros lugares entre los álbumes más vendidos del país logrando sucesivamente el Disco de Oro y el Disco de Platino. De esta forma se convierte en la primera artista femenina en lograr estos reconocimientos
Culminando 1991 edita su segundo disco solista, titulado "Puedes oírme" producido también por Jaime Roos.[8] Además de este músico, Canoura recibe el apoyo instrumental de Estela Magnone, Hugo Fattoruso, Bernardo Aguerre, Jorge Nocetti, Andres Recagno y Nelson Cedrez.[9] Este álbum, editado en vinilo y casete, fue poco después lanzado en formato cd en una obra que incluyó asimismo su primer disco solista y con el cual alcanzo el "Compacto de Oro".
El año siguiente comienza con la artista representando a Uruguay en la Expo Sevilla'92 con el video del tema "Detrás del miedo", realizado como apoyo al corte de difusión de su anterior larga duración. A mediados de ese año participa en representación de Uruguay en el programa ¡Y Vero América va!, de la actriz y cantante mexicana Verónica Castro.
En marzo de 1993, en el marco del "Festival de Cine de la ciudad de Montevideo", el videoclip del tema "Todo lo que quiero" es galardonado con el primer premio. Otro videoclip que tuvo importantes repercusiones fue "Nada vale más" del álbum editado el año anterior "Las cosas que aprendí en los discos", por el cual fue invitada a participar en la programación internacional de MTV. En junio brinda una presentación en el Memorial da America Latina en San Pablo, y a fines de ese año es galardonada con el Premio Fabini como mejor cantante popular en el Teatro Solís
Junto a Hugo Fattoruso presenta el espectáculo “Locas pasiones” en el teatro Solís, el cual fue grabado en vivo y editado en CD. Esta obra constó de un repertorio de boleros y tangos, lo que representó el primer acercamiento de la artista a este último género.
Posteriormente recibe una nueva invitación para representar a Uruguay, esta vez en el Festival OTI de la Canción llevado a cabo en Valencia
Culminando el año 1994 realizó un ciclo de recitales en compañía de la Banda Sinfónica de la Ciudad de Montevideo. En este marco, el director de la Compañía Teatral Italia Fausta, Omar Varela, le ofrece el papel protagónico interpretando a la artista francesa Edith Piaf en una obra músico/teatral basada en el libo de la autora inglesa Pam Gems.
Con buena repercusión de público y crítica, la obra se mantiene en cartel en una extensa temporada durante el año siguiente. Finalizada la misma se produce el lanzamiento del álbum "Piaf" con las versiones interpretadas por Canoura en la obra. Asimismo, bajo la dirección de Walter "Cacho" Bagnasco, se produce la adaptación televisiva de la obra, lo que significa el debut en la pantalla chica de la artista. Esta participación le vale recibir al año siguiente, el premio Iris de Plata otorgado por el diario montevideano El País.
Interior
En el correr de 1996 se concentró totalmente en la grabación del disco “Interior”, para lo cual convocó a otros importantes artistas uruguayos, algunos de los cuales habían compartido proyectos anteriores. Entre este equipo de arregladores, músicos y compositores se encontraron Alberto Magnone, Hugo Fattoruso, Bernardo Aguerre, Hugo Jasa y Esteban Klísich. Este trabajo constituyó su presentación en el medio artístico como compositora, en el que además versionó a Alfredo Zitarrosa y Santiago Chalar. Luego de las actuaciones referidas a este material, recibe la convocatoria del Director de la Orquesta Filarmónica de Montevideo, Federico García Vigil, para participar en una nueva edición del espectáculo “’’Galas de Tango’’”. El mismo reúne a los instrumentos de cuerda de esta orquesta, junto a piano, guitarra, bandoneones, cantantes y bailarines.Junto a la Filarmónica, han actuado otros cantantes como Gustavo Nocetti, Susana Rinaldi, Daniel Cortés, Eladia Blazquez, Darío Solari y Miguel Angel Maidana.[12] En esta ocasión, junto a Canoura, se presentó en una gira por Brasil, pasando por las ciudades de Porto Alegre, Río de Janeiro y San Pablo.
Pasajeros permanentes
A fines de 1998 tiene lugar la producción para la compañía Warner Music, su primer trabajo a nivel internacional, titulado "Pasajeros permanentes". El mismo fue grabado en Santiago de Chile contando con la participación de músicos de ese país y uruguayos.
Con esta obra, presentada en los principales teatros de la capital uruguaya y por el sur de Chile, la artista alcanza los primeros lugares de difusión radial en ese país y un nuevo Disco de Oro en Uruguay.
Por esta época también participa del álbum colectivo de homenaje a Pablo Neruda “Marinero en tierra”, junto a los músicos Alejandro Sanz, Milton Nascimento, Joaquín Sabina, Andrés Calamaro y Eduardo Darnauchans, entre muchos otros. También participa de los discos de las series televisivas "Cerro Alegre" y "Sabor a tí", con las canciones "Al sur de tu corazón" y "Detrás del miedo" respectivamente.
Esencia
Su siguiente espectáculo, llamado "Esencia", fue presentado en la Sala Zitarrosa de Montevideo en setiembre del 2000. El repertorio del mismo estuvo integrado por versiones de distintas influencias artísticas que la artista recibió durante su formación, como Los Beatles, Paul Simon, Carlos Gardel, Alfredo Zitarrosa, Jacques Brel, Antonio Carlos Jobim y Daniel Viglietti. En octubre presenta este espectáculo en La Trastienda de Buenos Aires y al año siguiente se embarca en una extensa gira que abarcó 23 ciudades uruguayas, Argentina y Chile, finalizando con una participación del ciclo "Latinas en Vivo" en Santiago de Chile.
Mujeres como yo
El lanzamiento de su noveno álbum solista, titulado "Mujeres como yo" tuvo lugar en noviembre de ese año. Este disco, considerado intimista y femenino, recoge su mirada como compositora de sus afectos más cercanos, recorriendo una gama de ritmos como el blues, el jazz, flamenco y candombe. Cabe agregar que esta obra tuvo una edición especial para el mercado español en la cual se incluyeron como bonus tracks los temas "Al sur de tu corazón" y "Para hacerte sentir mi amor".
A comienzos del año 2002 recibió la convocatoria para participar como jurado folclórico en el XLIII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, que tuvo lugar entre los días 20 y 25 de febrero de ese año.[18] Más tarde ese año tiene la oportunidad de actuar junto a la Filarmónica de la Ciudad de Montevideo en un nuevo espectáculo de "Galas de Tango". Esta participación la lleva en esta ocasión a brindar espectáculos en Egipto, recorriendo las ciudades de El Cairo y Alejandría.
Posteriormente comienza el que definió como "el espectáculo más importante de su carrera como intérprete", llamado "Bolero, una noche de gala". En el mismo interpretó distintas composiciones latinoamericanas de este género musical, entre las que se contaron clásicos como "Contigo aprendí" de Armando Manzanero, "Solamente una vez" de Agustín Lara o "Arráncame la vida" de Chico Novarro.
Con este trabajo realiza una extensa gira por distintas localidades de Uruguay que contó con el apoyo de "República Afap". Hacia finales del año, tiene lugar el lanzamiento del disco "Bolero", que registró el repertorio elegido para las presentaciones de este trabajo, las cuales la llevaron nuevamente a recorrer todo el territorio uruguayo, y con el cual obtiene nuevamente el "Disco de Oro".
Su trayectoria como interprete posibilitó que en enero del 2003, recibiera la convocatoria de Armando Manzanero, para conformar junto a otros artistas un álbum colectivo integrado por boleros escritos y arreglados por este músico. El mismo, titulado "Entre dos", contó con la participación Alejandro Sanz, Cristian Castro, Miguel Bosé, José Alfredo Fuentes y Olga Tañón, entre otros.
En una tercera convocatoria para participar del espectáculo “Galas de Tango”, la artista recorre distintos escenarios de Santiago de Chile, presentándose ante un publico estimado de 20.000 personas. Posteriormente se presenta en compañía de Jorge Nocetti en Barcelona y Madrid.
En el año 2004 la artista cumple 25 años de trayectoria artística y es galardonada con los premios "Mujer del año" seleccionada entre 34 mujeres uruguayas de distintos ámbitos, y "Mujer del año" en el rubro musical.
Posteriormente emprende una nueva gira por Uruguay y Argentina, en la cual se presenta con su nuevo espectáculo "Veinticinco" en Rosario, La Plata y Buenos Aires. El repertorio del mismo estuvo integrado por canciones editadas por la cantante desde los inicios de su carrera. Dicha temática fue la elegida para conformar el álbum antológico doble editado con posterioridad.
En diciembre brinda un espectáculo titulado “Sin red” en el Teatro Solís cuyos fondos fueron destinados para el Hospital de Tacuarembó. En el mismo contó con la compañía del pianista argentino Adrián Iaies, con quien ya había realizado algunas presentaciones en el año 2002 en Montevideo y Punta del Este. Finalizando el año, cierra la gira de “Veinticinco” en el Teatro de Verano de Montevideo.
Laura Canoura y Sebastián Larrosa brindando un recital en el Teatro Solís de Montevideo.El 1 de marzo, en el marco de la asunción de mando del Dr. Tabaré Vázquez a la Presidencia de la República, se presenta ante un numeroso publico, como invitada en el espectáculo “Galas de Tango” de la Orquesta Filarmónica de Montevideo brindado en la explanada del Palacio Legislativo.
Mas tarde ese año viaja a Chile para presentarse una vez mas en su capital, esta vez en compañía de Jorge Nocetti. Junto a este músico y Sebastián Larrosa graba en vivo el disco “Esencia / Dos”, pensado como el sucesor del disco "Esencia" editado años atras. Luego emprende una nueva gira europea en la cual se presenta en Suecia y España en 8 oportunidades.
Al año siguiente representa a Uruguay en la asunción presidencial de Michelle Bachelet. Posteriormente comienza las presentaciones del espectáculo "Esencia / Dos" por territorio uruguayo, la cual se extiende desde mayo hasta julio de 2006, culminando con una actuación en el Teatro Solís.
En el correr del año 2007 recibe varios reconocimientos a su trayectoria, entre los que se encontraron el nombramiento de Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Montevideo por parte de su Intendente Ricardo Ehrlich, y el premio "Montevideanas" entregado por primera vez por la Comisión de Género y Equidad de la Junta Departamental de Montevideo.
Luego de realizar una nueva gira por España en compañía de Jorge Nocetti, edita bajo la producción de Alfonso Carbone, su último disco titulado "Canoura canta el tango", en el cual recibe el acompañamiento de destacados músicos de este género.En el repertorio del mismo se pueden encontrar populares tangos compuestos por Manzi, Discepolo y Gardel, así como el tema “Los hijos de Gardel”, con letra de Canoura y música de Alberto Magnone.
Luego de la edición de este disco, la artista ha asegurado que su próximo lanzamiento discográfico estará compuesta íntegramente por temas de su autoría Fuente Wikipedia
Hugo Fattoruso
Hugo Fattoruso (n. 29 de junio de 1943 en Montevideo, Uruguay) Compositor, arreglador, multiinstrumentista y vocalista, es un músico fundamental dentro de la música uruguaya. Además de desarrollar una intensa carrera solista, ha tocado en diversos formatos: Los Shakers, Opa, Grupo del Cuareim, Los Pusilánimes, Trío Fattoruso, por solo citar ejemplos. Colaboró con artistas de la talla de Chico Buarque de Holanda, Milton Nascimento, Jaime Roos, Ruben Rada y Djavan.
Hugo Fattoruso comenzó a actuar profesionalmente a los doce años, tocando como acordeonista y pianista en el Trío Fattoruso, junto a su padre, Antonio Fattoruso y su hermano Osvaldo. En 1959 integró, con su hermano la banda de swing The Hot Blowers.
En la década del 60 formó una mítica banda de rock, Los Shakers, que difundió el rock de influencia británica en América Latina, influyendo a su vez, en la aparición del llamado rock nacional a partir de 1967. La banda estaba integrada por él mismo en voz y guitarra, su hermano Osvaldo Fattoruso, también en voz y guitarra, Roberto Capobianco " Pelín " como bajista y Carlos Villa " Caio " en batería.
En 1969 se radicó en los Estados Unidos, formando el grupo Opa, junto a su hermano Osvaldo y Ringo Thielmann. El grupo fue uno de los primeros en fusionar el rock, el jazz y ritmos latinoamericanos, en este caso el candombe, así como ritmos cubanos y brasileños.
Luego de vivir varios años en Estados Unidos, se radicó en Brasil, trabajando principalmente con Milton Nascimento, y otros artistas como Djavan, Geraldo Azevedo, Chico Buarque, Naná Vasconcelos y Toninho Horta. Grabó varios álbumes con Milton Nascimento, entre ellos "Nascimento", ganador en 1997 del Premio Grammy. En 2000, los hermanos Hugo y Osvaldo recrearon su inicial Trío Fattoruso, ahora con Francisco Fattoruso, su hijo, como bajista.
Compositor, arreglador, multiinstrumentista y vocalista, es un músico fundamental dentro de la música uruguaya. Además de desarrollar una intensa carrera solista, ha tocado en diversos formatos: Los Shakers, Opa, Grupo del Cuareim, Los Pusilánimes, Trío Fattoruso, por solo citar ejemplos. Colaboró con artistas de la talla de Chico Buarque de Holanda, Milton Nascimento, Jaime Roos, Ruben Rada y Djavan.
Su pasión por el candombe lo llevó a formar el grupo Rey Tambor, que completan Diego Paredes en Tambor Piano, Fernandito Núñez en Tambor Chico y Nicolás Peluffo en Tambor Repique. Hugo interpreta en teclado un repertorio conformado a base de clásicos del género de distintos autores uruguayos, composiciones propias y versiones de canciones conocidas llevadas a este ritmo. Hasta el momento el grupo editó dos discos : "Palo y Mano" (Tonos Records) y "Emotivo" (Los Años Luz).
La trayectoria profesional de Hugo Fattoruso es difícil de contar pero fácil de deducir dada la variedad de músicos con quienes compartió escenarios y/o grabaciones, entre ellos: Eduardo Mateo , Jorge Graf , Jaime Roos , Ruben Rada , Laura Canoura , Toto Méndez, Larbanois-Carrero , Pitufo Lombardo , La Tríada , Chico Buarque de Holanda , Milton Nascimento , Djavan , Fafá de Belém , Miucha , María Betanha , Arismar do Espirito Santo , Toninho Horta , Joao Bosco , Hermeto Pascoal , Geraldo Azevedo , Naná Vasconcelos , Airto Moreira , Flora Purim , Abraham Laboriel , Manolo Badrena , Hiram Bullock ,Vernon Reid , Don Cherry , Giovanni Hidalgo , Ron Carter , Litto Nebbia , Fito Páez , Liliana Herrero , Luis Salinas , Adriana Varela , Takamasa Segi y Yahiro Tomohiro.
Acaba de publicar un nuevo material discográfico de piano solo, el sucesor de "Ciencia Fictiona", que lleva por título "Café y Bar: Ciencia Fictiona". El mismo fue grabado en Buenos Aires, en el estudio de Lito Vitale.
En 2008 Hugo volvió a Japón para realizar una gira de dos meses, primero con el Trío Fattoruso (ocho recitales en seis ciudades: Komatsu, Sendai, Tokyo, Kyoto, Nagoya y Yokohama) y luego a dúo con el percusionista japonés Yahiro Tomohiro, junto a quien grabó el CD "Dos Orientales" en 2007, material que se puso a la venta el 7 de julio del corriente en el país nipón. En este viaje, Fattoruso también colaboró (compuso piezas instrumentales y tocó en vivo) con un prestigioso grupo de cuerdas que lidera la violinista Aska Kaneko. En noviembre del mismo año, Hugo volvió a Japón para representar a Uruguay en el evento "La noche del Mercosur" que tuvo lugar en el Tokyo Opera City Theater, donde actuó acompañado por el coro de niños Shinjuku-ku Shonen Shojo Gasshodan de Shinjuku. Fuente Wikipedia
sábado, 19 de diciembre de 2009
Elaine Paige
Elaine Paige OBE (n. Elaine Bickerstaff el 5 de marzo de 1948 en Barnet, Hertfordshire, Inglaterra) es una cantante y actriz inglesa principalmente de obras musicales.
Paige inició su carrera profesional en el Reino Unido en el musical The Roar of the Greasepaint—the Smell of the Crowd en 1964. Debutó en el West End de Londres con Hair y continuó con su participación en Jesucristo Superstar, Nuts, Grease, y Billy.
En 1978 Hal Prince le ofreció el papel de Evita en el musical de Tim Rice y Andrew Lloyd Webber cuando aún era una figura poco conocida. Su actuación la catapultó a la fama recibiendo el Premio de la Asociación del West End (Society of West End Theatre) a la mejor actriz y el Premio Variety Club (Variety Club) como la Personalidad del Espectáculo más Destacada del Año. A pesar de desempeñar el papel principal, Paige estuvo ubicada en los créditos de la obra detrás de David Essex que era el Che Guevara y Joss Ackland como Juan Peron.
Paige encarnó algunos de los personajes femeninos más destacados de Lloyd Webber como Grizabella en Cats. Su interpretación de la canción "Recuerdo" ("Memory") en ese espectáculo es la pieza con la que se le identifica.
En 1986 apareció como Florence en Ajedrez (Chess) con letra de Tim Rice y música de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, antes ABBA). Por este trabajo fue nominada para el Premio Laurence Olivier (Laurence Olivier Award) en la categoría Interpretación Extraordinaria de una Actriz en un Musical. En 1989 interpretó también Anything Goes de Cole Porter que coprodujo con Tim Rice. En 1993 interpretó a Édith Piaf en la obra musical Piaf de Pam Gems y entonces en 1994, Paige realizó el papel de Norma Desmond en Sunset Boulevard también de Lloyd Webber.
En 2000 encabezó el elenco en El rey y Yo (The King and I) de Richard Rodgers and Oscar Hammerstein II, donde el Rey fue interpretado por Jason Scott Lee. En 2004 cantó en el papel de Mrs. Lovett en la Opera de New York (New York City Opera) producción de Stephen Sondheim.
En 2006 Paige grabó el álbum "Essential Musicals" basado en canciones populares.
Paige no tiene marido ni hijos[1], aunque tuvo un affaire durante 11 años con el letrista Tim Rice durante los ochenta[2]. Ha confesado que quería tener hijos, pero "ahora tengo una vida maravillosa y me siento realizada de otras formas".[3]
En 1995, Paige fue premiada con la Orden del Imperio Británico (Order of the British Empire) por la Reina de Inglaterra por sus contribuciones al teatro musical.
Paige patrocina varias campañas como la Campaña contra el Cáncer de Pecho y Contra el Lupus habiendo sido tratada de cáncer de pecho en los años 90 y diagnósticada de sufrir lupus. Fuente Wikipedia
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