sábado, 6 de diciembre de 2008

Michael Bolton Biografia

Michael BoltonMichael Bolton

Michael BoltonMichael Bolton


Michael Bolton (Michael Bolotin, New Haven, Connecticut, 26 de febrero de 1953) es un cantante y compositor Estadounidense encontró su gran éxito a mediados de los ochenta, y a inicios de los noventa por sus participaciones como artista de soft-rock y baladas pero también como Tenor
Sus logros incluyen la venta de 53 millones de álbumes, ocho álbumes en Top Ten, dos sencillos en numero uno de las listas de Billboard y premios como el Grammy Awards.
Nace en el seno de una familia judia de origen ruso es el menor de 3 hermanos
Desde pequeño demostró su talento musical, es así como Michael Bolton recibió su primer contrato con una compañía de discos a la temprana edad de 15 años.

Bolton es el padre de tres hijas (Isa, Holly y Taryn) nacidas durante su unión con Maureen McGuire1 la cual duro de 1975 a 1990
Es fundador y entrenador del equipo de Soft ball The Boltons
En 1975 lanza su álbum debut “Michael Bolotin”. Un año más tarde, “Everyday of My Life” sale a la luz.

A principios de 1983 acorta su nombre por motivos comerciales a “Michael Bolton” y lanza un álbum homónimo después de obtener su primer éxito como compositor, co-escribiendo el tema "How Am I Supposed To Live Without You" para la cantante Laura Branigan. Esta tema casi llegó a ubicarse en el Top 10 de las radios estadounidenses, y logró mantenerse en los charts durante 3 semanas. Gracias al éxito obtenido deciden volver a trabajar juntos, esta vez con el tema "I Found Someone" en 1985. Esta canción no pudo alcanzar la popularidad del anterior, pero dos años más tarde, la conocida cantante Cher la llevó a convertirse en un hit. A partir de este momento, Michael trabaja para las dos cantantes paralelamente. Pero su popularidad se dio cuando comenzó a co-escribir con cantautores de la talla de BabyFace, Diane Warren, y Bob Dylan. También escribió canciones para Barbra Streisand, KISS, Kenny Rogers, Kenny G, Peabo Bryson y Patti LaBelle.

Como cantante se ha presentado con famosos cantantes de todos lo estilos como Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Renee Fleming, Zucchero, Patti LaBelle, Celine Dion, Ray Charles, Percy Sledge, Wynonna Judd, y BB King.

En 1985 “Everybody's Crazy” sale al mercado. Dos años después, el disco “ The Hunger” es presentado, y prosigue con “Soul Provider” que en 1989 le supone por fin un gran éxito comercial en todo el mundo.

Inicia la década de los noventa con el lanzamiento de “Time, Love & Tenderness” (1991); posteriormente sale a la venta “Timeless: the Classics” ; y en 1993 realiza dos nuevos discos: “The One Thing” y “The Artistry of Michael Bolotin”.

En 1995 aparece un disco recopilatorio de grandes éxitos: “Greatest Hits (1985-1995)". Un año más tarde nace un disco navideño, “This Is The Time: The Christmas Album”.

En 1997 graba “All That Matters” y en 1998 “My Secret Passion”. Finaliza la década con el lanzamiento del disco “Timeless: The Classics, Vol. 2” (1999).

A partir del 2002 ha producido 4 discos hasta el momento: “Only A Woman Like You” en 2002, “Vintage " en el 2003, “'Til The End Of Forever” en el 2005 y “Bolton Swings Sinatra” en el 2006.Fuente Wikipedia

viernes, 5 de diciembre de 2008

Juan Cedron

Juan CedronJuan Cedron

Juan CedronJuan Cedron


Entrevista a Juan Cedron: Hace casi dos años volvió a Buenos Aires luego de tres décadas de estada en Francia. Volvió para quedarse. El barrio pudo más. Por eso, Juan "el Tata" Cedrón es un repatriado. Y no sólo por el retorno físico al pago, sino también por lo artístico.

Por un lado, su estilo tanguero es inimitable, aunque su presenciase puede notar a modo de influencia o de admiración en el trabajo de músicos mucho más jóvenes. Por otro, Cedrón anda con varias actividades. Semanas atrás estrenó "Orejitas perfumadas", una obra en homenaje a Roberto Arlt, con dirección de Roberto Saiz y canciones con textos de Mario Paoletti y músicas interpretadas por el Cuarteto Cedrón. Además, este guitarrista y cantor tiene ganas de dar clases de música, de volver a Francia (sólo para una gira de conciertos que dará a partir de octubre) y de estrenar su nuevo disco, "Frisón, frisón", compuesto por poesía inédita de Homero Manzi y música propia.

De "Orejitas perfumadas", que se presentó en el Teatro Presidente Alvear, dice: "Lo nuestro no es una cosa pretenciosa, sino un homenaje verdadero. Leí a Arlt toda mi vida. Me identifico con su literatura, con su lenguaje, con los planteos que hace y las angustias que pinta, con la visión que tiene de Buenos Aires y la cosa agresiva. Somos de una generación fuerte; al menos, cuando éramos jóvenes tuvimos una visión fuerte de la realidad". Todo lo porteño nunca dejó de estar en la vida de Cedrón a pesar de la distancia. "No me quedó acento, la ere [francesa] -dice- , y mis hijos hablan perfectamente el castellano, aunque se criaron allá. Yo tengo un lenguaje de los sesenta y los setenta. Recién ahora me estoy acostumbrando un poquito. Pero todavía tengo giros de esos años."

El músico repara en estos detalles porque es un apasionado de la palabra y el sonido. Luego cuenta que volvió a la Argentina en 1984, con el retorno de la democracia, para tocar con su cuarteto. Dio un par de recitales, que define como "memorables", en Obras Sanitarias y desde entonces volvió cada año, pero sólo para tocar. "Intenté quedarme un par de veces. Lo hablamos con quien entonces era mi mujer, Margarita. Pero fue para los años de los alzamientos militares de Rico y de Seineldín. Después de eso me dijeron: «Si querés, volvé solo»."

La siguiente oportunidad para el regreso recién fue en 2004, atraído por ciertos fantasmas de Boedo. Hace dos años que está instalado en una casa de la calle Colombres, con su actual esposa, Antonia, y una hija de 8 meses, Azul.

"Después de 30 años en Francia algunos preguntaron: «¿Por qué volvés?». Y yo me pregunto por qué me fui; por qué me tuve que ir. Ahora siento que en mi entorno hay un buen clima. La gente está muy creativa, positiva, tirando para adelante sin hacerse el coco con triunfalismos. Por eso me siento bien en la Argentina. Si hay algún dolor es porque pasé 30 años afuera, aunque la pasé muy bien. Allá me respetan, me quieren. Tengo que agradecer al pueblo francés, que me permitió trabajar, comer, crear y grabar. Fue una estadía enriquecedora."

Allá quedaron sus hijos mayores, Román, de 42 años, contrabajista y luthier, y Emilio, violinista (ambos tocaron en el Cuarteto Cedrón durante algunos años). "Decidieron no seguir para hacer sus cosas", dice. Y acá está el "Tata", que observa los títulos del disco de Manzi mientras Antonia juega con Azul en otra habitación. "Estoy feliz. Me siento bien. Tengo posibilidades de trabajar. Hice una gira por el país. Estuve presentándome con Suma Paz. Ahora estamos haciendo lo de Arlt y pronto saldrá el disco."

Las letras inéditas de Homero Manzi llegaron a su guitarra de manos de Acho (el hijo de Homero), que es muy amigo de Cedrón. "De hecho, yo hice un disco con poemas de él [de Acho]. El primer poema que me dio fue «Padre». Acho también me hizo pata cuando vine a vivir acá. Caminando por Boedo salieron los fantasmas del pasaje San Ignacio, de la avenida San Juan, de las calles Boedo, Agrelo y México. Aunque ahora hay mucho tráfico, las casas, en un 80 por ciento, siguen siendo las mismas. Hay un clima Manzi, Cátulo Castillo, Maffia, Piana... toda esa gente que uno quiere y que fue importante para mí y para Acho. Y un día Acho sacó un poema [de Homero]: «Palabras sin importancia»."

El resto de los títulos del CD llegó poco después, en 2004, tiempo en que el cantor viajó a Europa para festejar en Francia los 40 años del Cuarteto Cedrón. Ahí, durante una gira, comenzó a revisar los poemas de Manzi y, entusiasmado, llegó a musicalizar dos en un solo día. "Después comencé a pulirlos", aclara.

En las letras, la palabra frisón se repite varias veces, de ahí el nombre elegido para el CD. "Un corralón de barracas" es el tema donde Manzi y Cátulo Castillo más hablan de esos caballos de Frisia, de cascos grandes y mucha fuerza. "Qué siempre fue tu vivir, arena. Un tirón y otro tirón."

De este álbum, "Palabras sin importancia" es el único que no está fechado. El resto del repertorio fue escrito entre 1934 y 1945. "Pienso que es importante que se hagan este tipo de cosas en este momento. Es creación de belleza y no tiene por qué ser actual", aclara Cedrón.

Además, el músico proyecta un espectáculo para 2007, año del centenario del nacimiento de Manzi. "Me gustaría que fuera dedicado a su vida. Su niñez de campo, su adolescencia en Pompeya, su participación en el yrigoyenismo, la fundación de FORJA y su participación en el peronismo sin ser peronista." Piensa en un espectáculo sencillo para que también se pueda trasladar, a modo de clínicas, a los colegios.

Todo esto lleva la charla con LA NACION a la actualidad de la música. Entonces Cedrón cuenta: "Hubo un desastre cultural durante más de treinta o cuarenta años. Yo pude mamar lo que hicieron Pugliese, Troilo o Di Sarli. Lo llevo en el alma. No preciso tocar lo que hicieron ellos. Pero está bien que los chicos más jóvenes toquen eso para empezar. Aunque no hay que confundir esto con la avidez y el deseo de triunfar. Cuando en Estados Unidos triunfó el tango danza, todo el mundo se hizo bailarín para ganar dólares. Hay una leyenda mapuche que habla de cuando querían hacer el color azul del lapislázuli para crear el poncho de Calfucurá. Mezclaron un montón de cosas hasta que consiguieron el color. Pero después de cuatro generaciones se destiñó. La leyenda habla de lo genuino. De lo que no se puede imitar. Cuando algo no es genuino, se destiñe".
Fuente: Por Mauro Apicella De la Redacción de LA NACION Año 2006

Aubade - Lecons de Tango





Genero:Tango,new tango, tango electronico

MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 92.1 Mb/Total time: 59:17

Este CD fue grabado en los estudios para la linea de lencería Audabe.
Milán Records trae la gente chic de la línea lencería Aubade, la vida musical con una mezcla de tango tradicional, híbrido y new tango. Se realizo en una compilación de tango legendario compositores, artistas intérpretes o ejecutantes y remezclados.
Lecons de Tango rinde homenaje a la evolucion del tango sin fisuras con este viaje a uno de los mas sexy géneros musicales del mundo.
Tracks
01-Astor Piazolla-eletronic mix by Hi Perspective-El Tango
02-Orquesta El Arranque-Milongueo Del Ayer
03-Electronic remix by Campo-Mi Corazon
04-Roberto Goyeneche, Nestor Marconi-Ventanita Florida
05-Astor Piazolla-electronic mix by Hi Perspective-Libertango
06-Liliana Herrero, Nestor Marconi-El Viaje
07-Ensemble Paris Tango, Richard Galliano-Sensuel
08-Electronic mix by Campo-Naranjo En Flor
09-Horacio Salgan, Ubaldo de Lio-Comme Il Faut
10-Victoria Moran, Ensemble Vale tango-Tus Besos Fueron Mios
11-Orquesta El Arranque-Que Te Importa Que Te Llore
12-Electronic mix by Hi Perspective-Adios Nonino
13-Orquesta Escuela de Tango-Tanguero Del Rey
14-Marcello Mastroianni, Nicola Piovani-Caminito
15-Electronic mix by Koop-Vuelvo Al Sur
16-Astor Piazolla-Tango Tango
Bajar

jueves, 4 de diciembre de 2008

Adriana Varela

Adriana VarelaAdriana Varela

Adriana VarelaAdriana Varela
Adriana Varela y Roberto GoyenecheAdriana Varela y Roberto Goyeneche


Adriana Varela.Cancionista (9 de mayo de 1952)
Nombre real: Beatriz Adriana Lichinchi
Es en la actualidad la más rutilante estrella de la canción ciudadana, la más vendedora, la que más graba, la que más presencia tiene en los escenarios de Buenos Aires. También, la más discutida por los tangueros tradicionales, que consideran que habla en vez de cantar y que representa una mala imitación del "Polaco" Goyeneche de la última etapa.
En la vereda opuesta, provoca la admiración de muchos que no frecuentan el tango -especialmente aquellos que tienen entre 30 y 45 años- y que sin embargo, se sienten atraídos precisamente por su estilo, a lo que suman su atrayente figura y su sensual personalidad.

A mi entender, escapa al estereotipo del tango femenino surgido en los años 70 a partir de Susana Rinaldi.

¡Y esto no es poca cosa! si tenemos en cuenta que la gran mayoría de las cancionistas siguió ese estilo cortado, lento, sobreactuado, fusionado a la balada que era marca registrada de "La Tana". Que por supuesto ella hacía muy bien y fue original en su momento. Pero ese modo de cantar, trasladado a la infinidad de mujeres que surgieron posteriormente y lo tomaron como propio, resulta insoportable a mi oído.

Me parece que el de Adriana es un caso parecido al de Julio Sosa de los años 60, muy aceptado por aquellos no demasiado afines al tango como también por los jóvenes, pero poco valorizado por los iniciados en la música porteña.

Entiendo que ambos artistas, más allá de los gustos de cada uno y la valoración que se haga de ellos, contribuyen a la difusión del tango dentro de un espectro sociocultural generalmente esquivo a nuestra querida música.

Lo cierto es que hoy Adriana tiene un lugar privilegiado entre sus pares pese a haberse relacionado al tango tardiamente, ya mayorcita.

La conocí en sus primeras actuaciones profesionales a principios del 90, en el escenario de Café Homero junto a grandes figuras como Roberto Goyeneche, El "Paya" Díaz y el gran pianista Osvaldo Tarantino. Después la vi en televisión anunciada como la nueva estrella del tango, donde me enteré que había nacido en Avellaneda (ciudad lindante al sur con la ciudad de Buenos Aires).

En 1991 comienza su producción discográfica en el sello Melopea con una cassette titulada "Tangos", que entre otros temas tiene una lograda versión de "Muñeca brava". Dos años después graba un disco con nuevos temas, "Maquillaje", donde además incluye la producción anterior. En este compacto participan como artistas invitados el cantor Roberto Goyeneche y el pianista Virgilio Expósito. Por estos trabajos obtiene el "Premio ACE" por dos años consecutivos.

Entre 1991 y 1996, registra tres discos más, los dos primeros para Melopea, el otro para Nueva Dirección en la Cultura. El primero "Corazones perversos", con una muy buena toma del tango "Golondrinas" de Gardel y Le Pera. El segundo, "Tangos de lengue", totalmente integrado por temas escritos por Enrique Cadícamo. El tercero "Tango en vivo", que como su título lo indica fuera grabado en vivo en junio del 96, en el Teatro Coliseo de Buenos Aires.

En ese mismo año, actúa en un importante recital en los bosques de Palermo ante más de 50.000 asistentes, la acompañó el músico uruguayo Jaime Roos.

En 1997 viaja a Brasil para actuar con gran éxito en el Festival de Porto Alegre. Al año siguiente debuta en Uruguay en el Teatro Plaza donde la recibió una sala colmada, logrando superar con creces ese desafío tan importante ante un público conocedor y exigente.

En julio de 1998 conquista España. Allí realiza dos actuaciones al aire libre -en el marco del Festival GREC de Barcelona-, logrando un suceso de tal magnitud, que la gente se puso de pie para aplaudirla largo rato.

Pocos meses después comienza a grabar dos nuevos discos: "Cuando el río suena", con la dirección artística de Jaime Roos, donde incluye canciones "murgueras" y "Más tango" con la participación de grandes músicos que la acompañan en los diferentes temas. Entre ellos destaco al gran bandoneonista Leopoldo Federico y al guitarrista Juan José Domínguez. El autor de esta nota colaboró con la cantante, en la elección de los tangos de ambas producciones discográficas.

También intervino en 1991 en las películas "Al corazón" dirigida por Mario Sabato y luego en "Plata quemada" de Marcelo Piñeyro. Además el prestigioso director español Carlos Saura la eligió para abrir musicalmente su film "Tango".

Hoy sigue a plena marcha y con toda la potencia de su temperamento, luego de triunfar en las exigentes plazas de París y Madrid.

Son frecuentes sus actuaciones en el Teatro Ateneo de Buenos Aires y resulta evidente que a esta amiga mía, tan discutida como adorada, la vida le sonríe y yo me alegro por ello.

Fuente: Ricardo Garcia Blaya en Todotango. www.todotango.com.ar
Editado y compaginao por El tengo y sus invitados

lunes, 1 de diciembre de 2008

The Carpenters

The CarpentersThe Carpenters

The CarpentersThe Carpenters

The CarpentersThe Carpenters


Richard Carpenter (nacido el 15 de octubre de 1946) y Karen Carpenter (2 de marzo de 1950 – 4 de febrero de 1983) nacieron y crecieron en New Haven, Connecticut hasta 1963, cuando la familia Carpenter se mudó a Downey, California. Richard ha dicho en varias entrevistas que la familia se mudó a Downey para alejarse del clima frío de New Haven y acercarse al centro de la industría de música.

Desde niño, Richard mostraba interés en el piano. Tomaba clases de piano, pero su maestra le dijo que no tenía talento. Sin embargo, Carpenter practicó el piano cada día. Explicó en la canción "Piano Picker":

Sin embargo, Karen no mostraba interés en la música. A diferencia de Richard, Karen jugaba al sófbol con los vecinos de la familia Carpenter. Pero cuando la familia se mudó a Downey, Karen descubrió los tambores. Un año después de que se mudó, Richard y Karen formaron el «Richard Carpenter Trio» con un amigo de Richard llamado Wes Jacobs. En el Richard Carpenter Trio, Richard tocó el piano, Karen tocó los tambores, y Jacobs tocó la tuba y el contrabajo. Grabaciones del Richard Carpenter Trio todavía existen hoy, incluso de "Caravan" (la grabación mayor de Richard y Karen) y "Iced Tea". Compitieron en el «Battle of the Bands» (Batalla de las Bandas) en el Hollywood Bowl en 1966, y ganaron el premio gordo.

Poco tiempo después, el Richard Carpenter Trio se separó. Richard y Karen formaron la banda «Spectrum» en 1966, cuando Richard ya asistía a la universidad. En la universidad, Richard conoció a John Bettis, con quién escribiría muchas canciones exitosas. Spectrum grabó muchas canciones, incluso de "You'll Love Me", "I'll Be Yours", y "Parting of Our Ways". El sencillo "Looking for Love"/"I'll Be Yours" (también conocido como el «Magic Lamp Record») fue grabado en el garaje del bajista Joe Osborne, quien fundó el discográfica Magic Lamp Records. "Looking for Love" salió a la venta en 1966, pero solamente se hicieron 500 discos. Ahora, es poco común, y muchas veces puede costarle casi $1.000 USD.

Cuando Spectrum se separó en 1968, Richard, Karen, y un amigo (llamado el «Dick Carpenter Trio») aparecieron en el show sindicado "Your All American College Show", y tocaron un cóver de jazz de la canción muy popular "Dancing in the Street". Su aparición sería su primer aparición televisiva.

En 1968, Richard y Karen grabaron muchas maquetas para que buscaran trabajo. Desafortunadamente, todas las compañías discográficas los rechazaron, excepto A&M Records. Herb Alpert, el co-fundador de A&M Records (el "A" en "A&M Records" viene del "A" en "Alpert"), se dio cuenta de su talento. El 22 de abril de 1969, Richard y Karen contrataron a A&M Records.

Estos importantes logros en las listas de ventas se vieron opacados a mitad de la década, ya que a partir de 1975 The Carpenters no conseguirían mantener su elevado estatus comercial, debido principalmente a los problemas de salud contraídos por los hermanos.

Richard sufrió de una adicción al Quaaludes (una metacualona, medicamento por prescripción) y tuvo que ingresar en una clínica para rehabilitarse y Karen padeció anorexia, que le llevaría a la muerte a los 32 años, el 4 de febrero de 1983.

Anteriormente había grabado un disco en solitario producido por Phil Ramone que no vería la luz hasta 1996 y el último Lp oficial de los Carpenters, titulado Made in America (1981).Fuente Wikipedia. Fotos web The Carpenters

domingo, 30 de noviembre de 2008

Enzo Valentino

Enzo ValentinoEnzo Valentino


Enzo Valentino: Su verdadero nombre Enzo Angel María Cavenenghi, nació el 24 de septiembre de 1919, en Correa, provincia de Santa Fe. Es autor, entre otros, de "Recuerdos de una madre", con letra de Juan Pedro López y "Viejo sillón", "Gigí" y "El nido vacío", todos con Eduardo Moreno.
«Mi vocación por el canto es algo natural, de chico lo escuchaba cantar a mi padre en las madrugadas del pueblito campesino donde nací. Se llama Correa, cerca de Cañada de Gómez y de Rosario Provincia de Santa Fe. Papá cantaba en medio de los carros y de las caballadas que teníamos nosotros en ese pedacito de tierra que aún vive en mi memoria, y por lógica era un contagio.

«Papá era un italiano bajito, flaquito como yo, romano igual que mi madre, y de ahí sucede que yo tarareaba esas cosas y las cantaba en el colegio y en la iglesia cuando había casamientos o bautismos. En los bares del pueblo vi cantar a muchos payadores, incluso a Atahualpa Yupanqui en 1933, que cantaba arriba de una mesa de billar. Los payadores improvisaban sobre rasgos de la gente, miraban un paisano y le cantaban hasta a su sombrero, a la pinta, a las alpargatas, esto reforzó mi pasión por el canto.

«A mí siempre me apasionó la voz, el misterio de la voz. Pero recién conocí lo que era la voz cuando llegué a Buenos Aires, en 1937, para visitar a una tía y me quedé para siempre. Yo ya cantaba pero observaba a otros que sabían colocar la voz como yo aún no podía. Por ejemplo Charlo sabía colocar la voz, también Alberto Gómez en su modalidad y Gardel que había llegado a la perfección.

«Lo conocí al "Zorzal" en abril de 1933, en Cañada de Gómez, lo escuché ignorante como a un cantor más, yo era chico. Cantó cinco temas, "Rosa de otoño", recuerdo también "Silencio", aquí hizo la introducción Domingo Vivas, pero en bandoneón, también estaban Pettorosi y Barbieri, fue en el teatro Verdi de aquella ciudad.

«Fue Corsini quien me dio la oportunidad de quedarme en esta ciudad. Porque el año de mi llegada canté por Radio del Pueblo y todos decían que yo era el hijo de Corsini y, honestamente, yo no sabía quien era Corsini. Yo canto así porque mi padre cantaba así y la ascendencia de la raza tiene mucho que ver, porque el francés se habla apoyándose en la nariz, es nasal y el italiano tiene la influencia de lo arábico, como el español y en la baja Italia los romanos cantan todo así, con el ritornello, eso es arábico. La voz no se imita, puede ser en un pasaje del canto, pero nada más.

«En Radio del Pueblo me pusieron un antifaz negro, cantaba con público en el estudio y la publicidad era preguntar quién era el cantor enmascarado. Pasaron los años y yo jamás tuve la intención de imitar a Corsini. Él era tenorino, cantaba casi en falsete, con poca apoyatura y yo soy barítono. Gardel en sus comienzos era tenorino, en las respectivas versiones de "Griseta", por ejemplo, se los puede llegar a confundir. Gardel cambió el registró con el tiempo, Corsini no. Cuando me sacaron el antifaz me bautizaron con el nombre de Juan Pueblo y un día vino a conocerme Enrique Maciel que me presentó a don Ignacio.

«Cuando me contrata Radio Porteña me empecé a ver mucho con él que además se presentaba en Belgrano y Mitre, ya que las tres funcionaban en el mismo edificio de la avenida Belgrano y Entre Ríos. Conversamos mucho sobre el tema del canto y del campo, porque él había sido campesino en Carlos Tejedor, lo llevaron de niño y fue boyerito también, hablábamos del sulky y de las monturas y de la doma. Varias veces me dijo que trataba de imitarlo y yo le respondía que no, que era por naturaleza. Él hablando tenía la pronunciación de un italiano, no era acriollado, parecía un extranjero.

«Una vez vino a mi casa, al lado de SADAIC, en Lavalle 1555, agarré la guitarrita y canté un vals que él hacía, aquel que dice: "... ya en el rancho no nacen las flores, ni se ven las guitarras colgadas..." y allí se convenció y me dijo: "Vos viniste cantor desde el vientre de tu madre."

«Yo tuve la suerte de conocer al cantor Domingo Conte, fue quien me dio una tarjeta para presentarme ante Zulema Ibarra, una cantante del Colón y ella fue quien me dijo: "Usted puede llegar a cantar muy bien, joven, pero le falta el conocimiento para colocar bien la voz". Comencé a estudiar con ella, me tuvo cuatro meses haciendo "boca chiusa" o sea boca cerrada, haciendo sonido a boca cerrada y ya estaba cansado, pero cuando me puse a vocalizar noté un cambio, una mejor dicción, así aprendí la técnica, por eso aún sigo cantando.

«En Radio del Pueblo, cuyo dueño era un señor Bernotti y el segundo en jerarquía el payador Antonio Caggiano, éste me bautizó Juan Pueblo. Más tarde adopté el apellido de mi abuela francesa, Valentino. Siempre por 1937 recuerdo haber actuado en Centenera y Tabaré, en la fonda de Pacelli, iba todas las noches con mis guitarristas, por lo general los hermanos Legarreta y Di Nápoli, aunque también Pascual Avena, Toto, Demasi, César Bo. El asunto que el dueño nos ponía una escalera para subir al palco y luego la sacaba, cuando le parecía que ya habíamos cumplido volvía a ponerla para bajar. Por entonces cantaba cosas de payadores, también un vals, "A mi bandera", de Generoso Damato, cosas que no se conocían: "...celeste y blanca son las cintas con que adornan / los troveros sus guitarras adoradas / como blancas son las canas de mi madre...".

«Después de Zulema Ibarra entré a curiosear a lo del profesor Bonessi, quien enseñaba una forma muy distinta de vocalizar a la que yo conocía. También fui a la academaia de los hermanos Rubistein. Cuando llego me lo veo a Fidel Pintos solo al piano: "¿Qué te pasa pibe?" -me preguntó. "¿Me gustaría saber cómo es esto?" Entonces me habló de la inscripción, del precio... "¿ Vos cantás?" "¿Me gustaría aprender?" "¿Qué cantás?" -estaba de moda una canción "Enamorado de ti" "¿A ver, cantá un cachito?" y le canté. "Che, tenés linda vocecita, ¿Podés vocalizar?".

«Canté en muchas ciudades del interior, en los peringundines de la costanera sur y en La Querencia donde llegaban todos los turistas. Allí estaban Oscar Alonso, Hugo del Carril, Buono-Striano... yo cantaba con el conjunto de Pedro Matasa, vestido de gaucho, con la pinta de italianito que siempre tuve, y estaba Teófilo Ibañez, cantábamos a dúo. Siempre un repertorio distinto, de payadores, canciones de ellos como "Mi poncho tucumano": "En el vagar errabundo / con que mi vida desgrano / tengo un poncho tucumano / como no hay dos en el mundo...". La gente aplaudía a rabiar. También este otro: "Madre, vengo perseguido / me he juído del regimiento /hijo en este aposento hay un hueco como un nido... / tu abuelo estuvo escondido / hasta que Rosas cayó / cuando el mozo se ocultó / afuera se oyó un tropel /y como en la casa de él un sargento penetró"... Duraba como una hora la milonga esta y la gente te ovacionaba.

«Era otro tiempo. También canté en las matinés de "Juan Manuel". Más adelante en "La enramada", una cosa de multitudes, con folklore y tango. Actuaba Domingo Federico, con Vidal y Larroca. Un día se me acerca Federico: "Valentino, usted sabe que en mi orquesta sería un éxito". Al tiempo me incorporó junto a Mario Bustos, después tuvo la buena idea de poner un tercer cantor, Hugo Rocca, era mucho el trabajo. Dos años en el "Tango Bar" entre otros lugares, luego seguí como solista.

«En el Teatro Apolo iban a estrenar una obra de Arsenio Mármol y buscaban un cantor. Probaron a muchos como Roberto Quiroga, Alfredo Arrocha y una larga cola. Cuando me tocó canté acompañado por la guitarra del negro Maciel. Mientras cantaba veía a Tito Lusiardo hablando con uno y con otro finalmente me eligieron. Estaban la esposa de Tito, Delia Codebó, José Tinelli con su orquesta, Leonor Rinaldi, el debut de Perla Santalla. Un éxito duradero y recordado.

«Ya por los '50 llegan las grabaciones para el sello TK, las auctuaciones de Radio Belgrano para jabón Federal, la orquesta de Alfredo Attadía como acompañante, sin pertenecer al conjunto.

«Cada tanto, muy poco, regreso a mi pueblo y a mi infancia y a unas palabras de mi viejo que nunca he olvidado: "Figlio, el talento superior e la morale e de valientes, no te olvides". Yo no sabía, lo aprendí más grande en Buenos Aires. Era un italiano bueno, el viejo trabajó toda su vida. Cuando se moría le oí decir: "¡Cuánto trabajé figlio!"... y aquella frase: "Ser valiente es tener dignidad y honor.»
Charla con Enzo Valentino Por Néstor Pinsón

Jorge Dragone

Jorge DragoneJorge Dragone con su Quinteto en Medellin Colombia

Jorge Dragone
Jorge Dragone a la izquierda de la foto


DRAGONE, Jorge. (Nombre de familia: Nicolás Jorge Dragone). Músico. Pianista.
Director. Compositor. Arreglador. Nació en la localidad de General Villegas (provincia de Buenos Aires), el 12 de febrero de 1927.
En la ciudad natal hizo sus comienzos profesionales, hasta su definitiva radicación en Buenos Aires, en 1943. Integró el trío de Antonio Sureda y durante algunos años la orquesta típica Los Zorros Grises, de José García. Durante 1946, en Radio Mitre, presentó su propia agrupación, colaborando luego con distintos directores: Edgardo Donato, Juan Sánchez Gorio y Hugo Baralis, entre ellos. En 1954 realizó una gira por Europa como músico acompañante del cantor Alberto Castillo y, desde 1957, grabando para los discos Odeón, condujo y arregló el marco orquestal del solista Argentino Ledesma. Integró, más tarde, el conjunto Embajada de Tango, juntamente con los cantores Carlos Dante, Alberto Morán, Floreal Ruiz, Ricardo Ruiz, Jorge Valdéz y Mario Bustos, registrando ahora sus versiones para Alaniki. En 1967-68, viajó a Japón, integrando con José Libertella (bandoneón), Claudio González (violín) y Rafael Ferro (bajo), el Quinteto Gloria, que secundó la actuación de Edmundo Rivero. Continuó en ese conjunto en Buenos Aires, dirigiendo además la orquesta del cantor Mario Bustos. Su obra más difundida es la milonga Zapatito de Raso. Fuente Horacio Ferrer