sábado, 28 de agosto de 2010

Floreal Ruiz

Floreal Ruiz
Floreal Ruiz

Floreal RuizFloreal Ruiz


José Basso, Floreal Ruiz y Alfredo BelusiDe izq. a der.: Alfredo Belusi, José Basso y Floreal Ruiz, en 1957.

Floreal Ruiz
Floreal Ruiz


RUIZ, Floreal. Cantor Compositor. Nació en Buenos Aires, barrio de Flores el 20 de marzo de 1916. Sus comienzos datan de 1936 por Radio Prieto y Radio Argentina. Dos años después integró ya como vocalista la orquesta de José Otero. En 1943 fue requerido por Alfredo De Ángelis con quien grabó en setiembre de ese año su primer disco en el sello Odeón, Marioneta, de Tagini y Guichandut. Al año siguiente pasó a cantar con Troilo tomando la plaza de canto que dejara vacante la desvinculación deFrancisco Fiorentino. Fue también Marioneta —éxito personal suyo— el primer registro grabado con Pichuco. Le siguieron siempre para la casa Víctor entre otras logradas versiones, Desvelos, Luna llena, Tarde gris, Yuyo verde, La embriaguez del tango, Equipaje, Y la perdí. Desde 1949 hasta 1956 integró la orquesta de Francisco Rotundo realizando sus interpretaciones para el sello Odeón. En éste y en discos Music-Hall grabó luego durante su larga permanencia en la agrupación de José Basso, a la que perteneció a partir de 1956, destacándose su labor en Por la vuelta, Se marchita un clavel, La reja, Vieja amiga y otros. Continuó más tarde su carrera como solista, grabando en Víctor. Fue, además, compositor de los tan-gos Mundana, Sedas y Una copa nada más. Falleció en abril de 1978.Fuente Horacio Ferrer

viernes, 27 de agosto de 2010

Azul Azul

Azul AzulAzul Azul

Hace casi veinte años, la banda AZUL AZUL representa lo mejor del pop boliviano, con más de dieciséis millones de singles y un millón de álbumes vendidos, un No. 1 en el Hot Latin Track de la Revista Billboard, la canción latina más escuchada en el mundo durante el 2001, y múltiples premios internacionales, discos de platino y oro.

AZUL AZUL es, definitivamente, el grupo boliviano de mayor trayectoria internacional y mayor éxito de todos los tiempos. Galardonado así por los Premios Estrella Music Awards, en Miami, Florida, el 6 de noviembre de 2009
NACE AZUL AZUL
AZUL AZUL nace en las calles de Santa Cruz (Bolivia, Sudamérica) a principios de los '90, fundado por el joven músico Fabio Zambrana, su actual vocalista, compositor, líder y manager, bajo el nombre de Grupo AZUL. En 1995, el sello discográfico boliviano Musicanga invitó al grupo a grabar su primer álbum titulado 'El corte de la banana'. Para el lanzamiento del mismo, el grupo cambia de nombre a AZUL AZUL.
LA BOMBA: HIT MUNDIAL
A finales de 1998 Azul Azul edita 'La Bomba' incluida en su segundo álbum 'El sapo'; a mediados del 2000, 'La Bomba' se convierte en éxito total en el mundo entero. Con más de medio millón de copias en EE.UU., 250 mil en México, y 250 mil en el resto del mundo; el álbum obtuvo multiplatino en EE.UU. y Bolivia, platino en México, y oro en Ecuador, Chile, Uruguay, Paraguay y Perú. 'La Bomba' fue No.1 en Hot Latin Track de la Revista Billboard durante cuatro semanas consecutivas, en el 2001.
En 2001, AZUL AZUL participó del Acto de transmisión de mando del ex presidente de los Estados Unidos, George W. Bush, en Washington D.C.
El mismo año AZUL AZUL ganó el 'Premio Lo Nuestro' como el Grupo más votado en Internet, y estuvo nominado en las categorías Grupo del Año y Grupo Revelación del Año, en Miami, EE.UU. Poco después, fue nominado a los Billboard Latín Music Awards en las categorías Mejor álbum Pop Grupal y Mejor álbum Pop de Nuevo Artista.
A mediados de 2002, Fabio Zambrana obtuvo el reconocimiento al Compositor del Año en la categoría Pop/Balada en los Premios ASCAP entregado en Nueva York, EE.UU., por la canción 'La Bomba'. La competencia estaba integrada por los más grandes y prestigiosos compositores de la música latina.
El mismo año, Fabio también fue elegido Compositor del Año en los Premios de la Gente Ritmo Latino Music Awards. AZUL AZUL recibió, en aquella ocasión, siete nominaciones.
A finales de 2002, AZUL AZUL se liberó de sus compromisos contractuales con Sony Music Entertainment, una gran victoria para la banda, dejando abiertas las posibilidades de continuar su camino musical.
EL CORTE DE LA BANANA
Primer álbum editado en 1995. El single 'Mamá no quiero comer más huevo' ocupó el primer lugar en todos los rankings de Bolivia, y fue editado por Sony Music Bolivia en Chile, Perú, Venezuela y países de Centroamérica.
En 1996 Polygram Latino U.S. editó el primer álbum del grupo para EE.UU. y Puerto Rico. AZUL AZUL cantó para el público de Uruguay, Puerto Rico, EE.UU. y El Caribe.
A mediados de 1998, el grupo estuvo listo para grabar su segundo álbum.
EL SAPO
El álbum más famoso del grupo es 'El Sapo', presentado en diciembre de 1998. Por primera vez en Bolivia, un grupo nacional superaba en ventas a los más grandes intérpretes mundiales. Con este trabajo musical, AZUL AZUL pasó a ser artista oficial de Sony Music Bolivia.
A principios de 1999, 'El Sapo' fue lanzado en diferentes países y AZUL AZUL pasó a ser, ya, artista oficial de Sony Music Entertainment a nivel internacional. El hit mundial 'La Bomba'está incluido en este álbum.
NACIONES UNIDAS
En el 2002, Naciones Unidas (Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo Humano en Bolivia) solicitó a Fabio Zambrana la composición de una canción que pueda unir a todos los bolivianos, fue así que AZUL AZUL grabó la canción 'Bolivia a todo pulmón', que habla sobre el orgullo de ser boliviano.
La canción fue editada en castellano, quechua, aymara y guaraní.
BOLIVIA EN EL CORAZÓN Y EN LA FRENTE
Fabio Zambrana es conocido como el único artista en el mundo que lleva en su frente el nombre de su país, de esta manera, Fabio Zambrana deja claro al mundo entero su orgullo de ser boliviano.
APRETAÍTO
En septiembre de 2003, AZUL AZUL firma contrato con Universal Music Latino, una división de UMG Recordings, Inc. En Octubre de 2003 Universal Music Latino lanzó el álbum de once canciones, titulado 'Apretaíto', en 18 países. El éxito fue inmediato, el video del primer corte, también titulado Apretaíto, así como la canción, estuvieron número uno en rankings de muchos países, permitiendo al grupo realizar el Tour Apretaíto 2004-2005 por casi toda América, llegando por primera vez a Europa y Australia.
En este álbum, la reina de la canción mexicana Laura León, interpreta a dúo con Fabio la canción 'El hombre es como el oso'.
En noviembre de 2006 AZUL AZUL lanza el disco denominado 'Música Boliviana', en homenaje a los departamentos que conforman este bello país y que tuvo gran aceptación nacional y de todos los bolivianos residentes en el exterior. Son estos últimos quienes llevan al grupo a EE.UU. y España (2007).
DAME CHOCOLATE Y TE DOY BOMBÓN
En Octubre del 2008, AZUL AZUL lanza de manera independiente su cuarto álbum denominado 'Dame chocolate y te doy bombón', simultáneamente en Centroamérica y Bolivia. El video del primer corte, del mismo nombre tiene más de 251 mil visitas en YouTube hasta hoy.
La banda viaja a Inglaterra el 2008 y, a Estados Unidos en 2009, donde hizo bailar 'el chocolate' a toda la comunidad latina.
AZUL AZUL cuenta, hoy en día, con más de 460 conciertos dados en más de 26 países del mundo entero.
En noviembre de 2009 firma contrato con la disquera STAR RECORD CORP., para editar el álbum a nivel internacional.
Actualmente el grupo está conformado por Fabio Zambrana (Cantante, manager y compositor), Marcos Justiniano (Bajista), Luís Fernando 'Nandy' Justiniano (Baterista) y Martín Espada (Guitarrista).
Tour Manager y Booking Carlos Eduardo (Wally) Rodriguez Fuente web de Azul Azul

Anibal Troilo - Su obra completa en la RCA Vol 05 de 16 - Año 1944 y 1945


Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 142 Mb/Total time: 70:45

En los archivos y tags de las grabaciones encontraran, fecha de grabacion, genero y autores
Biografia de Anibal Troilo
Biografia Alberto Marino
Biografia de Floreal Ruiz

Tracks
01-Me estan sobrando las penas - Alberto Marino - 1944
02-Alhucema - Alberto Marino - 1944
03-Nada mas que un corazon - Alberto Marino - 1944
04-Con permiso - Alberto Marino - 1944
05-Quejas de bandoneon - Instrumental - 1944
06-Torrente - Alberto Marino - 1944
07-Marioneta - Floreal Ruiz - 1944
08-Naranjo en flor - Floreal Ruiz - 1944
09-Palomita blanca - Floreal Ruiz y Alberto Marino - 1944
10-Copas amigos y besos - Alberto Marino - 1944
11-Milonga en rojo - Floreal Ruiz y Alberto Marino - 1944
12-Cafe de los Angelitos - Alberto Marino - 1944
13-Luna llena - Floreal Ruiz - 1944
14-Garras - Alberto Marino - 1945
15-Yuyo verde - Floreal Ruiz - 1945
16-Equipaje - Floreal Ruiz - 1945
17-Ya estamos iguales - Alberto Marino - 1945
18-La embriaguez(borrachera) del tango - Floreal Ruiz - 1945
19-Me quede mirandola - Alberto Marino - 1945
20-Fuegos artificiales - Instrumental - 1945
21-Juan Tango - Floreal Ruiz - 1945
22-La noche que te fuistes - Floreal Ruiz - 1945
23-Cimarron de ausencia - Floreal Ruiz y Alberto Marino - 1945
24-Cortorrita de la suerte - Alberto Marino - 1945
Bajar

jueves, 26 de agosto de 2010

Mario Battaini(Batman)

Mario Battaini(Batman)Mario Battaini(Batman)

Battaini Mario nació en Milán 06 de octubre 1931. Vivió su infancia en su "Ruguré (distrito Rogoredo de Milán), una periferia compuesta por grandes espacios. Fue con gran talento y cuando su padre le regaló su primer acordeón, un Stradella Crosio comenzó a acercarse a la pasión por la música y el estudio del instrumento. A los 13 años, siendo alumno de la escuela de música del Maestro Volpi, Milán, ya ha tocado todas las sinfonías de grandes con tanta habilidad y capacidad que se corrió el rumor en el ambiente de la música donde se lo llamó "el pequeño genio."

A los 21 años, un gran maestro entró en su vida y fue para él un segundo padre Enzo Ceragioli que le enseñó composición, armonía y dirección. Mario estudio de acordeón clásico y tradicional como un instrumento en los años de adolescencia y juventud, y comenzó a acercarse a los géneros musicales como el jazz, mostrando un talento especial. La pasión por este tipo de música le llevó a actuar en los clubes más famosos de Milán, donde tocaba jazz y jam sessions. En ese momento el estaba tocando con el gran trompetista de jazz Chet Baker que le daba una sensación ideal para dar lugar a dúos de jazz fantástico. La música era su trabajo, su gran pasión.

Hay un montón de importante,s colaboraciones profesionales con los principales artistas de la escena musical italiana y más allá (Adriano Celentano, Fabrizio De Andrè, Orietta Berti, Nunzio Gallo, Milly, Lola Falana, Venturini Bruno, Mino Reitano, Tom Jones, Tullio De Piscopo, Quincy Jones, Gino Bramieri, Milva, Curtis Betty, Rita Pavone, Teddy Reno, Nilla Pizzi, Consolini, Bobby Solo, Francesco Baccini, Giunny Russo, Tony Dallara, Nanni Svampa, Amigos Alvaro, etc) ..

Solo por mencionar algunas de las producciones musicales más importantes incluyen:
Años 1960-1970 Festival de Nápoles como arreglista y director de orquesta Dir
A. San Remo 1971 Celentano "Bajo las sábanas"
Años 1970-1975 Festival de Venecia con O. Berti y dirección arrangiotore Rita Pavone y Teddy Reno
San Remo 1976 O. Berti "Omar" - como compositor, arreglista y director de orquesta LP "Gypsy"
Años 1980-90 Arreglos y dirección de orquesta con el tenor napolitano Bruno VENTURINI
1990 la colaboración con A. Amigos como arreglista y director de orquesta
Años 1990-2000 colaboraciones con F. De Andre (NA Rimini), F. Baccini (NA Baccini color) y de Rusia Giunny

En su calidad de solista el acordeonista Mario Battaini es uno de los artistas más destacados tanto a nivel nacional e internacional. Su producción discográfica ha tocado todos los géneros musicales que van desde la versión clásica de las piezas de acordeón tradicional con capacidad para ofrecer interpretaciones originales e inusuales de los compositores más populares de la música de jazz (recuerde la colección de jazz interpretado bajo el nombre de Batman ) y la música clásica (concierto de Acordeón - Espada Danza, Movimiento Perpetuo, El vuelo del moscardón, etc) ..

Numerosas formas de colaboración con las principales marcas italianas, este último, aunque pueden tener productos exclusivos para la música de acordeón interpretado por Mario Battaini, publicar varias colecciones con diferentes seudónimos que la mayoría de la gente no sabe que en realidad son atribuirse a los talentos de Mario Battaini. Sólo por nombrar algunos, producciones de música publicada bajo el nombre de Beppe millones, Gigi Botto, Frank Stella, Andrés Caballero, Batman, etc

El talento de Mario se expresa, así como el acordeonista y director de orquesta y como compositor, arreglista e intérprete de música de baile. En la década de los setenta ha creado innovadoras propuestas musicales que han sido ampliamente confirmadas a nivel internacional bajo el nombre de "Duque de Burlington." Bajo el pretexto de "Duke" John (llamado "One Man Band" ha producido) varias canciones con la técnica de "prensado Piano": "Flash" uno de los más populares, desde hace mucho tiempo a la cabeza de las listas europeas.

Mario gozado de la amistad y el respeto profesional para todos los músicos con los que trabaja, del mundo en general. Una señal de agradecimiento que de su profesionalidad , entre otros esta dada por el gran Maestro Barzizza Pippo, que quería externalizar sus elogios con una gran admiración por el talento de Mario.

La ciudad de Milán, en el año 1989, le otorgo el oro Ambrogino, uno de los premios más prestigiosos y representativos para los ciudadanos de Milán para significar el brillo y el prestigio dado a su propio trabajo con el Milan. En el mismo año la Provincia de Milán lo galardono con el "Guerrero".

Todos los que lo conocieron apreciaron, tanto como por el talento profesional y por sus cualidades humanas excepcionales. Mario siempre ha tenido una capacidad de pensamiento y acción, adictivo, fue un alimentador, tenía un carisma innato que todo el mundo era cautivado cuando estaba cerca de él, la dote que se caracterizó por ser una inmensa generosidad. Fue una bondadoso, bueno, fuerte inteligente y sabio.

Si su pasión era la música, su gran amor era su esposa Jane y sus cuatro hijos Sally, Ombretta, Fiorella Michele y Mario. Mario falleció 26 de abril 2000 con gran dignidad, la generosidad Fuente Wikipedia en Italiano

miércoles, 25 de agosto de 2010

Sonora Gloria Matancera

Sonora Gloria Matancera Sonora Gloria Matancera

La Gloria Matancera es una de las agrupaciones con más amplia trayectoria dentro de la historia del son cubano, fue fundada como un septeto, el 3 de junio de 1927 en Matanzas, por Juan Manuel Díaz Clemente, nacido el día 25 de abril de 1906, era cantante, tocaba claves y cumplía las funciones de director junto a sus tres hermanos, Carlos Díaz en el tres, Eliseo Díaz en el güiro y Heliodoro Díaz en las maracas y voz, sumándose a estos Aurelio Hernández en trompeta, Mario Coll en el contrabajo y José Luis González en las pailas y los bongoes.
Después de haber obtenido el beneplácito popular, en suciudad natal, el septeto se trasladó a La Habana en 1931, en busca de ampliar sus posibilidades artísticas. Pronto lograron gran notoriedad y alternaron con las más importantes agrupaciones de la época. A partir de 1937 comenzaron a grabar sus primeros fonogramas.
Durante la década del cuarenta y siguiendo con la moda de aquellos años, la Gloria Matancera se convirtió en conjunto en el año 1944.
Además de sus miembros fundadores Juan Manuel y Carlos Díaz, este último en la tumbadora y José Luis González en los timbales, estaban Alejandro Sosa al piano, Francisco Bocalandro al contrabajo, Rafael Ortiz, guitarra y voz prima Asdrúbal, en la primera trompeta, Carlos Toledo segunda trompeta y la voz falsete inconfundible de Florencio Hernández, conocido por Carusito, autentica leyenda viviente del son cubano. A esto colectivo integró el cantante José Pepe Meriño, con quien la Gloria Matancera grabó una buena serie de composiciones.
En 1949 el señor Juan Manuel Díaz Clemente, director de la Gloria Matancera trajo a Celia Cruz, que por aquella época cantaba en la emisora Mil Diez. Graba su primer disco para el sello discográfico PANART, que fue todo un éxito, donde aparecen temas como Para que sufran los pollos (guaracha) y Ocanosordi la letra (guaracha). A partir de ese momento la voz desconocida de Celia Cruz paso a la posteridad con el nombre de la Guarachera de Cuba.
Con el gran éxito obtenido con este disco le siguieron una gran cantidad de éxitos entre los que se pueden destacar temas como Llevarás la marca (bolero), Ratón de velorio (guaracha), Sube la bolita (guaracha), este ultimo tema en la voz del inolvidable y gran cantante Cheo Junco, el cual fue integrante de la Gloria Matancera por varias décadas. A lo largo de sus 76 años de existencia La Gloria Matancera ha grabado con muchas compañías disqueras entre las que se pueden mencionar PANART(USA), RCA VICTOR (USA), PUCHITO (CUBA), SELLO EGREM (CUBA), SELLO AREITO (CUBA), SELLO ENVIDIA RECORD (ESPAÑA).
Por la Gloria Matancera han desfilado músicos, cantantes de reconocido prestigio nacional e internacional de los que podemos mencionar Cheo Junco, Estanislao Sureda (Laito), Pepe Meriño, Severino Ramos, Felo Martínez, Nelo Sosa, Rolo Martínez, Roberto Sánchez, Juan Manuel Díaz, Rafael Ortiz, Merceditas Valdés, Carucito, Severino Ramos, Alberto Beltrán y Celia Cruz.
Al fallecer Marcos Juan Manuel Díaz Clemente el 20 de agosto de 1992, a la edad de 82 años, toma la dirección del conjunto su hijo Arístides Emiliano Díaz Almeida, más conocido en el mundo artístico como Tillo, integrante de la agrupación desde 1956 como músico, ha integrado la agrupación por más de 47 años en la actualidad esta considerada por historiadores, musicólogos y la prensa escrita como una personalidad de la música cubana y para muchos es un símbolo de cubanía.
En la actualidad la Gloria Matancera sigue siendo una cantera inagotable de talentos artísticos en la que podemos destacar la labor de sus tres cantantes actuales: Bárbaro López, Israel Díaz y Yamilé Rodríguez, todos ellos unido al resto de celebres músicos que conforman la agrupación dando lugar ha ese sello musical de cubanía que distingue a la Gloria Matancera del resto de las agrupaciones cubanas.
En el 2007 la Gloria Matancera agrega una trompeta más a su formato siendo su morfología la siguiente: piano, tumbadoras (2), güiro, trompetas (3), cantantes (3) y bongo.
La agrupación ha viajado en sus 76 años de existencia ha sido por Francia, Estados Unidos, España, Portugal, Haití, Jamaica, México, Colombia, Venezuela, Martinica, Guadalupe y República Dominicana.


Cuando se pronuncie el vocablo música cubana con el adjetivo de popular bailable, el nombre de la agrupación La Gloria Matancera ocupa un primer lugar entre los grandes desde hace más de ocho décadas. Por su peculiaridad sonora, personalidad tímbrica y respeto a los valores tradicionales del quehacer musical de la isla, así como la conservación de su repertorio original La Gloria Matancera , esta considerada por musicólogos y la prensa especializada como una de las orquestas más importante de todos los tiempos.
Fundada en 1927 en la ciudad de Matanzas, por los hermanos Elíseo Díaz, Carlos Díaz y Juan Manuel Díaz, este último como cantante, compositor y director por más de seis décadas de lo que en principio se llamo SEPTETO GLORIA MATANCERA .
En sus inicios la agrupación era poco conocida hasta 1930 que con el desarrollo que tuvo el Son en Cuba y el resto del mundo el colectivo decidió trasladarse hacia La Habana, capital del país, para cumplir un contrato de trabajo que se les ofreció en el entonces famoso teatro ALAMBRA.
Ya en 1940 debido al gran éxito que venía teniendo la agrupación en Cuba como en el extranjero, se graba su primer Disco para el Sello Discográfico PANART, como fue de esperar el disco fue todo un éxito donde aparecían temas tales como PARA QUE SUFRAN LOS POLLOS ( Guaracha) y OCANOSORDI LA LETRA ( Guaracha ) ambos temas fueron grabados en la voz de una muchacha hasta entonces desconocida por el público, llamada Celia Cruz.

LA GLORIA MATANCERA transforma su formato de Septeto por el de Conjunto en 1946, formato que mantienen hasta nuestros días.

En 1946 la Gloria Matancera se transforma su formato de septeto por el de conjunto formato que mantiene en estos momentos con una morfología de piano (en sustitución del tres y la guitarra), tumbadoras, timbalitos (en sustitución de los bongoes), contrabajo, trompetas (se le añadió dos trompetas), guiro y cantantes.

A lo largo de sus más de siete décadas de existencia LA GLORIA MATANCERA ha difundido el son y la música tradicional cubana en los cinco continentes destacándose sobre todo en países tales como Francia, Estados Unidos, España, Portugal, Haití, Jamaica, México, Colombia, Venezuela, Guadalupe y Martinica, entre otros.

En el 2007 la Gloria Matancera cumplirá 80 años de vida artística, y durante esos años ha pasado por las etapas de septeto, conjunto y sonora, esta última se distingue por su estilo bailable reconocida mundialmente. Otro dato interesante lo constituye los cuatro directores que ha tenido la agrupación: Juan Manuel Díaz Clemente (1916-1982), Orlando Alonso, Osvaldo Rodríguez de la Torre y Arístides Díaz Almeida.
En la actualidad LA GLORIA MATANCERA sigue siendo una cantera inagotable de talentos artísticos en la que podemos destacar la labor de sus tres cantantes actuales Bárbaro López, Israel Díaz y Yamile González, todos ellos unido al resto de celebres músicos que conforman la agrupación dando lugar ha ese sello musical de cubanía que distingue a LA GLORIA MATANCERA del resto de las agrupaciones de la mayor de las Antillas.

Asimismo, la célebre agrupación esta dirigida hoy por Arístides Díaz, más conocido en el mundo artístico como Tillo, integrante de la agrupación desde 1956 como músico y percusionista, hijo del fundador y director Juan Manuel Díaz Clemente, considerado por historiadores, musicólogos y la prensa especializada como una personalidad de la música cubana de todos los tiempos.




Arístides Díaz Almeida (La Habana, 30 de junio de 1938).
Se inicio a los 16 años como percusionista bajo las enseñanzas de su padre. Con la guía del maestro José Antonio Varona aprendió bajo, solfeo y teoría. Debutó profesionalmente con La Gloria Matancera a los 18 años en la Academia Habana Sport Club, en el centro de la capital cubana. Entre las distinciones recibidas figuran La Gitana Tropical, Distinción de Instituto Cubano de la Música por 75 años de Fundada. Conocido por todos los artistas y amigos, por Tillo, lleva más de cinco décadas al frente de esta reconocida agrupación.
Dirección particular: Mazarredo No 156 entre Santa Teresa y Reparto Municipio Plaza de la Revolución – Ciudad de la Habana Cuba.



INTEGRANTES DE LA AGRUPACION (2006)

1.- Arístides Emiliano Díaz Almeida (director y percusionista)
2.- Luis Antonio Luque Páez (bongosero)
3.- Patricio Matienzo Saavedra (percusión)
4.- Luis Manuel Cuellar (pianista)
5.- Julio Luis Cesar Valdés (bajista)
6.- Humberto Vergara Baro (trompeta)
7.- Andrés Daniel Hernández (trompeta)
8.- José Guillermo Fernández (trompeta)
9.- Bárbaro López Averoff (cantante)
10.- Yamile Rodríguez Valle (cantante)
11.- Israel Díaz Sánchez (cantante)
12.- Tomás Luis Sotolongo Casademunt (técnico de sonido)

Por la agrupación durante sus ocho décadas han desfilado músicos y cantantes de reconocido prestigio nacional e internacional, de los que podemos mencionar Cheo Junco, Estanislao Sureda (Laito), Pepe Meriño, Paulina Álvarez, Puntillita, Abelardo Barroso. Roberto Sánchez, Juan Manuel Díaz, Rafael Ortiz, Merceditas Valdés, Felo Martínez, Nelo Sosa, Daniel Santos, Alberto Beltrán, Celia Cruz, Rolo Martínez y Carucito, entre otros. Fuente unaplauso.com

martes, 24 de agosto de 2010

Blanca Mooney

Blanca MooneyBlanca Mooney
Blanca Mooney: Nombre completo: Blanca Nester Mooney.Cancionista(18 de enero de 1940 - 9 de mayo de 1991)
La nota necrológica decía lacónicamente: «Falleció inesperadamente de un derrame cerebral y, de acuerdo a su voluntad, sus restos fueron cremados y arrojádas sus cenizas al Río de la Plata».
Toda fue muy rápido como lo fue la carrera artística de esta muy buena cantante que nos recuerda a las cancionistas de la generación anterior, tanto por su estilo, por el color de su voz y su temperamento expresivo.

Y todo empezó como era antes. Nuevamente, después de un largo tiempo, volvieron las transmisiones de concursos de nuevas voces tangueras. Aún era tiempo del dos por cuatro. En este caso fue la revista "Radiofilm" la que organizó la compulsa. Se realizó en el teatro Comedia -que ya no está- en la calle Paraná al 400, casi enfrente del cabaret "Chantecler" que aún sobrevivía.

El popular animador radial Carlos Ginés era su conductor y recuerdo que no me perdía ningún programa, esos lunes a partir de las diez de la noche. Era 1953 o 1954 y surgieron primero los nombres de Alfredo Dalton -que como premio fue protagonista de la película "Adiós muchachos"- y Silvia del Río.

A cada protagonista le preguntaban el nombre, la edad, a qué se dedicaba y qué cantor o cancionista le gustaba. Para acompañar a los postulantes estaba la orquesta de Leopoldo Federico o bien el acompañamiento era con guitarras. En 1956 gana Ángeles Dangell, que pasó fugazmente por el ambiente y segunda Blanca Mooney. Entre los hombres Ernesto Herrera, que actuara con Héctor Varela y Francisco Canaro) y Carlos Budini, el de la voz grave, tipo Rivero, cantor de Miguel Nijensohn, entre otros.

De ascendencia irlandesa y española, fue la música de este país la que primero alentó. Era la época que en todos los barrios sobraban quienes enseñaban a bailar español y la Avenida de Mayo estaba colmada de "colmaos". Las figuras de España, o figuritas a veces, no dejaban de llegar al país para presentarse en radios y clubes. Pero la madre la anotó en el concurso de "Radiofilm" y cambió el rumbo de su carrera.

Como consecuencia del premio la contrataron para actuar en LR3 Radio Belgrano, incluso en los recordados domingos al mediodía de Jabón Federal. Después, el circuito habitual de radios, giras, salones, grabaciones y en su caso también la televisión en 1958.

A partir de los años '60 la radio ya no era lo indicado para números en vivo de tangos pero sí algunos locales como "La Querencia" de Avenida de Mayo 870. Y muchos años más tarde en el renombrado "Michelángelo".

Por un hecho casual es escuchada por Osvaldo Fresedo quien incluye su voz en un disco 33 rpm larga duración. Fueron sólo tres temas grabados en enero y junio del año 1959.

Sigue luego como solista y en 1963, luego de casarse, se instala en la provincia de Córdoba. Continúa su labor allí y varios años más tarde retorna a Buenos Aires. Hace giras a Perú, Ecuador, Brasil, Bolivia, Norteamérica y la más importante en 1968 con la orquesta de Alberto Di Paulo a Japón. También actuó en Chile con Roberto Pansera, su última presentación fuera de Argentina.

Una curiosidad es el hecho de haber pertenecido a la Banda de la Armada Argentina, suponemos que era una oportunidad de asegurarse una entrada segura de dinero. Recorre el país con el espectáculo titulado "Tango a bordo", el bandoneonista Néstor Marconi forma parte del conjunto.

Llegó al disco en algo más de 40 oportunidades. En su debut con Fresedo graba una excelente versión del tango "Julián", "Arrabalero" y "Dónde estás", esa hermosa página de Sucher y Bahr. En 1960 registró 12 temas acompañada por una orquesta conducida por José Márquez, ex pianista de Fresedo. También la dirige Lucio Milena para dos temas. En 1972 acompañada por Luis Stazo graba 13 temas, uno de ellos a dúo con Rodolfo Lesica: "Virgen de la serranía" y entre 1977 y 78 una nueva serie para el sello Odeón con la citada Banda de la Armada Argentina.

Nos queda el recuerdo de su voz profunda y temperamental que supo ubicarse y ser reconocida en un tiempo que el tango no tenía la importancia de épocas anteriores. Si hubiera nacido diez años antes, seguramente su nombre habría brillado con menor esfuerzo. Se fue pronto, pero se la considera entre las muy buenas cancionistas que dio el tango. Fuente de biografia y foto; Nestor Pinzon 

lunes, 23 de agosto de 2010

Ana Torroja

Ana TorrojaAna Torroja
Ana Torroja Fungairiño (Madrid, 28 de diciembre de 1959) es una cantante española, una de las voces más conocidas de la música pop del país. Fue la vocalista del grupo Mecano, junto a los hermanos José María y Nacho Cano, con quienes consiguió un éxito espectacular en España y otros países.
Con Mecano vendió más de 25.000.000 de discos. En solitario lleva 1.500.000 copias vendidas de sus discos
Ana es la mayor de una familia numerosa de 6 hermanos. Tiene 2 hermanas (Celia y Laura) y tres hermanos (Yago, Javier y Carlos). Comenzó su etapa escolar en un liceo bilingüe en El Viso (barrio de Madrid) cercano a su casa familiar de entonces en la calle Raimundo Fernández Villaverde. Posteriormente estudió en un colegio religioso de Teresianas. Siendo una niña cuenta que cantaba, a cambio de una galleta, el "frère Jacques". Su padre toca bien el piano y en general se puede decir que los Torroja estaban en contacto con la música a través de sus padres y abuelos. Ana y Jose María Cano se conocieron en una fiesta que se celebraba en el madrileño paseo de la Habana en el año 1974, siendo ambos muy jóvenes (14-15 años aproximadamente). En un principio Jose María se sintió más atraído por la hermana menor de Ana, Celia. Sin embargo, al poco tiempo de conocerse, Ana y Jose María comenzaron a vivir una relación amorosa de adolescentes que duró unos 3 años según ambos han manifestado en algunas entrevistas, probablemente hasta el traslado de Jose María a Valencia después del verano de 1977.

Ana Torroja comienza su carrera musical en 1977 formando un dúo totalmente amateur con José María Cano a la vuelta de éste último a Madrid en 1979. Más tarde se les unió el hermano de Jose María, Nacho, para formar el grupo español que "más discos ha vendido en todo el mundo", Mecano. Ana aportó a Mecano su peculiar voz y le dotó de un toque ambiguo, ya que los temas del grupo, al estar escritos por los hermanos Cano, casi siempre reflejaban un punto de vista masculino. A esto contribuyó el look un tanto masculino que Ana mostró durante la segunda y última etapa del grupo, entre 1986 y 1992.

Tras la última gira del grupo, en 1992, Ana decidió emprender su carrera como solista, buscó productores y compositores. Fue un trabajo difícil, ya que ella quería un estilo diferente al impuesto por el grupo Mecano. Pasaron más de dos años de trabajo (1995-1997), en la ciudad de Londres, la artista presentó su primer material llamado Puntos Cardinales. En este juega con los medios tiempos y arreglos orquestales emparentados con la factura de la balada romántica latina. También se editó una versión para el mercado francés, Points Cardinaux, que incluyó tres temas en dicho idioma, "Les Murs" (adaptación de "A Contratiempo"), "Je T'ai Tellement Aimé" (adaptación de "Te He Querido Tanto") y "Ananta" (adaptación de "Como Sueñan Las Sirenas").

A la espera del regreso de Mecano, en 1995 interpreta "Cada historia" junto a Sole Giménez del grupo Presuntos Implicados. En 1997 colaboró junto con Abed Arzié en el tema "Media Luna" del álbum Comparsa del grupo francés Deep Forest. También realizó una colaboración, con el cantautor Jason Hart, en el tema "Hold On" del álbum If I Were You, que más tarde es publicado en 2005. La promoción de este disco se vio interrumpida por el fugaz regreso de su antiguo grupo en 1998, entonces lanzan al mercado el disco Ana, José, Nacho, del cual se esperaban conciertos. Al final, lamentablemente, la noticia de J. M. Cano, en la entrega de los premios Amigo '98, se anuncia la separación definitiva del grupo.

Luego en 1999 retoma su carrera, publicó su siguiente trabajo, Pasajes de un Sueño, aquí transmite su carácter latino y cosmopolita, con ritmos latinos, con sabor a cumbia, a merengue y a son, que a su propio parecer le sirvió de experimento en la búsqueda de su identidad y para saber que "ése no era su sitio". Como parte de la promoción de este álbum, Torroja inició junto Miguel Bosé el tour Girados, en mayo de 2000, una gira por toda España, Estados Unidos y parte de América Latina, que concluyó a principios del siguiente año y que significó su vuelta a los escenarios. En esta gira interpreta temas de Mecano, sin los Cano, y de su etapa como solista, pero aún acompañada. La gira inició en Latinoamérica con un set list que incluía temas como "Cachitos de un sueño", "La fuerza del destino" y "Como tú", pero al pisar España el espectáculo fue renovado. Esta segunda versión, en la que se removieron algunos temas y se agregaron otros, fue llevada nuevamente a México a finales de año, y es la que quedó registrada en el disco doble y DVD homónimo. Dicho álbum no incluye el concierto completo, que duraba cerca de tres horas, sino una selección. El álbum fue disco de platino en España y de oro en México. Este tour finaliza en febrero de 2001 en el Festival de Viña de Mar en Chile.

En el año 2001 Ana intentó recobrar a su público francés, conquistado en la época de Mecano, lanzando el álbum Ana Torroja, del cual se escuchó el tema inédito "Mes prières", pero sin mayor trascendencia. Éste álbum se completó con una gira por diferentes ciudades francesas, pero fue, según los propios comentarios de la cantante, su más sonoro fracaso, sin embargo su paso por Francia fue lo que le permitió producir su siguiente trabajo. Ana colaboró en el disco Mujer, en ayuda de la lucha contra el cáncer. De este disco se extrajo un CD single promocional que incluía el tema cantado por Ana, "Clara", entre otros. A continuación colaboró en la grabación del disco Duetos 2, del artista mexicano Armando Manzanero, junto al que interpreta el tema de "Nada personal".

En 2003 publica el álbum Frágil, en el que presentó su propuesta pop más genuina y encuentra su sitio e identidad, que la hizo presentarse por primera vez sola en vivo, en una breve gira por América y Europa, Gira Frágil. Fue el material que la consolidó como solista, y con el cual logra además numerosas nominaciones y premios como el Grammy Latino, Premios Shangay (España) y los Premio Oye (México). A pesar de las buenas críticas, el público no acoge tan bien el disco. A la par de la promoción que Ana hizo de su disco, participó también junto con el italiano Gigi D’Alessio, en la grabación del tema inédito "Un Nuevo Beso". Esto, de acuerdo a Ana, se dio por la voz tan particular de Gigi y su carisma. Además de interpretar el tema "Sweet Lullaby" en el disco de grandes éxitos de Deep Forest, Essence of Deep Forest.

Luego hace una breve pausa en su carrera musical, realizando colaboraciones puntuales con artistas como Aleks Syntek, en 2004, con quien interpretó el tema a dúo "Duele el Amor", uno de sus mayores éxitos a nivel comercial. También colabora en uno de los conciertos de Syntek en su país, cantando junto a él la canción "Las Curvas de esa Chica" perteneciente a Mecano. Otras destacables colaboraciones de Ana se dieron en el disco Me olvidé de vivir, cuyos beneficios fueron destinados al Proyecto Alzheimer de la Fundación Reina Sofía, donde cantó a dúo con Txetxo Bengoetxea el tema "Partir" y grabar también el tema "Solo pienso en ti" de Víctor Manuel para el programa de TVE "Nuestra mejor canción".

A finales de 2004 lanzó en Latinoamérica un disco de grandes éxitos llamado Esencial para el cual escogió las canciones que a su parecer, eran las preferidas de sus seguidores (por lo cual dejó fuera algunas significativas para ella), acompañadas de un DVD con todos sus vídeos. A principios de 2005 dicho disco se publicó en España, incluyendo una canción inédita llamada "No me Canso", de Carlos Chaouen. Además, en éste material Ana menciona, que representa un "punto y seguido en su carrera". Con el éxito rotundo que tuvo el grupo Psy 4 de la Rime con la canción "Une femme avec une femme'" en 2005, Ana decide colaborar, para lo que sería Enfants de la lune. El mismo año da a luz a su primera hija, que recibió el nombre de Jara.

Ya en el verano de 2006 realiza la gira La fuerza del destino, con la que rinde su particular homenaje a Mecano y su público. El tour recorre toda España y Latinoamérica finalizando en el Festival de Viña de Mar, donde obtuvo un éxito inesperado, con "el monstruo", como popularmente se conoce al público del festival, exigiendo a gritos su retorno. También publica un disco rápido llamado Me cuesta tanto olvidarte recuperando trece canciones de su ex grupo versionadas de manera novedosa, con sonoridades muy diferentes de las originales. Así por ejemplo, "Hijo de la Luna" adopta un aire de mariachi y "Barco a Venus" se convierte en una rumba.

En junio de 2007 ofreció una breve actuación junto con su antiguo compañero Nacho Cano en la Plaza de Colón de Madrid con motivo del Día Mundial contra las Drogas. En el concierto, ante 4.500 personas, interpretaron tres antiguos éxitos de Mecano. En 2008, Ana decide colaborar con Schiller, artista alemán de música electrónica, poniendo voz al tema "¿Por qué te vas?", incluido en el álbum Sehnsucht, el cual fue n.º 1 en Alemania. El 17 de mayo de ese mismo año, es invitada por Aleks Syntek a colaborar en el macro concierto de la Fundación Alas, en la ayuda de los niños de Latinoamérica. Interpretó "Me cuesta tanto olvidarte" y «Duele el amor» con Aleks Syntek, "Corazones" con Miguel Bosé y "Te amaré" junto a todos los artistas invitados.
En 2009 interpreta junto a Raphael, la canción "Hijo de la luna". Este mismo año colabora con el guitarrista del grupo Maná, Sergio Vallín en su proxímo disco "Bendito entre las mujeres".Actualmente, Ana prepara su cuarto álbum de estudio en español, producido por el venezolano Andrés Levin (quien ya produjo el álbum Pasajes de un sueño, y el tema "No me canso") y en el que colabora una vez más, entre otros, Aleks Syntek. El álbum continuará y evolucionará la línea pop-electrónica iniciada en el álbum Frágil, se encuentra en proceso de grabación, llevará por título "Sonrisa" y se publicaría en septiembre de 2010. A la espera del prorrogado disco Ana graba el tema María Luz para el recopilatorio Mecano: Siglo XXI que conmemora treinta años de la formación del grupo.

También, el cantante inglés Jack Lucien declaró en 2010 que ha trabajado con la cantante en su propio próximo disco con una nueva versión de la canción "Ya no te quiero" .

A principios de julio estrena el primer sencillo del álbum "Sonrisa", compuesto por Airam Etxániz.Fuente Wikipedia

domingo, 22 de agosto de 2010

Alain Debray (Horacio Malvicino)

Alain Debray (Horacio Malvicino)Alain Debray (Horacio Malvicino)

Alain Debray (Horacio Malvicino)Alain Debray (Horacio Malvicino)

Músico de Piazzolla, vendió millones de discos como "Alain Debray". También grabó con Tanguito.
Hoy, en Concordia, comenzará el Festival Jazz de las dos orillas: un tributo al guitarrista entrerriano Horacio Malvicino, precursor del bebop en la Argentina y músico de Astor Piazzolla durante 40 años. "Me alegro; los homenajes suelen hacerse post mortem. Dicen que los homenajeados los disfrutan desde el más allá. Pero esta versión es de Victor Sueiro y no me convence del todo", bromea, con los dedos entrelazados y anillos dorados en ambos meñiques, al otro lado de su escritorio de vicepresidente de la Asociación Argentina de Intérpretes. Su computadora titila; su teléfono aúlla; una secretaria le hace preguntas. El hombre que responde con suficiencia nació, según algunas notas de archivo, en 1927; según otras, en 1930. "Tengo 70", corta él. En todo caso, parece tan activo y ocupado como un operador bursátil de 25 o 30.
Malvicino viene de tocar en Inglaterra con otros dos ex integrantes de los grupos de Piazzolla: Suárez Paz y Console. En julio, se presentará en Rusia y México. "Estoy embarcado en lo que llamaría el post Piazzolla", dice, y esboza un espectáculo integral con tango fusionado. Fuera de lo musical, también tiene planes: recibirse de médico, por ejemplo. "En los 40 me vine a Buenos Aires para estudiar Medicina. Llegué hasta 5° año, pero mi familia ya no me pudo mandar los 150 pesitos para la pensión y los libros. Tuve que abandonar. Me mandaron mi guitarra y salí a recorrer bares. Vendí diarios. Pasé hambre. Hasta que pude vivir como músico. Ahora quiero retomar la carrera. No pretendo atender pacientes. Quiero cumplir con lo que deseaban mis padres".

Más allá del homenaje en Concordia, ¿siente que su música fue lo suficientemente reconocida?

Me impacta que digas "fue". Lo mejor de mi música está por venir. Espero que la vida me dé tiempo. Y admito que se conoce apenas un aspecto de mi música: lo que hice con seudónimos, como Alain Debray o Don Nobody; o los acompañamientos, orquestaciones, o la música de películas, televisión y jingles.
Es cierto que cuando entró en el octeto de Piazzolla con su guitarra eléctrica recibió amenazas de muerte
Por supuesto. Aunque no sé si eran de muerte... Prometían "reventarme" o, con más frecuencia, pegarme. Acá todavía se discute si esa música era tango. En Europa, mientras tanto, hay unos 200 grupos de italianos, franceses, suecos, holandeses que tocan las partituras de Piazzolla como si fueran de Bartok o Brahms.

Hoy vuelve al jazz. Alguna vez participó en jam sessions con Gillespie, Ellington o Gary Burton...

Sí, pero hace 30 años que no toco jazz ante público y tomo esto como un encuentro con músicos como Jorge Navarro, Osvaldo Fattoruso o Daniel Maza. Pensé en agradecerles el homenaje y no tocar. Pero lo haré, aunque el jazz te demande estar en un ámbito especial, que en otra época era bohemio. Recuerdo cuando recorríamos bares pidiendo tocar. El jazz se toca por gusto o por amor: nunca paga mucho.

Su carrera ha sido muy ecléctica: también trabajó con mitos del rock, como Tanguito...

Sí, Tanguito grabó mucho conmigo y yo le puse la orquesta. Recuerdo que un día vino a mi casa, en Las Heras y Callao, con su muñeca cortada. Le chorreaba mucha sangre. Tuvimos que llevarlo al Rivadavia. En esa época, yo no estaba muy metido en la cultura del rock. Fui uno de los primeros que tuvo acá un disco de Los Beatles, pero leía esa música y no la encontraba genial sino sencilla. Hasta que un día me pidieron que grabara temas de ellos y un productor americano me dijo: Mire, están todas las notas. Pero esto no tiene sabor.
¿Pudo encontrar finalmente ese "sabor"?

Sí. En el 65 los escuché en Nueva York y quedé impresionado por la multitud, los alaridos y el olor extraño: eran las mujeres que se hacían pis encima. Algo increible.

Sé que los Stones no le gustan tanto....

Nunca me gustaron. Me parece que están robando. El guitarrista no es ningún genio y tampoco el resto. Salvo Charlie Watts, el baterista, que viene del jazz. Admito que tienen polenta y que son leyenda.

¿Alain Debray ya se retiró?

No. Goza de buena salud y ya grabó 23 discos, con su versión de La cumparsita, que vendió 2 millones de copias, música de películas, de comedias musicales. El problema es que vendió mucho mientras era sólo Alain Debray, un director francés; cuando se supo que detrás estaba yo, la venta decayó. El típico Cómo va a ser importante si vive a la vuelta de mi casa.

Muchas veces lo acusaron de haber compuesto música comercial para teleteatros, cine, programas de TV, jingles. ¿Se arrepiente de algo?
No. Hice todo con profesionalismo: creo que nada fue malo. Estoy a favor de la buena música, que puede ser comercial. No me gusta la mala música, la nada, como la de los Pibes Chorros. Fuente reportaje realizado a Alain Debray(Horacio Malvicino) el 14 de Junio de 2003 por Miguel Frias