sábado, 28 de marzo de 2009

Alberto Marino

Alberto Marino en 1960Alberto Marino en 1960
Alberto Marino con Hugo Baralis director de su orquesta en 1960Alberto Marino con Hugo Baralis director de su orquesta en 1960
Alberto Marino con Anibal Troilo y Roberto Grela en 1955Alberto Marino con Anibal Troilo y Roberto Grela en 1955


Alberto Marino: Nombre de Familia: Vicente Alberto Marinaro ; una de las voces mas importantes de nuestro tango , nació en la ciudad de Verona – Italia el 16 de Abril de 1920.
Sus padres Angel Marinaro, su madre Angela Musso eran cantantes líricos, y tuvieron seis hijos; Carmela, Dina , Flora, Vicente Alberto, Nina(Antonina) y Gino.
Su abuelo vino a Argentina como inmigrante antes del 1900 y se radicó en la provincia de Salta, dedicándose a la explotación de Minas de Carbón.
Con el tiempo mandó buscar a sus familiares y en 1926, sus padres obedeciendo el pedido de su abuelo, arribaron a Buenos Aires.
En 1928, Don Ángel y su familia al no aclimatarse en Salta, deciden instalarse en Buenos Aires.
Pasa su infancia en el Barrio porteño de las Cañitas y en 1938, se decide a estudiar canto, con el maestro Bonessi, quien para ese entonces era profesor de los mas grandes cantantes de tangos.
Al tiempo debuta en Radio La Nación ( actual Radio Mitre ), bajo el seudónimo de Alberto De Mari. Había un joven de su edad que tenía pretensiones de tener su orquesta propia, que tocaba el bandoneón, llamado Emilio Balcarce, y lo tentó para que cantara con el.
Si bien ese fue su comienzo, la patriada duró poco, dado que la orquesta se disolvió. Fortunato Martino un bandoneonísta que había dejado la orquesta de Francisco Lomuto, formó su orquesta y lo invitó al joven Alberto Marino para que se incorpore; al tiempo pasó a cantar con otro bandoneonísta, Luis Moresco.
El bandoneonista, Emilio Orlando, dejó la orquesta de José De Caro en 1939 para formar la suya propia e incorpora como cantantes a dos jóvenes talentosos cantantes, dotados de un color de voz y un registro poco común.
Uno era Roberto Rufino y el otro Alberto Marino, el primero con 17 años; Marino con flamantes 19 años. Debutan en el Alvear Palace Hotel.
Eran tiempos del gran despegue que se produciría a partir de 1940. Rodolfo Biagi, que se había ido de la orquesta de Juan D'Arienzo en 1938 y había formado su orquesta , que además tenía un éxito rotundo para el año 1941, le echó el ojo al joven Marino, y no dudó en tentarlo y Alberto le pidió unos días para contestarle, pero íntimamente quería aceptar. Rodríguez Lesende, Andrés Falgas, Jorge Ortiz, habían pasado por esa orquesta, que no era poco, pero quiso el destino que su destino fuera otro.
Anibal Troilo era para la década que comenzaba, director de una de las orquestas líderes entre los porteños.
Pichuco con su olfato tan particular sabía que un solo cantor no bastaba para dar respuesta a tanta demanda de parte del público, que ansiosamente estaban ávidos de escuchar las letras nuevas que los poetas escribían y que reflejaban esas historias de vida contadas en tres minutos.
Sabía de las mentas del pibe Marino, y no dudó en ofrecerle incorporarse como segundo cantor a su agrupación secundando a uno de los iconos mas grande de la canción: Francisco Fiorentino.
Si bien Marino reconocía en Rodolfo Biagi a un director exitoso, aceptó la propuesta de Aníbal Troilo, en principio por razones económicas, la oferta de Pichuco era muy superior a la de Biagi , y en segundo lugar porque Troilo juntamente con Carlos Di Sarli y Osvaldo Pugliese eran los reyes de la noche de Buenos Aires, donde los cabaret eran los lugares donde noche a noche se convertían en la Catedral del Tango.
Debemos reconocer que Francisco Fiorentino con Albero Marino, fue un ensamble perfecto, resultado del olfato de Pichuco que buscó con la voz de Marino armonizar dos matices de voces diferentes pero que se complementaban de tal manera que se reconoce a través del tiempo como uno de los dúos mas famosos de nuestro Tango.

Su Mejor Momento
Cuando Pichuco anunciaba paras ese entonces ( año 1942 ), que además de su cantor estrella Fiorentino, incorporaría a un segundo cantor, los tangueros no entendían nada....
No podían aceptar que hubiera otro cantor al lado del que ellos consideraban uno de los tres mejores cantores de esos momentos.
Francisco Fiorentino, Roberto Rufino y Alberto Morán. La expectativa que se había desatado entre los porteños, era enorme, diarios, revistas, y radios anuncian el inminente debut...
El 5 de Abril de 1942, en el cabaret TIBIDABO se produciría la presentación del nuevo cantor.
Arranca el Gordo Pichuco, con "Pablo", un tema instrumental, sigue Fiorentino con un éxito suyo y llegó la hora mas esperada...
La Orquesta comienza con los acordes de "Copas y besos" y Alberto Marino con una serenidad absoluta interpreta el primer estribillo...
Su hermosa voz, su privilegiada garganta, producen entre los presentes una seducción inmediata, la ovación que se escucho al concluir el tema fue estruendosa, había pasado el examen con las mejores notas...
Recibió la aprobación de Pichuco, Fiorentino y sus compañeros músicos: Pepe Basso, Miguel Rodríguez, Eduardo Marino, Alberto García, Marcos Troilo, David Diaz, Reynaldo Nichelle, Juan Alzina , Pedro Sapochnik, Alfredo Citro y Kicho Diaz.
La noche de Buenos Aires tenía un pibe con Voz de Oro, pero faltarían 3 años más para que Alfredo Gobbi lo bautizara en 1945 "LA VOZ DE ORO DEL TANGO".
Fiorentino-Marino, pasaron a ser uno de los dúos mas destacados de la década del 40.
El timbre de la voz de Marino, fue causa de un magnetismo especial para acrecentar la popularidad de la Orquesta de Anibal Troilo.
Algunos de sus éxitos fueron : "Café de Los Angelitos", "María", "Tres amigos", "La luz de un fósforo", "Uno" y "Rosicler".
Evidentemente el Gordo, había acertado una vez mas cuando elegía. Llovían las propuestas para actuar en todos los club de Barrios, en Radios, y en todo reducto donde el Tango era bienvenido.


Recambio de cantor

Corría el año 1944 y luego de seis años de ser el cantor estrella en la agrupación del querido Gordo, Francisco Fiorentino se desvincula de la Orquesta.
Entre Marzo y Octubre de ese año, Alberto Marino fue el único cantor de la Orquesta.
El Gordo, estaba en la búsqueda de una voz que ensamblara con la de Marino, para reemplazar a Fiorentino, pero no había logrado dar hasta ese momento con el propietario de ese registro. Sucedió que Alberto Marino en conocimiento que Troilo incorporaría a otro cantor, le comentó “...Anibal, mi compadre Floreal Ruiz canta con Alfredo De Angelis y me habló hace un tiempo que quiere dejar la orquesta de Alfredo; no lo quisiera probar ? “ Pichuco, que ya lo conocía, pero por respeto jamás tentó a músicos o cantores de otros colegas, le contestó “...si es como usted dice...que se quiere ir, dígale que con gusto lo probaré”.
Y así fue como Alberto Marino interesó a Floreal Ruiz quien inmediatamente aceptó pasar a ser el segundo cantor de Troilo. Alfredo De Angelis quedó muy disgustado con esta decisión de Ruiz, dado que en el corto periodo que estuvo le redituó mucho éxito con los temas que interpretaba Floreal y que eran aceptados ruidosamente por el público.
Pero así eran las cosas, Alfredo De Angelis incorporó en su reemplazo a Carlitos Dante y debido al hermoso dúo que formaron con Julio Martel, la sangre no llegó al río.
Debemos aclarar que en lo económico eran tiempos muy difíciles y que Floreal Ruiz al pasar con Aníbal Troilo pasó a ganar tres veces mas de lo que ganaba con De Angelis. "Palomita Blanca", "Adiós Pampa Mía"; "Llorarás, Llorarás", fueron algunos de los éxitos que el nuevo binomio de Marino-Ruiz interpretaban juntos, y deleitaban a los seguidores de la orquesta de Pichuco.
En Febrero de 1946 , Alberto Marino decide continuar su carrera como solista y en consecuencia se lo comenta a Troilo , quien comprendiendo que Marino tenía luz propia y que no iba a fracasar, se alegró mucho; lo abrazó tiernamente y le deseó el mejor de los éxitos.


Marino Solista

El tano Marino, siempre fue reconocido en el ambiente como un hombre de bien. No olvidaba que hace muchos años cuando comenzó Emilio Balcarce lo había invitado a ser el, el cantor de su Orquesta.
Por lo tanto, y en conocimiento que pronto dejaría de acompañar a Alberto Castillo, le ofreció hacerse cargo del acompañamiento musical en esta su nueva etapa de solista. Balcarce aceptó gustoso, y comienza una etapa brillante actuando en radios y en el café Marzotto.
Comentan los que estuvieron en el debut de Marino, que era tanta la gente que acudió a la presentación de Alberto en el Marzotto, tuvieron que cortar la calle Corrientes entre Libertad y Cerrito.
Llovían las ofertas para actuar en todo lugar de Tangos, las compañías discográficas se lo disputaban y la Compañía Odeón que le hizo la mejor propuesta se quedó con la nueva estrella.
Graba para este sello en 1947, La Muchacha del Circo y Organito de la Tarde, temas que inmediatamente se agotaron dado el espectacular éxito de los mismos entre el publico que lo seguía. Tambíen graba "Canzoneta" , "La casita de mis viejos" y "Venganza".
Cuando Emilio Balcarce le comenta a Marino que dejaba la dirección de la Orquesta para dedicarse a ser orquestador, Marino elige al maestro Héctor María Artola quien pasó a ser su nuevo director.
Los éxitos de la actuación de Marino en donde actuara era moneda corriente, Ebro Bar, Ruca, Tango Bar. Las Confiterías Richmond, La Armonía, eran algunos de los lugares donde Marino trabajaba a sala llena. Recorrió todo el país, llevando a mas público su hermosa voz. Comienza a viajar al extranjero, y la colonia latina de Nueva York conoce a Marino acompañado en ese momento por Osvaldo Tarantino.
A fines del año 1969 viajó a Japón, acompañando a una embajada de Tangueros donde entre otros estaban Hector Varela. Alberto Marino, fue siempre un brillante profesional, responsable, estudioso, buen esposo y padre, asumiendo con mucha dignidad la pérdida prematura de su querida esposa Irma Argentina Galván, quedando el, al cuidado de sus dos hermosos hijos, Carlos Alberto y Claudia Analía, quien con el paso de los años , Claudia, siguió los pasos de su padre como interprete de tangos.
El 20 de Junio de 1989 a los 69 años, fallece uno de los mejores interpretes que dio nuestra canción popular. Fuente Ricardo Espinosa Belén de El Portal del Tango www.elportaldeltango.com Fotos libro de Horacio Ferrer. Muchas gracias.

viernes, 27 de marzo de 2009

Sarah Brightman

Sarah BrightmanSarah Brightman

Sarah Brightman en 2008Sarah Brightman en 2008


Sarah Brightman (Hertfordshire, Reino Unido, 14 de agosto de 1960) es una soprano, actriz y bailarina británica. Canta en diferentes idiomas tales como Inglés, Español, Francés, Latín, Alemán, Italiano, Hindú y Mandarin.

Ha recibido 160 discos de Oro y Platino en 34 países, es la única artista en el mundo que ha ocupado el puesto #1 en el Billboard Dance y el Billboard Classical Chart simultáneamente. Ha vendido aproximadamente 26 millones de discos y más de 2 millones de DVDs.

Sarah Brightman nació en Berkhamsted, Hertfordshire, Inglaterra, sus padres son Paula y Grenville Brightman, y es la mayor de seis hijos. A los tres, tomó clases de ballet en la Escuela Elmhurst y apareció en festivales locales. Más tarde, audicionó para el Royal Ballet de Londres, pero fue rechazada. A los 16, en 1976, se unió al grupo de baile Pan's People, que participo en la serie de en la serie de TV. de la BBC Top Of The Pops. Un año más tarde se unió al grupo de danza "Hot Gossip". El grupo lanzo su primer disco en 1978 con el hit "I lost my heart to a Starship Trooper", que vendió medio millón de copias y alcanzó el número seis en el UK Charts.

Seis meses más tarde el grupo lanzó un nuevo single llamado "The Adventures of the Love Crusader", pero resultó ser un fracaso. Ahora en solitario, publicó mas álbumes bajo la discográfica Whisper Records, incluidos "Not having that!" y el cover de la canción "My boyfriend's back".

En 1981, Brightman audicionó para el nuevo musical de la época "Cats" y recibió el papel de Jemima. En los ensayos conoció a Andrew Lloyd Webber. Ambos finalmente se casaron en 1984 y a partir de este momento Brightman protagonizaba en los musicales de Lloyd Webber, incluidos Song and Dance y la masa Requiem, esta última escrita para ella. Con Requiem obtuvo su primera nominación al Grammy.

Brightman protagonizó a Christine Daae en la adaptación de El Fantasma de la Ópera por Lloyd Webber. El papel de Christine fue escrito específicamente para ella.

Después de salir de el Fantasma de la Ópera, Sarah realizó una gira con la música de Lloyd Webber que la llevó a visitar Inglaterra, Canadá y los Estados Unidos. En esta misma época se lleva a cabo la misa de Requiem en la Unión Soviética. Publicó grabaciones en estudio, incluyendo el single "Anything But Lonely" de Aspects Of Love y dos discos como solista: The Trees They Grow So High (1988), que fue una recopilación de las canciones más populares acompañadas por un piano, y The Songs That Got Away (1989), recopilación de canciones extraídas de obras de teatro compuestas en su mayoría por Irving Berlin y Stephen Sondheim.

En 1990, Lloyd Webber y Brightman se separaron.

Su carrera en teatro había terminado. En 1992, cantó en los Juegos Olímpicos de Barcelona, "Amigos Para Siempre" junto a José Carreras. En esta ocasión Brightman fue vista por más de 4 billones de personas a nivel mundial. Después de esto se inspiró para ir en solitario y pidió trabajar con un ex-integrante de la banda Enigma. Su petición fue respondida y en 1991 viajó a Alemania para reunirse con su actual productor, Frank Peterson. Su primer lanzamiento fue Dive (1993).

Fly (1995), fue un álbum pop rock y también su segunda colaboración con Peterson, ésta producción le dió a Brightman fama en Europa con el hit "A Question of Honour". La canción fue presentada en el Campeonato Mundial de Boxeo en Alemania, específicamente antes de la pelea entre Henry Maske y Graciano Rocchigiani. Esta pieza combina música electrónica, elementos de rock y extractos del aria "Ebben ... Ne Andro lontana" de Alfredo Catalani de la ópera La Wally.

"Time to Say Goodbye" ( "Con te partiro") fue la segunda canción que debutó Brightman para Maske, esta vez en su última pelea. Este dúo con el tenor Andrea Bocelli vendió más de 3 millones de copias sólo en Alemania, convirtiendose en un éxito de ventas. Debido al suceso de la canción, en 1996 se lanzó al mercado una segunda versión de Fly en la que destacaba "Time to Say Goodbye" como primera pista.

Timeless (publicado en 1997, con el título Time To Say Goodbye en América) que figuran "Time To Say Goodbye" y otros temas de inspiración clásica, como "Just Show Me How to Love You", un dueto con José Cura (originalmente cantado por Darío Baldambembo con el título "Tu Cosa Fai Stasera"), un cover de "Who Wants To Live Forever", y "Tu Quieres Volver", (originalmente grabada por los Gipsy Kings) recibió un Grammy Taiwan por ser el álbum más exitoso del año.

La principal exposición de Brightman en los Estados Unidos también comenzó en este tiempo, empezando con una aparición en diciembre de 1997 en el especial PBS de Bocelli, con el duéto "Time to Say Goodbye"; más tarde, en marzo de 1998, se transmitió su propio especial de PBS, Sarah Brightman in Concert at the Royal Albert Hall, marcando el momento en que se posesionó entre los primeros puestos de la tabla Billboard 200. En 1999, Brightman también apareció en el disco "No me olvides" de Princessa, otro artista con quien había trabajado anteriormente Peterson.

Los siguientes álbumes incluyeron Eden (1998) y La Luna (2000). Estos álbumes, a diferencia de Timeless, incorporaban más elementos de música pop. Los comentarios fueron buenos para ambos.

Eden alcanzó el puesto # 65 en el Billboard 200 Chart (recibiendo un certificado Oro por la venta de más de 500.000 ejemplares), y La Luna alcanzó el # 17. Además, los dos álbumes alcanzaron el número 1 en Billboard Classical Crossover Chart. A finales de 2001, la revista Billboard señalo a Brightman como uno de los tres artistas más importantes del Classical Crossover del Reino Unido (los otros son Charlotte Church y Russell Watson).

En 2001 lanzó el álbum Clássics, que contenía en su mayoría arias de ópera y otras piezas clásicas incluyendo una versión de "Time to Say Goodbye" en solitario. Los comentarios para este álbum fueron mejores que sus predecesores: Entertainment Weekly, le dio al álbum una calificación de B-[16].

En 2003 su álbum Harem representó un gran éxito: contenía ritmos y sonidos del Oriente Medio con temas influenciados por música dance. En Harem, colaboró con artistas como los iraquíes Ofra Haza y Kazem al-Saher. Nigel Kennedy también contribuyó con pistas de violín para las canciones "Free" y "The war is over". El álbum alcanzó el # 29 en el Billboard 200 Chart (consiguiendo vender 333.000 copias, es decir, aproximadamente un tercio del total de ventas de La Luna), y alcanzo el puesto # 1 en el Billboard Clássical Crossover Chart. Algún tiempo más tarde, otro single del álbum (la canción "Free", co-escrita por Sophie B. Hawkins) se convirtió en un hit Top-10 de esta tabla.

Los álbumes Eden, La Luna, Harem y fueron acompañados por giras en vivo que incorporaban la teatralidad de sus orígenes. En 2000 y 2001, fue uno de los 10 artistas británicos más populares en los EE.UU., recaudando $ 7,2 millones brutos en 34 espectáculos en 2000 y $ 5 millones en 21 espectáculos en 2001.

Recientemente, la gira Harem recaudó más de 60 millones de dólares netos y vendió más de 700.000 entradas, de las cuales 225.000 procedían de América del Norte.

Los comentarios para las giras fueron mixtos: un crítico del New York Times llama a La Luna Tour "no tan divina, pero sobre-humana" y "sin intención inquietante: un hermoso argumento del vacío." En contraste, un revisor de la Boston Globe considera la gira Harem "única, convincente" y "encantadora y eficaz."

Los especiales de PBS fueron producidos para casi todos los álbumes de Brightman en los EE.UU., un director de marketing ha descrito estos epeciales como la fuente de su éxito. De hecho, su concierto de Eden fue uno de los más eventos trasmitidos que más recaudó.

Brightman publicó una colección de DVD de sus videos musicales el 3 de octubre de 2006 bajo el título de Diva: The singles collection. El álbum entro en los grandes éxitos en los Estados Unidos, que alcanzó el número 1 en el Billboard Classical Crossover Chart.

Posteriores apariciones incluyen el Concierto para Diana en julio de 2007, cuando cantó "All I ask of you" junto con Josh Groban; En China participa en el Live Earth de Shanghai el 7 de julio de 2007 , interpretando cuatro canciones ( "Nessun Dorma", "La Luna", "Nella Fantasia" y "Time to Say Goodbye"). El 25 de agosto en el Campeonato Mundial de Atletismo en Osaka estrenó su sencillo "Running" y participó en el Macy's Thanksgiving Day Parade interpretando "The Journey Home". También en 2007 fue la estrella del TV Show Inglés Just Two Of Us en pareja con Mark Butcher.

El 29 de enero de 2008, lanzó su primer álbum en cinco años: Symphony, influenciado por sonidos góticos. La canción "Symphony" es un cover de "Symphonie" del grupo alemán Silbermond. En el álbum destacan las participaciones de los artistas Fernando Lima, Andrea Bocelli, y el vocalista de Kiss, Paul Stanley, que en dúo con Brightman interpretan "I'll be with you", cuya versión fue tema de la película Pocket Monsters. Para promocionar Symphony, en otoño de 2008, Brightman se embarcó en una gira visitando numerosas ciudades en Estados Unidos, Canadá, México, Europa y Asia. La gira se posesionó entre las más lucrativas del 2008, recaudando aproximadamente 14 millones de dólares solo en Norteamérica. Ofreció también un espectacular concierto en la imponente Catedral de San Esteban (Stephansdom) en Viena, donde grabó su más reciente DVD. Además realizo varias apariciones en la televisión de los Estados Unidos, incluyendo el Fashion on Ice transmitido por NBC, The view, Martha, The Early Show y Fox and Friends de Fox News Channel. En el concierto del Día Memorial en Washington interpretó "Pie Jesu", "There you'll be" y "God Bless America". Esta última junto a Idina Menzel, John Schneider, Gladys Knight y Rodney Atkins. También participó en la película Repo! The Genetic Opera haciendo el papel de Blind Mag.

El 8 de agosto de 2008 Brightman y el cantante chino Liu Huan cantaron conjuntamente "You and Me" en mandarín e Inglés en los Juegos Olímpicos de Beijing 2008 en la ceremonia de apertura. El 4 de noviembre de 2008, Brightman lanzó su primer álbum de temporada, titulado "A Winter Symphony" que llega al número 3 de las listas en el mes de diciembre y lleva vendidas más 200 mil copias en EE.UU. hasta el momento.

El 24 de Diciembre de 2008 interpretó "Silent Night" en el Walt Disney World Verry Merry Christmas parade, que fue transmitido por ABC la mañana de Navidad y participó en distintos eventos en estas fechas como invitada especial, como el "Happy Xmas Show", que tuvo lugar en la catedral de St. Brendan en Los Angeles.

A principios de 2009 se convirtio en la embajadora oficial en Gran Bretaña de la Exposición Mundial de Shanghai que se prepara para 2010.

Actualmente Brightman es considerada una de las voces más exquisitas de la música popular, además de ser una de las más detacadas sopranos del siglo XX y XI
El primer entrenamiento vocal de Brightman fue con Elizabeth Hawes, jefe de la Trinity Music College de Londres, y más tarde con Ellen Faull de Juilliard. Actualmente estudia con el internacionalmente conocido profesor David Romano. Ella tiene un rango vocal de tres octavas gama. Según Brightman, su voz a veces llega a un F6. Sin embargo, su nota más alta cantada en público y en el estudio es el E6 final de "El Fantasma de la Opera".

La música de Brightman es normalmente clasificada como Classical Crossover. Según registros de Manhattan Records, ella es responsable en gran medida de la popularidad del género. En una entrevista con la revista People, Brightman rechazó la etiqueta de Classical Crossover y la describió como "horrible", pero dijo que entiende la necesidad de la gente por categorizar la música. Sus influencias incluyen música de los años 60 y 70 y y artistas como David Bowie y Pink Floyd. Su trabajo es constantemente comparado al de Madonna, Cher, y Celine Dion. El material de sus discos va de versiones de arias de ópera de compositores como Puccini (en Harem, Eden, y Timeless), a canciones de pop ("Dust in the Wind" de Kansas), ("Here With Me" de Dido), y ("A Whiter Shade of Pale" de Procol Harum).Fuente texto y fotos Wikipedia en español

jueves, 26 de marzo de 2009

Victor D'Amario

D'AMARIO, Victor
D'AMARIO, Victor: Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Nació en la ciudad de La Plata —provincia de Buenos Aires—. (5 de mayo de 1909 - 20 de agosto 2007)
Nombre de Familia: Víctor Salvador D’Amario
En ésta y luego en Buenos Aires, inició su carrera de profesional acompañando a la cancionista Mercedes Carné hacia 1927. Integró luego una orquesta de señoritas, para formar por último su propia agrupación, con la cual alcanzó marcada popularidad en La Plata luego de 1930, presentándose con carácter de director estable en el Jockey Club de La Plata, en la confitería Centro américa, en LS11 Radio Provincia y en el Jockey Club de Punta Lara. En 1935 comenzó su trayectoria definitiva en Buenos Aires, ingresando a las programaciones de las emisoras Mitre y del Pueblo y el clásico palco del café Germinal de Corrientes, entre Pellegrini y Suipacha. Continuó desde entonces su labor en distintos locales, colaborando en 1944 en la musicalización de la película Un Muchacho de Buenos Aires, que dirigió Julio Irigoyen, con Héctor Palacios, Chola Bosch, Tino Tori y Lea Conti en los papeles principales. Desde 1951 grabó las versiones de su orquesta para el sello Pathé, con los cantores Alberto Santillán y Carlos Almada, Alberto Morel, Ricardo Blanco, entre otros. La guiñada, La torcacita y su propio tango El remache dieron lugar a sus más valiosas interpretaciones.Compositor de Sueños dorados y Mi viejo barrio. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

miércoles, 25 de marzo de 2009

Pedro Infante

Pedro Infante
Pedro Infante

Pedro InfantePedro Infante



Su nombre de pila era José Pedro Infante Cruz. Hijo de Don Delfino Infante de profesión músico y Doña Refugio de Infante. Nació el 18 de Noviembre de 1917, en la ciudad de Mazatlán, Sinaloa (México), pero desde muy pequeño fue a vivir a Guamúchil, población que él siempre consideró como su tierra natal. Fue el segundo de nueve hijos. De familia muy humilde. Su padre dirigía una banda de música y seguramente su inclinación y su aptitud musical nació de esa circunstancia. En su adolescencia fue carpintero. Medía 1.77 m. de estatura y pesaba 71 Kg.
En 1928 obtuvo su primer trabajo como mandadero, más tarde conoció el oficio de carpintero y en 1932, entró a formar parte primeramente de la orquesta La Rabia, luego de la Orquesta de don Luis Ibarra y después fue líder en la Orquesta Estrella de Mazatlán, imponiéndose así su verdadera vocación.


Tuvo mucha suerte con las mujeres desde muy joven. Sin embargo se dejó seducir rápidamente por la idea del matrimonio. En 1935 contrajo esta obligación con María Luisa León, a quien Pedro le debió el impulso de su carrera, pues él quería viajar a la capitar para ingresar al Conservatorio Nacional de Música para convertirse en un gran violinista. Y María Luisa no se equivocó en la intuición que tenía de que Pedro sería un gran artista. Lamentablemente, entre más éxito fue alcanzando, mayor fue su distanciamiento hacia ella.
Pero tampoco fue fácil el camino del triunfo. Recién casado anduvo durante tres años cantando en restaurantes como músico ambulante, hasta que se presentó en la XEW y consiguió su primer contrato para cantar en la radio. Le pagaban $12.50 por cada programa. (En el momento cumbre de su vida artística cobraba $5.000.00 por una presentación). En aquella época aprendió a leer y a escribir para poder trabajar en cine.
Las primeras grabaciones que realizó Pedro Infante fueron los boleros “Guajirita” y “Te estoy queriendo” en el sello de la Víctor y “El durazno” y “Soldado raso” en Peerlees. Dejó impresas en este sello 322 canciones en 14 años en que fue su artista. Sus últimas grabaciones fueron “Ni el dinero ni nada” y “Corazón apasionado”. Cobraba entonces la suma de $15.000.00 por cada disco grabado.
Su inclusión al cine fue muy difícil por la torpeza de sus movimientos y su timidez, situaciones muy lógicas en una persona que no había tenido gran roce social. Hasta que con alguna preparación actuó en La Feria de las Flores, en el mes de junio de 1942, interpretando canciones de Chucho Monge y Manuel Esperón. La película se estrenó el 16 de enero de 1943 pero no tuvo ningún éxito.

En 1942 también filmó La Razón de la Culpa, en la cual tuvieron que doblar su voz ya que interpretaba a un español y su acento norteño no permitía darle credibilidad a su papel; justamente fue el único personaje no mexicano que él interpretó.
Finalmente en Viva mi Desgracia logró una actuación excelente y se convirtió inmediatamente en gran estrella del cine. Participó en 45 películas, la última fue Escuela de Rateros. Cobraba $400.000.00 por cada película.

Nominado por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas como mejor actor en 1947 con la película Cuando Lloran los Valientes, en 1948 por Los Tres Huastecos, en 1953 por Un Rincón Cerca del Cielo. Finalmente logra el premio de mejor actor por su actuación en la película La Vida no Vale Nada, el 15 de junio de 1956.
Durante las grabaciones de películas no tenía ningún problema en aconsejar a los actores novatos y darle unos cuantos consejillos, como lo hizo durante el rodaje de Escuela de música en donde enseña a las muchachas que interpretaban a los miembros de una orquesta femenina dirigida por Libertad Lamarque, los trucos del play back (seguir una música previamente grabada).
Hizo una gran fortuna, la que quiso compartir con su familia pobre. Construyó una pequeña ciudad en la carretera a Toluca, la Ciudad Infante, en donde albergó un verdadero ejército de parientes. Sus gastos eran exorbitantes, firmando en los años cincuenta cerca de 50 cheques al mes para sus familiares y gastos personales. Su gran debilidad fue entonces el aprender a volar, llegando a tener su propio avión en 1951 y en el cual casi perece en un accidente al año siguiente, cuando viajaba con Lupita Torrentera, uno de sus grandes amores. Llegó a tener para el año de 1957 una compañía de aviación compuesta por 12 aparatos.

En ese mismo año filmó A toda Máquina, en donde interpretaba a un motociclista acróbata de la Dirección de Tránsito, para lo cual se rehuso a tener un doble, así que aprendió todas las acrobacias para el papel. En una de las escenas se cayó golpeándose en la cabeza, para lo cual llamaron a un doctor, Pedro se levantó diciendo que no era para tanto, que sólo tenía un chichón. Ismael Rodríguez dice al respecto: "Era muy juguetón e irresponsable, le encantaba hacerme enojar".
En 1952 encargó a Rubén Fuentes y a Alberto Cervantes (autores de "Cien Años") que compusieran una canción dedicada a Irma Dorantes, la cual se tituló "Nuestro Amor", la cual Pedro grabó el 14 de junio de 1952.
En el año 1953 inició la grabación de boleros con el respaldo del mariachi, iniciativa del compositor Rubén Fuentes. El primer bolero que grabó fue “Ni por favor”, creando el estilo del bolero ranchero, en el cual fue su máximo exponente, sin perder nunca su humildad. Luego siguieron “Cien años”, “Te vengo a buscar”, “Llegaste tarde”, “Tu vida y mi vida”, “Mira nada más”, “Qué te pasa corazón”, “Los dos perdimos”, “Tienes que pagar”, “Nuestro amor”, “Presentimiento”, “Divino tormento”, “Si tú me quisieras”, “Que murmuren”, “Grito prisionero”, “Tu amor y mi amor”, “Tú que más quieres", “Yo te quise”, “Mal correspondido” y “Flor sin retoño”.
Fue muy devoto de la Virgen de Guadalupe, por lo cual condujo el 23 de octubre de 1954 un maratón televisivo a favor de la Basílica de Guadalupe durando 30 horas cantando, charlando y presentando a otros artistas, recaudando un millón trescientos mil pesos. Y para el 10 de enero de 1955 realizó la jornada "De la Gratitud Guadalupana" repartiendo en televicentro las medallas del mismo nombre de la jornada.

El 17 de marzo de 1955 falleció su padre, Don Delfino Infante por causa de un mal cardiaco; el mundo cinematográfico acompañó a Pedro en su dolor. Diez días después, habría de nacer Irmita, la hija que tuvo con Irma Dorantes.

En 1955 hizo su debut en la XEW, en el programa Así es mi tierra, realizando un total de 24 presentaciones, de 12 que había programado inicialmente. Hizo en esta época innumerables giras al interior y al exterior, alcanzando la imagen de ídolo en casi todos los países de habla hispana.
Llegó al Perú para su gira el 8 de enero de 1957 debutando en el Teatro Porvenir, City Hall y Radio Victoria acompañado por los diez mariachis del Perla del Occidente.
Querido y admirado por miles de mujeres, tuvo un gran corazón para muchas. Pedro Infante no tomaba bebidas alcohólicas excepto como estimulante sexual: dos copitas de coñac antes de alguna cita amorosa, su afición alcohólica era puramente cinematográfica. Su debilidad hacia el sexo femenino lo llevó a ser padre de unos 20 hijos, según los datos que daba su madre. Sus grandes amores fueron Lupita Torentera e Irma Dorantes, con quien contrajo matrimonio el que fue anulado dada la legalidad que existía aun con el primero con María Luisa León. Cuando la Suprema Corte le falló la anulación de este matrimonio, Pedro tomó la determinación de viajar de Mérida a México, para negociar con María Luisa el divorcio. No consiguiendo cupo en las empresas aéreas, decidió viajar como copiloto en un avión carguero de la empresa TAMSA, de la cual era socio. Al alcanzar el avión el despegue, se fue a tierra y Pedro, El Ídolo de Guamúchil (mote por el cual era conocido), pereció con varias personas más, el 15 de abril de 1957.

Su sepelio fue una manifestación imponente de duelo. Un gran número de mariachis le cantaron en su tumba "Amorcito corazón" para despedirlo. Hasta la fecha, Pedro Infante vive en el corazón de miles de personas que continúan sintiendo con sus canciones un inmenso cariño hacia su recuerdo
Luego de su muerte, en el Festival de Cine de Berlín ganó el Oso de Oro al mejor actor principal actuando en la película Tizoc, Ismael Rodríguez fue quien recibió el premio en su nombre anunciando que "lamentablemente él no está aquí para recoger este premio debido a que murió en un accidente aéreo" lo cual causó que el auditorio se pusiera de pie guardando un minuto de silencio en su honor.
Su muerte dejó truncados varios proyectos filmográficos al lado de figuras como la francesa Martine Carol y los norteamericanos Marlon Brando y John Derek.Fuente web de Pedro Infante www.pedroinfante.yomarnathalia.com

martes, 24 de marzo de 2009

Sandra Luna

Sandra Luna en Tango PorteñoSandra Luna en Tango Porteño


Sandra Luna en RosarioSandra Luna en Rosario


Inicia su carrera artística a los siete años en Radio Argentina, recibe formación musical (guitarra, piano, teoría y solfeo) rindiendo como alumna libre en el “Conservatorio Municipal Manuel de Falla”.
Toma clases particulares de técnica vocal con el Prof. Raúl Marino. Más tarde realiza cursos de maestría en Europa capacitándose en técnicas de diferentes ramas de la música popular.

Estudia Teatro con el Maestro Pedro Asquini y tango danza con diferentes profesores en esta categoría.

En 1974 actúa como telonera de Alberto Castillo.

En 1975 realiza presentaciones con las orquestas de los maestros Héctor Varela y Armando Cupo.
En este mismo año se presenta en el programa “Tangos y Goles” (Canal 11) acompañada por la Orquesta Estable del canal, integrada entre otros, por Roberto Grela y Leopoldo Federico, dirigida por Osvaldo Requena

En 1976 comienza a trabajar en La Casa de Carlos Gardel, hoy museo, compartiendo por más de cinco años escenarios con músicos tales como Antonio Agri, El Sexteto Mayor, El Sexteto Tango, Julio Pane, Armando Cupo, Rafael Del Bagno.

En 1980 hace su debut en el programa televisivo “Grande Valores del Tango” (Canal 9).

Comparte escenarios nuevamente con Roberto Goyeneche en el histórico local de tangos "Caño 14" junto al maestro Atilio Stampone, recibiendo en 1983 el premio como Revelación del Año.

Realiza presentaciones televisivas en ATC en diferentes programas musicales e informativos, en Canal 13 en el Programa Badía & Compañía.

Más tarde sería parte de una novela semanal “La Bonita Página” en un capítulo junto a Víctor La Place, Marita Ballesteros e Ignacio Quirós, entre otros, como actriz y cantante.

En 1984 el maestro Mariano Mores la convoca para cantar con su gran orquesta, realizando presentaciones hasta el año 1987 en escenarios de Argentina, Chile y otras ciudades del mundo. En 1986 inicia una gira de conciertos en Japón junto a José Colangelo y su orquesta, grabando como invitada en dos CD. Al volver de Japón se presenta en el Teatro Alvear junto a José Colangelo y luego en el histórico “Viejo Almacén”.

En 1987 se presenta junto a Leopoldo Federico y su orquesta con Hugo Marcel.

En 1988 integra el espectáculo de Michelangello invitada por el Maestro Osvaldo Berlinghieri, junto a Raúl Lavié.

En 1990 viaja a Estados Unidos actuando en Atlanta, Washington y New York, destacándose su participación en el Festival de Montreux en la ciudad de Atlanta.

En 1992 viaja a España, donde se radica durante ocho años realizando, entre otros eventos, el Festival de Sitges (Barcelona), Festival de Tango de Granada, Festival de música Étnica (Valladolid), junto a figuras internacionales como Monserrat Caballé, Tomatito, Alberto Cortés, Rocío Jurado, entre otras.

En la ciudad de Granada es invitada a participar por la señora Imperio Argentina cantando junto a ella "Melodía de Arrabal" donde públicamente anuncia su madrinazgo artístico.

En 1998 regresa a Buenos Aires y al poco tiempo parte para Japón dónde emprende una gira por cincuenta ciudades junto al maestro Carlos Buono y su orquesta.

Durante los meses de febrero y marzo de 2001, graba su C.D, "Tangos del Alma".
En este mismo año realiza actuaciones como cantante invitada de la Orquesta Nacional de Música Argentina "Juan de Dios Filiberto" dirigida por el Maestro Atilio Stampone.
En el mes de abril de ese mismo año, realizó presentaciones en la República de Chile, invitada por el Sexteto Mayor en su espectáculo “De Gardel a Piazzolla”.
Posteriormente realiza presentaciones en Murcia y Alicante (España) y a lo largo del corriente año realiza presentaciones en diversos sitios de Buenos Aires, "Teatro Alvear" con La Orquesta Del Tango De Buenos Aires dirigida por Garello y García, "La Casa de la Cultura", etc.
A mediados de febrero del 2002 se presenta nuevamente junto al Sexteto Mayor en el Teatro Municipal de Santiago de Chile. En abril junto al Maestro Carlos Buono con el espectáculo "Una Noche en Buenos Aires" realizando presentaciones en el “Cane-Cao” de Río de Janeiro (Brasil), entre otros. En Noviembre en 2002 es contratada para realizar una gira por Holanda y Bélgica, en teatros tales como el Concertgebow de Ámsterdam.


En el año 2003, contratada por la compañía Holandesa World Connection, graba su primer CD con proyección Internacional, “Tango Varón”, grabado en estudios ION de Buenos Aires por el ingeniero Jorge Da Silva y producción musical de Serge Glansberg (productor musical de Keith Richards). Acompañando el Tema de difusión del Cd "Carritos Cartoneros" se realiza el video clip filmado integramente en Argentina y ampliamente promocionado a nivel mundial, (ver National Geographic, Youtube, etc...)

A mediados del 2004 la compañía Times Square Records, en los Estados Unidos, decide licenciar Tango Varón. En este mismo año el CD se comienza a distribuir en Argentina licenciado por Random Records. Realiza giras por Europa, Países Bálticos, Estados Unidos y Canadá. Y en este mismo año se presenta en concierto en Buenos Aires en el Centro Cultural del Teatro General San Martín Sala A y B. Realizando un Recital en el Ciclo “Tango 04” convocada por Jorge Waisburd. Realizó presentaciones como artista invitada en el Teatro Alvear con La Orquesta del Tango de Buenos Aires, dirigida en esa oportunidad por el Director y Arreglador invitado Fabián Bertero. En el mes de Marzo de 2005 fue agasajada por el Periodismo Argentino en un evento realizado en “La Estancia” en la presentación de su CD “Tango Varón”. A partir de mayo de 2005 en Buenos Aires, cumpliendo con las expectativas generadas por un público selecto que pudo apreciar un recital denominado como su último CD, inicia un ciclo de presentaciones en el Salón Emperador de “La Estancia” que concluye en diciembre del mismo año. Debido al éxito obtenido en su presentación en el Centro Cultural San Martín Sala A y B en el 2004, fue convocada nuevamente para repetir dicho concierto en agosto de 2005. El 21 de agosto se presentó en el Festival de Bilbao en España, acompañada por su grupo y la Orquesta de Cámara de Mujeres de Bilbao. Realiza una gira a Brasil durante los días 25, 26 y 27 de noviembre de 2005 denominada “Una noche en Buenos Aires” con la gran orquesta del Maestro Carlos BUONO. La misma fue presentada como invitada especial en el Teatro TAUBE en San Pablo y el Salón de ATOS DA PUC en Puerto Alegre.



Entre abril y mayo de 2006 con preproducción de Eladia Blázquez, realiza como cantante y productora musical su CD “Con Las Alas De Eladia” producción dedicada a resaltar la obra de Eladia Blázquez. Grabado en estudios ION de Buenos Aires por el Ingeniero Jorge “Portugues” Da Silva con invitados tales como Leopoldo Federico, El Chango Spasiuk, César Angeleri y Alberto “Pata” Corbani. La mayoría de las obras fueron grabadas con el Sexteto de Fabián Bertero y Los Músicos de Buenos Aires con agregado de cuerdas en algunas de ellas, y en “Con Las Alas Del Alma” orquesta sinfónica. La dirección musical y los arreglos estuvieron a cargo del Maestro Fabián Bertero. Durante los meses de julio, agosto y setiembre se presentó junto a Jorge Waisburd y José Ogivieki en un espectáculo titulado “Muriéndonos de Amor” en un local de Palermo en Buenos Aires. El Día 14 de Septiembre se presentó como Cantante Invitada en el Teatro Alvear con la Orquesta del Tango de Buenos Aires con la Dirección del Director Invitado Fabián Bertero. En el mes de diciembre se presentara como Cantante Invitada en el Centro Cultural de Adrogué con la Orquesta del Tango de Buenos Aires con la Dirección de Raúl Garello. El día 22 enero de 2007 invitada por la Secretaría de Cultura de la Nación se presenta en el acto de apertura del año homenaje al gran poeta Homero Manzi acompañada por el maestro José Colangelo dejando inaugurado el ciclo “Manzi somos todos” El marzo del 2007 es invitada por la Connecticut Grand Opera & Orchestra dirigida por el maestro Laurence Gilmore, para presentarse como Cantante Invitada en el Palace Theatre de la ciudad de Stamford, Connecticut U.S.A. En el 2008 presenta el espectáculo “El Pulso de los Dos”, junto a Raúl Luzzi (guitarrista, arreglado, compositos). fuente Blog de Sandra Luna www.sandralunabiografico.blogspot.com

lunes, 23 de marzo de 2009

Chuck Berry

Chuck BerryChuck Berry


Chuck BerryChuck Berry


Charles Edward Anderson "Chuck" Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926) es un influyente compositor, intérprete y guitarrista afroamericano de Rock and Roll de los Estados Unidos.

Es una figura influyente y uno de los pioneros del Rock and Roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Nat King Cole, "Johnny B. Goode", y "Maybelline".

Ganó un Grammy en 1984. En 1989 publicó su autobiografía.

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en el 2520 de Goode Avenue (actualmente Annie Malone Drive) en St. Louis. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Sumner High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Misisipi, en la que también estudiaría Tina Turner.


Berry había estado tocando blues desde su adolescencia y a principios de 1953, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.

En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quién le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybelene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.

En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Louis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963

Ya en los años 70 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música a la cual podría contratar.

Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.

Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.

Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.

El documental Hail! Hail! Rock 'n Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros.

Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.

Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock.

Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard, Mike Laure, y Buddy Holly.

Cuando Keith Richards le introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!". John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You can't catch me" para su canción "Come together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry. Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry.

Mientras se discute sobre quién realizó la primera grabación del rock and roll, las primeras grabaciones de Berry, incluida "Maybellene" (1955) sintetizaron su estilo, combinando el blues y la música country con temas líricos sobre chicas y coches, con una dicción impecable acompañada de originales solos de guitarra eléctrica. Berry también utilizaría el popular éxito que alcanzaría el boogie para sus composiciones de rock and roll.

La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la Chess Records acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.

El productor Leonard Chess recordaba lacónicamente: "Le dije a Chuck que le daría el éxíto más grande. ¿Conocen el resto de la historia? Los chicos querían el éxito, los coches y enamorarse. Esa era la tendencia y nosotros saltamos sobre ella".

Clive Anderson escribió para el recopilatorio Chuck Berry— Poet of Rock 'n' Roll: "Mientras Elvis era un muchacho de pueblo que cantaba en cierto modo como un "negro"... Chuck Berry proporcionaba el espejo donde la imagen de la música country fue filtrada con la sensibilidad del R&B".

Las influencias musicales de Berry incluyeron a Nat King Cole, Louis Jordan y Muddy Waters, el cantante y guitarrista que presentó a Berry a Leonard Chess en la Chess Records.

A lo largo de su carrera Berry grabó baladas como "Havana Moon" y blues como "Wee Wee Hours", pero era su propio y novedoso estilo quien le condujo a la fama. Grabó más de 30 grandes éxitos y sus composiciones han sido cantadas por cientos de artistas del blues, del country y del rock and roll. Fuente Wikipedia

domingo, 22 de marzo de 2009

Raul Kaplún

Raúl Kaplún(segundo, de pie, de izquierda  a derecha) Raúl Kaplún(segundo, de pie, de izquierda a derecha, como primer violin de Miguel Caló en 1934
Raul Kaplún:
Nombre de familia: Israel Kaflún, fue el nombre de familia del violinista, director y compositor conocido como Raúl Kaplun, músico que nació en Buenos Aires el 11 de noviembre de 1910
Actuó con las orquestas de Lucio Demare y Armando Baliotti, tuvo también la propia.
Durante muchos años fue violinista de la orquesta de Miguel Caló, cuyo arreglador era Argentino Galván, dándole a Kaplún la responsabilidad de lucirse en los solos. Fue autor de: Que solo estoy, Canción de rango, Una emoción y Solitario entre otros.
Durante 1950 llegó a grabar para el sello TK dejando solamente ocho registros, con la participación vocal de Carlos Jordan. También intervino en su orquesta el Polaco Roberto Goyeneche, quien lamentablemente no llegó al disco.
Raúl Kaplún falleció en Buenos Aires, el 22 de enero de 1990.
Fuente: Gentileza de Héctor Palazzo –Conductor y musicalizador de “Historias de Tango” en la radio “FM Oeste-106.9 MHz”.
Foto: Gentileza de Horacio Ferrer

Miguel Zabala(Zabalita)

Miguel Zabala(Zabalita)
Nombre de Familia: Miguel Gregorio Zabala, bandoneonísta, director y compositor que vivió entre los años 1913 a 1994, fue un valioso director de orquestas bailables.
Se inició como profesional actuando en diversos locales nocturnos, pasando a ser más tarde artista de diversas emisoras de radio.
Llegó al disco recién en 1944 realizando sus intervenciones para el sello RCA ViCTOR, llegando a totalizar solamente cuatro registros siendo dos versiones instrumentales y dos cantadas por Carlos Casares. Corría el año 1953, cuando el maestro Zabala rehizo su conjunto, teniendo como vocalista a Angel Mayo, pero sin tener oportunidad de llegar al disco.
Hoy pongo a su disposición, estos cuatro registros los únicos que realizó durante su larga carrera como director. De esta manera podemos rescatar a todos aquellos artistas que hoy están prácticamente en el olvido y llegar a difundirlos en su medida para que las nuevas generaciones puedan seguir disfrutando y conociendo a todos aquellos músicos que hicieron tanto por nuestro tango.
Miguel Zabala murió en el olvido un 20 de marzo 1994.
Fuente: Gentileza de Héctor Palazzo –Conductor y musicalizador de “Historias de Tango” en la radio “FM Oeste-106.9 MHz”.