sábado, 11 de octubre de 2008

Tita Merello

Tita MerelloTita Merello

Tita MerelloTita Merello

Tita MerelloTita Merello


Tita Merello: Actriz y cantante (11 de octubre de 1904 - 24 de diciembre de 2002)
Nombre completo: Laura Ana Merello
Tita no necesitó crear un personaje. En sus más desetenta años de trayectoria artística, simplemente recurrió a expresar, los matices de su propia vida, entregando al público lo peculiar de su personalidad.
No tuvo maestros. Tuvo abandono temprano, calle y tristeza, donde forjó la prepotencia que la caracterizó toda su vida, fiel reflejo de los papeles que le tocó interpretar en el teatro y en el cine.

Un ejemplo de esto, es aquella memorable escena, una de las mejores de todo el cine argentino, de la película "Los isleros". En ella personifica a "La Carancha" (ave nocturna que ataca y devora a los animales más pequeños), mujer agresiva que forma pareja con un hombre tranquilo, un campesino manso. En la escena ella ataca verbalmente a su hombre y este resiste, hasta que lo llama "toruno" (buey o toro castrado), entonces el hombre reacciona y le pega rebencazos hasta amansarla, para finalmente poseerla físicamente.

No nació para cantar. De joven decía con humor tangos reos. Más adelante, a medida que su repertorio se fue ampliando, al intentar sostener las notas, desafinaba. Pero tenía ángel y era aceptada por su público, tanto es así, que de varios temas realizó creaciones inolvidables y de tal magnitud, que ninguna otra cantante se atrevió a incluirlos en su repertorio sin salir mal parada.

El tango Arrabalera -del film del mismo título, basado en la obra teatral de Samuel Eichelbaum, "Un tal Servando Gómez"-, "El choclo", "Se dice de mí", "Pipistrela" y "La milonga y yo", que fuera creada especialmente para ella por el autor y compositor Leopoldo Díaz Vélez, también para una película, son emblemas de su repertorio.

Con respecto a "La milonga y yo", vaya como curiosidad que una parte de su estribillo fue plagiada por Joan Manuel Serrat, aquella que dice: "vamos subiendo la cuesta...", y que las instancias judiciales, después de treinta años, siguen sin resolver el pleito.

Bajita, morocha, de bellas piernas, labios gruesos y sensuales, y ese gesto de mirada insinuante y provocadora, de quien todo lo sabe y todo lo ofrece. Esa era ella y su personaje. Y así fue. Buscó todo con rabia, exultante, consiguió muchas cosas pero también perdió.

Fue registrada como Laura Ana Merello, nacida en la calle Defensa 715, el 11 de octubre de 1904. Hija de Santiago Merello de profesión cochero. Extrañamente no figura en su partida el nombre de su madre. Cuatro años más tarde una muchacha uruguaya llamada Ana Gianelli o Ganelli, se reconoce como su madre en la misma partida de nacimiento. Su padre ya había fallecido con sólo 30 años de edad.

«Yo conocí el hambre. Yo se lo que es el miedo y la vergüenza», con estas frases comenzó el relato de los duros momentos vividos en el asilo donde pasó sus primeros años.

«Mi infancia fue breve. La infancia del pobre es más breve que la del rico. Era triste, pobre y fea». Ya más grande, declaró sin pudor, "haber hecho la calle".

Y acto seguido nos confiesa que ya siendo reconocida en el ambiente artístico, un periodista famoso, al saludarla y tomar su mano, luego de observarla procazmente con intenciones "non santas", le dijo: «Usted en otra vida debió haber sido cortesana.» Y ella contestó: «¿Y ahora qué soy?»

Llega al escenario al enterarse que se necesitaban coristas en un teatro cercano el puerto, de esos característicos que vemos en las películas, frecuentado por marineros y gente del bajo fondo. En este momento viene a mi memoria Marlene Dietrich, aquella alemana bajita, sugerente, de hermosas piernas y desenfadada, los mismos atributos que la Merello, en el film "El ángel azul" donde intentaba cantar en un turbio cafetín y provocando el amor irracional de un serio profesor.

Un periodista de la época lo describe como un teatrillo de mala muerte, casi pornográfico, de nombre "Ba ta clán", a partir de entonces, a las coristas se las llamó "bataclanas", y este término se convirtió en sinónimo de "mujer alegre".

Tiempo más tarde pasó a ser una "vedette" y la bautizaron "La vedette rea". En esta condición estrena la obra "Leguisamo solo", creada por el director musical de la compañía, un italiano acriollado amante del turf, Modesto Papavero, y resulta un notable éxito.

Un famoso crítico teatral que la conoció antes de los años '30 dijo de ella: «Es una de las actrices más temperamentales, más fogosas y de carácter más fuerte de la escena nacional, a la par que es muy picara, muy rápida para las réplicas, muy inteligente, e interpreta los tangos como actriz. Cada tango es un pequeña obrita de teatro.»

Comenzó en el cine con el cine mismo. Aparece en la primera película sonora argentina reconocida como tal, "Tango", del año 1933. Otras posteriores apariciones suyas fueron de "segunda damita joven", pero de personalidad opuesta a la primera actriz que hacía el papel de "cándida" y con quien, en definitiva, se quedaba el galán, todo en un marco de comedia.

Pero cuando en 1937 filma "La fuga" se revela como actriz dramática, desconcertando a productores y directores, por su naturalidad, su expresión y su desenvoltura.

Otras películas importantes de su trayectoria en el cine, que la consagran en forma definitiva, fueron: "Morir en su ley", "Filomena Marturano" (del actor y dramaturgo italiano Eduardo De Filippo), "Los isleros", "Arrabalera", "Pasó en mi barrio", "Guacho", "Para vestir santos", "Amorina" y muchas más hasta superar las cuarenta.

Con el tiempo y en pleno desarrollo de sus éxitos actorales es requerida por el teatro, la televisión y por la radio, medio, este último, en el que continuó hasta su vejez. Ya era "Tita de Buenos Aires".

Como cancionista llegó al disco en el año 1927, para el sello Odeón, con dos temas: "Te acordás reo" (de Emilio Fresedo) y "Volvé mi negra" (de José María Rizutti y letra de Fernando Diez Gómez). En el año 1929 pasa a la Victor donde graba 20 temas, destacándose "Tata ievame p'al centro", "Che pepinito" y "Te has comprado un automóvil".

Luego de un largo paréntesis vuelve a los estudios de grabación, en el año 1954, de la mano de Francisco Canaro, siendo esta su época consagratoria. Allí surgen discos inolvidables como "El choclo", "Se dice de mí", "Arrabalera", "Niño bien", "Pipistrela" y "Llamarada pasional", este último dedicado a Luis Sandrini y del cual es autora.
En las décadas del sesenta y del setenta graba más de cuarenta temas, con las orquestas de Carlos Figari y Héctor Varela.

Todo lo hizo con ímpetu arrollador. Fue mujer de muchos hombres, pero siempre reconoció un solo amor, el del actor Luis Sandrini (fallecido en 1980), con el que vivió alrededor de una década y quien luego la abandonara por una actriz más joven, Malvina Pastorino (fallecida en 1994).

«Mi mejor personaje es el mío. Una actriz dramática se llora a si misma cuando interpreta un personaje teatral.»

Obtuvo premios como actriz, pero lo más importante es el reconocimiento del público, que se mantiene hasta la actualidad y que la consagró como un símbolo de la mujer del tango y de Buenos Aires. Néstor Pinsón de Todotango.www.todotango.com.ar
Fuente de las imagenes web de Tita Merello www.tita-merello.com.ar

viernes, 10 de octubre de 2008

Orlando Tripode



TRIPODI, Orlando. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. Nació el 26 de febrero de 1927 en San Juan. Colaboró con Argentino Galván.
En Buenos Aires estudió piano con Vicente Scaramuzza y armonía y composición con Pedro Aguilar. En 1944 dio a conocer su primer tango Ninguno de los dos. Cuando la desaparición de Osmar Maderna en 1951 tomó su lugar bajo la dirección de Aquiles Roggero, dentro de una modalidad pianística semejante a la del malogrado compositor. Durante su pasaje por dicho conjunto colaboró como arreglador dando a conocer dos tangos de inspiración "maderniana": Matizando y Notas para el cielo. Posteriormente al formar un rubro artístico los cantores Roberto Florio y Jorge Duran le confiaron la orquesta de acompañamiento, en la que se desempeñó como ejecutante, como director y como arreglador evidenciando su capacidad no sólo en las versiones cantables sino en los instrumentables Pabío y Negro viejo (página ésta de su propio repertorio), grabados para el sello Victor. Al reorganizarse con sus elementos de épocas anteriores, la orquesta de Miguel Caló, con la participación de Raúl Berón, Enrique Francini, Armando Pontier, Domingo Federico y Alberto Podestá, fue llamado para actuar como pianista, dando a conocer en esa ocasión otro tango orquestal que tituló A Osmar Maderna. Acompañó a María de la Fuente. Posteriormente integró en 1963 como solista destacado, el quinteto de Pen Tango de Diño Saluzzi, y el cuarteto de Reinaldo Nichele con éste para grabaciones en el sello Microfón. Formó más tarde siempre con rango de solista, en Los Siete del Tango. Ha actuado y grabado con su propia formación, y desde 1977 con Leopoldo Federico y Fernando Cabarcos. Le pertenecen además, los tangos Nadine y Entre dos. Compuso también, Sonatinas de música nacional.
Por Horacio Ferrer.
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

jueves, 9 de octubre de 2008

Horacio Molina

Horacio MolinaHoracio Molina

Horacio Molina: Se podría decir que la carrera profesional de Horacio Molina comienza en l96l cuando sus colegas Sergio Mihanovich y los hermanos Oscar y Jorge López Ruiz, le presentan a Víctor Buchino, director artístico
de los estudios RCA Victor.
Molina estaba dedicado a la música desde chico pero luego de este encuentro graba sus primeros discos y logra un éxito inmediato tanto en el público como con la crítica especializada.

En esos años, Nicolás Mancera lo presenta regularmente en su programa televisivo Sábados Circulares. También lo convoca para otro de sus programas, La Noche, donde comparte el show con Astor Piazzola, Eladia Blázquez, Egle Martín y otros.

En ese entonces, Horacio Molina comienza a efectuar giras artísticas dentro de Argentina y otros países sudamericanos. Ya en 1965, deja el sello RCA y se incorpora al elenco de la CBS. Allí produce cinco discos que se difunden en toda América Latina y en los Estados Unidos.

Cuando se encuentra en Buenos Aires, Horacio Molina realiza presentaciones ante el público en teatros como el Odeón, De La Cova, El Globo y otros, y en café concerts como La Fusa, La Botica del Angel, etc. En 1970 lo convoca Vinicius de Moraes para cantar en Mar del Plata y Punta del Este, junto con Chico Buarque, María Creuza, Toquinhio, Naná y Dorival Caymmi.


En 1975, Horacio Molina se vuelca de lleno a su viejo amor, el Tango. En esta nueva etapa discográfica, participan junto a él destacados músicos como Antonio Agri, Quicho Díaz, Suárez Paz y Walter Ríos, bajo la dirección del maestro Oscar Cardozo Ocampo. Vale la pena señalar que desde ese entonces, Cardozo Ocampo se convierte en un referente muy importante en la trayectoria de Molina, compartiendo con él singulares actividades musicales.
Horacio Molina se va a vivir a Francia en el año 1978. Al poco tiempo, graba allí un disco acompañado por Juan José Mosalini en el bandoneón y el uruguayo Ciro Pérez en la guitarra.
París, Nantes, Montpelliers, Lille, Marsella, Lyon son algunas de las ciudades donde se presentó. En la capital francesa, acompañado por el bandoneón de Walter Ríos se presenta en el teatro Bobino, La Gaitée Montparnase y el Trottoire de Buenos Aires. A la vez, Eve Griliquez lo invita en varias oportunidades a participar de su programa en France Culture, junto con Daniel Viglieti.

Ya de regreso en Buenos Aires, a partir de 1985 Horacio Molina realiza presentaciones en el Teatro San Martín, en el Alvear, así también en Clásica y Moderna, la Casona del Teatro, sala AB del Centro Cultural San Martín y el Centro Cultural Borges. Asimismo, en las más importantes salas del Interior, como, por ejemplo, el teatro Coliseo Podestá, de La Plata o el Teatro del Libertador, en Córdoba.
Horacio Molina sigue su permanente actividad, tanto en Argentina como en Europa. A lo largo de su dilatada carrera ya ha grabado más de doscientos títulos. Es también autor y compositor de más de treinta canciones, algunas de ellas en colaboración con Eladia Bláquez, Carlos Barocela, Teresa Parodi y otros.
Hace unos años, recibió el premio Trimarg, otorgado por el Consejo Argentino de la Música, en forma conjunta con la UNESCO. Y más recientemente, la Academia Nacional del Tango, presidida por Horacio Ferrer, lo ha incorporado por unanimidad como integrante de esa entidad. Fuente web de Horacio Molina

Orquesta Tipica Fernandez Fierro y el "Chino" Laborde

Orquesta Tipica Fernandez FierroOrquesta Tipica Fernandez Fierro en Porto Alegre


Orquesta Tipica Fernandez FierroOrquesta Tipica Fernandez Fierro en Ciudad Cultura Konex


Orquesta Tipica Fernandez FierroOrquesta Tipica Fernandez Fierro en Anfiteatro Rosario


Walter Walter "Chino" Laborde voz de la Fernandez Fierro


Tipica Fernandez FierroTipica Fernandez Fierro Mapa de sus integrantes

Detalle del mapa de la Orquesta:
01-Federico Terranova - Violín 02-Pablo Jivotovschii - Violín
03-Bruno Giuntini - Violín 04-Juan Carlos Pacini - Viola
05-Alfredo Zuccarelli - Violoncello 06-Yuri Venturín - Contrabajo
07-El Ministro - Bandoneón 08-Julio Coviello - Bandoneón
09-Pablo Gignoli - Bandoneón 10-Eugenio Soria - Bandoneón
11-Santiago Bottiroli - Piano 12-Walter "Chino" Laborde - Voz
y también
13-Walter "Tano" Coccaro 14-Hernán Coviello
15-Marta Del Pino 16-Mariela Lobo
17-Pablo Rey 18-María Zago

Walter “Chino" Laborde es uno de los tangueros de la actualidad más reconocidos, cantor de la orquesta típica Fernández Fierro, cuya sede está en Bustamante al 700, vive actualmente en Mario Bravo y Perón y se considera un tipo de barrio.
Viene participando en las ediciones del Buenos Aires Tango, ahora ya como maestro de ceremonias. Para hacerle la entrevista de modo más tranquilo preferí ir a un café donde apenas nos sentamos comenzó contándome cosas, a boca de jarro. Le encanta hablar, es muy simpático y extrovertido, y a pesar de poder subirse a un pedestal no es engreído.

Chino: “Viví en Avellaneda hasta los trece años. Jugué al fútbol desde los cinco, seis años, hasta los veinte. Terminé jugando en Primera. Pero fueron sólo dos partidos en esa categoría, después al banco. Pero antes de eso había jugado en las inferiores de Arsenal de Sarandí, de Independiente, de Lanús y del Porvenir. O sea, que milité... Jugué con algunos jugadores que después llegaron a andar, como Gustavito López, es un año más chico que yo, con algunos jugadores de Independiente, de Racing, también, como Gallegue, Marini, Fleitas, Carrasco, toda gente, más o menos, de mi misma edad. En Independiente jugaba con Roche, Mazón, con Gustavito López.”

¿Por qué dejaste el fútbol?
“Yo jugué hasta los veinte años y dejé porque me lesioné el abductor. Me mandaban a la AFA a hacer la prescripción médica y un día nos dijeron que a los jugadores del Porvenir, no los atendían más porque el club no pagaba las prestaciones. En el ´92 ya había una decadencia... Paralelamente estudiaba publicidad y recorrí todos los barrios del planeta. Yo, en el fútbol, era uno de los que iba a llegar. ¿Sabes cuántos se quedaron y eran re-grossos?”

¿Qué pensás del fútbol, hoy por hoy, con el Mundial?
“Me doy cuenta que ya no conozco a muchos jugadores, estoy medio afuera y eso que podría haber sido periodista deportivo. El Mundial es algo más para cegar a todos. Van a pasar cosas re-grossas durante este junio, van a pasar cosas más grossas que durante todo el año y, mirá, que pasan cosas grossas todos los días pero en este invierno, me parece, que nos van a reentubar. Desde chico sé que el fútbol está podrido.
”Me parecen insoportables los fanáticos ciegos, sean del club que fueren. ¿Viste los cantitos de cancha, cómo aparece ahí la xenofobia? Son terribles. Pero, bueno, la xenofobia dentro de determinados límites puede llegar a estar bien, el problema es cuando se pasa esos límites...”

Contáme, más allá de la lesión, de la elección de la música por el fútbol.
“Tocábamos en la línea de Deep Purple pero después se tornó para otro lado y ahí me cagué la garganta y tuve que estar parado, entonces, entrené muy bien: Pero ya me pintaban las chicas, diecinueve años ya estás en cualquiera, no vas a entrenar, querés la noche a fondo. Luego retomé el canto y terminé largando el fútbol. Pensé en ir a jugar al fútbol a cualquier provincia o a cualquier otro lugar. Pero preferí dedicarme a la música. Empecé a laburar, haciendo cantobares. Viste, veintiún años y que te paguen por cantar, se me estaba armando el sueño... Pero me faltaba algo. Tenía un vacío adentro. Yo cantaba Los Fabulosos Cadillacs, Fito Paéz, cantaba muchas boludeces también. Y seguramente todo eso no me hacía felíz. Y después empecé a cantar tango, que era lo que yo había escuchado en mi casa hasta que empecé a escuchar a Kiss a los siete años. Mi tía (materna) cantaba, además es hija de un bandoneonista. Así que toda mi vida escuché tango en casa. Yo mamé mucho el tango, por eso tenía que volver a él. Y volví bastante rápido, a los veintitrés años.”

¿Y cuándo volviste al tango cómo lo hiciste?
“Primero, fui a unos concursos de cantores en la Casa del Tango. Los que clasificaban iban a cantar al Centro Municipal de Expositores, un lugar más grande. Y bueno, fui a un par de peñas de cantores y por el concurso fui al Centro Municipal de Expositores y ahí perdí y me puse muy mal porque vi a los que habían ganado. Todos de moño y yo estaba vestido de otra manera. En esa época es cuando se estaba formando el germen de la Fernández Fierro... Seguí cantando y armamos un trío. En el 2000 ya estaba cantando en la Fernández Fierro que era la Fernández Branca, porque se llamó así hasta el 2001. La Fernández Branca es una orquesta nacida en el ´97, todos salidos de la Escuela de Música Popular de Avellaneda. De entrada yo los voy a ver y me hago fanáticos de ellos, además tengo amigos que tocan ahí, y les decía: el día que necesiten un cantor que me avisen. Y, bueno, en el ´99 necesitaron un cantor, hice una prueba y quedé.”

¿Antes había otro cantor?
“No, no había nadie. Todavía era todo instrumental lo que hacía la orquesta. Fui el primer cantor de la orquesta y soy el cantor que se quedó. Alguna vez cantó una chica y otros músicos pero yo soy el cantor oficial de la orquesta desde el año 99. ”

Escuché que cantaste en la calle...
“Yo cantaba en la calle en Defensa entre San Juan y Humerto Primo finalmente se juntaba tanta gente que el dueño de una casa de antigüedades nos comenzó a hacer quilombo. En el 2001 iba con un grabadorcito, pero con la crisis comenzó a mermar la gorra. Iba con un moño y peinado a la gomina, haciendo un personaje. En el 2002 comenzamos a publicitar la Fernández Fierro, el evento que íbamos a hacer. Yo propuse ir con los fueyes y los chicos dijeron «vamos todos». Tuvimos un éxito tan grande que esa misma tarde salió una foto en Buenos Aires Herald. A partir de ahí no paramos de trabajar en la calle, nosotros, la Orquesta Típica Fernández Fierro. A los dos años nosotros nos fuimos de gira a Europa y nuestro pianista que era novio de una violinista, Marina Martinelli, de La Imperial, propone que esa orquesta quede cuidando el lugar. Pero con el mismo formato, porque en realidad hubiésemos preferido que se quede un trío, un dúo, pero la onda venía por esa relación. Después se jodió todo porque comenzaron a otorgar permisos para tocar en la calle. ¡Y al día de hoy te piden un permiso para tocar en la calle!”

¿Y con la actuación cuándo te metiste?
“La actuación nace porque yo cantaba con otra gente en Avellaneda -antes de estar con la Fernández Fierro- y todavía hoy hago presentaciones, en un estilo gardeliano con una recreación de una época, de los años cuarenta. Fernández Fierro, en cambio, es una orquesta con arreglos, otro mundo. Entonces, yo cantaba en Avellaneda, venía cantando mucho solo, como solista y con la orquesta de ahí y, bueno, pintó un casting allá para El Romance del Romeo y la Julieta con Guillermito Fernández y con Florencia Peña, en el 2001. Fui al casting y quedé ¡para hacer Shakespeare! Era Romeo y Julieta pero con pedazos de tangos. Se estrenó en Avellaneda y tuvo tanto éxito que vino acá al Paseo La Plaza, estuvimos en el peor año, en el 2002. A través de esto surgió la posibilidad de hacer Discepolín de la regi Betty Gambartes con Peretti y Carnaghi. Estuve un añito ahí trabajando como cantante. Y después la representante de Claribel Medina, me avisa que estaban buscando un cantor para hacer Alberto Castillo en una película. Y se me dio, entré para Luna de Avellaneda. Ahora voy a salir en Vientos de agua de Campanella y con Alterio. Entro en el capítulo Trece. Esta miniserie está muy bien hecha.”

¿Estudiaste teatro o no?
“No, yo no estudié teatro. Estudié un poquito de canto hace muchos años, aprendí a respirar. Pero la actuación siempre estuvo un poco como innata.”

Yo te he visto cantar y un poco de actuación ahí metes. Me da la sensación de que te gusta mucho actuar.
“Sí, sí, tenes razón. Yo siempre me consideré un actor frustrado y un día se me dio la oportunidad de laburar en teatro ¡y teatro grosso! Yo ni siquiera hice otras obras chiquitas antes. Pero no quiero que se me suba a la cabeza porque en este país todo en algún momento, ¡plam!, cae, siempre te puede venir el castañazo...”

¿Qué sentís al tener que tocar en un lugar como La Trastienda que es del jefe de Gobierno de la Ciudad y no en el boliche de ustedes, todo por un tema de habilitación?
“Nosotros no tomamos La Trastienda como la casa del jefe de Gobierno porque, en realidad, nosotros venimos tocando ahí desde hace tres años. Aunque hoy en el fondo, hincha un poco las pelotas pero, bueno... Tocar en La Trastienda nos sirve: es un lugar con mucha capacidad y renombre y mucha prensa y eso. Tal vez, acústicamente el lugar no es lo mejor pero es un lugar popular. Antes tocábamos en otros lugares, nuestra sede era la Academia Nacional del Tango que también es media gubernamental. Pero ahí está Horacio Ferrer que nos apadrinó en nuestro primer disco, que nos regaló un par de tangos de él y de Pugliese. Ahí tocamos una vez en un evento donde estaba De la Rúa, en la época en que se dormía. Yo me acuerdo de, en un momento, observar y ver como cabeceaba el quía. Esto fue en el 2001, cuando se venía todo el bardo.”

Pero ustedes ya con el peso que tienen, ¿no pueden hacer algo por lograr en forma más rápida la habilitación del espacio que tienen?
“El único peso que cuenta en estos casos es el billete. Pero nosotros hicimos baños, hicimos de todo y está por salir la habilitación.”

¿La Fernández Fierro ya está sacando su tercer disco o me equivoco?
“Así es, estamos sacando lo que va a ser el tercer disco de estudio pero, en realidad, es el cuarto disco. El primero y el segundo es de estudio, el tercero es en vivo y ahora estamos sacando éste, que es de estudio. En el medio de todo esto, sacamos un DVD de las presentaciones en La Trastienda porque, básicamente, a todos nosotros nos gusta más la orquesta en vivo que en estudio. Porque es tan permanente y constante nuestra evolución que al mes de haber grabado cuando nos escuchamos nos queremos morir, porque al mes nomás ya están sonando mucho mejor los pibes. Hay un constante crecimiento. Digamos, que es así hasta que uno se muere pero hay unas mesetas donde te establecés.
”Siempre hacemos una maduración del disco último que sacamos, no es que apenas terminamos de componer, vamos y grabamos. Ahora, con el que está por salir, también, se terminó de componer hace un tiempo pero hay que tocarlo en vivo y sólo a los meses de tocarlo en vivo está a punto para grabarlo...”

¿Puede ser que se haya ido Peralta, el pianista de Fernández Fierro hace un tiempo?
“Se fue el pianista y se fueron dos fueyes que había, lo que pasa es que el pianista era uno de los miembros fundadores y era el primer arreglador de la orquesta. El se quejaba al final, sentía que no le dábamos mucha bola y nosotros queríamos un poquito más de poder. Pero como todos los músicos están creciendo y, además, esto es una cooperativa, hablamos todos. No tenemos jefes. Para mí, la cuestión acá fue hasta donde pesa el jefe y hasta donde los obreros... Ahora muchos más son los que componen.”

¿Tenés otros proyectos en danza?
“Tengo otros laburos. Desgraciadamente no puedo vivir exclusivamente por y para la Fernández Fierro, me gustaría en realidad porque es una orquesta de amigos y porque me gusta como suena y porque hay una cosa visceral muy fuerte en la Fierro.
”Yo laburo como solista en casamientos, cumpleaños, voy con la viola y con un fueye. Y, aparte, de esto, de tanto tocar con un guitarrista voy a ver si grabo un disco con una guitarra, un poco para que lo pasen por la radio y otro poco porque no tiene nada que ver con la orquesta. No cantaría en otra orquesta típica. Es importante que es como una orquesta pionera en esto. Hay muchas otras orquestas laburando en cooperativa, gracias a Dios... Abrimos una puerta. Nosotros, por ahí, tiramos la primera piedra e hicimos cosas muy grossas. Sobre todo mantenernos durante tanto tiempo. Es muy jodido, Tantas cabezas, tanta gente, hay que votar algunos temas. Si te fijás en Fernández Fierro la gente que grabó el primer disco no está en el segundo, la que grabó el segundo no está en el tercero y el que grabó el tercero no está en todos los discos anteriores y dentro de veinte años, por ahí, no estamos ninguno, ésa es la idea. Dejar asentadas unas bases importantes.”

Leí una nota que te hicieron en Página/12 donde decía como que era hora de volar por tu cuenta.
“Fue todo una gran confusión. Esa nota estuvo guardada y la publicaron luego que tocamos, gratis, para 3500 personas. Muchos se sorprendieron, pero no es que yo quiera dejar la orquesta. Simplemente me la rebusco con otros trabajos paralelos. Yo quiero estar en la Fernández Fierro mientras me dé la garganta o hasta que los pibes me echen. La actuación es algo paralelo a la orquesta.” Fuente R. S.
Revista El Abasto, n° 77, junio 2006

miércoles, 8 de octubre de 2008

Freddie Mercury

Freddie MercuryFreddie Mercury

Freddie Mercury & Montserrat CaballeFreddie Mercury & Montserrat Caballe

Freddie MercuryFreddie Mercury en vivo


Freddie Mercury: (Stone Town, Zanzíbar, Tanzania, 5 de septiembre de 1946 - Londres, Reino Unido, 24 de noviembre de 1991), nacido bajo el nombre de Farrokh Bomi Bulsara, fue un músico inglés,conocido por ser el vocalista del grupo británico de rock Queen. En la banda ejercía de solista, compositor, pianista y guitarra ocasional en los conciertos. Está considerado el mejor vocalista masculino de la historia del rock.

Freddie Mercury nació el jueves 5 de septiembre de 1946 en una pequeña isla del archipiélago de Zanzíbar cuya principal actividad económica son las especias. Sus padres, Bomi y Jer Bulsara, eran parsis de la India.[1] Su padre, Bomi, era un funcionario que trabajaba para el gobierno británico como cajero de la Corte Suprema. La hermana de Freddie, Kashmira Bulsara-Cooke, nació en 1952. En 1954, cuando tenía 8 años, Freddie fue enviado a Panchgani, a unos 75 kilómetros de Mumbai. Fue allí cuando sus amigos empezaron a llamarlo Freddie, nombre que también fue adoptado por los miembros de su familia.

Como la escuela de San Pedro era un colegio inglés, los deportes que se solían practicar allí eran típicamente ingleses. Freddie odiaba a muerte el cricket y las carreras de larga distancia, pero sin embargo amaba el hockey, las carreras de corta distancia y el boxeo. Cuando tenía 10 años se proclamó campeón de tenis de mesa en su escuela. Pero él no era sólo un deportista, sus cualidades artísticas eran excelentes. A los doce años de edad fue galardonado con el trofeo de la escuela por su regularidad como deportista más joven. Amaba el arte y siempre estaba imitando para sus amigos y sus familiares.

También estaba loco por la música y siempre solía escuchar música en el viejo tocadiscos de la casa y apilaba los sencillos para ponerlos una y otra vez. La música que podía tener era principalmente producida en India pero también podía escuchar música de los países occidentales.

El director del colegio de San Pedro ya se había percatado del talento que Freddie tenía para la música y les sugirió a sus padres que pagaran un poco más a la escuela y así pudiera tener una verdadera instrucción musical. Ellos aceptaron y Freddie empezó a aprender a tocar el piano.[2] También formó parte del coro de la escuela y participó de forma habitual en las producciones teatrales que organizaba la escuela. Amaba sus clases de piano y se esforzaba en cada una de ellas con empeño y con clase. Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría.

En 1958 los alumnos de la escuela Freddie Bulsara, Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rena formaron la banda de rock'n'roll que se llamó The Hectics, y en la que Freddie era el pianista. Solían tocar en las fiestas anuales y los bailes organizados por el colegio pero poco más se sabe de ellos.


En 1962 Freddie acabó sus estudios y volvió a Zanzíbar donde pasó la mayor parte de su tiempo con amigos yendo a mercados, parques y playas. En 1964 debido a la inestabilidad política en Zanzíbar, muchos británicos y personas originarias de India abandonaron su país debido a la gran presión que se ejerció sobre ellas. Una de las familias que abandonó el país fue la de los Bulsara que huyeron a Inglaterra.


Primeros años en Gran Bretaña: principio la familia Bulsara vivió con sus primos en Felthan (Middleessex), hasta que finalmente encontraron una pequeña casa adosada en esa misma zona. Freddie tenía 17 años y decidió que quería ir a la facultad de arte, pero para poder ser aceptado necesitaba tener una nota muy alta. Es por ello por lo que en 1964 se matriculó en la escuela politécnica de Isleworth que estaba cerca de su casa. De esa manera él pensaba que mejoraría sus notas en arte y podría obtener una nota más alta.

Durante las vacaciones, estuvo haciendo varios trabajos para ganar algún dinero; uno de ellos fue en el restaurante del aeropuerto de Heathrow, muy cerca de su casa. Otro fue en la agencia de comercio Feltham, donde trabajó en un almacén cargando y apilando cajas enormes. Sus compañeros de trabajo recuerdan lo delicadas que parecían sus manos, desde luego no las más idóneas para el tipo de trabajo que él estaba haciendo allí. Freddie les decía que él era un músico que estaba allí simplemente para "matar el tiempo".

Estudió mucho, aunque él prefería la parte estética de la vida escolar en lugar del aspecto mundano. Consiguió la máxima nota en su clase de arte sin problemas y se fue de Isleworth en la primavera de 1966. Sus calificaciones y su talento aseguraban que sería aceptado en el Ealing College of Art en septiembre de ese mismo año.

Después que Jimi Hendrix, del que Freddie era un fanático enloquecido, saltara a la escena en 1967, Freddie dedicó mucho tiempo a imitar y a dibujar a su héroe. Dibujos que enmarcaba y usaba para decorar las paredes del piso que había sido arrendado por su amigo Chris Smith y al que Freddie se había mudado una vez dejó la casa de su familia en Feltham. En aquella época Kensington era un lugar importante para el arte de masas, era el lugar donde se encontraba la famosa boutique Biba y el lugar de nacimiento del mercado Kensington que era frecuentado por los entonces llamados "in" crowd (seguidores de los conciertos de masas).

Un compañero de estudios en la universidad de Ealing era el bajo Tim Staffell, de quien Freddie llegó a ser muy amigo. Tim lo llevó con él a muchos ensayos de los Smile, que era como se llamaba su banda y que estaba compuesta por Brian May a la guitarra y Roger Taylor en la batería. Freddie se llevaba muy bien con Brian y Roger y realmente le gustó el sonido que tenían los Smile. Inspirado por ellos Freddie empezó a experimentar con música por primera vez desde que abandonó India.

Al principio empezó a tocar con Tim, otro estudiante de arte, Nigel Foster, y Chris Smith. Chris recuerda que "la primera vez que yo escuché cantar a Freddie me impresionó." Tenía una voz extraordinaria. Y aunque su piano sonaba un poco afectado, muy a lo Mozart, todavía tenía un gran toque. "Desde el punto de vista de un pianista, su enfoque era algo único".

"Pronto Freddie y yo nos pusimos a escribir trozos de canciones que luego intentábamos unir", añade Chris. "Esto se entiende si piensas en la canción Bohemian Rhapsody. Fue interesante la manera en la que salíamos de una canción y entrábamos en otra. Pero la verdad es que no creo que nunca acabáramos nada. Freddie me enseñó muchísimo en aquellas sesiones. Tenía un sentido de la melodía inmenso, natural. Es algo que vi enseguida. Yo creo que éste era el aspecto más interesante de lo que él estaba haciendo".

Freddie acabó sus estudios en la universidad de Ealing en Junio de 1969, con un diploma en diseño y artes gráficas. También le ofrecieron varios trabajos para el diseño de varios anuncios en periódicos locales. En ese verano se mudó al piso de Roger Taylor y ambos abrieron un pequeño puesto en el mercado de Kensington, donde al principio vendían obras de arte hechas por él mismo y por otros compañeros suyos de Ealing. Más tarde también empezó a vender ropa de estilo victoriano, tanto nueva como de segunda mano, y cualquier cosa que encontrara.

Durante el verano de 1969 Freddie conoció una banda de Liverpool llamada los Ibex que habían ido a Londres para intentar hacerse famosos. Los Ibex estaba compuesta por tres músicos, el guitarrista Mike Bersin, John Tupp Taylor como bajo y Mick Miffer Smith a la batería. Con ellos también estaba su mánager que no tenía mucha experiencia en este trabajo y que era como un burro de carga. También tenían un bajo, Geoff Higgins, que tocaba con ellos de vez en cuando. Geoff solía tocar el bajo cuando Tupp, un admirador de los Jethro Tull, decidía tocar la flauta.

Freddie conoció a los Ibex por primera vez el 13 de agosto de 1969, y se entusiasmó tanto con ellos que 10 días más tarde ya había aprendido el repertorio de canciones de la banda, compuso nuevas canciones y viajó con ellos a Bolton en el condado de Lancashire, donde tuvo su primer debut en un concierto. La primera vez fue la noche del 23 de agosto con ocasión de una serie de conciertos denominada "bluesología" que tenía lugar en Octogon Theatre de la ciudad. El 25 de agosto Ibex participaron en la apertura, un espectáculo al aire libre que tuvo lugar en el Queen Park (Parque de la Reina) de Bolton. El periódico Evening News de Bolton se hizo eco de los preparativos de este concierto e incluso incluyó una foto de Freddie que parece difícil de creer que es él.

Mientras una foto quedó como recuerdo del viaje de Freddie con los Ibex a Bolton, la aparición de los Ibex en escena quedó grabada en una cinta, pero pone de manifiesto el amor de los Ibex por los Cream, Jimi Hendrix, así como por el grupo favorito de Freddie en aquel momento: Led Zeppelin

Entre el 9 de septiembre y finales de octubre de 1969 los Ibex hicieron alguna pequeña aparición tras ser convencidos por Freddie. "Recuerdo que él estaba con la idea de ponerle a la banda el nombre de Wreckage (‘escombros’) pero a ninguno de nosotros nos entusiasmó ese nombre —afirma Mike Bersin—. Un día me llamó por teléfono por la noche y me dijo: «A los otros les da igual, ¿qué te parece a ti?». Y yo dije: «Si ellos están de acuerdo entonces adelante». Cuando yo hablé con los otros sobre aquello Freddie ya les había telefoneado a todos ellos con la misma pregunta".

El cambio de nombre fue paralelo a la marcha de Mike Miffer Smith como batería de la banda. Éste fue sustituido por Richard Thompson, el antiguo batería de la banda 1984 de Brian May. A pesar del enorme potencial que parecía tener aquella banda, el final de los 60 marcó el final de los Wreckage. Hubo muy pocos conciertos y muy distanciados entre sí y mientras John Taylor, Richard Thompson y Freddie estaban en Londres, Mike Bersin se comprometió a estudiar en la universidad en Liverpool, tal como había prometido a sus padres. Sin que nadie lo pudiera remediar la banda desapareció.


Estatua de Mercury en SuizaFreddie empezó a buscar otra banda para él y encontró a los Sour Milk Sea (Mar de la leche cortada) después de ver el anuncio "Se necesita vocalista" en el periódico Melody Maker.

Freddie tenía una voz estupenda, con una gran variedad. Pero no sólo era su voz lo que hacía sus actuaciones tan atrayentes para la gente. Recuerda Ken Testi que "Freddie Mercury sabía cómo organizar un espectáculo. Era la manera de expresar ese aspecto de su personalidad. Todo lo que hacía en el escenario con Queen ya lo había hecho en el primer concierto con los Ibex". No era algo que uno pudiera aprender, era carisma, un don natural que estaba en armonía con su voz, su apariencia, su gusto delicado y su calidad de músico en el más amplio sentido de la palabra.


Líder de su primera banda Le ofrecieron el trabajo y a finales de 1969 Freddie se convirtió en el líder de los Sour Milk Sea. Los otros miembros de la banda eran Chris Chesney como vocalista y guitarra, el bajo Paul Milne, Jeremy Rubber Gallop a la guitarra rítmica y Rob Tyrell a la batería. Hicieron algunos ensayos y dieron algunos conciertos en Oxford (la ciudad natal de Chris). Freddie y Chris, que tenía 17 años en aquel momento, llegaron a ser muy buenos amigos y se mudó a la casa que Freddie compartía con Smile en Ferry Road, Barnes. Los otros miembros de Sour Milk Sea estaban un poco molestos porque Chris y Freddie pasaban juntos demasiado tiempo y no sabían muy bien cuál podría ser el futuro de la banda. Dos meses más tarde Jeremy, que era el propietario de casi todo el equipo, decidió quedarse con el equipo y disolver la banda.

En abril de 1970 Tim Staffell decidió dejar los Smile y Freddie decidió unirse con ellos para ser el nuevo cantante principal. Freddie optó por cambiar el nombre de la banda, que pasó a llamarse Queen, así como su primer apellido, que a partir de hora sería Mercury.

En 1970 Freddie conoció a Mary Austin con quien viviría durante siete años, como pareja heterosexual (Freddie era bisexual). El resto de la biografía de Freddie Mercury es básicamente la historia de Queen.


Etapa con Queen : En 1971 John Deacon se convirtió en un miembro más de la banda completando así los Queen. Freddie diseñó el logo de la banda usando sus signos del Zodíaco. Dos leones como signos de Roger y John (Leo) y un cangrejo como signo de Brian (Cáncer). Freddie fue el autor de la primera canción de Queen que entró en las listas británicas (Seven Seas Of Rhye), el primer gran éxito (Killer Queen) y la más famosa de todas las canciones de Queen que estuvo en lo más alto de las listas durante 9 semanas (Bohemian Rhapsody). Freddie siempre fue considerado el jefe de filas de la banda.

En 1975 Queen realizó una gira por Japón. La multitud de fans chillando fue algo constante fueran donde fueran. Realmente les sorprendió la forma en la que fueron recibidos. Freddie se enamoró de Japón y se convirtió en un coleccionista fanático de antigüedades y obras de arte japonesas.

El 7 de octubre de 1979 Freddie actuó con el ballet real. Él nunca había participado en un ballet anteriormente pero era algo que él siempre había querido intentar. Las canciones que eligió para actuar eran Bohemian Rhapsody y Crazy Little Thing Called Love. La orquesta tocó las canciones mientras Freddie cantaba en vivo. El primer baile de Freddie fue en Bohemian Rhapsody, en la que actuó con talento enfrente de un teatro lleno de gente que sabía de ballet. Les entusiasmó y recibió una ovación apoteósica en ambas actuaciones.

En 1980,con el cambio de década,Freddie cambió su imagen. Se cortó el pelo y se dejó bigote. Sus fans empezaron a enviarle esmalte para uñas y cuchillas de afeitar.El cambio de década supuso también el acercamiento de Queen a la música funk y disco y a un alejamiento del rock propiamente dicho.

Al final de 1982 todos los miembros de Queen decidieron que querían tomarse un descanso. Anunciaron que no irían de gira en 1983. Freddie había estado pensando hacer un álbum en solitario alguna vez y ahora él tenía tiempo para hacerlo. Alquiló un estudio en Musicland, Munich y empezó a trabajar a principios de 1983. Durante ese tiempo conoció a Giorgio Moroder, que estaba trabajando en una nueva versión de la película de ciencia ficción de 1926 titulada Metrópolis, de Fritz Lang. Le preguntó a Freddie que se pensase si quería colaborar en la banda sonora de aquella película, algo que Freddie aceptó. Él nunca había escrito canciones con nadie más aparte de con los miembros de Queen y nunca había grabado las canciones de otra persona con la excepción de sus primeras grabaciones bajo el seudónimo de Larry Lurex. El resultado de esta cooperación fue la canción Love Kills.

En mayo de 1983 Freddie asistió a una actuación de Un ballo in maschera de Giuseppe Verdi en la Ópera Real. Era la primera vez que veía a la diva de la ópera Montserrat Caballé pero la fuerza y la belleza de su voz le hipnotizó.

En 1984, Queen regresa con energías renovadas y olvidándose en parte del funk y el disco, para regresar a la música que les hizo famosos en los 70, pero ya sin abandonar el pop. El 10 de septiembre de 1984 fue lanzado el primer single en solitario de Freddie. Fue el tema que había compuesto con Giorgio Moroder para Metrópolis, Love Kills.

El primer single de su álbum en solitario todavía sin editar fue I Was Born To Love You. Esta canción fue estrenada el 8 de Abril de 1985. Tres semanas más tarde el primer álbum de Freddie en solitario fue lanzado por la CBS Records con el título "Mr.Bad Guy". No obstante, el disco fue un fracaso comercial.

El 13 de julio de 1985 fue un día especial para Queen y para Freddie. Fue el día de Live Aid (Ayuda en directo) que fue retransmitido en directo a más de mil millones de personas de todo el mundo. Queen se aseguró su propio lugar en la historia como reconocieron periodistas, fans, críticos y público en general.

En 1986 tuvo lugar la última gira de Queen. El Magic Tour,recorrió Europa durante dos meses, acabando en Knebworth Park, el 9 de agosto. Esa fue la última actuación en directo de Freddie Mercury con Queen.


Últimos años: Durante los primeros meses de 1987, Queen el grupo se tomó un tiempo de descanso por lo que Freddie aprovechó para grabar un trabajo en solitario en los estudios Townhouse. Entre otras canciones, grabó una reedición de la vieja canción de The Platters llamada The Great Pretender.El single fue lanzado el 23 de febrero.También grabaría varias canciones para el musical "Time". En marzo de 1987,Freddie voló a Barcelona para conocer a Montserrat Caballé. Él le dio un casette con dos o tres canciones. A la diva catalana de la ópera le gustaron e incluso cantó una de ellas en el Covent Garden de Londres. Freddie quedó sorprendido y, a principios de abril, empezó a trabajar en un álbum que grabaría con Montserrat Caballé.

Sobre esta experiencia Mercury diria en una entrevista:

Este ultimo par de semanas he estado trabajando con esta increible mujer, ella es una gran estrella de la Ópera, su nombre es Montserrat Caballe, ella viene de Barcelona y me llamó y me dijo que le gustaria cantar conmigo , yo me caí de espaldas y pense Oh, Dios Mio, pero la adoro desde hace años, y creo que se dio cuando viaje recientemente a Barcelona y en un programa de television me preguntaron..y yo dije bueno ella es la mejor cantante del mundo y me encantaría poder cantar con ella, asi que ella lo debe haber visto. Llamo a la oficina y dijo que le gustaria hacer cosas.

A finales de mayo la isla de Ibiza acogió un gran festival de música en el Ku Club. Freddie había aceptado ser un invitado de honor y clausurar el evento con Montserrat Caballé cantando la canción que él había escrito para ella y para su ciudad natal, Barcelona. Más tarde, el Comité Olímpico Español decidió que el single fuera el himno oficial para los Juegos Olímpicos celebrados en Barcelona en 1992.


Estatua de bronce de Freddie MercuryEl 8 de octubre de 1988 Freddie y Montserrat aparecieron en un escenario al aire libre en el festival de Barcelona conocido como La Nit (la noche). Cantaron tres canciones del álbum que todavía no había sido editado, How Can I Go On, The Golden Boy y Barcelona, acompañados por Mike Moran al piano. Fue la última vez que Freddie actuó en un escenario con Caballé, cantando en playback. El tan ansiado álbum "Barcelona" finalmente salió el 10 de octubre. La última vez que Freddie cantó en vivo había sido el 4 de abril en el Dominion Theatre, en el Musical Time un evento de caridad en el que Freddie interpretó cuatro canciones, una de ellas junto a su amigo Cliff Richard.

Su última aparición pública fue en una entrega de premios, en los Brit Awards de 1990, ocasión en la que porto un traje color celeste y solo se dirigió al publico para decir “Gracias, buenas noches”, aunque se conservan imagenes posteriores a dicho acto.


Ultima imagen de Freddie Mercury, tomada en el jardín de su casa de Londres, en Septiembre de 1991.El 23 de noviembre de 1991 anunció al mundo que padecía de SIDA mediante un comunicado de prensa que fue blanco de muchas especulaciones, el mismo decía: "Respondiendo a las informaciones y conjeturas que sobre mi han aparecido en la prensa desde hace 2 semanas, deseo confirmar que he dado positivo en las pruebas del virus y que tengo SIDA. He procurado mantener oculta esta información para proteger mi vida y la de quienes me rodean, pero ha llegado el momento de que mis amigos y fans de todo el mundo conozcan la verdad y espero que todos se unan a mi, a mis médicos y a todos cuantos luchan por combatir esta terrible enfermedad". Murió de Bronconeumonía multilobar el 24 de noviembre de 1991 y su último deseo fue el relanzamiento de Bohemian Rhapsody con el objeto de recaudar fondos para la lucha contra el SIDA. Después de su muerte, se continuó con la edición de gran cantidad de material que Mercury había dejado preparado. Su última aparición en cámara fue en el video clip "These Are The Days Of Our Lives", aunque se conserva al menos una imagen posterior, mas precisamente de Septiembre de 1991, dos meses antes de su muerte.


Homenajes [editar]Véase también: Concierto en Tributo a Freddie Mercury
El 20 de abril de 1992 se organizó un concierto homenaje en el estadio de Wembley en el que se dieron cita numerosas figuras de la música como Robert Plant, Elton John, David Bowie, Guns N' Roses, Metallica o George Michael. Los beneficios de dicho concierto y del disco que se editó a raíz del mismo fueron donados íntegramente a la lucha contra el SIDA. Tras el paso de los años, algunos de sus amigos más íntimos lamentaban que en dicho concierto no participase gente como Monserrat Caballé, una de las grandes amigas de Mercury.

En 1995 se editó el último álbum de Queen titulado Made in Heaven, en el que se utilízó diverso material que Mercury había dejado grabado, además de material descartado en anteriores discos de Queen. El disco supone un homenaje de Queen a su solista.

En 2006, sale al mercado el disco Lover of Life, Singer of Songs — The Very Best of Freddie Mercury Solo con las mejores canciones de Freddie Mercury en solitario y remixes y versiones de algunas de ellas.

El 24 de noviembre de 2007, para conmemorar los 16 años de su muerte, salió a la venta el dvd Queen Rock Montreal & Live Aid, que recoge un concierto en el foro de Montreal ante mas de 18.000 personas cantando sus más grandes éxitos,grabado con cámaras cinematográficas,los días 24 y 25 de noviembre de 1981.También contiene la actuación íntegra de Queen en Live AID. .

Muy recientementela banda queen (ahora roger taylor y bryan may con paul rodgers) lanzo una nueva produccion que se titula The Cosmos Rocks.

Bryan May aclara que no es un reemplazo ni mucho menos por que Freddie jamás será reemplazable solo es un relanzamiento de la banda para todos aquellos fans que querían verlos en los escenarios de nuevo. fuente Wikipedia en español

Montserrat Caballe

Montserrat CaballeMontserrat Caballe en La Traviata

Montserrat Caballe Montserrat Caballe retrato

Montserrat CaballeMontserrat Caballe


Maria de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folc (Barcelona, España, 12 de abril de 1933) es una cantante soprano lírica de ópera. Es reconocida por su técnica vocal y sus interpretaciones del repertorio bel cantístico. Es una de las más admiradas cantantes de ópera de todo el mundo.
Estudiaba 12 años en el Conservatorio de Música del Liceu de Barcelona y gana la medalla de oro de 1954. Fueron sus maestros Eugenia Kemmeny, Conchita Badía y Napoleone Annovazzi.

Ingresa en la compañía del Teatro Municipal de Basilea en 1956, donde hará su debut operístico el 17 de noviembre de 1956, interpretando Mimí en La Bohème, además de un gran repertorio de papeles, incluyendo Tosca de Giacomo Puccini, Aida de Giuseppe Verdi, y Arabella y Salome de Strauss.

Es contratada por la Ópera de Bremen para la temporada de 1960-1961, donde se especializa en los papeles del bel canto. En 1962 regresa a Barcelona y debuta en el Liceu el 7 de enero, con Arabella. En 1964 se casa con el tenor Bernabé Martí.

Se podría decir que el primer éxito internacional de Caballé fue en 1965, cuando el 15 de abril sustituye a Marilyn Horne, que indispuesta no puede cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causa sensación y la hace famosa en el mundo de la ópera. Un periódico neoyorquino titularía al día siguiente: Callas + Tebaldi = Caballé. Después, ese mismo año, debuta en el Festival de Glyndebourne y en la Ópera del Metropolitan con el personaje de Marguerite en el Fausto de Gounod. En 1972 debuta en La Scala con Norma de Bellini y con Violetta en el Royal Opera House de Londres. En 1980, interpretó Semiramide de Rossini en el Festival de Aix-en-Provence, dirigida por Jesús López Cobos.

En 1982 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña y en 1988 el Premio Nacional de Música de España.

En 1986 interpretó un pequeño papel en la película Romanza final (Gayarre) dirigida por José María Forqué.

Montserrat Caballé ha interpretado más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha interpretado papeles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, la Marschallin, Semiramide o Isolda, amplitud de repertorio reflejado en sus muchas grabaciones. También interpreta canciones populares españolas. Su incursión en la música rock la hizo junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.

Su voz es notable por su pureza, control y potencia. Es menos admirada por sus instintos dramáticos y por su destreza interpretativa, que por su excelente técnica, matización vocal y sus exquisitos pianissimos.

Aunque resulta injusto no reconocer su gran presencia escénica y su refinada sensibilidad como intérprete. Es esencia del arte de Caballé, y una de sus grandes aportaciones a la gran tradición de la ópera, interpretar dentro de la línea de canto, sin histrionismos ajenos a la partitura y que normalmente son recursos para ocultar deficiencias técnicas en cantantes menos virtuosas.

Para su Violetta (memorablemente grabada para RCA junto a Carlo Bergonzi), por ejemplo, Caballé no necesita "ser dramática" sino simplemente cantar lo escrito por Verdi, siguiendo escrupulosamente las indicaciones de la partitura, añadiéndole su toque personal mediante refinados toques de portamento y un medido uso de la mezzavoce y los filados, aparte de su singular y bellísimo timbre. Con ello, Caballé nos devuelve un principio fundamental de la gran tradición del Bel canto.

Además, en varias de sus interpretaciones, Caballé consiguió verdadero fuego dramático. En la interpretación de Norma en 1978 en Madrid, derrocha una fuerza dramática que no tiene nada que envidiar a la de la mismísima Maria Callas.

En los últimos años, se ha dedicado a varias actividades benéficas. Es embajadora de la UNESCO, y ha creado una fundación para ayudar a los niños necesitados de Barcelona.

En 2006 actuó en Valencia ante el papa Benedicto XVI, en compañía de José María Cano, con una composición de este último.

Su hija, Montserrat Martí, también es cantante y ocasionalmente se presentan juntas, como en 2004 en el Teatro Real, en la versión en concierto de la ópera Cleopatra de Massenet.

El 2 de julio de 2008 fue investida doctora honoris causa por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander.

lunes, 6 de octubre de 2008

Pablo Agri

Pablo AgriPablo Agri

Sexteto Pablo AgriSexteto Pablo Agri

Pablo Agri(en el centro) con Leopoldo FedericoPablo Agri(en el centro) con Leopoldo Federico


Agri Pablo. Comenzó sus estudios en el Conservatorio Provincial Julián Aguirre con el maestro Bernardo Prusak. En 1984 formó parte de la Orquesta Juvenil de Radio Nacional, en 1986 comenzó a tomar clases con el maestro Szymsia Bajour e integró la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires.
Realizó, en el año 1985, el curso de música de cámara dictado por el maestro Ljerko Spiller, en el "Camping Musical Bariloche".
En 1989 ingresó a la Orquesta Estable del Teatro Colón donde integró la fila de los primeros violines hasta el año 1992. En el año 1990 fue seleccionado por Juventudes Musicales para formar parte de la Orquesta Juvenil Mundial en Suecia y Alemania. Ese mismo año fue becario de la Camerata Bariloche estudiando música de cámara con sus solistas: Elías Khayat, Andrés Spiller y Thomas Tichauer.
En 1991 participó, en Bariloche, del curso de violín y música de cámara dictado por Ana Chumachenco y Carlo Bruno.
Ganó por concurso el puesto de concertino de la Orquesta Sinfónica de Avellaneda (1992) e ingresó a la Orquesta de Cámara Mayo (1993). Fue becado por la Fundación Antorchas para estudiar en el Conservatorio Edgard Varese, en Francia, con el maestro Ami Flammer, obteniendo el Premier Prix en julio de 1997.
Participó, junto al Quinteto Buenos Aires, en el festival "La mar de músicas" en Cartagena (España) en 1999.
Actuó como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, Orquesta Sinfónica de Bahía Blanca, Orquesta de Cámara del Mercosur, Orquesta de Cámara Mayo y Orquesta Sinfónica de Avellaneda. Tocó con los principales músicos de tango: Leopoldo Federico, Mariano Mores, Néstor Marconi, Horacio Salgán, Julián Plaza y Osvaldo Berlingheri, entre otros. A fines de 1999 actuó como violín solista del show "Tango Argentino", en Broadway (Nueva York).
Es profesor de violín, desde el año 1998, en la Casa de la Cultura de Adrogué.
Grabó junto a su padre, Antonio Agri, la Orquesta Sinfónica de Letonia y la dirección del maestro Pedro I. Calderón el disco Agri X 2. Actualmente integra la Orquesta Sinfónica Nacional y forma parte, en París, del Quinteto Juan José Mosalini. Fuente Artistar

Nota sobre el CD
El violinista Pablo Agri ratificó en su flamante cd, Cuadros tangueros, su particular manera de entender y de vivir el tango. Al frente de su sexteto (integrado por Raúl di Renzo y Matías Grande en violines, Benjamín Bru Spece en viola, Patricio Villarejo en violoncello y Horacio Cabarcos en contrabajo), Agri (hijo del legendario Antonio Agri) convocó al maestro José Carli para hacer los arreglos de este disco, que contó además con la participación especial del gran Leopoldo Federico. El universo sonoro de las cuerdas se despliega en nuevos matices a través de un cuidado repertorio, que incluye temas como Mala junta (una soberbia versión del clásico de Julio De Caro y Pedro Laurenz), Mal de amores (Laurenz), Eramos tan jóvenes (Leopoldo Federico), Cuadros tangueros - La parda (José Carli), Orgullo criollo (De Caro y Laurenz) y A Osvaldo Tarantino (Carli). Agri integra actualmente la Orquesta Sinfónica Nacional y forma parte, en París, del Quinteto Juan José Mosalini. Pagina 12

domingo, 5 de octubre de 2008

Jorge Valdez

Jorge ValdezJorge Valdez

Jorge Valdez con S.Cane y JC DileoJorge Valdez con S.Cane y JC Dileo

Jorge Valdez con Roxana y FabianJorge Valdez con Roxana y Fabian


Valdez Jorge: Cantor y compositor. Nombre real: Leo Mario Vitale
(27 de enero de 1932 - 21 de febrero de 2002)
A la edad en que los pibes empiezan a jugar, ya había anidado en él la música de Buenos Aires. Por eso Jorge Valdez integra la lista de las grandes voces que llegaron a tutearse con los duendes del tango.
Poseedor de una innata sensibilidad, Leo nació en Buenos Aires, más precisamente en el porteño barrio de Villa Urquiza. Desde pequeño comenzó su encuentro con la música pues a los diez años de edad la madre lo induce a tomar clases de piano. Sus dotes interpretativas y una gran personalidad le permiten progresar rápidamente en sus estudios y es así que cinco años después, se presenta, en cuatro ocasiones, en el programa de radio "El Piano en la Argentina".

Sin embargo, su mayor pasión era el canto y comenzó a "despuntar el vicio" cantando en reuniones familiares y de amigos, para luego transitar las calles y los boliches de su ciudad, llevando como único equipaje su voz.

Carlos Lazzari, bandoneonista de la orquesta de Juan D'Arienzo, lo escucha cantar en el cine Aconcagua de Villa Devoto y poco tiempo después se lo presenta al maestro, quien le toma una prueba, en la cual interpreta los tangos "Eras como la flor", "Remembranza" y el vals "Quemá esas cartas". El resultado es positivo y en el año 1957, se incorpora a la orquesta del "Rey del Compás", con el nombre artístico de Jorge Valdez junto al cantor Mario Bustos, reemplazando a los consagrados Alberto Echagüe y Armando Laborde. Graba su primer disco, el tango "Andate por Dios", el 8 de mayo de 1957 , al que le siguen "Destino de flor", "La calesita" y "El reloj", versión en tiempo de tango del famoso bolero.

Durante su labor en la orquesta grabó 117 temas, trece de los cuales lo hizo en dúo, el primero de ellos acompañado por Mario Bustos y después -en orden cronológico- por Horacio Palma, Héctor Millán y Armando Laborde, quien en 1964 se había reincorporado a la orquesta. De los temas que Jorge Valdez cantó a dúo, el que obtuvo mayor éxito fue la milonga "Baldosa floja", grabada con Mario Bustos.

Entre las grabaciones con la orquesta de D'Arienzo, recordamos: "Adiós Chantecler", posiblemente su tema más logrado, "Remembranza", "Estrella", "La calesita", "En el cielo", "Casita de nácar", "Hasta siempre amor", "Se llamaba Eduardo Arolas", "Ave de paso", "Clavel del aire", "Adiós corazón", "Un solo minuto de amor", "Marinera", "Tu noche es mi noche" y "Chirusa", el más popular.

A propósito de este último tema, deseamos destacar que "Chirusa", compuesto por Juan D'Arienzo y Nolo López en la década del veinte, fue grabado por su autor en tres oportunidades. La primera de ellas en el año 1928, con el estribillo a cargo de Carlos Dante. La segunda el 17 de mayo de 1940 con Alberto Reynal y la tercera el 29 de octubre de 1958 con Valdez.

Este "gordo divino" o "Cuore", como lo llamaba en la intimidad su amigo el cantor Roberto Mancini, era dueño de un fraseo fácil e inconfundible, de voz atenorada, cálida y melodiosa. Parecía una alondra haciendo "fiattos falseteados", plenos de ricos matices.

Registra su último tango con Juan D'Arienzo, "Amor de verano", el 18 de noviembre de 1964, al año siguiente se aleja de la orquesta y es reemplazado por Osvaldo Ramos, quien cantaba con Florindo Sassone con su nombre real: Osvaldo De Sanctis.

Posteriormente grabó con el maestro Osvaldo Requena, con quien reeditó canciones de su repertorio, a los que sumó "Gricel", "En esta tarde gris", "Carillón de la Merced", "Verdemar" y "Nubes de humo", entre otras. Graba luego con el acompañamiento de la orquesta de Alberto Di Paulo muy buenas versiones de "Barrio de tango", "Fuimos", "La canción de Buenos Aires", "La vi llegar", "Mimí Pinsón", "Por una cabeza", "Una piba como vos" y "Cuando un amigos se va".

Para resaltar mejor la gran sensibilidad de Jorge Valdez, rescatamos esta anécdota referida por Rafael Brescia, quien también lo acompañó en diversas oportunidades con sus guitarras. En la década del noventa Brescia había registrado una cinta con la voz de Carlos Gardel, reemplazando las guitarras que lo acompañaban por otras cinco dirigidas por él. «Cierto día llevaba a Jorge en mi auto y puse la cinta. Mientras la escuchaba vi una lágrima en sus ojos. Fue la mejor recompensa para mi trabajo.»

Durante su actuación como solista Valdez integró diversas "embajadas de tango" junto a Carlos Dante, Alberto Morán, Floreal Ruiz y Ricardo Ruiz y bajo la dirección orquestal de Jorge Dragone, estas giras le permitieron actuar en distintos escenarios de toda América.

Sus discos, desde la época en que actuó junto a D'Arienzo, ganaron al pueblo hermano de Colombia, quien lo convirtió en ídolo y sus actuaciones en teatros, coliseos y plazas de toros, aún hoy son recordadas con cariño y admiración. Raúl Iriarte, ex cantor de Miguel Caló y próspero empresario en Bogotá, también lo convocó para actuar junto a Juan Carlos Godoy, Armando Moreno, Jorge Ortiz, Oscar Larroca y Roberto Mancini. Su último paso por ese país ocurrió en el año 2001. También actuó en Australia, donde las ciudades de Melbourne y Sydney gozaron con su voz y su estilo inconfundible.

Previamente a todo esto, en abril de 1990, Jorge sufrió un serio accidente automovilístico en el tramo habilitado de la nueva autopista Buenos Aires-La Plata, a la altura de Dock Sur. En este incidente sufre diversas heridas y es llevado al hospital Fiorito para su atención. Le cosen la lengua que había sufrido un corte muy profundo y luego de un largo trabajo de rehabilitación supera el mal trance.

En ese entonces Jorge se mostraba muy desanimado y con deseos de abandonar el canto. Son sus amigos quienes lo alientan a seguir y logran que se someta a nuevos y exigentes ejercicios de reeducación y foniatría. Vuelve a actuar en el "Rincón de los Artistas", clásico reducto tanguero ubicado en Álvarez Jonte y Boyacá, pero él siente que ya no es el mismo. Tanto es así que un día al bajar del escenario, molesto por no escucharse bien, le dijo a sus compañeros: «Estoy engañando a la gente. Esto no es lo que yo quiero.»

No obstante ello, Jorge continuó con los trabajos de reeducación, hasta lograr colocar nuevamente su voz a la altura de su registro normal, lo cual no le resultó sencillo, pues su estilo le exigía muchísimo esfuerzo. El era un cantante de registro alto y no un "diseur" acostumbrado a musitar las letras. Sus innatas condiciones técnicas y su gran fuerza de voluntad lo ayudaron a dejar atrás el mal trance y reinsertarse en el mundo del canto.

Sin embargo, aquel Jorge Valdez que había superado todas las consecuencias de ese ingrato episodio, no pudo años después, recuperarse de la angustia que le causó el fallecimiento de su esposa Laura y no obstante contar una vez más con el apoyo de sus amigos y el entrañable cariño de su hija, en lugar de luchar, se dejó estar y entró en una profunda depresión.

Continuó actuando en reductos tangueros de Buenos Aires, Mar del Plata y Tucumán, pero ya no era el mismo y así, con su corazón destrozado sentimentalmente, falleció en el Sanatorio Colegiales de la Capital Federal como consecuencia de una afección hepática.

Compuso dos temas, "Por favor no vuelvas" en colaboración con Celso Amato y letra de Raúl Hormaza y "Olvidemos todo" con versos de Santiago Adamini. Ambos temas los grabó con la orquesta de Juan D'Arienzo. 

José Pedro Aresi y Roberto Mancini