sábado, 7 de junio de 2008

Laura Figie

Laura Figie

Laura Fygi (n. 27 de agosto de 1955 en Amsterdam) es una cantante holandésa.
Para los primeros ocho años de su vida, ella vivía con sus padres en América del Sur. Ella es la hija de un padre holandés (un gerente en Philips) y madre egipcia.
Entre 1987 y 1991, Laura Fygi era miembro de uno de los más populares-holandés niña bandas, Centerfold. Durante las actuaciones, las damas vestidas en lencería sexy. Han encontrado en los Países Bajos y en toda Europa. En Japón, se consideraron famosos.

Laura Figie

En 1991, las señoras de Centerfold dejado de realizar y Laura (junto con Rowan Moore) comenzó una banda llamada La Backlot. Después de una actuación en el teatro Paradiso holandés, un álbum que se esperaba, Mercury Records, pero ya había pedido a Laura a hacer un disco en solitario. Este primer álbum de ella se llamaba Al presentar (álbum), producido por Ruud Jacobs. En este álbum, que estuvo acompañado por el famoso músico belga Jean "Toots" Thielemans. La mayoría de las canciones del álbum son el jazz.
Laura Fygi celebra su 15 aniversario como cantante en solista el año pasado - regresa a su origen francés en su nuevo CD Rendez-Vous. Fygi se planteó bilingüe: su madre habla a su francés y holandés a su padre. En su 11 º álbum, que combina su amor por el Gran Cancionero de América con el hermoso sonido de su lengua materna. "Me acaba de seleccionar mis favoritos clásicos y cantó en la mayoría de lenguaje poético que conozco. Es una combinación del reconocimiento y emoción."

La colección de canciones en Rendez-vous se inspira en el famoso Hot Club de Francia-era, de los cuales Django Reinhardt y Stéphane Grappelli son bien conocidos exponentes. Hot Club de Francia fue un famoso club de jazz en París en la década de 1930, establecida para proteger y promover la música de jazz. Como resultado, los grandes músicos de jazz internacional se pueda llevar a cabo en Francia y muchos americanos y europeos músicos deben su éxito a las actividades de esta organización francesa. Como estaba prohibido cantar en Inglés durante la guerra, bien conocidas canciones de compositores de América se tradujeron al francés en el momento. Por
lo tanto, con la excepción de 'Caravana', las pistas de Rendez-Vous francés son todos los clásicos. Fygi preguntó Philippe Elan, un francés que vive en los Países Bajos, para traducir la letra de 'Caravana' en francés.
Las mundialmente famosas pistas de Cole Porter, Kurt Weill, Glenn Miller y George Gershwin y otros han sido adaptados por Laura de la propia banda. "Empezamos en el verano de 2006 mediante la selección del repertorio, los ritmos y los solistas nos gustaría invitar. Mi pianista Hans Vroomans sentó las bases para todos los nuevos
acuerdos después de que el resto de mi banda perfeccionado. Su participación es importante para este álbum, es la razón por la cual este disco es tan especial ", dice Laura. Rendez-vous es producido por Ruud Jacobs. Similares a Live at Ronnie Scott's, este álbum tiene un club verdaderamente íntimo ambiente. Laura: "Me encanta que la intimidad, la idea de que las canciones se realizan sólo para usted, como si el uno en frente del escenario."
El álbum Invitados por David Kweksilber en clarinete, Gert Wantenaar en acordeón, Tim Kliphuis en violín y Bert Boeren en trombón. Otro invitado es el francés superestrella Dave (nacido en los Países Bajos), con quien Laura lleva a cabo una impresionante versión de "Dansez Maintenant '. "Él ha estado viviendo en Francia en los últimos 40 años, por lo que no sabía que yo era. Pero él dice que si Michel Legrand pensé que era lo suficientemente bueno, desde luego no podía rechazar la oferta!" Guitarrista Stochelo Rosenberg de la famosa Rosenberg Trio aportó su sonido gitano de solos de guitarra de "Nuages" y "Caravana".
Laura Figie
Rendez-Vous es un maravilloso CD de jazz evergreens cantado en francés. El álbum verá una liberación de todo el mundo el 27 de abril. Laura Fygi se gira en Asia, donde ha sido una verdadera superestrella desde hace muchos años. En la primavera de 2008, se emprenderá una gira de teatro en los Países Bajos.
Laura Fygi - Rendez-Vous en sus propias palabras (comenta tema por tema)
Le Continental
Esta canción de inmediato da el tono. Se siente como conducir un Deux Chevaux a través de los campos de lavanda agitando de la campiña francesa, su brazo colgando por la ventana, disfrutando del sol.
Le Temps qui passe
Esto trae recuerdos de Casablanca, una de mis películas favoritas.
Yo no estaba muy impresionado por Humphrey Bogart, pero yo sólo adorada a Ingrid Bergman. Esto es pura nostalgia.
Divino Beguine
Los rasgos característicos de esta canción son de su unidad y las diferencias de ritmo. Casi cada verso tiene una melodía diferente y no hay coro recurrente.
Te Pour Plaire
En lo que a mi respecta, esta es una de las más maravillosas canciones en el álbum. Se trata de un romántico homenaje a mi marido, casi como bodas votos.
C'est si bon
Una muy famosa, originalmente la canción francesa! He venido desempeñando en directo como Q & A con el público. Todo el mundo sabe esta canción!
Nuages
Originalmente una canción francesa, al igual que "C'est Si Bon", pero esto tiene un verdadero estilo gitano a la misma. Se trata de un tren que salen y realmente se siente como si estuvieras en ese tren. Tiene una increíble solo de guitarra de Stochelo Rosenberg.
Tout Le Jour, toute la nuit
Un clásico de Cole Porter y sólo una gran canción!
Volons vers la Lune
Todo el mundo siempre registros de esta canción en una versión swing. Que yo quería hacer de manera diferente, por lo que registró un muy lento en lugar versión.
Quelqu'un m'aimera
Alegre, breve y sencillo, con un gran solo de mi pianista Hans. Muy refrescante, sobre todo después de "Vers volant La Lune".
Tu Viens dans ma tête
La letra en francés se acerca a alguien que puede? T componen su mente. En caso de que la estancia de él debe ir? Las letras son completamente en sincronía con la música.
La Complainte de Mackie
Originalmente una clásica canción de Kurt Weill, y de muchas cubiertas en una versión de jazz. Es una magnífica composición.
Comienza de forma muy sutil, y con cada verso es un instrumento añadido. También es una fantástica historia en sí misma.
Autour de Minuit
Una de las más melancólicas canciones en el álbum, y el más poético francés letras que he escuchado nunca. Tiene una enorme profundidad y es una hermosa traducción de la original.
Caravana
Una verdadera caravana canción, con un solo de Stochelo Rosenberg! Nuestra colaboración fue el resultado de un viaje que hice con los Rosenberg Trio. Me gusta su estilo gitano.
Dansez Maintenant
Se trata de una versión francesa de Glenn Miller's "Moonlight Serenade". Dave's timbre alto combina maravillosamente con mi sofocante, voz baja. Se trata de una emoción a trabajar con él. Fuente Wikipedia y web de Laura Figi

viernes, 6 de junio de 2008

Alberto Castillo

Alberto Castillo y Francisco Canaro Alberto Castillo

Alberto Castillo con la Orquesta de Francisco Canaro en Adios Pampa mía

CASTILLO, Alberto. (Nombre de familia: Alberto De Luca). Cantor. Actor. Nació en Buenos Aires en el barrio de Mataderos,el 7 de diciembre de 1914. Cursó sus estudios en la Facultad de Medicina de Buenos Aires, obteniendo en 1942 su grado de médico especialista en ginecología. Durante la etapa de practicante del hospital Alvear, ya había manifestado su vocación por el canto, en el cual fue alentado por distintos artistas, Juan Carlos Cobián, Vicente Martínez Cuitiño y Carlos Roldán, entre ellos.
Alberto CastilloAlberto Castillo

Cantó en 1934, con Armando Neira; en 1935,con Augusto Berto; en 1937, con Mariano Rodas. En 1938, durante una fiesta estudiantil que fue animada por la orquestatípica Los Indios, de Ricardo Tanturi sus compañeros le pidieron que cantara con ésta. Ingresó al conjunto en 1939, llamando inmediatamente la atención su manera novedosa de interpretar el tango, a la que unía, en lo musical, una perfecta afinación. Su primer disco el vals Recuerdo grabado el 8 de enero de 1941. Noches de Colón, A otra cosa, che pebeta, Tango, Madame Ivonne, Así se baila el tango —también grabó en discos Víctor— expresaron, entre otras versiones suyas con Tanturi, el advenimiento de un vocalista distinto. En 1944, se independizó confiando la dirección de su acompañamiento al violinista y arreglador Emilio Balcarce. A éste lo sucedió en tal responsabilidad Enrique Alessio, permaneciendo luego y durante muchos años, como director de su orquesta el también bandoneonista Ángel Condercuri. Realizó, en distintos momentos de su trayectoria giras por el sur y centro y el norte de América, temporadas teatrales y varias películas: Adiós, Pampa Mía (dir.:Manuel Romero, 1946), El Tango Vuelve a París (dir.: Romero, 1948), Un Tropezón Cualquiera da en la Vida (dir.: Romero 1959), Alma de Bohemio (dir.: Julio Saraceni), Por Cuatro Días Locos (dir.: Saraceni, 1954). Su"slogan" artístico fue siempre, "el cantor de los cien barrios porteños". Fuente Horacio Ferrer
Alberto Castillo Alberto Castillo con la Orquesta de Ricardo Tanturi
Nota la dia siguiente de su fallecimiento con su biografia
A los 87 años, falleció ayer el cantante de tangos Alberto Castillo, que se encontraba internado en el Sanatorio Bazterrica de la ciudad de Buenos Aires, a causa de una neumonía, según informaron médicos de la institución. Sus restos eran velados anoche en el Salón Dorado de la Legislatura porteña. Decir que Alberto Castillo tenía un "estilo particularísimo de cantar", o, como esbozó Julián Centeya, "no se parece a ninguna voz" es decir nada. Ningún cantor (ningún intérprete de la música popular) deja de tener su "particular estilo". Eso se dice cuando no se tiene nada que decir. Porque es evidente que cada cual tiene ineludiblemente una voz distinta, un distinto registro, un timbre personal, un modo de frasear o matizar especial. El canto de Castillo se diferencia del de los demás cantantes del tangos (aunque se lo asocie temerariamente por el gracejo burlón, arrabalero y de "cadencias reas" a Rosita Quiroga, Sofía Bozán o Tita Merello) por su modo de expresar las palabras, dando énfasis a los acentos prosódicos, mientras que las sílabas débiles se escondían en la articulación de la frase. Su voz de tenor era vibrante, siempre emocionada y entregada de lleno a cada tema. Pero Castillo nunca gritó, jamás vociferó, aun en los momentos en que expandía su voz con esa cálida unción de los cantantes sentimentales. Castillo desgranaba matices y era clarísimo -como su impecable afinación- en la dicción, detalle que suele escapar a la mayoría de los cantores de tango, y que Goyeneche supo hacer de ella un culto acendrado, dejando así su ejemplo imperecedero. Castillo sostenía que su modo de cantar favorecía a los bailarines: "La gente se mueve gracias a mi modo de cantar", aseguraba. El verdadero nombre de Alberto Castillo era Alberto Salvador De Lucca. Nació el 7 de diciembre de 1914 en el barrio de Mataderos, precisamente en Juan Bautista Alberdi al 4700. Era el quinto hijo de un matrimonio de inmigrantes italianos: Salvador De Lucca y Lucía Di Paola. Se inició en la música de pequeño. En algún tiempo lidió con el violín, pero su pasión era cantar en cuanta oportunidad se le presentaba durante su adolescencia. A los 15, en su barra, lo sorprendió el guitarrista Armando Neira y le propuso llevarlo a su grupo. Allí fue su debut profesional. Su nombre artístico era entonces el de Alberto Dual. Otras veces se hacía llamar Carlos Duval. Cantó en las orquestas de Julio De Caro en el 34, de Augusto Pedro Berto al año siguiente, y en la de Mariano Rodas en 1937. En 1938, dejó la orquesta y se dedicó a estudiar medicina. Pero su pasión musical pudo más y ya un año antes de recibirse ingresó en la Orquesta Típica Los Indios, que dirigía el dentista-pianista Ricardo Tanturi.
Seudónimo definitivo : El 8 de enero de 1941 se publicó el primer disco de Tanturi con el cantor Alberto Castillo, su flamante y definitivo seudónimo, a instancias de Pablo Osvaldo Valle, un hombre de radio. Allí, con el vals "Recuerdos", alcanzó su primer gran éxito. El paréntesis tanguero no le impidió recibirse de ginecólogo y de instalar su consultorio en la casa de sus padres. Por un lado, Alberto Salvador De Lucca atendía a las señoras y, por otra, Alberto Castillo consolidaba su papel de cantor de tangos. La dualidad hizo que muchas de sus pacientes acudieran al consultorio para hacerse atender por el cantor. Pero las tentaciones no pudieron con el artista que llevaba adentro. El 6 de junio de 1945 -disfrutando ya su condición de ídolo- se casó con Ofelia Oneto. Con ella tuvo tres hijos: Alberto Jorge (ginecólogo y obstetra), Viviana Ofelia (veterinaria e ingeniera agrónoma) y Gustavo Alberto (cirujano plástico). Su estilo ya estaba definido: sus movimientos de un lado al otro del escenario, sus inclinaciones frente al micrófono, que manejaba con su mano derecha muy cerca de sus labios, su pañuelo en el bolsillo del saco, el cuello de la camisa desabrochado y la corbata aflojada constituían toda una marca. Castillo se consideraba bien de pueblo y alguna vez tropezó con algún pituco que se ofendía por las letras de los tangos. Así ocurrió que, en 1944, la policía debió interrumpir el tránsito frente al teatro Alvear de la calle Corrientes. En ese tiempo, ya no pertenecía a la orquesta de Tanturi. Su inclinación hacia las expresiones más reas lo acercaron al candombe, junto a bailarines negros, como fue el caso de Charon (Osvaldo Sosa Cordero) que compartió la fama del ídolo. El ritmo estaba en "Siga el baile", el "Baile de los morenos", "El cachivachero" o el escrito por él "Candonga". La capacidad para inventar letras se tradujo en tangos como "Yo soy de la vieja ola", "Muchachos, escuchen", "Cucusita", "Así canta Buenos Aires", "Un regalo del cielo", "A Chirolita", "¡Adónde me quieren llevar!", "Castañuelas", "Cada día canta más", más dos marchas "La perinola" y "Año nuevo".
Alberto CastilloAlberto Castillo

El cine lo convirtió en actor natural. Su debut fue en 1946 con "Adiós pampa mía". Le siguieron "El tango vuelve a París" (1948) junto a Troilo: "Un tropezón cualquiera da en la vida" (1948), con Virginia Luque, "Alma de bohemio (1948), "La barra de la esquina" (1950), "Buenos Aires mi tierra querida" (1951), "Por cuatro días locos" (1953), "Ritmo, amor y picardía" (1955), "Música, alegría y amor" (1956) y "Luces de candilejas" (1958) en estas tres con la rumbera Amelita Vargas, y "Nubes de humo" (1959). El último éxito de Castillo fue en 1993, cuando grabó "Siga el baile" con Los Auténticos Decadentes, en el disco de la banda "Fiesta monstruo", y se ganó a la muchachada de fin de siglo, tal como lo había logrado con la de los años 40. Habrá que recordar, entre sus temas identificatorios: "Noches de Colón" (1926), grabado en 1941, y "Muñeca Brava (1942) y "Así se baila el tango (1942) con Tanturi; "Los cien barrios porteños", uno de sus clásicos en forma de vals, grabado en 1945 y esgrimido durante toda su carrera, el candombe montevideano "Siga el baile", otro de sus caballitos de batalla, grabado en 1953 para el sello Odeón, que lo volvió a grabar en 1960 y finalmente en el ya mencionado 1993, y "Yo soy de la vieja ola", con letra escrita por el propio Castillo en protesta por la irrupción de la Nueva Ola, grabado en 1959. Fuente René Vargas Vera Diario La nación 24 de Julio de 2002.

jueves, 5 de junio de 2008

Julie London

Julie London

Julie London, (nombre Julie Peck) es una de los mejores vocalistas femeninas durante los años 1950 y principios del'60 's, su más famosa grabación que se Cry Me A River, publicado en 1955. Ella nació el 26 de septiembre de 1926 en Santa Rosa, California, y Jack y Josephine Peck, una canción y la danza en equipo vodevil y la radio. En 1929, la familia se mudó a San Bernardino, donde los padres de Julie tenía una radio, en la que a veces parece. En 1941, se mudaron a Los Angeles, donde Julie dejado los estudios y se fue a trabajar como operador de un ascensor en una tienda por

Juli London

departamentos. Ella empezó a cantar durante este tiempo con la orquesta de Matty Malnech. En Los Ángeles, conoció a Jack Webb, y luego en el Cuerpo de Marines, y Sue Carol, un actor / agente y la esposa de Alan Ladd. Carol obtuvo una pantalla de prueba para Julie, que se inició en su carrera al cine. Julie's papeles durante los primeros años fueron poco partes. Ella pronto llegó estrellas estado jugando papeles principales en películas tales como una cuestión de adulterio, Grupo de Tareas, y

The Fat Man. En 1947 se casó con Webb, que se acaba de romper en dramático que actúan en la radio. Con el matrimonio, ella abandonó temporalmente su carrera película a convertirse en una de tiempo completo esposa y madre, y que tenía dos hijas, Stacy y Lisa. En noviembre de 1953, Londres y Webb divorciados, y que recibió la custodia de los hijos. Con la disolución de su matrimonio, Julie entró en un breve período durante el cual, ella ha dicho, había una falta de confianza en sí mismos. En 1954 esto cambió cuando conoció a Bobby Troup, un músico de jazz y compositor. Bajo su dirección comenzó una seria carrera de cantante en 1955. Su primer canto fue el compromiso del Club 881 en Los Ángeles. En 1955 ella cortar su primer álbum, Julie es Su Nombre. Se incluyen en este LP fue su mayor éxito hit: Cry Me A River. Más de tres millones de copias del álbum y solo se han vendido. La única se mantuvo en Billboard durante 13 semanas, y el LP de 20. Julie fue votado uno de los mejores vocalistas femeninas de 1955, 1956 y 1957. En Fin de Año, de 1959, se convirtió en Señora Bobby Troup.
Julie's estilo vocal ha sido descrito como ser sofocante, sexy, "vienen de acá", íntimo, breathy, caliente, humeante, inquietante, husky, sullen, triste, sugestivo y seductor. Se auto-describe su voz en un artículo la revista LIFE en 1957, como "Es sólo una thimbleful de una voz, y tengo que usarla cerca del micrófono. Pero es una especie de oversmoked voz, y automáticamente suena íntima. " La mayor parte de su álbum abarca fueron agraciados por sofocante, aún sofisticadas fotos de Julie - la portada de su primer álbum, Julie ¿Su nombre está, en el momento, el pensamiento de tan sexy como que se describió como "... la generación de suficiente voltaje a la luz de una marquesina de teatro ". El álbum Calendar Girl es agraciada con 12 "pastel de queso" fotos de Miss Londres - uno para cada mes del año, con una gran foto adicional para el "treceavo" mes en el interior de la cubierta desplegable. (ver discografía LP)Julie London
Al mismo tiempo que su carrera de cantante despegó, la película de Julie carrera también fue "resucitado". En 1956, ella protagonizó un alcohólico como cantante en la película "El Gran Hombre". A partir de ahí, pasó a estrella, o co-estrella en más películas de United Artists y MGM, entre ellos: El hombre del Oeste (lobby tarjeta foto), voz en el espejo, El maravilloso país, George Raft La historia, y El Tercera voz. (ver Filmografía). Durante la película de voz en el espejo, Julie se convirtió en un cantautor, que componen el título de la canción para la película. Ella también ha aparecido en numerosos programas televisivos como actriz y cantante (que aún estoy tratando de compilar). En 1971, ella comenzó a tocar uno de sus más conocidos como papeles de enfermera Dixie McCall en el Programa de televisión de Emergencia, (que también figuran Bobby Troup, como doctor Joe Temprana). Después de Emergencia, Julie hizo una última película: la supervivencia en la Carta # 220 antes de retirarse de la actividad. Bobby Troup En las palabras de: "Ella no es un fan de Julie London. Ella honestamente no darse cuenta de lo bueno que es. Ella nunca realmente un artista intérprete o ejecutante, no tienen esa necesidad de salir a favor de una audiencia y recibir elogios. Ella siempre ha sido retirado, muy introvertido. Ella odiaba a los grandes espectáculos. No podía esperar para hacerlo, y ella sólo se alegra cuando eran más ".
Durante los últimos años 50 y en los años 60, Julie hizo algunas giras internacionales en tales locales como Brasil y Japón. Mientras que en Japón, registró un japonés-sólo programa de televisión con Bobby Troup y su banda, que ha sido preservado, y con suficiente caza, aún se pueden encontrar en cinta de vídeo. Julie esencialmente dejar de grabación cuando la etiqueta doblada la Libertad en 1968


Su última grabación fue en 1981, para la película Sharky's Machine, en la que actuó Mi Funny Valentine para la banda sonora. Ella reside actualmente, con ella durante mucho tiempo el marido, Bobby Troup, inEncino, California. Tienen siete hijos entre ellos, y anterior a través de sus propios matrimonios.
Lamento tener que añadir que Bobby Troup falleció de insuficiencia cardiaca congestiva a la edad de ochenta años en febrero de 1999. He recibido numerosos e-mail messgaes de los aficionados expresar sus condolencias a Julie y la familia.

miércoles, 4 de junio de 2008

Milva

Milva

Milva, nombre real Maria Ilva Biolcati (nacida 17 de julio de 1939) es un cantante italiano, la actriz de televisión y personalidad. Ella es también conocida como la Red (debido al color de su cabello) o el Goro como Panther, que se deriva de un periodista nombrar los 3 más talentoso italiano cancionistas de la década de 1970 con el nacimiento lugar, además de un nombre de animal (las otras dos son los más Cremona Tigre y el Ligonchio Eagle).
Biografía
Nació en Goro, provincia de Ferrara.
Milva En 1959 ganó un concurso de nuevas voces, y fue nombrado el ganador general de más de siete mil participantes. En 1960 grabó su primer 7 "con el único CETRA registros: Édith Piaf la canción de" Milord ". Su verdadero debut fue en la etapa del Festival de Música de Sanremo en 1961, donde tomó el tercer lugar. Compitió varias veces en el Festival (14 veces en total, la última vez en 1993). La posición más alta que ha alcanzado es el segundo lugar en 1962, pero ella nunca ha ganado hasta la fecha.
Milva

En 1965, una feliz reunión llevó a un cambio definitivo en su carrera: italo-alemán actor, dramaturgo y director Giorgo Strehler ayudó a desarrollar sus habilidades en una puesta en escena y cantando en los teatros italianos (especialmente el Piccolo Teatro de Milán) y ella comenzó a realizar más comprometido repertorio (canciones de italiano movimiento de resistencia, las canciones de Bertold Brecht de piezas, etc.)

En los años siguientes se alternaron el éxito en el canto (sobre todo en Alemania, donde ganó oro y platino, los registros de ventas superior) y el éxito en el teatro de operaciones, donde una notable edición de 1973 La Ópera de los tres se reunieron con éxito en toda Europa.
Milva En 1962 fue el primer cantante de éxito Édith Piaf cantar el repertorio en el prestigioso teatro Olympia de París. En 1983 se realizó una y otra vez recibió una verdadera ovación por el público y la prensa francesa, muy sorprendido cómo un no-artista francés podría interpretar con tal sentimiento y la energía de sus canciones más queridas cantante francés. Ella fue una artista muy ecléctica, la realización de todo, desde la música pop a la ópera (con Luciano Berio), comedia de teatro comprometido a teatro (ella es la primera que no sea alemán actriz para lograr un gran éxito en Bertold Brecht desempeña, poniendo una sombra en la ex actrices de las mismas funciones), programas de televisión (Al Paraíso en 1983 ganó la Rose d'Or en el Festival de Montreux) y musicales. Ella también apareció ocasionalmente en algunas películas italianas de la década de 1960, al igual que La bella Ippolita con Gina Lollobrigida.

Su carrera de cantante se ha vuelto más complejos y diversos de año en año, gracias a la colaboración con algunos de los más talentosos compositores y músicos en escena europea: Ennio Morricone en 1965, Francis Lai, en 1973, Mikis Theodorakis en 1978 (era ich denke más vendidos álbum en Alemania), Enzo Jannacci en 1980, Vangelis en 1981 y 1986, Franco Battiato en 1982 y 1986.
Su carrera teatral también ha ido de éxito en éxito, las giras mundiales más prestigiosos teatros con Bertold Brecht y de los considerandos de Luciano Berio óperas. Ella ha actuado en la Scala de Milán, en la Deutsche Oper de Berlín, en la Ópera de París, en Royal Albert Hall en Londres, a Los Angeles Juegos Olímpicos, en el Festival de Edimburgo, y muchos otros.
En 1984 actuó (con Ástor Piazzolla) el espectáculo El tango en la Les Bouffes du Nord de Teatro en París. Esto fue sólo el comienzo de una nueva e importante colaboración, la interpretación de los tangos de Piazzolla revolucionario en todo el mundo.

En la década de 1990 su mentor Giorgio Strehler muerto. Ella redujo temporalmente su actividad teatral y se centró en la música solamente. Ella recibió una nueva inspiración colaborar con Thanos MIKROUTSIKOS, James pasado y Shinji Tanimura. Ella realizó su gira número 14 en Japón.
En 2004, su último CD y la gira se dedicó a establecer a la música de la poesía de Milán poetress Alda Merini.
Ella tenía una relación con el actor Luigi Pistilli el fin de que contribuyeron a su suicidio.
Ella tiene una hija llamada Martina, nacidos después del matrimonio con Maurizio Corgnati a principios del decenio de 1960. Fuente Wikipedia

lunes, 2 de junio de 2008

Aretha Franklin

Aretha Franklin

Aretha Franklin es una cantante de soul, R&B y gospel. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee). Apodada como "Lady Soul" o "Queen of soul" «La Dama (o Reina) del Soul» es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea. A mediados de los '60 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. Ha influido a decenas de artistas, como Whitney Houston, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, etc.
Biografía: Infancia y formación.Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Era hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Su padre abandonó su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después murió. Su madre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender
Areta Franklin

por si sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo permanecía en un tour itinerante de gospel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue "Precious Lord". Los genios del gospel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. A pesar de vivir en este ambiente religioso, su vida no era nada eclesiástica, pues con tan solo quince años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo.
Desarrollo artístico :Principios e influencias gospel en Cheker (1956-1960):Las raíces gospel de Franklin son una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Baptista de Detroit, la cual estaba regentada por su padre C.L. Franklin, un predicador baptista, apodado "La voz del millón de dólares" y uno de los principales confidentes del líder Martin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan sólo 14 años hizo su primera grabación para el sello Checker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones gospel, con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia. En 1960 viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo empezó a grabar demos para enviar a las discográficas.
Etapa en Columbia y Harmony (1961-1966): Tras un tiempo en el que Aretha comenzó a ser considerada una joven prodigio se comentaba que Motown estaba interesada en ficharla pero finalmente firmó con el sello Columbia, bajo la dirección de John Hammond. Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo la compañía comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha en 1964. En esta época consiguió éxitos menores de los que destacan Operation heartbreak, Rock-a-bye Your Baby With a Dixie Melody, Lee Cross y Soulville. Tras su marcha de Columbia editó Songs of faith (1964) con la discográfica en que debutó y donde continuaba ese sentimiento gospel. Un año más tarde salió Once in a lifetime bajo el sello Harmony.
Entrada en Atlantic (1967-1970):Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por Atlantic, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single en grabar dentro de Atlantic fue I never loved a man the way I love you, para lo que contaron con el acompañamiento de The Muscle Shoals en Alabama, a pesar de que la sesión de grabación del tema se tuvo que finalizar en Nueva York. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como uno de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: "Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con los The Muscle Shoals, unos chicos blancos de Alabama". El single irrumpió en todas las radios, pero aún los haría con mucha más fuerza Respect -versión de un single que Otis Redding había grabado en 1965- con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic en Nueva York el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un
Areta Franklin

solo de saxo, de la mano de King Curtis; también se le añadieron los cambios de acordes del tema When something is wrong with my baby de Sam & Dave.
El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum I never loved a man the way I love you, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles Drown in my own tears o las canciones de Sam Cooke Good times y A change is gonna come. Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora con los temas Don't Let Me Lose This Dream, Baby, Baby, Baby, Save Me y Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business). Ese mismo año consiguió dos Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967 (4 de agosto) editó el disco Aretha arrives, del que se pueden destacar los temas "Satisfaction" y "Baby, I love you". Este segundo álbum en Atlantic alcanzó el número uno, pero no fue tan popular como su predecesor.
En 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía hits de la música soul como Chain of fools, A natural woman o Ain't no way. También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema Good to me as I am to you, temas de Ray Charles Come back baby, James Brown Money won't change you y el clásico de Curtis Mayfield People get ready. En el álbum colaboraban en los coros de The Sweet Inspirations, compuesto por Doris Troy, Dionne Warwick, su hermana Dee Dee Warwick y la prima de ambas Cissy Houston (madre de Whitney Houston). Seis meses después se lanzó Aretha now, que continuaba una cadena de éxitos con Think y el popular tema de Burt Bacharach I say a little prayer, y que con anterioridad había interpretado Dionne Warwick. En 1969, el álbum Soul'69 cerraba la década con el éxito de los singles River's invitation y Bring it on home to me.
Evolución hacia nuevos tiempos (1970-1979):por la propia Aretha. El título del álbum era un remake del tema de Burt Bacharach "This Guy's in Love With You". Ese mismo año (1970) editó también "Spirit in the dark", en el que vuelve a hacer versiones de B.B. King, Jimmy Reed y Dr. John. En este álbum contó con una instrumentación de lujo por parte de The Muscle Shoals, The Dixie Flyers y el guitarrista Duane Allman. Los dos singles extraídos del álbum fueron "Don't play that song" y el tema escrito por Aretha que daba nombre al álbum. En 1971 salió al mercado la grabación de una actuación en vivo "Aretha Live at Fillmore West", donde cantaba sus grandes éxitos, a la vez de versiones de Stephen Stills "Love the One You're With" y Bread "Make It With You". En este álbum aparecen el saxofonista King Curtis, y una versión de "Spirit in the dark" junto a Ray Charles. Hasta este momento Aretha seguía haciendo su soul sesentero, tan sólo con algunas variaciones como la inclusión de versiones de temas rock, pero en 1971 con "Young, gifted and black" su sonido empezó a adecuarse a los '70, con un sonido que precedía a la música disco y la inclusión de nuevos ritmos, a la vez de una nueva imagen. Tres de los mayores éxitos de este álbum están escritos por Aretha: "Day dreaming", "Rock steady" y "All the king's horses". Incluyó de nuevo versiones, como "The long and winding road" de The Beatles y "I've been loving you too long" de Otis Redding. En 1972 llegó el primer álbum totalmente gospel de su carrera, estaba grabado en directo junto a The Southern California Community Choir y James Cleveland. De este disco son famosas su versiones gospel de "You've got a friend", "Wholy Holy" de Marvin Gaye, "How I got Over" de Clara Ward o la tradicional "Precious memories". Un año después, en 1973 llegó "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)", el último álbum de Aretha antes de sucumbir casi totalmente a la música disco. A parte de hits como "Angel" (compuesta por Carolyn Franklin), "Somewhere" (del compositor y pianista Leonard Bernstein) o "Master of Eyes (The Deepness of Your Eyes)" (escrita por Aretha y Bernice Hart), uno de los mayores impactos que produjo el álbum fue por su original y extraña portada. "Let Me in Your Life" en 1974, mostraba una nueva imagen de Aretha, con una portada en la que ya aparecía como una "diva" abrigada con un abrigo de piel. Seguía sonando a soul, pero su inclusión en la música disco es cada vez mayor. De este álbum salieron dos hits: "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" interpretada anteriormente por Stevie Wonder y "I'm in love", escritaEn el año 1977 lanzó dos álbumes, que tuvieron un modesto éxito, siendo bastante fugaces: "Satisfaction" y "Sweet passion" (de este último destaca el single "Break It to Me Gently"). En esta época de escasos éxitos para la cantante, en 1978 se juntó de nuevo con Curtis Mayfield, quien escribió "I needed baby" dentro del álbum "Almighty Fire". Aretha cerró la década con un álbum que llevaba por nombre aquello que en cierta manera le había hecho caer "La diva" (1979), en el cual se incluían temas escritos por la propia Aretha como "Ladies Only", "Only star", "I was made for you" o "Honey I need your love", de los que ninguno consiguió éxito. Este declive musical se debía sobre todo a la producción de sus álbumes, a la mala promoción y al poco empeño por parte de Atlantic en la carrera de Aretha; por lo que en 1979 decidió abandonar la compañía para firmar con Arista y el productor Clive Davis.
El nuevo sonido soul (1980-1997):El 25 de octubre de 1980 comienza una nueva etapa para Aretha Franklin, ese día se lanza su primer álbum en Arista "Aretha". El álbum fue producido por Clive Davis y Chuck Jackson, y la promoción fue muy amplia, ya que ella era la primera artista importante que esta discográfica llevaba. Hay versiones al igual que hizo años antes, pero esta vez con un sonido bastante más pop, y totalmente acorde con los '80, entre estas versiones están "What a Fool Believes" de The Doobie Brothers y "I Can't Turn You Loose" Otis Redding. El mayor hit extraído del disco fue el tema "United together". En 1981 llegó "Love All the Hurt Away", que se abría paso en el mercado con el single que da título al disco, un dueto entre Aretha y George Benson. Con este álbum Aretha volvía a los primeros puestos del panorama musical con un nuevo sonido que mezclaba el soul, rock, urban y quiet storm. Del álbum entraron en las listas de ventas dos temas más a parte del primer single: "It's my turn" y "Hold on! I'm comin'!", gracias al cual consiguió un Grammy. Pero en 1982 con el disco "Jump to it" llegó de nuevo el gran éxito. Con el

tema "Jump to it" consiguió su primer número uno en más de media década. "Love me right" fue otro de los temas que salieron del álbum, consiguiendo también una buena aceptación. En este disco habían trabajado en la composición Luther Vandross, The Isley Brothers, Smokey Robinson y la propia Aretha, además todos ellos bajo la producción de Clive Davis, hizo que este fuera el mayor éxito de Aretha tras mucho tiempo en la sombra. Debido al éxito del álbum anterior en "Get it right" (1983) Luther Vandross creó la mayoría del material para el disco. "Every girl" y "Get it right", ambos temas escritos por Vandross gozaron de gran audiencia, al igual que en menor medida, la versión del tema de The Temptations "I Wish It Would Rain". En 1984 la discográfica Chess, con la que Aretha había empezado a trabajar en el gospel, editó un álbum grabado junto a su padre, Clarence LeVaughn Franklin, en vivo durante una sesión gospel. Llevaba por título "Never Grow Old". En 1985 aretha vino con un álbum mucho más pop, "Who's Zoomin' Who?". Puesto que la carrera de Luther Vandross por este tiempo tomaba sus propias riendas como solista, el trabajo de composición que realizó en los dos storm" con Elton John, "It isn't, it wasn't, it ain't never gonna be" con Whitney Houston, "Gimme your love" junto a James Brown y "If ever a love there was" en compañía de The Four Tops y Kenny G. El trabajo y la presencia en los escenarios de Aretha ya empezaba a ser menos constante, y sus álbumes no eran tan frecuentes como antes. En 1991 lanzó "What you see is what you sweat", del que salieron tres singles con alguna repercusión: "Everyday people", "Someone else's eyes" y "Every changing times" con Michael McDonald. En el álbum se incluye también la versión de "I dreamed a dream" que cantaría ante Bill Clinton. Contenía también un tema junto a Luther Vandross "Doctor's orders". Tras este álbum Aretha tardaría más de siete años en editar un álbum con temas nuevos, pero su paseo por los escenarios nunca cesó.
Asimilación al R&B contemporáneo (1998-2007) :Desde la edición de su anterior álbum, Aretha tardó mucho en ir de nuevo al estudio a grabar, pero en ese tiempo tuvo una intensa actividad sobre los escenarios estadounidenses. En 1993 y en 1997 cantó en las ceremonias de apertura del gobierno de Bill Clinton; y en 1995 recibiría un Grammy por toda su carrera. En 1998 demostró que era una de las estrellas de la música de nuestro siglo en el espectáculo de VH1, Divas Live, donde actuó con algunas de las artistas que habían roto las listas de ventas en la última década como Mariah Carey, Celine Dion o Shania Twain. "The Queen of Soul", con tan sólo dos actuaciones se convirtió en la estrella de la gala, ridiendo al público a sus pies. A finales de los '90, Aretha se había trasladado de forma definitiva a Detroit, y hablaba de comenzar a formar una discográfica propia. Uno de los principales motivos de esto era el promover las carreras musicales de sus hijos; Kecalf Cunningham, Eddy Richards y Teddy Richards. En 1998 lanzó "A rose is still a rose", producido por P. Diddy y Lauryn Hill; siendo el primer álbum de Aretha dentro del R&B contemporáneo y el neo soul, con tendencias hip-hop.
En 2003 volvió con "So damn happy", colaborando con Mary J. Blige y con un sonido totalmente neo soul que en cierta forma volvía a sus raíces. Desde entonces está embarcada en el tour "The Queen Is On", que la lleva por todo Estados Unidos con gran éxito.

En 2007 esta previsto el lanzamiento de "A woman falling out of love", el primer álbum editado en Aretha Records, y en el que colaborarían artistas gospel como Shirley Caesar o [[The Clark Sistersza"Jewels in the Crown of the Queen", un álbum de duetos, que incluye dos temas nuevos con Fantasia Barrino y John Legend, y en el cual aparecen colaboraciones anteriores con artistas como Whitney Houston, George Michael, George Benson, Luther Vandross o Mary J. Blige.Al mismo tiempo comienza a realizar castings para encontrar cantantes para encarnar su vida en un musical autobiográfico, rumoreándose que algunas de las posibles podrían ser Jennifer Hudson o Fantasia Barrino.
En 2008 ha sido elegida como personaje Musicares del año en el 50 Aniversario de los Premios Grammy, en los cuales ha conseguido su vigésimo galardon gracias al dueto con Mary J. Blige, "You never gonna change my faith". También durante 2008 ha grabado el tema promocional de una empresa privada titulado "Stand up yourself",el cual al mismo tiempo sirve como adelanto para el álbum que prepara.
Vida personal:Está divorciada dos veces, y es madre de cuatro hijos. Dos de ellos, Kecalf y Teddy, son personajes activos dentro del mundo de la música. Teddy es el director artístico y de la banda de músicos de Aretha en sus giras. Desde 1962 hasta 1969 estuvo casada con Teddy White. En 1978 se casó con el actor Glynn Turman, del que se divorciaría en 1984.

domingo, 1 de junio de 2008

Agradecimiento al excelente blog Vida Digital-Know-How

El tango y sus invitados agradece la nota publicada en el blog Vida Digital-Know-How por Ricardo Carvalho en idioma portugués, sobre este blog

Ver Blog y nota en Vida Digital Know-How

Muchas Gracias Ricardo!!!!!!!!!!!



Osmar Maderna

Osmar Maderna Osmar Maderna al piano
Osmar Héctor Maderna. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arregiador.
(26 de febrero de 1918 - 28 de abril 1951)
Este singular creador de una modalidad pianística de corte fantasista inclinada a la exaltación de ciertos valores melódicos del tango, surgió a los primeros planos de la música popular rioplatense dentro de la promoción de figuras distinguidas como Generación del 40. Nació en la localidad de Pehuajó, pro-vincia de Buenos Aires el 26 de febrero de 1918. Allí cursó sus estudios musicales graduándose en 1933 de profesor de piano. Integró y dirigió en su pueblo natal la orquesta Vitaphone y un pequeño conjunto compuesto por él y cuatro guitarras. Posteriormente se radicó en Buenos Aires traba jando en varias emisoras como solista y como locutor anunciante de sus propias ejecuciones. En octubre de 1939 al desvincularse Héctor Stamponi de la orquesta de Miguel Caló, ingresó a la misma compartiendo su labor con Enrique Francini, Raúl Berón, Domingo Federico, Carlos Lazzari, Armando Pontier, Eduardo Rovira y otros jóvenes y señalados artistas de la misma hornada generacional. La gravitación de su personalidad en dicho conjunto fue indiscutible, tanto en la fisonomía que le concedió como arregiador, como en la peculiar forma de conducción pianística de dicha agrupación, enraizada originariamente al estilo orquestal de Osvaldo Fresedo, como en sus frecuentes pasajes de solista en La maleva, Saludos, Sans Souci, Inspiración, Elegante papirusa, pertenecientes todos ellos a la serie de registros fonográficos que grabó Caló para el sello Odeón. En 1945 se dio a la

Osmar MadernaOrquesta Osmar Maderna

tentativa de independizarse dando forma a su propia orquesta con la cual registró en febrero de 1946, sus primeras cuatro versiones para el sello Sondor de Montevideo:Chiqué, Solo cerrazón, Margot y Viejito calavera. Pasó de inmediato a revistar en el elenco de la casa Víctor para la cual grabó cincuenta y dos versiones. Se destacaronentre las mismas, sus realizaciones de los tangos El bajel, La cautiva, Loca bohemia, Ausencia, Tiempo, La huella, Divina, El píllete y otras en las que alternaron los vocalistas Mario Corrales, Luis Tolosa, Orlando Verri, Héctor de Rosas y otros. Si bien en lo capital su agrupación mantuvo los rasgosde estilo que habían consagrado su tarea anterior con Miguel Caló, fue también manifestación de nuevas inquietudes. Concretó sustancialmente éstas en una estilización de los temas europeos de las Czardas de Monti y El Vuelo del Moscardón, y de manera especial en cuatro fantasías suyas sobre temas de tango instrumental y melódico: Concierto en la luna, Rapsodia de tango (de doce minutos de duración), Escalas en azul y Lluvia de estrellas, marcadamente influido tanto en la invención como en el tratamiento de su música por las corrientes de tipo internacional. Su orquesta al frente de la cual actuó seis años debutó en el Café Marzotto de la calle Corrientes, tocando más tarde en Tango Bar, en otros locales y en las emisoras Belgrano y El Mundo. Aviador aficionado perdió la vida en un accidente aéreo el 28 de abril de 1951cuando no había cumplidoaún los treinta y tres años. Luego de su fallecimiento la

Osmar MadernaOsmar Maderna, Rolon, Jose Basso y Enrique Alessio

agrupación que él crearacontinuó actuando con su nombre —Orquesta Símbolo Osmar Maderna— dirigida por el primer violín Aquiles Roggero, ingresando al piano el joven ejecutante Orlando Trípodi, quien al igual que Atilio Stampone, Osvaldo Berlingieri y otros músicos de las promociones recientes recogieron en alguna medida ciertos elementos propios de su inconfundible estilo. Además de los tangos dados aconocer durante su actuación con Miguel Caló —Jamás retornarás, Qué te importa que llore, En tus ojos de cielo, La noche que te fuiste—, compuso posteriormente estos otros: Rouge, Rincones de París, Mientras duerme la ciudad, Volvió a llorar.Fuente Horacio Ferrer