Chris Botti

Chris Botti

Chris Botti es originario de Oregón, el cual nació en Portland y creció en Corvallis. Su influencia musical más temprana fue su madre, una cualificada pianista y profesora eventual de piano. "Yo no soy capaz de sentarme a tocar el piano" admite Chris. “Pero conozco la armonía y generalmente compongo con el piano mejor que con la trompeta.” Él realizó sus estudios musicales con una serie de excepcionales profesores: David Friesen en el noroeste, Dave Baker en Indiana y a continuación Botti se trasladó a Nueva York en 1986 con el maestro de la trompeta Woody Shaw.
Chris Botti
“Después vine a Nueva York,” comenta Chris, “ e hice lo que deseaba para ser un músico de jazz. Amo improvisar, pero necesitas vivir la tradición bebop para poder hacerlo. Como lo hace el tipo de músico que es Woody Shaw, por ejemplo, tocando brillantemente, moviéndose un poco más rápido que yo.”

“La música que realmente me inspiró cuando era un adolescente fue más bien Miles Davis tocando baladas con el segundo Quinteto. La banda tocando “Stella Starlight” es algo muy diferente," dice, "que Bud Powel tocando el mismo tema."

“Mi música es mas intimista, porque no tiene el formato del pop. Pero esta calidad atmosférica es la que yo realmente amo del jazz, y he intentado enlazar este sentimiento con las texturas y las melodías que se pueden oír en una grabación de Peter Gabriel o Bryan Ferry.”

Cuando Paul Simon le necesitó durante 15 meses en su gira mundial en 1990, Chris se convierte en un acompañante musical clave respaldando al grupo que combinaba músicos brasileños y africanos con veteranos de sesiones en Nueva York como Randy Brecker, Richard Tee y Steven Gadd. El debut como solista de Botti, con "First Wish", fue lanzado en 1995, su segundo esfuerzo, "Midnight Without You" (una colaboración con un grupo de pop inglés Blue Nile) apareció en 1997 y fue seguido de "Slowing Down The World" en 1999. El compositor cinematográfico, galardonado con premios Grammy, John Barry fichó a Chris como solista en su partitura orquestal de Playing By Heart; Chris hizo una composición propia y presentó la partitura para la película 'Caught' de Robert M. Young.

En el estudio y en el escenario, Chris Botti trabajó con destacados compositores como Marc Cohn, Joni Mitchell y Natalie Merchand; como acompañante musical, apareció en decenas de álbumes, recopilaciones y bandas sonoras. En 2000, Chris colaboró en el primer Cd en directo de Sting. “ Sting in Tuscani: All This Time” que formaba parte de una serie de conciertos en A&E In Concerts, nominado a seis premios Emmy. Chris formó parte de una espectacular y memorable representación en el fatídico día de otoño, 11 de septiembre de 2001.
Chris Botti
Trabajando con su compañero de banda y multi-instrumentalista Kipper, el debut de Chris con el sello Columbia con "Night Sessions", inspirado en los sonidos de la escena de los clubes nocturnos europeos, se escribió y se grabó durante dos meses y medio durante el descanso de la gira de Sting. El álbum se convirtió en un importante éxito del jazz contemporáneo desde su lanzamiento en octubre de 2001. Columbia lanzó un DVD de "Night Sessions Live in Concert" en agosto de 2002. Filmado en directo en el histórico El Rey Teatro en Los Ángeles, “ Chris Botti and Friends” presentado por el trompetista con su propia banda mas la aparición de Sting y Shawn Colvin como artistas invitados.

En octubre de 2002, Chris lanza un tema navideño en su álbum "December". Es una colección de 13 pistas combinando interpretaciones alegres de estándares estacionales (“Little Drummer Boy”, “ Hark! The Herald Angels Sing”) con canciones contemporáneas con espíritu navideño, incluyendo “Hallelujah” de Leonard Cohen y “Perfect Day” por Richard Marx. Como soporte promocional de "December", Botti salió en el programa 'The Caroline Rhea Show'. Fue invitado a volver al día siguiente… entonces trabajó puntualmente como colaborador en el directo de Rhea, haciendo de anfitrión de la estrella y frecuentemente participando con la banda dirigida por el bajista Tim LeFebvre. Esto fue en mayo de 2003 y Chris participó en el programa 'The Caroline Rhea Show”' durante cinco meses.

En "A Thousand Kisses Deep", Chris comenzó a mostrar su afinidad por los clásicos, grabando un arreglo del clásico de Miles Davis "My Funny Valentine". La reacción de esta representación - tanto en disco como en directo - hace que Chris realice el siguiente álbum centrándose en el repertorio de los grandes cancioneros americanos.

"When I Fall in Love" fue grabado en Los Ángeles y en Londres en 2004 y producido por el veterano Bobby Colomby. Trabajó con algunos de los más expertos arreglistas. Ha sido aclamado como “un clásico inmediato” por muchos y continúa siendo uno de los más vendidos del año de su lanzamiento. La gran oportunidad de Botti llegó cuando fue “ descubierto” por Oprah Winfrey, la cual rápidamente defendió su arte ante la audiencia, presentándole en su show en noviembre de 2004. Al cabo de una semana vendió mas de 50.000 CDs y no ha parado desde entonces, manteniéndose en la cima del top 5 durante todo el tiempo.

Botti se ha superado a sí mismo con el lanzamiento de su último álbum "To Love Again". Empleando nueve de los más exquisitos vocalistas de esta era, contando con sublimes arreglos orquestales, y una vez más bajo la dirección del productor Bobby Colomby, este álbum está repleto de grandes expectativas.
Fuente:CP JAZZ

Mariano Mores

Mariano Mores

Mariano Mores al piano

Mariano Mores y Francisco Canaro

Mariano Mores Director de Orquesta 1948

Margot y Mirna Moragues

Como profesor y en ese estado conoce a Margot y Mirna Moragues, de quien se
enamoró y despues se casó. Entonces el novel profesor se integra al dúo que
ellas formaban, "Las Hermanas Mores", transformándolo en el "Trío Mores".
Actuaron en radio y diferentes escenarios, hasta que el pianista se integra a la
orquesta del gran Francisco Canaro.

Mariano Mores:(Nombre de familia: Mariano Martínez). Músico. Pianista. Director. Compositor.
Le hubiera bastado con haber compuesto un tema de la calidad de Cafetín de Buenos Aires para ser estimado entre los mayores talentos melódicos del tango todo.
Dotado de una imaginación musical fuera de lo común, sus ideas tienen esa enigmática vibración interior quehacen inconfundible al melodismo del tango. En Cuartito azul, Copas, amigas y besos o La Caíesita, está presente la belleza como
resultado de una esencial atadura entre la inventiva y el instinto, entre el vuelo creador y aquella impautable intimidad que hace al "misterio del tango". Compositor particularmente identificado por temperamento y por aptitud con la vertiente
cantable de la música de Buenos Aires, su estilo alcanzó muchas veces la perfección en melodías sentidas, sobrias y moderadamente dibujadas, hasta ese auténtico "capolavoro" que encierra Uno, cuya primera parte de muy pequeño ámbito melódico es una suerte de auténtico recitativo porteño. Sus canciones
además ofrecen esa honda alianza de modos de hacer y de sentir entre el texto musical
y las palabras silábicamente asociadas, que se postula con rigor ejemplar en no pocas
de sus creaciones. Esta valoración alcanza a sus colaboraciones con José María Con-
tursi (Cada vez que me recuerdes), con Enrique Cadícamo (A quién ie puede importar),
y muy especialmente con Enrique Santos Discépolo: "Enrique sentía, concebía y plas-
maba un tema como yo lo siento —ha dicho—. Frecuentemente solíamos volver una
y otra vez sobre cierto pasaje, para el cual él aportaba tres o cuatro o más soluciones diferentes". Sus obras en conjunto y a pesar de la unidad de estilo que la perfila admite un desglose en épocas: la primera puede ubicarse entre 1938 y 1948 y aparece exaltada por el fervor y la clase de aquel estallido juvenil que fue la Genera ción 1940, encauzado por la gran presencia ordenadora de Aníbal Troilo. En los hechos,esta instancia de su repertorio se abre con Cuartito azul y se cierra con Cafetín de Buenos Aires. La segunda, involucra un cambio de orientación temperamental en cuyo nostálgico cauce se inscriben tangos como El patio de la morocha, La calesita, El firulete y composiciones de invención afín como la milonga Taquito Militar. En esta etapa se advierte un regreso a ciertas fuentes originales expresando muchas veces, por líneas melódicas reminiscentes de la haba-
nera y por el empleo de ciertas estructuras armónicas de cuño español. El tercer momento de su obra —a mi juicio el menos valioso—, marca cierta tendencia intemacionalista, en composiciones como Por qué la quise tanto o Frente al mar.

Biografía.
Nació en Buenos Aires, el 18 de febrerode 1922. Su infancia transcurrió en la ba-
rriada de San Telmo; a los doce años de edad viajó a España con sus padres ya con
los estudios de piano precozmente concluidos. Al filo de la guerra civil regresó con
su familia; comenzó su carrera de ejecutante como pianista del bar Vicente de la calle Corrientes y en los varietés del Balneario Municipal. Colaboró como acompañante en el conjunto criollo de La Cuyanita y en 1936 se desempeñó en el piano de la orquesta de Roberto Firpo. Formó luego el Trío Mores y dio a conocer sus primeras realizaciones de compositor. Los éxitos iniciales correspondieron a la canción Gitana y a la milonga Estampa de Varón. Durante 1938 contribuyó a la musicalización de la película Senderos de Fe, mientras ganaba el más decidido favor popular su tango Cuartito azul, con letrade Mario Battistella. Fue en 1939 y por intermedio del comediógrafo Ivo Pelay que sevinculó a Francisco Canaro a cuya agrupación perteneció con rango de figura solistahasta 1948. Participó durante ese decenio de las inquietantes y de la fecunda bohe-mia de los jóvenes de la Generación de 1940, en la que militó por afinidades desensibilidad, de edad y de modo de vivir aBuenos Aires.
En 1948 se desvinculó de Canaro cuya gravitación como intérprete quedaría de algún modo unida a su propia carrera de director— para debutar como cartel independiente en el escenario del teatro Alvear. Presentó entonces una formación orquestal numerosa con inclusión de timbres no tradicionales en el tango: "Yo soy un músico popular —diría años después— que siente el tango tal como es, y cuyo único empeño consiste en develar su rico contenido emocional y descriptivo, para lo cual a veces, encuentro un tanto restringido el ámbito de la llamada orquesta típica". Desde ese debut aunque la concepción, el carácter y la expresión de su conjunto fueron siempre fruto de sus ideas, confió la escritura del arreglo orquestal a Martín Darré. A través de veinte años ha mantenido los lineamientos generacionales de su conjunto,esto es: adhesión invariable al concepto cantábile de las melodías, ejecutadas sobre la base de una armonización muy simple en instrumentaciones estructuradas para piano y orquesta con propensión a los tuttis orquestales. Con su orquesta o como actor intervino en diversas temporadas de comedia musical: inicialmente con Delia Garcés y Osvaldo Miranda; más tarde con Virginia Luque y Hugo del Carril. Fue igualmente protagonista de las películas Corrientes, Calle de Ensueño (1949), La Doctora quiere Tangos (1950), La Voz de mi Ciudad (1952)y otras. Viajó a París en 1953 y posteriormente realizó largas y exitosas giras por
países de América con actuaciones en Ve-
nezuela y en México. En años más recientes formó su Sexteto Rítmico Moderno (piano,
bandoneón, guitarra americana, órgano, percusión y bajo). En distintos momentos de
su trayectoria, a más de los tangos ya mencionados, compuso Una lágrima tuya, Oro
y gris, Mis ojos ciegos, Linda, Canto a la vida, Viejo Madrid. El estrellero, No flores madrecita, Tanguera —para solo de orquesta, Adiós Pampa mía —uno de sus mayores sucesos mundiales, Tan so/o tú, Yo tengo un pecado nuevo, Tan solo un loco amor Canto a la vida. Ha dado a conocer también los valses Muchachita Porteña, Luces
de París y las milongas Milonga Optimista y Bailonga.

Como profesor y en ese estado conoce a Margot y Mirna Moragues, de quien se enamoró y despues se casó. Entonces el novel profesor se integra al dúo que ellas formaban, "Las Hermanas Mores", transformándolo en el "Trío Mores". Actuaron en radio y diferentes escenarios, hasta que el pianista se integra a la orquesta del gran Francisco Canaro.

Mariano Mores

Mariano Mores

Mariano Mores al piano

Mariano Mores y Francisco Canaro

Mariano Mores Director de Orquesta 1948

Margot y Mirna Moragues

Como profesor y en ese estado conoce a Margot y Mirna Moragues, de quien se
enamoró y despues se casó. Entonces el novel profesor se integra al dúo que
ellas formaban, "Las Hermanas Mores", transformándolo en el "Trío Mores".
Actuaron en radio y diferentes escenarios, hasta que el pianista se integra a la
orquesta del gran Francisco Canaro.

Mariano Mores:(Nombre de familia: Mariano Martínez). Músico. Pianista. Director. Compositor.
Le hubiera bastado con haber compuesto un tema de la calidad de Cafetín de Buenos Aires para ser estimado entre los mayores talentos melódicos del tango todo.
Dotado de una imaginación musical fuera de lo común, sus ideas tienen esa enigmática vibración interior quehacen inconfundible al melodismo del tango. En Cuartito azul, Copas, amigas y besos o La Caíesita, está presente la belleza como
resultado de una esencial atadura entre la inventiva y el instinto, entre el vuelo creador y aquella impautable intimidad que hace al "misterio del tango". Compositor particularmente identificado por temperamento y por aptitud con la vertiente
cantable de la música de Buenos Aires, su estilo alcanzó muchas veces la perfección en melodías sentidas, sobrias y moderadamente dibujadas, hasta ese auténtico "capolavoro" que encierra Uno, cuya primera parte de muy pequeño ámbito melódico es una suerte de auténtico recitativo porteño. Sus canciones
además ofrecen esa honda alianza de modos de hacer y de sentir entre el texto musical
y las palabras silábicamente asociadas, que se postula con rigor ejemplar en no pocas
de sus creaciones. Esta valoración alcanza a sus colaboraciones con José María Con-
tursi (Cada vez que me recuerdes), con Enrique Cadícamo (A quién ie puede importar),
y muy especialmente con Enrique Santos Discépolo: "Enrique sentía, concebía y plas-
maba un tema como yo lo siento —ha dicho—. Frecuentemente solíamos volver una
y otra vez sobre cierto pasaje, para el cual él aportaba tres o cuatro o más soluciones diferentes". Sus obras en conjunto y a pesar de la unidad de estilo que la perfila admite un desglose en épocas: la primera puede ubicarse entre 1938 y 1948 y aparece exaltada por el fervor y la clase de aquel estallido juvenil que fue la Genera ción 1940, encauzado por la gran presencia ordenadora de Aníbal Troilo. En los hechos,esta instancia de su repertorio se abre con Cuartito azul y se cierra con Cafetín de Buenos Aires. La segunda, involucra un cambio de orientación temperamental en cuyo nostálgico cauce se inscriben tangos como El patio de la morocha, La calesita, El firulete y composiciones de invención afín como la milonga Taquito Militar. En esta etapa se advierte un regreso a ciertas fuentes originales expresando muchas veces, por líneas melódicas reminiscentes de la haba-
nera y por el empleo de ciertas estructuras armónicas de cuño español. El tercer momento de su obra —a mi juicio el menos valioso—, marca cierta tendencia intemacionalista, en composiciones como Por qué la quise tanto o Frente al mar.

Biografía.
Nació en Buenos Aires, el 18 de febrerode 1922. Su infancia transcurrió en la ba-
rriada de San Telmo; a los doce años de edad viajó a España con sus padres ya con
los estudios de piano precozmente concluidos. Al filo de la guerra civil regresó con
su familia; comenzó su carrera de ejecutante como pianista del bar Vicente de la calle Corrientes y en los varietés del Balneario Municipal. Colaboró como acompañante en el conjunto criollo de La Cuyanita y en 1936 se desempeñó en el piano de la orquesta de Roberto Firpo. Formó luego el Trío Mores y dio a conocer sus primeras realizaciones de compositor. Los éxitos iniciales correspondieron a la canción Gitana y a la milonga Estampa de Varón. Durante 1938 contribuyó a la musicalización de la película Senderos de Fe, mientras ganaba el más decidido favor popular su tango Cuartito azul, con letrade Mario Battistella. Fue en 1939 y por intermedio del comediógrafo Ivo Pelay que sevinculó a Francisco Canaro a cuya agrupación perteneció con rango de figura solistahasta 1948. Participó durante ese decenio de las inquietantes y de la fecunda bohe-mia de los jóvenes de la Generación de 1940, en la que militó por afinidades desensibilidad, de edad y de modo de vivir aBuenos Aires.
En 1948 se desvinculó de Canaro cuya gravitación como intérprete quedaría de algún modo unida a su propia carrera de director— para debutar como cartel independiente en el escenario del teatro Alvear. Presentó entonces una formación orquestal numerosa con inclusión de timbres no tradicionales en el tango: "Yo soy un músico popular —diría años después— que siente el tango tal como es, y cuyo único empeño consiste en develar su rico contenido emocional y descriptivo, para lo cual a veces, encuentro un tanto restringido el ámbito de la llamada orquesta típica". Desde ese debut aunque la concepción, el carácter y la expresión de su conjunto fueron siempre fruto de sus ideas, confió la escritura del arreglo orquestal a Martín Darré. A través de veinte años ha mantenido los lineamientos generacionales de su conjunto,esto es: adhesión invariable al concepto cantábile de las melodías, ejecutadas sobre la base de una armonización muy simple en instrumentaciones estructuradas para piano y orquesta con propensión a los tuttis orquestales. Con su orquesta o como actor intervino en diversas temporadas de comedia musical: inicialmente con Delia Garcés y Osvaldo Miranda; más tarde con Virginia Luque y Hugo del Carril. Fue igualmente protagonista de las películas Corrientes, Calle de Ensueño (1949), La Doctora quiere Tangos (1950), La Voz de mi Ciudad (1952)y otras. Viajó a París en 1953 y posteriormente realizó largas y exitosas giras por
países de América con actuaciones en Ve-
nezuela y en México. En años más recientes formó su Sexteto Rítmico Moderno (piano,
bandoneón, guitarra americana, órgano, percusión y bajo). En distintos momentos de
su trayectoria, a más de los tangos ya mencionados, compuso Una lágrima tuya, Oro
y gris, Mis ojos ciegos, Linda, Canto a la vida, Viejo Madrid. El estrellero, No flores madrecita, Tanguera —para solo de orquesta, Adiós Pampa mía —uno de sus mayores sucesos mundiales, Tan so/o tú, Yo tengo un pecado nuevo, Tan solo un loco amor Canto a la vida. Ha dado a conocer también los valses Muchachita Porteña, Luces
de París y las milongas Milonga Optimista y Bailonga.

Como profesor y en ese estado conoce a Margot y Mirna Moragues, de quien se enamoró y despues se casó. Entonces el novel profesor se integra al dúo que ellas formaban, "Las Hermanas Mores", transformándolo en el "Trío Mores". Actuaron en radio y diferentes escenarios, hasta que el pianista se integra a la orquesta del gran Francisco Canaro.

Diana Krall

Diana Krall

Diana Jean Krall, Pianista y cantante de Jazz nacida en 16 de Noviembre de 1964.
Biografía:Diana Krall nació en el seno de una familia de musicos en Nanaimo, en la Columbia Británica de Canadá. Comenzó a tomar clases de piano a la edad de cuatro años, y muy joven se trasladó con su familia a la ciudad de Vancouver. En el instituto empezó a tocar en un grupo de Jazz y a la edad de quince años ya tocaba regularmente en varios restaurantes de Vancouver. A los diecisiete años ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en la Berklee College of Music en Boston donde estudió tres años. En Nanaimo llamó la atención de un afamado bajista llamado Ray Brown (ex marido de Ella Fitzgerald) quien la persuadió para mudarse a Los Angeles y estudiar con el pianista Jimmy Rowles, con quien comenzó a cantar. Allí conoció a notables profesores y productores. El 1990 trasladó su residencia de nuevo, esta vez a Nueva York.

Diana Krall y el músico británico Elvis Costello se casaron en diciembre de 2003, el 6 de diciembre de 2006 en Nueva York tuvieron sus primeros hijos, los gemelos Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James.
Su Carrera Krall grabó su primer álbum en 1993, Stepping Out, junto a John Clayton y Jeff Hamilton. Con él llamaron la atención del productor Tommy LiPuma quien produjo su segundo álbum Only Trust Your Heart en 1995.

Su tercer álbum All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio de 1996, fue nominado para los premios Grammy.Love Scenes de (1997) se convirtió en un rápido éxito y llevó a la fama al trio Diana Krall, Russell Malone (guitarra) y Christian McBride (bajo). Con arreglos orquestales de Johnny Mandel en disco When I Look in Your Eyes de 1999, tuvo también varias nominaciones a los Grammy y Diana recibió el premio a la Mejor Músico de Jazz del año. The Look of Love (2001) creada por Claus Ogerman; fue disco de platino y consiguió el puesto 10 en la lista Billboard 200. The Look of Love fue núnero uno de la lista canadiense de álbumes y cuádruple platino en ese mismo país. En Septiembre de 2001 comenzó su gira mundial. Su concierto en el Olympia de París fue grabado y editado como disco en directo, Diana Krall - Live in Paris, este disco llegó al "top" de la lista Billboard de Jazz y número 5 de la lista canadiense. Con él consiguió su segundo Grammy (Mejor disco de Jazz vocal) y un premio Juno.

Después de casarse con Elvis Costello, trabajó con él como letrista, y comenzó a componer sus propias canciones. De todo esto salió el disco The Girl in the Other Room, en abril de 2004, que se situó en el "Top 5" del Reino Unido y en el "Top 40" de Australia.

Celine Dion

Celine Dion

Céline Marie Claudette Dion es una vocalista canadiense, que ha vendido más de 200 millones de álbumes en todo el mundo,[1] Posee una de lasmejores y más reconocibles voces en el mundo de la música popular actual y, aunque lleva en activo desde los 13 años, alcanzó gran fama y reconocimiento internacional con la canción My Heart Will Go On de la película Titanic.
Celine Dion nació el 30 de marzo de 1968, en una humilde familia en la pequeña ciudad de Charlemagne (provincia de Quebec, Canadá), siendo la pequeña de 14 hijos. Sus padres y todos sus hermanos se dedicaban al mundo de la música, por lo que desde pequeña estuvo rodeada de este mundo. Su madre descubrió que tenía una voz preciosa y la animó a comenzar a cantar, y con sólo cinco años de edad ya dio pequeñas actuaciones en su tierra natal.
En 1980 cuando contaba 12 años, su hermano Michel la grabó una maqueta con una canción compuesta por su madre Therèse que acabó en manos de René Angélil, ex-componente de un grupo musical, que enseguida creyó en su voz y llegó a hipotecar su casa para ayudar a financiar y lanzar la carrera de la pequeña Celine creando una discográfica propia. En 1981 se publica su primer disco que incluía esta canción: Ce n'etait qu'un rêve. Rápidamente, Celine se convirtió en una pequeña estrella revelación en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la Medalla de Oro en el Festival Mundial de la Canción celebrado en Tokio, interpretando Tellement j'ai d'amour pour toi. Otros de los temas más relevantes de esta primera etapa son D'amour ou d'amitié, Les chemins de ma maison y Mon ami m'a quittée.
Su carrera continuó progresando y, en 1987, lanza el álbum Incognito, que se convirtió en un gran éxito y marcó una nueva etapa más madura en su prometedora carrera francófona. Poco después, Celine fue elegida para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1988. Su victoria en este concurso celebrado en Dublín (Irlanda) el 30 de abril de 1988 con el tema Ne partez pas sans moi, supuso un enorme impulso a su carrera en Europa y se reeditó su álbum Incognito.
Consagración internacional (1990-1999) [editar]El talento de Celine no pasó inadvertido allá donde fue y pronto se decidió extender su terreno musical grabando en inglés, para lo cual Celine tuvo que realizar en poco tiemo un curso intensivo para aprender la lengua de Shakespeare. Su primer álbum en lengua inglesa, Unison (1990) extendió su reconocimiento internacional con el fabuloso single Where Does My Heart Beat Now y le abrió las puertas del mercado anglosajón.
Para demostrar que no había olvidado sus raíces y a su público francófono, Celine lanzó en 1991 una recopilación de canciones antiguas del gran compositor Luc Plamondon bajo el título de Dion chante Plamondon, junto con algunos temas nuevos como Ziggy o L'amour existe encore que se convirtieron en éxitos instantáneos. El álbum fue rebautizado en Francia como Des mots qui sonnent.
De vuelta al mercado internacional, salieron a la venta Celine Dion (1992) y The Colour Of My Love (1993) que posicionaron a la cantante como una gran estrella mundial con temas como The Power Of Love, Beauty And The Beast (ganadora de un Oscar) y Love Can Move Mountains. Especialmente significativo fue el enorme éxito que cosechó en toda Europa y en concreto en Reino Unido con la canción Think Twice.
A finales de 1993, Celine sorprende al mundo declarando por primera vez a su público que está enamorada de su manager, René Angelil, 26 años mayor que ella y que contaba con 3 hijos de dos matrimonios anteriores. Finalmente se comprometieron y se casaron el 17 de diciembre de 1994 en Montreal, Canadá. La boda fue retransmitida por televisión convirtiéndose en todo un acontecimiento.
Tras 4 años sin grabar en su idioma, sale al mercado D'eux con la colaboración del famoso compositor Jean-Jacques Goldman que escribió casi todos los temas del disco. D'eux obtuvo un éxito arrollador batiendo récords de ventas y hoy en día sigue siendo el álbum francófono más vendido en todo el mundo. Destacan los temas Je sais pas y Pour que tu m'aimes encore, su single más exitoso en francés.
El año 1996 fue clave para afianzarse como gran estrella internacional con el lanzamiento de Falling Into You que consiguió vender más de 32 millones de copias en todo el mundo. El álbum recoge temas tan conocidos como Because You Loved Me, It's All Coming Back To Me Now y All By Myself, que fue grabada también en español como Sola otra vez.
Al año siguiente se lanza Let's Talk About Love, un disco repleto de temas románticos y con grandes colaboraciones como Barbra Streisand, Luciano Pavarotti, The Bee Gees y Carole King. My Heart Will Go On —la canción del film Titanic e incluida en este álbum— fue un absoluto éxito de ventas internacional con millones de copias vendidas y múltiples récords alcanzados consagrando a Celine como una de las artistas más famosas mundialmente. Gracias al tremendo éxito de este tema y otros como The Reason o Tell Him (a dúo con Barbra Streisand), este álbum se ha mantenido desde entonces como el más exitoso de su carrera con ventas mundiales superiores a los 35 millones.
Tras el lanzamiento de un nuevo disco en francés: S'il suffisait d'aimer (1998) y una extensa gira por todo el mundo que culminó el 31 de diciembre de 1999 en Montreal, Celine dijo adiós a los escenarios para tomarse un tiempo de descanso e intentar formar una familia.
Finalmente, el 25 de enero de 2001 nace su primer y único hijo René-Charles.
Regreso a los escenarios (2002-) [editar]Tras un parón de dos años, Celine regresa al primer plano musical con el lanzamiento de A New Day Has Come en marzo de 2002. Incluye los temas I'm Alive, Goodbye's (The Saddest Word) y el single que da título al álbum.
En 2003 se hace realidad un proyecto gestado durante varios años: Celine firma un contrato multimillonario con Las Vegas para actuar en un show exclusivo durante 3 años. El 25 de marzo de 2003 nace A New Day..., un espectáculo innovador y único en el mundo ideado por el prestigioso director Franco Dragone, creador de O del Cirque du Soleil, que combinaba música, danza y efectos visuales. Pese a las expectativas iniciales, el show se convirtió en todo un éxito y ha sido visto por millones de espectadores durante sus casi 5 años de duración. El último espectáculo tuvo lugar el 15 de diciembre de 2007, cerrando un ciclo espectacular con entradas agotadas en casi todas las representaciones. A New Day.. le dio la oportunidad a Celine de aunar su vida pública y la privada, pudiendo ocupar todo su tiempo libre en el cuidado de su hijo y manteniendo una vida lo más estable posible. Durante esta etapa salieron al mercado tres discos de estudio: One Heart, 1 Fille & 4 Types y Miracle; uno en directo: A New Day... Live In Las Vegas; y el recopilatorio On ne change pas que recoge sus mejores éxitos en francés. Aunque estos discos han vendido millones de copias no fueron tan bien acogidos como sus anteriores trabajos.
En 2007 sale a la venta un nuevo álbum en francés: D'elles, un disco conceptual compuesto íntegramente por mujeres, todas grandes escritoras como Françoise Dorin, Janette Bertrand y Lisa Payette. De este álbum han sido lanzados los sencillos Et s'il n'en restait qu'une (je serais celle-là), Immensité y À cause, que han cosechado un éxito relativo en el mercado francófono. A finales de este mismo año, y con motivo del inminente final de su contrato en Las Vegas, sale al mercado Taking Chances, que ha devuelto a la cantante al centro del panorama musical internacional y con el que ha comenzado una gira mundial que recorrerá los cinco continentes durante todo un año.

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Diana Ross & Supremes

The Supremes fue un grupo pop y soul estadounidense formado exclusivamente por chicas que interpretó canciones de distintos géneros musicales, desde el doo wop a la psicodelia y la música disco. Se formó en 1961 en la ciudad de Detroit, Sus primeras integrantes fueron Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard.

Originalmente se llamaban The Primettes, y eran un cuarteto, ya que también contaban con la presencia de Barbara Martin. Con esta formación sólo grabaron un single en la compañía "Lupine" en 1960. Cuando en 1961 firmaron con Motown cambiaron su nombre a The Supremes, y Barbara Martin abandonó la formación, convirtiéndose así en un trío.

Las primeras grabaciones del grupo para el sello Motown fueron mucho más que una sucesión de temas orientados dentro del girl group o el pop soul. Diana Ross se situó como cantante principal de la banda, pero siempre hubo disputas entre su voz y la de Florence Ballard, que en algunos momentos también hizo de voz principal del trío. Tras varios singles sin repercusión, a finales de 1963 llegó su primer top40, con el tema "When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes".

Berry Gordy, creador de la compañía Motown, volcó mucha de su atención en el trío, y finalmente en 1964 consiguió que "Where Did Our Love Go" se convirtiera en un número uno. El tema estaba escrito por Holland-Dozier-Holland, y se convirtió en el patrón a seguir en varios de sus siguientes números uno durante 1964 y 1965: "Baby Love", "Stop! In the Name of Love", "Come See About Me" y "Back in My Arms Again". Con Diana Ross al frente y unas coreografías estilizadas junto con un estilo muy visual, triunfaron en las televisiones y conciertos en directo. Holland-Dozier-Holland produjo y escribió los temas del grupo hasta finales de 1967.

Después de 1965, ya no todos sus éxitos subían directos a lo más alto de las listas, pero seguían interesando al público. Otro de sus éxitos en esta época fue "You Keep Me Hangin' On". Durante esta etapa muchas estrellas de Motown, se quejaron de la atención que Berry Gordy daba a Diana Ross. De ellas Martha Reeves fue una de las que más minimizó el trabajo de Diana Ross, dando importancia a las otras dos componentes del grupo. A mediados de 1967 Florence Ballard fue sustituida por Cindy Birdsong, componente de Patti LaBelle and the Bluebelles. Florence Ballard cayó en una depresión y acabó muriendo en 1976.

Tras la salida de Florence Ballard, el grupo pasó a llamarse Diana Ross & The Supremes, comenzando ahí los rumores de la carrera en solitario de Diana Ross. En 1967 introdujeron a su música ciertas influencias psicodélicas, que se pueden ver en "Reflections", dando al grupo nuevamente fama. Pero en esta etapa solamente se podía observar a Diana Ross ya que incluso las otras dos componentes ni si quiera apenas aparecían en algunos temas como "Love Child" o "Someday We'll Be Together".

En noviembre de 1969 Diana Ross empezó su carrera en solitario, siendo su última actuación con el grupo en enero de 1970 en Las Vegas. Jean Terrel reemplazó a Diana Ross. El grupo se mantuvo hasta 1977 con éxitos como "Stoned Love", "Nathan Jones" y la colaboración junto a The Four Tops "River deep, mountain high". En esta última época pasaron por el grupo Lynda Laurence, Scherrie Payne y Susaye Greene; la única componente original que se mantuvo hasta el fin del grupo fue Mary Wilson.

Chet Baker

Chet Baker

Chet Baker

Chesney Henry Baker, Jr. (Yale, Estados Unidos, 23 de diciembre de 1929 - † Ámsterdam, Holanda 13 de mayo de 1988), Chet Baker, trompetista y cantante estadounidense de jazz.
Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia: imagen, biografía, leyenda y cualidades artísticas conformaron un artista sumamente atractivo para el gran público, desbordando los habituales círculos restringidos del jazz. Su música, exponente del estilo cool (el west coast jazz de los años cincuenta), es sumamente accesible y delicada, y casi siempre está vinculada a la balada intimista, lírica y delicada, tanto en su vertiente instrumental como vocal. La trompeta de Chet Baker suena con una suavidad y tranquilidad similar a la de su voz.

El padre de Baker, Chesney Henry Baker, Sr., era un guitarrista y su madre trabajaba en una perfumería. En 1940 se trasladaron de Yale a Glendale, en California. Siendo niño, Baker cantó en concursos de aficionados y en el coro de la iglesia. En su adolescencia, el padre le compró un trombón, que luego reemplazaría por una trompeta al ser demasiado grande el otro para el chico. Su primer aprendizaje musical tuvo lugar en el instituto de Glendale, aunque su formación musical terminó por ser puramente intuitiva. En 1946, con 16 años, abandonó la escuela y se enroló en el ejército. Fue enviado a Berlín, donde tocó en la 298th Army Band. Tras su regreso en 1948, se apuntó a El Camino College en Los Angeles, donde estudió teoría y armonía mientras tocaba en los clubes de jazz; abandonó los estudios al segundo año. Se volvió a alistar en el ejército en 1950 y se convirtió en miembro de la Sixth Army Band en el Presidio, en San Francisco. Siguió actuando en los clubes de la ciudad y finalmente consiguió por segunda y definitiva vez su liberación del ejército para convertirse en un músico profesional de jazz.

Inicialmente, Baker tocó en la banda de Vido Musso y luego con Stan Getz. (La primera grabación de Baker es una interpretación de "Out of Nowhere" que aparece en una toma de una jam session realizada el 24 de marzo de 1952). Su éxito llegó rápidamente cuando en la primavera de 1952 fue elegido para tocar con Charlie Parker, debutando en el Tiffany Club de Los Angeles el 29 de mayo de 1952. Ese mismo verano, empezó a tocar en el cuarteto de Gerry Mulligan, grupo compuesto solo de trombón, trompeta, bajo y batería, sin piano, que atrajo la atención durante sus actuaciones en el nightclub Haig consiguiendo realizar grabaciones para el recién creado sello Pacific Jazz Records (más tarde conocido como World Pacific Records). El primer LP fue Gerry Mulligan Quartet, que incluía la famosa interpretación de Baker de "My Funny Valentine".

El Gerry Mulligan Quartet duró apenas un año: en junio de 1953 su líder ingresó en la cárcel por drogas. Baker formó su propio cuarteto, que en principio contaba con Russ Freeman al piano, Red Mitchell al bajo y Bobby White a la batería; realizó su primera grabación como líder para Pacific Jazz el 24 de julio de 1953. En 1954, Pacific Jazz realizó Chet Baker Sings, un disco que incrementó su popularidad y que le haría seguir cantando el resto de su carrera. Su popularidad le hizo trabajar en una película, Hell's Horizon, de 1955, pero declinó un contrato con unos estudios para llevar a cabo una gira europea desde septiembre de 1955 a abril de 1956. A su regreso a Estados Unidos formó un quinteto con el saxofonista Phil Urso y el pianista Bobby Timmons. Contrariando su reputación de intérprete relajado, Baker tocó con este grupo al estilo bebop, que grabaría el disco Chet Baker & Crew para Pacific Jazz en julio de 1956.

Realizó una gira por Estados Unidos en febrero de 1957 con los Birdland All-Stars. Regresó a Europa en 1959, concretamente a Italia. Mientras tanto, Hollywood realiza en 1960 una biografía ficcionalizada de Baker, All the Fine Young Cannibals.

Baker se había vuelto adicto a la heroína en los cincuenta y había sido encarcelado varias veces durante periodos cortos de tiempo. No obstante, no sería hasta los años sesenta en que su adicción empezaría a interferir en su carrera musical. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio entre rejas. Celebró su regreso grabando en 1962 Chet Is Back! para la RCA. A finales de año, sin embargo, fue arrestado en Alemania occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia y, finalmente, a Inglaterra. Pero fue deportado de nuevo a Francia a causa de otro problema con las drogas en 1963. Vivió en París y durante todo el años siguiente actuó en Francia y España, pero tras ser arrestado una vez más en Alemania occidental, fue deportado a Estados Unidos, a donde llegó en 1964. Tocó en Nueva York y en Los Ángeles a mediados de los sesenta, cambiando temporalmente la trompeta por el fliscorno. En el verano de 1966, sufrió una gran paliza en San Francisco que estaba relacionada con su adicción a las drogas. Como consecuencia de ella, sufrió algún desperfecto en su dentadura que le llevó a modificar su embocadura en la trompeta. Hacia finales de los sesenta, grababa y actuaba sólo de forma ocasional; a comienzos de los setenta, se retiró por completo.

Retomando cierto control sobre su vida gracias a tomar metadona para controlar su adicción a la heroína, y con la inestimable ayuda de su colega Dizzy Gillespie, Baker regresó fundamentalmente con dos actuaciones: una en un importante club neoyorkino en 1973 y otra en un concierto con Gerry Mulligan en el Carnegie Hall en 1974. Hacia mediados de los setenta, Baker regresó a Europa donde seguiría actuando de forma regular, con viajes ocasionales a Japón y regresos a Estados Unidos. Atrajo también la atención de los músicos de rock, con quienes llegó a actuar, como por ejemplo con Elvis Costello en 1983. En 1987, el fotógrafo y director de cine Bruce Weber emprendió la grabación de un documental sobre Baker. Al año siguiente, Baker moriría al caer por la ventana de un hotel en Ámsterdam tras ingerir heroína y cocaína. La película de Weber, Let's Get Lost, estrenada en 1988, consiguió una nominación a los Óscar. En 1997, fue publicada su autobiografía inacabada con el título de As Though I Had Wings: The Lost Memoir. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.