miércoles, 4 de marzo de 2009

Joaquin Mora

Joaquin Mora y sus orquesta en 1936Joaquin Mora y sus orquesta en 1936


Joaquin Mora en la Orquesta de Miguel CaloJoaquin Mora en la Orquesta de Miguel Calo


Joaquin Mora dibujo de HoracusJoaquin Mora dibujo de Horacus


MORA, Joaquín Mauricio. ("El Negro Mora").(22 de setiembre de 1907-2 de agosto de 1979) Músico. Pianista. Bandoneonista. Director. Compositor. Arregiador. En dimensión equivalente a Juan Carlos Cobián, Enrique Delfino, Aníbal Troilo o Lucio Demare se contó entre los mayores creadores del tango para cantar. Melodista y armonizador de sobresaliente imaginación forjó un estilo inconfundible representado por páginas como En las sombras, Frío, Esclavo, Divina o Más allá, que configuran modelos definitivos entre las composiciones de su género.
Rasgo de su invención musical es la pureza de los temas en los cuales la línea melódica y la línea armónica son dos latitudes inseparables de la obra y expresión de una manera de sentir el tango que, en todo caso, apareció nítidamente asociada a su labor de intérprete sensitivo. Nació en Buenos Aires, barriada de Palermo el .. Estudió teoría y solfeo de 1912 a 1914 con los maestros Antonelli y Romaniello. Junto a ellos comenzó además los cursos de piano que continuó en el Conservatorio Santa Cecilia y perfeccionó con Arturo Luzzati. Debutó como tanguista en el Salón La Argentina integrando la orquesta de Graciano De Leone. En 1926 por su propia cuenta y sobre la base de su puro instinto de músico, aprendió a tocar el bandoneón. Con este instrumento formó parte de los conjuntos de Antonio Bonavena y de Vicente Fiorentino. También como bandoneonísta y en compañía del piano de Oreste Cúffaro y del violín de Roberto Zerrillo, integró el marco orquestal de Azucena Maizani durante la gira realizada por la cancionista durante 1930 a lo largo de numerosas localidades y ciudades de España. En Europa compuso su primer tango: Yo soy aquel muchacho. Regresó a mediados de 1933; dirigió a la sazón la orquesta del sello Columbia y su primera orquesta propia, formando luego en la del violinista Vicente Russo y en la de Miguel Caló para los bailes de carnaval de 1934. Ese año además actuó en el trío Melodía y formó con Antonio Rodríguez Lesende y Roberto Morel, el trío Morel-Lesende-Mora. Colaboró más tarde en los acompañamientos del cantor Hugo del Carril cuando éste comenzaba su exitosa carrera. En 1937 por LR3 integró el trío Mora-Achával-Podestá. Y en 1937 y 1938 volvió a conducir su orquesta presentándose por radios Belgrano y Prieto. Fue en 1941 asesor musical de la Academia PAADI de Luis Rubinstein. En 1943 se alejó de Buenos Aires en una prolongada gira por países del Pacífico en los que se radicó para siempre; actualmente reside en Colombia. Otros tangos suyos son: Divina —compuesto en 1933 para Alfonso Ortiz Tirado—, Margarita Gauthier, Al verla pasar, Frivolidad, Ushuaia, Rebeldías, Igual que antes, Nupcial, Distante, Como aquella princesa, la canción Vera-no, la milonga Pavadas y los valses Cofrecito y Sin Esperanzas. Fuente Horacio Ferrer

martes, 3 de marzo de 2009

Juan Ramon

Juan RamonJuan Ramon

Juan Ramon en 1972Juan Ramon en 1972


Juan Ramon: Su nombre verdadero es Ellery Rech (se pronuncia "éleri", como el personaje de las novelas inglesas Ellery Queen). Nació un 13 de enero de 1940 en la ciudad de Cañada de Gómez, departamento Iriondo de la provincia de Santa Fe, Argentina. Debutó artísticamente a los 17 años en la ciudad de Campana, provincia de Buenos Aires. En mayo de 1961 se acercó a las oficinas del sello "Disc Jockey" con unos discos de prueba ("demos", para utilizar una palabra actual) que había realizado y fue atendido por un ejecutivo de la empresa llamado Eduardo Piovano. Éste lo referenció inmediatamente a otras dos personas del mundo musical de apellidos Malvicino y Rodríguez Luque, quienes se encontraban en ese momento en un estudio de grabación trabajando con Rosamel Araya. Hasta allí se acercó el joven Ellery quién por entonces acusaba 21 años. Palabras más, palabras menos, decidieron darle forma profesional a las canciones que les hizo escuchar. Aunque Rodríquez Luque hizo una objeción: el nuevo cantante debería cambiar el nombre, ya que "Ellery Rech" no se ajustaba a un artista que estaba próximo a grabar en español. Esta persona observó que Ellery llevaba bajo el brazo el libro "Platero y yo", cuyo autor es Juan Ramón Giménez. Y de esa manera y al instante Rodríguez Luque exclamó: "Tú serás Juan Ramón... y yo seré Platero", a lo que Malvicino asintió con gusto. El apelativo "corazón" fue idea de un hombre de radio llamado Antonio Barrios, quién daba sobrenombres a sus artistas más queridos.
Ese fue el inicio de Juan Ramón y su llegada al primer disco, en 1961. En general, su comienzo en la música estuvo marcado por canciones que ya eran éxitos en Europa y Estados Unidos. Por esa época, era común traducir al español los "hits" de otras latitudes. Su primera grabación profesional fue "Cuando quieras amor", que se editó en disco simple de 78 RPM con el tema "No me digas" en su cara B. También fue editada en disco doble (2 canciones por lado) junto a "Pitágoras", "Quince años tiene mi amor" y "No me digas". Los primeros registros de Juan Ramón contaron con la colaboración de Ben Molar, especialista altamente solicitado en traducir éxitos extranjeros al castellano. Seguidamente Juan Ramón grabaría varios discos más, incluídos muchos discos simples y dobles, siempre con el acompañamiento de Horacio Malvicino y su orquesta. Y es al 3er o 4to disco cuando alcanza notoriedad popular y un interesante nivel de ventas al grabar la canción "Feliz cumpleaños dulces 16" (Happy birthday sweet sixteen). Desde ese momento su carrera iría en ascenso constante.

Cabe mencionar otras canciones que grabaría Juan Ramón en la primera mitad de los años 60: Corre González, Soy el amor, Devuelvo tu carta, Anochecer de un día agitado, Ese beso, Enseñando Bossa Nova, Volvamos a ser novios, La tierra, Si quieres dejarme, Oh mi señor, Dominique, Mejor esta noche, En mi mundo, Como mamá, Sospecha, Truco twist, Frío de nieve, La noche que lloré, Limbo rock, Se ha puesto el sol, Mira cómo me balanceo, El baile del ladrillo, Sabor de sal, Por culpa del horóscopo, Popotitos, Eres el demonio disfrazado y muchas, muchas más teniendo en cuenta que en esa época los artistas editaban hasta 3 long plays por año y varios simples y dobles.

Cantante, compositor de algunas canciones... y actor también. En 1964 llegaría la primera aparición de Juan Ramón en cine en la película "El desastrólogo". Desde su incursión inicial en la pantalla grande hasta 1970 el cantante aparecería en una decena de filmes, siendo su más recordada, "El galleguito de la cara sucia" en 1966. También hizo televisión. Tuvo su propio programa llamado "Juan Ramón busca la felicidad" que iria en duplex por Canal 9 y Canal 7. Sumado a sus participaciones en emisiones como "Sábados circulares". Finalmente, otra constante por esa época era la aparición en revistas de circulación nacional.

En 1965 Juan Ramón pasaría a formar parte del plantel de artistas del sello RAC Victor (cuyo logo oficial es un perro escuchando una vitrola). Su nueva companía discográfica no podría haber elegido un mejor nombre para el primer disco de Juan Ramón en RCA: "Juan Ramón con nosotros". Dos años después, en 1967, grabaría un trabajo muy interesante que buscó posicionar al cantante en Europa: "Juan Ramón en Roma" editado simultáneamente en castellano e italiano. Recordemos que por esos días el estilo "melódico italiano" hacía furor y cualquier cantante de habla hispana soñaba con la edición de sus grabaciones en el viejo mundo. Las canciones del disco (compuestas por Franco Migliacci, Sergio Endrigo, Palito Ortega, Leo Dan y el mismísimo Juan Ramón) se apartaban un poco de la línea por entonces habitual del cantante, que hasta ese momento había registrado mayormente éxitos internacionales. Este disco lo presenta apoyándose más sobre su fuerza interpretativa que por el apoyo que pudiera brindarle una obra conocida. En su estadía en Italia, llega a oidos de Juan Ramón una canción que si bien no ganó el Festival de San Remo, fue una de las mejores: "Io che non vivo senza te". El cantante la grabaría inmediatamente al regresar al país. Años más tarde la grabaría Elvis, y posteriormente Luis Miguel bajo el nombre "Yo que no vivo sin ti", evidenciando lo visionario que había sido.

A principios de los 70s el cantante se presenta en Panamá, donde debido al éxito resonante se ve obligado a radicarse allí un tiempo, obteniendo gratificates resultados de su estadia. Lo mismo le sucede en Colombia a los pocos años. En 1977 se radica finalmente en Perú y es allí donde conoce a quién es su actual esposa. A mediados de la década, Juan "Corazón" Ramón grabaría dos canciones muy importantes, las cuales mantiene hasta hoy en su repertorio. Una de ellas fue "Ata una cinta amarilla al viejo roble" (cuyo título original es "Tie a yellow ribbon..."), la otra lleva el nombre de "El teléfono llora", la cual años después regrabaría con la participación de su hija.

En 1983 regresa a Argentina seducido por varias propuestas de trabajo. Es partir de entonces donde Juan "Corazón" Ramón tendría una década prodigiosa no sólo en cuanto a popularidad sino también perfilándose como un cantante polirubros: sus discos irán del melódico al pop y del cuarteto a la cumbia, grabando hasta dos discos por año. Los títulos de sus placas reflejan su masividad: "Otra vez Nro. 1", "El ídolo", "Internacional", "Firme junto al publo". Un disco muy importante en la vida del artista a mediados de esta década fue "El fenómeno", de 1985. Este LP marcaría el comienzo de una nueva etapa en Argentina abriendo tremendas perspectivas laborales. Dos canciones de esta placa permanecen en el repertorio actual de Juan Ramón: "Cariñito", que abre el disco, y "Llorando se fue" (una tradicional de Bolivia, luego grabada por Kaoma bajo el nombre de "Lambada"), que lo cierra. Las apariciones televisivas comenzaron a ser moneda frecuente (numerosísimas apariciones en "Finalísima del Humor" conducido por el fallecido Leonardo Simons) y sus actuaciones muy concurridas. Quizá el tema que unifica esta masividad, que pueda ser síntesis de este período sea "Macumba" o "Tabaco y Ron".

A fines de los 80s y con la movida tropical en boga, Juan Ramón cambia el rumbo. Como él dice al hacer un raconto de su vida: "Los 90 fueron más cuarteteros, más cordobeses". Hizo duetos con Heraldo Bosio, Los Cartageneros y Miguel "Conejito" Alejandro (otro cantante que estaba en la cresta de la ola), entre otros. Se sucedieron discos como "Pasito tun tun" y "Sácala a Bailar" que apuntaban directamente a la pista de baile popular. Ahora bien, los 90s tropicales para Juan Ramón terminaron en 1994 (aunque sobre el final de la década retomaría el estilo). Ese año, siguiendo la tendencia de sonidos internacionales "progresivos", Juan Ramón edita "DJR": un disco que ya desde el audio plantea una situación "aggiornada" a niveles europeos: máquinas de ritmo y sonidos nuevos electrónicos para cantar y reversionar temas en plan tecnopop y reggae. Este disco y el anterior parecieran ser de dos artistas distintos si no fuera por la voz. En 1997 el cantante edita un trabajo titulado "Reencuentro" donde revisa sus viejos éxitos en nuevas versiones como "Muñeca de Cera" y "El teléfono llora". A partir de ese momento, Juan "Corazón" Ramón apelaría al clasicismo como carta de presentación: sería la misma persona para emocionar en "Venecia sin ti" y hacer bailar con "Yolanda".

El nuevo siglo encuentra a Juan "Corazón" Ramón en actividad plena. Algunos lo verán después de mucho tiempo, como dice él, "más gordo, más flaco, más viejo", pero con la voz y el carisma intactos. El cantante sigue grabando discos y cada tanto aparece algún recopilatorio. En 2004 la gente de Sony BMG tuvo una gran idea: lanzar la serie de recopilaciones "20 Secretos de Amor": una veintena de CDs de "grandes éxitos" de los artistas más populares de los 60s y 70s. Esto fue muy bien recibido por el mundo artístico ya que puso a disposición de la gente una cantidad considerable de canciones nunca antes editadas en CD. Esta movida discográfica sumada a la aparición de un nuevo programa de TV bautizado "30 y pico" dedicado a los artistas de antes, desembocó en una tendencia comercial "nostálgica" que generó más trabajo para estos artistas, aunque con resultados dispares. Sus últimas producciones incluyen: "El ídolo eterno", un CD que incluye una nueva versión de "Cariñito", de 2005 y "Otra cosa es con guitarras", un compacto plagado de boleros, de 2007.

Juan "Corazón" Ramón, hoy un artista sin presiones pero con ilusiones, sin la masividad de antaño, pero que sigue grabando como cuando tenía 21 años, que sigue presentándose en vivo en escenarios de toda América apelando a sus casi 50 años de canciones populares. Juan "Corazón" Ramón: un artista único, eterno y admirable. Fuente www.juanramonfans.com.ar/biografia.htm

lunes, 2 de marzo de 2009

La Cumparsita

La Cumparsita La Cumparsita


LA CUMPARSITA. Tango. Música de Gerardo Matos Rodríguez. Se le estima aún como el mayor de los éxitos—en plano nacional e internacional —alcanzado por tango alguno. Comparte en primer lugar esa calificación con un reducido conjunto de obras entre las que figuran, también, Adiós muchachos, A media luz, El choclo y Nostalgias. Fue compuesto en 1917 en Montevideo cuando su compositor hijo de un conocido "cabaretier" de la época, "Papá" Matos, cursaba arquitectura y alternaba en la Federación de Estudiantes Universitarios en cuyo local ejecutó esta obra por vez primera. Su primera versión orquestal estuvo a cargo de la agrupación de Roberto Firpo cuando éste actuaba en las veladas del café La Giralda de la capital uruguaya. La primera versión orquestal llevada al disco correspondió al conjunto dirigido por Alberto Alonso y Minoto Di Cico, quienes la registraron en 1917 para la casa Víctor de Buenos Aires. Originalmente editada por Breyer Hnos., el gran suceso de esta pieza sólo asomó con los años, afirmado, cuando—durante 1927— Pascual Contursi versificó sus frases musicales en colaboración con Enrique Maroni dándole un segundo título:
Si supieras. Matos Rodríguez entendió que dichos letrístas habían obrado sin su consentimiento y entabló una larga demanda, resuelta a su favor sólo veinte años después. E! propio compositor por lo demás era ya autor de otra letra también muy difundida: "La curnparsa / de miseria sin fin desfila, / en torno de aquel ser enfermo / que pronto ha de morir de pena. . ." aunque su propósito inicial fue que el comediógrafo Víctor Solíño fuera quien escribiera las palabras cantables a su tema musical.
Éste aparece estructurado en dos partes con un breve puente o intermedio. Sentidas y concebidas sus partes como música bailable, la primera ofrece la peculiaridad de tener un compás de menos de los que la ortodoxia de la canción popular corriente establece; es por eso que los ejecutantes tienden instintivamente a rellenar ese primer vacío con cuatro acordes que ya se han convertido así, en materia inseparable de la obra. Al margen de esa contribución espontánea, acaso porque es una página que se presta armónicamente a las improvisaciones, La cumparsita ha sido objeto de toda clase de ornatos, producto muchas veces de las ejecuciones "a la parrilla": contracantos, pasajes contrapunteados y variaciones de la más diversa invención. Algunos de estos aditamentos han sido por así decir "institucionalizados"; tal lo que ocurre por ejemplo, con la variación para bandoneones ideada por Luis Moresco alrededor de 1930. Motivo de innumerables versiones fonográficas en todos los estudios grabadores del mundo, han sido incluidos también en numerosas películas. Durante 1947 sirvió de punto de apoyo argumental para el filme homónimo realizado en Buenos Aires conHugo del Carril en papel protagonice sobre libro de Verbitsky y Villalba Welsh, bajo la dirección de Antonio Momplet. Del extenso catálogo de interpretaciones puestas en el disco —y a título ilustrativo de su ejecución conforme a estilos muy diversos— pueden consultarse las interpretaciones logradas por Carlos Gardel (disco Odeón), Roberto Firpo y su cuarteto (disco Odeón), Aníbal Troilo y su orquesta típica (disco Víctor), Juan D'Arienzo y su orquesta típica (disco Victor), Primer Cuarteto de Cámara del Tango (disco Mícrofón), Astor Piazzolla y su or-questa de cuerdas (disco Music-Hall), Aníbal Troílo y Roberto Grela (disco (T.K)

Por Horacio Ferrer. 

domingo, 1 de marzo de 2009

Roberto Carlos

Roberto CarlosRoberto Carlos

Roberto CarlosRoberto Carlos


Roberto Carlos Braga (19 de abril de 1941) es un cantante brasileño, considerado el rey del mercado discográfico de su país y un importante cantante melódico
Nació en Cahoeiro de Itamperim en el Estado de Espírito Santo, Brasil, y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Desde los primeros años de la década de 1960, cuando triunfó en el mundo del pop brasileño a través de los programas musicales de televisión, tuvo sucesivos éxitos gracias a su voz suave, melancólica y romántica. Líder de la ‘joven guardia’, movimiento musical influenciado por la música de The Beatles, Roberto Carlos resumía su estado de ansiedad en 1965 cantando: “Quiero que me calientes este invierno y que todo lo demás se vaya al infierno”. El movimiento se desvaneció, pero Roberto Carlos se convirtió en el rey del pop brasileño más convencional. Desde ese instante es considerado el Elvis Presley de Brasil.
Entrado los años 70, Roberto Carlos se vuelve un cantante más romántico y sus éxitos comienzan uno tras otro a inundar las emisoras radiales no solo de Brasil sino de todo el Continente Americano y España. Es el único cantante latinoamericano que ha ganado el Festival de la Canción de San Remo en Italia. Otros como José Feliciano y Luis Miguel han participado también.

Roberto Carlos durante la década de 1970 actúa en varias ocasiones en el Festival de Viña del Mar en Chile. En una de esas oportunidades le dedicó una canción a la Primera Dama de la Nación Lucía Hiriart de Pinochet, esposa del entonces Presidente chileno Augusto Pinochet, quienes se encontraban presentes en el lugar.

Desde los 70 y hasta la fecha Roberto Carlos no ha dejado de grabar y hacer música exitosa.

Tiene más de 25 millones de discos vendidos en todo el mundo, récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete pop en 1988, gracias a la canción "Si el amor se va" de Bebu Silvetti y Roberto Livi. Es el único artista latino considerado leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con estrellas mundiales en diversas giras. Sus temas han aparecido en las bandas sonoras de varias películas.

Destacar aquí alguna canción de Roberto Carlos es muy arriesgado por lo extensa que es su discografía. Es considerado uno de los más grandes cantautores de la historia en colaboración con su amigo Manuel Morais y Erasmo Carlos, juntos son una especie de Gardel-Lepera, o Lennon-McArtney. Le ha escrito a todo, el amor, el desamor, el sexo, a Dios, la ecología, las madres, los padres, los viejos, los niños, el amigo, el divorcio, la guerra, etc.

Realizar una lista de sus mejores canciones puede ser un trabajo largo y arduo, y ningún disco de éxitos resume su obra a la perfección, ya que serían necesarios varios discos para hacerlo, en Brasil se lanzó un compilación organizada por décadas. Cada disco suyo contaba con más de un hit, y según registros, es el artista latinoamericano que más ha sonado en la historia de las radios en el Continente Americano.

El cacharrito, Jesuscristo, un millón de amigos, amada amante, qué será de ti, propuesta, canzone per te, un gato en la oscuridad, detalles, el progreso, amigo, Lady Laura, desahogo, mi querido mi viejo mi amigo, no te apartes de mi, amantes a la antigua, cama y mesa, emociones, cóncavo y convexo, el amor y la moda, símbolo sexual, desde el fondo de mi corazón, apocalipsis, nuestro amor, negra, si el amor se va, mis amores, si me vas a olvidar, si piensas si quieres, amor sin límites, mujer pequeña, camionero una gran parte de estos temas son de Manuel morais...

Todo esto sin contar la cantidad de éxitos conseguidos en Brasil que no entraron al mercado hispano por no ser traducidos al español, que suman más de 250.

Sus presentaciones son las más grandes realizadas por artista latino alguno, su orquesta es considerada la mejor de ningún cantante en la historia. Su formación original era de 32 músicos, los cuales Roberto bajó a 16 con la aparición de los sintetizadores. La fama de la orquesta proviene de una vez que tuvieron que acompañar a Frank Sinatra luego que sus músicos resultaron intoxicados y Roberto dijo a Frank que solo le colocara las partituras y ellos lo acompañarían, así sucedió y Sinatra confesó que jamás había tocado con orquesta igual.

Ha tenido bastante mala racha con las mujeres con las que oficialmente ha estado relacionado. Su mujer Maria Rita murió el 19 de diciembre de 1999 tras una larga enfermedad (Cáncer). Su historia fue muy especial para estar juntos y cuando al fin lo lograron llegó la enfermedad. Roberto Carlos dedica cada función al terminar a Maria Rita.

En 1991, el cantante fue obligado a reconocer a Rafael Braga, hijo de María Lucila Torres, con quien mantuvo un romance cuando tenía 25 años.

María Lucila también murió de cáncer de mama, dos días después que el artista había asumido la paternidad de Rafael, quien trabaja como vendedor de vehículos en Sao Paulo e intentó, sin éxito, seguir la misma senda de su padre.

Con su primera mujer Roberto Carlos tuvo tres hijos, uno de ellos, Segundinho, tiene serios problemas de visión y debe ser sometido a tratamiento médico periódico.

Es el más grande vendedor de discos de América Latina.
Es el único artista que ha vendido más discos que Los Beatles en América Latina.
Si colocas uno al lado del otro sus discos de oro y platino dan la vuelta al estadio Maracaná (El más grande estadio de fútbol de Brasil y del mundo).
Perdió una pierna siendo niño la cual sustituyó por una prótesis.
Era el único cantante que editaba 2 discos por año uno en portugués y otro en castellano, tradición que abandono en 1994.
Ha lanzado en DVD sus películas de juventud y cuatro más: MTV acústico, Para sempre, Duetos y RC en vivo (Miami 2007); los dos primeros son conciertos en vivo, el tercero es vídeo con otros artistas brasileños y el último es el concierto grabado en Miami, Florida en mayo de 2007.

El 24 y 25 de mayo de 2007 se presentó en Miami donde grabó su primer DVD en castellano. Las entradas se agotaron en 48 horas.

Recientemente realizó una gira que inicio en Brasil y prosiguió por varios países: Argentina, Estados Unidos, Santo Domingo, México, Chile y Uruguay; el Tour 2008 significó su retorno a los escenarios internacionales con localidades agotadas en todas sus presentaciones. Demostrando así que sigue vigente después de casi medio siglo de exitosa carrera, siendo así la más grande Leyenda viviente de la música Romántica.Fuente Wikipedia