viernes, 21 de noviembre de 2008

Creedence Clearwater Revival

Creedence Clearwater RevivalCreedence Clearwater Revival

Creedence Clearwater RevivalCreedence Clearwater Revival


Creedence Clearwater Revival (CCR) fue una banda estadounidense de rock con gran aceptación mediática y popular a finales de los 60 y comienzos de los 70.

El grupo estuvo integrado por el cantante, guitarrista principal y compositor John Fogerty, el guitarrista rítmico Tom Fogerty, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford. El estilo musical de la CCR acompasaba el rock and roll y el género conocido como swamp rock.

Treinta años después de la disolución del grupo, la música de la CCR se mantiene como base de la historia americana, y es a menudo citada o incluida en radios y medios de comunicación como influencia de otros músicos.
1959-1967: Antes de la Creedence John Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook, todos ellos nacidos en 1945, se conocieron en los cursos superiores de secundaria en El Cerrito, Contra Costa County, California, y comenzaron a tocar música bajo el nombre de "The Blue Velvets". El trío sería respaldado por Tom Fogerty, el hermano mayor de John, en algunos eventos en directo y en grabaciones. En 1964, el grupo firmó un contrato con Fantasy Records, un sello discográfico discográfico independiente establecido en San Francisco.

Para el primer trabajo discográfico del grupo, el propietario de Fantasy Records Max Weiss renombró el grupo como The Golliwogs, aparentemente para sumarse a la ola de bandas británicas con nombres similares.

Durante este periodo, los papeles de cada miembro del grupo sufrieron cambios. Stu Cook cambiaría el piano por el bajo, mientras que Tom Fogerty se convirtió en el principal guitarrista rítmico. Por su parte, John Fogerty comenzó a componer nuevo material y pasó a conformar la voz principal del grupo. Tal y como Tom Fogerty recordaría años después: "Yo podía cantar, pero John tenía un sonido".


1967-1968: El éxito: El grupo sufrió un leve revés en 1966 cuando John Fogerty y Doug Clifford fueron solicitados para realizar el servicio militar. En 1967, tras el regreso de ambos componentes, Saul Zaentz ofreció al conjunto grabar un álbum completo, con la única condición de que cambiaran de nombre. Al estar disconformes con el nombre de The Golliwogs, los cuatro miembros del grupo aceptaron la propuesta. Zaentz y el grupo acordaron regresar con diez sugerencias cada uno, aunque el propio Zaentz ya se sentía entusiasmado con la primera de todas: Creedence Clearwater Revival. La banda tomó los tres elementos del nombre de Creedence Nuball, un amigo de Tom Fogerty, y de "clear water" (agua limpia), de un spot publicitario de cerveza. (Otras propuestas eran "Muddy Rabbit, Gossamer Wump" y "Creedence Nuball and the Ruby").

En 1968, Fogerty y Clifford finalizaron el servicio militar. Consecuentemente, los cuatro miembros de la CCR dejaron sus trabajos y elaboraron un calendario de duros ensayos y de conciertos por clubes de la región.

El álbum resultante de la propuesta inicial de Zaentz fue el epónimo Creedence Clearwater Revival, que ganó la atención de la crítica musical en un momento de auge de la cultura pop. La promoción del álbum fue también bien recibida, con la programación del single "Suzie Q" en numerosas cadenas de radio del área de la Bahía de San Francisco, así como la cadena WLS de Chicago. Aficionados al blues apreciaron en buena medida las similitudes entre el estilo de la CCR y los artistas de R&B de los sellos Vee-Jay y Chess. "Suzie Q" se convirtió en el primer single del grupo en entrar en el Top 40, alcanzando el puesto 11 y convirtiéndose en el único éxito del grupo no compuesto por John Fogerty.
1969-70: Reconocimiento internacional: Mientras llevaban a cabo un calendario de conciertos para capitalizar su álbum debut, el grupo trabajó en su segundo álbum, Bayou Country en los RCA Studios de Los Ángeles. Publicado en enero de 1969, el álbum alcanzaría el puesto 7 en las listas de Billboard, convirtiéndose en el primero de una larga lista de éxitos en los siguientes tres años.

Las siete canciones de Bayou Country representaban la lista de temas que conformaban sus conciertos. Por su parte, el álbum mostraba una distintiva evolución, con un sonido más simple y directo en relación al primer álbum del grupo. El single "Proud Mary", respaldado por "Born on the Bayou", alcanzó el puesto #2 en las listas de Billboard. El tema se convirtió en una de las canciones más versionadas del grupo, con más de 100 grabaciones entre las que se incluía el éxito de 1971 de Ike y Tina Turner. Bob Dylan llegó a nombrar a "Proud Mary" como su single favorito de 1969. El álbum también incluyó versiones de clásicos como "Good Golly Miss Molly" de Little Richard.

En marzo de 1969, fue publicado "Bad Moon Rising" como single, con "Lodi" como cara B, alcanzando el puesto #2 en las listas de éxitos. El tercer álbum de la CCR, Green River, fue publicado en agosto y rápidamente certificado como disco de oro junto al single "Green River", que también llegó al puesto #2. La cara B de "Green River", "Commotion", alcanzó el puesto #30. El tema "Lodi" se convertiría también en un éxito en las emergentes estaciones de radio de FM. Por otra parte, el énfasis de la banda por crear nuevas versiones de sus temas favoritos continuó con "The Night Time Is the Right Time".

La Creedence continuó ofreciendo conciertos, entre los que se incluyeron el Atlanta Pop Festival y el Festival de Woodstock. El concierto de la CCR no fue incluido finalmente en el video del festival ni en su banda sonora debido a que el propio Fogerty consideró que el concierto no fue decente. La banda llegaría incluso a quejarse de que tuvieron que salir al escenario a las tres de la madrugada tras Grateful Dead, quienes sobrepasaron el tiempo estimado interpretando varias jams. Cuando la CCR saltó al escenario, gran parte del público había abandonado el festival.

A pesar del revés ocurrido en Woodstock, la Creedence se mantuvo ocupada grabando su cuarto álbum, Willy and the Poor Boys, publicado en noviembre de 1969. "Down on the Corner" y "Fortunate Son" alcanzarían los puestos #3 y #4 respectivamente a finales de año. Al igual que sus anteriores trabajos de estudio, Willy and the Poor Boys incluía versiones de temas clásicos como "Cotton Fields" y "Midnight Special". El éxito de Willy and the Poor Boys, así como de los singles, sirvieron de empuje para la consolidación final de la CCR a finales de 1969, quienes en menos de un año habían grabado tres años y cuatro singles de éxito.

En 1970, la CCR publicó un nuevo single, "Travelin' Band"/"Who'll Stop the Rain", inspirado, según declararía el propio Fogerty, por la experiencia de la banda en Woodstock. Las semejanzas entre "Travelin' Band" y el tema de Little Richard "Good Golly, Miss Molly" provocaron una demanda que finalmente fue desestimada. Durante ese tiempo, el single había alcanzado el segundo puesto en las listas de Billboard. El 31 de enero de 1970, la CCR grabó el concierto ofrecido en el Coliseum de Oakland, California, posteriormente emitido como especial de televisión y publicado como álbum. En febrero, el grupo fue retratado para la portada de la revista musical Rolling Stone, si bien sólamente John Fogerty fue entrevistado para la ocasión.

En abril de 1970, la Creedence estaba preparada para comenzar una gira europea. Para acompañar los conciertos, Fogerty escribió los temas "Up Around the Bend" y "Run Through the Jungle", relacionada con los problemas de violencia que sufría Estados Unidos en la época. El single, compuesto, grabado y publicado en apenas una semana, alcanzó el puesto #4, asegurando una respuesta entusiasta por parte del público europeo y un éxito comercial tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo.

Tras la gira europea, el grupo volvió a los estudios de Wally Heider en San Francisco para grabar el álbum Cosmo's Factory. El título del álbum surgió como una broma sobre las facilidades de ensayo y la ética de trabajo a lo largo de los años. (El apodo del batería Doug Clifford era "Cosmo", debido a su gran interés por temas ecologistas y astronómicas.) El álbum incluyó los temas "Travelin' Band" y "Up Around the Bend", además como otros temas de la índole de "Ramble Tamble", que describía ambiciosamente la vida en América, integrada por "policías en la esquina y actores en la Casa Blanca".

Cosmo's Factory fue publicado en julio de 1970 junto a un nuevo single de éxito, "Lookin' Out My Back Door"/"Long As I Can See the Light", que alcanzaría la segunda posición en las listas estadounidensas. Entre los temas figuraban una improvisación de once minutos de R&B, "I Heard It Through the Grapevine", y un homenaje al "Ooby Dooby" de Roy Orbison. Por entonces, el rango musical de John Fogerty se había expandido, moviéndose hacia nuevos instrumentos como el dobro, los teclados y el saxofón, así como hacia armonías vocales más perfeccionadas y trucos de grabación. Cosmo's Factory se convertiría en el álbum más vendido de la CCR, alcanzando el primer puesto de la Billboard 200 y el puesto #11 de la lista de álbumes soul.


1971-1972: Deterioro y disolución [editar]Las sesiones de grabación de Cosmo's Factory fueron el inicio de las tensiones entre los cuatro miembros del grupo, debido a las incesantes giras y al calendario de grabaciones que se interponía entre los conciertos. John había tomado literalmente el control del grupo en los asuntos comerciales y artísticos. La situación comenzó a exasperar a Tom, Stu y Doug, quienes querían tener una mayor representación en el trabajo del grupo. John resistió, sintiendo que un proceder "democrático" dentro del grupo acabaría con el éxito de la CCR. Otras interpretaciones aluden a la decisión de John en un concierto en Nebraska de no interpretar bises en los conciertos.

Uno de los puntos más conflictivos dentro del grupo sería una toma de decisión de John Fogerty como mánager empresarial, que dejó a los miembros de la Creedence sin gananciales y abriendo batallas legales para recuperar los ingresos. Sin el conocimiento de los otros tres miembros del grupo, John acordó junto a Saul Zaentz y sus abogados mover el capital del grupo a una banco de Nassau, debido a problemas fiscales y de impuestos. Años más tarde, Zaentz y sus asociados acabarían por sacar los ingresos previamente a la disolución del banco. En 1978, daría comienzo una serie de juicios propiciados por los miembros de la Creedence para recuperar el dinero perdido, siendo visto para sentencia en abril de 1983, cuando una corte de California sentenció la devolución de 8,6 millones de dólares a los miembros del grupo. Una ínfima parte del dinero sería recuperado finalmente por los miembros de la Creedence, a pesar de su victoria legal.

Con semejantes precedentes, en diciembre de 1970 fue publicado Pendulum, un nuevo trabajo de estudio del grupo con notables ventas, además del single "Have You Ever Seen the Rain?". El álbum marcaría un nuevo rumbo en la producción del grupo, eliminando parte del muro de sonido propio de los álbumes previos de la Creedence.

A pesar de las innovaciones musicales y del éxito del grupo, las diferencias personales entre Tom y John Fogerty no encontraban solución. Durante las sesiones de grabación de Pendulum, Tom, quien había dejado el grupo en contadas ocasiones aunque siempre había retomado finalmente sus labores, abandonó definitivamente la formación. Su marcha fue hecha pública en febrero de 1971, y aunque los restantes miembros del grupo consideraron reemplazarle, no lo hicieron.

En la primavera de 1971, John Fogerty informó a Cook y a Clifford de que la banda continuaría adelante adoptando una solución "democrática", en la que cada miembro del grupo escribiría y cantaría su propio material. Fogerty contribuiría con la guitarra rítmica en las canciones de sus compañeros, propiciando un cambio considerable en el sonido de la Creedence. La nueva ética de trabajo dio como resultado el single "Sweet Hitch-Hiker", publicado en julio de 1971 y respaldado por el tema de Stu Cook "Door to Door". El grupo se embarcó en una gira por Europa y Estados Unidos durante el verano y el otoño, con el tema de Cook incluido en la lista de canciones de los conciertos. A pesar del continuo éxito comercial del grupo, la relación entre los tres miembros del grupo comenzaría a agrietarse.

El último álbum de la CCR, Mardi Gras, fue publicado en abril de 1972, incluyendo por primera y última vez canciones compuestas por Fogerty, Cook y Clifford. A diferencia de sus anteriores trabajos, Mardi Gras recibió reseñas negativas y obtuvo ventas menores en relación a otros trabajos de la Creedence. El álbum alcanzó el puesto #12 de las listas de Billboard.

Tras la publicación de Mardi Gras, Fogerty no sólo comenzó a agrietar aún más la relación con sus compañeros de grupo, sino que además comenzó a ver la relación del grupo con Fantasy Records como onerosa, observando que el dueño del sello, Saul Zaentz, había negado la posibilidad de mejorar el contrato del grupo. Al respecto, Stu Cook llegaría a comentar que a causa del pobre juicio de Fogerty, la Creedence tenía el peor contrato discográfico de todos los músicos de éxito americanos.

A pesar de la pobre recepción de Mardi Gras y de las deterioradas relaciones, la Creedence se embarcó en una nueva gira por Estados Unidos. Seis meses después, el 16 de octubre de 1972, Fantasy Records y el grupo anunciaban oficialmente la disolución de la Creedence Clearwater Revival.Fuente Wikipedia en español

jueves, 20 de noviembre de 2008

Ciriaco Ortiz

Ciriaco OrtizCiriaco Ortiz(Centro) con Spina y Menendez sus guitarras en el Trio

Ciriaco OrtizCiríaco Ortiz en 1933, con los músicos de su orquesta Los Provincianos. Entre ellos, Benjamín Holgado Barrio y Nicolás Pepe.


Ciriaco OrtizCiríaco Ortiz en marzo de 1938

Ciriaco OrtizCíriaquito a los diecisiete años,cuando integraba la orquesta de Juan Carlos Bazán.


ORTIZ, Ciríaco. (Nombre de familia: Ángel Ciríaco Ortiz Barrionuevo).(2 de agosto de 1908 - 9 de julio de 1970) Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.
1. — El personaje. "Mi viejo era muy bueno para los cuentos", suele recordar para explicar de algún modo como si fuera un linaje familiar del ingenio, su propia facundia de infatigable forjador de ocurrencias. Y por cierto que no sería posible penetrar en su originalidad de artista, en su creación de músico, en su indiscutible condición de estilista del bandoneón, prescindiendo de esa gracia eternamente lozana de su espíritu, tan capaz de retratar a los demás —o de retratarse a sí mismo— en las cuatro o cinco frases del chiste que pinta gente o descubre actitudes. Medio paisano y medio porteño, su chispa parece cernida entre la sabiduría de Vizcacha y la picardía observadora de algún personaje de Vaccarezza. —
2. — El músico. Con decir que sería absolutamente imposible pautar en un pentagrama lo que él hace con la frase musical en su instrumento, queda expresada la siempre inesperada riqueza de su temperamento de intérprete; y con ello la esencial originalidad de su estilo. Cuando apenas adolescente asoma entre los grandes fueyes, impera —todavía—el tecnicismo asombroso del "alemán" Bernstein, la fuerza conductora de Arólas, la modalidad un poco antigua de Maglio y apuntan la plácida calidad, la pureza sonora del joven Maffia y el virtuosismo del casi niño Carlos Marcucci. Lo que él trae nada tiene que ver ni con aquéllos ni con éstos. Hay desde el principio en su forma de frasear, de dividir la melodía, de acentuar, de matizar, de armonizar, de poner un mordente, un octavado, una apoyatura, en su manera de sentir el "tempo rubato", una novedosa reminiscencia de punteo guitarrístico de milonguero criollo. Hay sí, cierto perfume de "payada" en su invención de ejecutante que sin alterar la melodía natural de cada obra la penetra, la revela, la recrea, casi como si instrumentalmente, lograra cantar también los versos del tango que toca. Y así, pasa sin transición de la "guiñada" musical a la melancolía; del ensimismamiento al "chamuyo"; del diminuendo delicadamente realizado sobre una sola nota a la variación fraseada. Acaso por esta misma condición de su estilo —un 'preciosismo que tiene menos que ver con la mecánica bandoneonística que con una "polenta" temperamental inimitable no ha tenido continuadores, aunque se alcance a percibir su influencia en otro estilista de tan admirable contenido creador como Aníbal Troilo.
3. — Biografía. Hijo de los también cordobeses Ciríaco Ortiz y Martina Barrionuevo, nació en la ciudad de Córdoba el 2 de agosto de 1908. Su padre, dueño del famoso "boliche de don Ciríaco" tocaba bandoneón en un instrumento de dos octavas; de él aprendió las primeras nociones de ejecutante como lo hicieron luego sus hermanos menores Roberto —ya fallecido— y Raúl. Las primeras presentaciones en público las cumplió en el negocio paterno, donde además de tocar con precoz dominio los tangos de moda, solía improvisar temas a los que iba ornamentando con toda clase de "rellenos", de dibujos y de variantes. Su nombre de infantil virtuoso del fueye se hizo muy popular en las romerías españolas que se celebraban en "la quinta de López"; en los baile V de carnaval para los que formó su primer conjunto, en el café El Plata, y en el bar Victoria, palco donde actuaban los grandes bonzos porteños del tangos y en el que compartió lucidas ejecuciones con el piano de Juan Carlos Cobián y el violín de Mario Brugni. En ocasión de presentarse Roberto Firpo con su agrupación en Córdoba, enfermó Pedro Maffia que era primer bandoneón; él fue llamado para reemplazarlo. Corría 1920 cuando las mentas de su juvenil cansagración empezaron a llegar a Buenos Aires. Así fue como Juan Carlos Bazán lo mandó a buscar para integrar la orquesta que formaba, a fin de tocar en las veladas veraniegas del casino marplatense —que funcionaba entonces en el Club Pueyrredón—. De Mar del Plata no volvió a Córdoba; se quedó en Buenos Aires. En noviembre de 1925 al constituir la empresa de discos fonográficos Víctor su propio elenco orquestal para la ejecución de tangos, él fue convocado para integrarla. Y durante esa misma temporada se estableció como director: con Elíseo Ruiz (piano), Marcos Larrosa y Juan Ríos (violines) y Nicolás Di Massi (segundo bandoneón), debutó en el cine Gaumont a cuya cartelera su nombre estaría asociado hasta 1931. Dos años después —1927—, se presentó por primera vez en radiotelefonía en los programas de Radio Cultura, constituyendo —poco después— su famoso trío, con las guitarras de Spina y Menéndez. Rancho viejo fue el tema de su primera versión para el disco en Víctor, en 1929. Colaboró luego con el sexteto de Vardaro-Pugliese en 1931, cuando las actuaciones de dicho grupo en el cine Metropol de la calle Lavalle.
Al año siguiente dio a conocer su primera obra de compositor —editada por don Alfredo Perrotti— con letra de Celedonio Flores Atenti pebeta. Con Aníbal Troilo y Horacio Golino (bandoneones), Elvino Vardaro y Manuel Núñez (violines), Orlando Carabelli (piano) y Manfredo Liberatore (bajo) formó a la sazón su orquesta Los Provincianos
Acompañó a Tito Schipa, e integrando el conjunto de Francisco Canaro secundó a Carlos Gardel en las últimas grabaciones de éste en estudios argentinos. Hacia 1935 ya vinculado a la recién inaugurada Radio El Mundo (en la que actuó por veinte años) compartió con Cayetano Puglisi (violín), Antonio Rodríguez Lesende (vocales) y Juan Carlos Cobián —luego Carlos Di Sarli—(piano), el Trío N? 1. En 1936 fue primer bandoneón invitado y solista de la agrupación gigante que Cobián compuso para los bailes de carnaval del Politeama, y dirigió nuevamente su propia alineación en las suntuosas veladas de la boite Charleston de Florida al 900. En 1937 con Pedro Maffia, Pedro Laurenz, Carlos Marcucci y las presentaciones de Hornero Manzi integró Los Cinco Ases Pebeco de actuación en Radio Stentor, y con Julio Francisco De Caro, Carlos Marcucci y Elvino Vardaro tocó en el quinteto Los Virtuosos presentado en LR1, en la película Así es el Tango, y en cuatro fases de discos Victor. Alternó desde entonces su labor como director de orquesta con la de su terceto, en el que —luego de Spina y Menéndez— tuvo sucesivamente a las guitarras de Francia, Grela, Vila, Baudiño, Márquez, Zaldívar, Davis, Bruso, Ochoa y De Lío. Rodríguez Lesende, Susy del Carril y Juan Carlos Miranda fueron voces de su orquesta y en 1950, al grabar para la casa Pampa lo secundaron en su sexteto los destacados Elvino Vardaro, Hugo Baralis, Jaime Gosis y Federico Scorticatti. Fue solista absoluto de bandoneón de la primera orquesta de Mariano Mores; compartió actuaciones con Lucio Demare (Radio Belgrano, boite Stop); con Horacio Salgan (club Jamaica), y fue figura del espectáculo Tango en el Odeón estrenado en 1963. Tomó parte en el rodaje de la película Fin de Fiesta, dirigida por Torre Nilsson y del mediometraje documental Fueye Querido, realización de Mauricio Berú. En mayo de 1969 integró el elenco inaugural de El Viejo Almacén, acompañado por la guitarra de Edmundo P. Zaldívar (hijo). Sus tangos: Nena (con Bazán) y Sueños (con Cárdenas), ambos grabados por Gardel; Corazón —grabado por Julio De Caro—; Lobo (con Rubinstein); No me preguntes nada y Otros tiempos y otros hombres (con Cadícamo); Cuando estés muy lejos y Lo mismo que antes (con "Katunga" Contursi); Luz (con Hornero Manzi) y además Charlatán, Llora, Hermanita, Puro grupo, Te condeno a vivir, Cosas de la vida, Negrucha, Entre copa y copa. Sus valses: Bonita, Soledad, el paso doble Rebeca. Los compositores Di Bello y Oserin le dedicaron un tango que llevó al disco el conjunto de Jorge Fernández, A Ciríaco Ortiz. Se desempeñó en varias oportunidades como miembro del directorio de SADAIC, de la que es el socio n° 28.

Por Horacio Ferrer.
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

miércoles, 19 de noviembre de 2008

Edith Piaf

Edith Piaf Edith Piaf

Edith PiafEdith Piaf


Edith Piaf
Infancia; Nace debajo de una farola frente al número 72 de la rue de Belleville en París, de padre acróbata, Louis Alphonse Gassion (nacido en Castillon en la región de Calvados en Normandía el 10 de mayo de 1881) y de madre cantante ambulante, Annetta Maillard (1895-1945), de origen italo-argelino.

Siendo pequeña, su madre, demasiado pobre como para criarla, la confía a su abuela materna, Aïcha Saïd Ben Mohammed (1876-1930) originaria de Cabilia, quien a su vez la entrega a su padre, a punto éste de ir al frente en la Primera Guerra Mundial. Él la deja con su abuela paterna (que regenta una casa de prostitución en Bernay, Normandía) donde Édith es criada por las prostitutas de la casa.

Al finalizar la Primera Guerra Mundial, su padre vuelve del frente y la lleva consigo a vivir la vida de los artistas de los pequeños circos itinerantes, y luego la del artista ambulante, independiente y miserable. Édith revela su talento y su excepcional voz en las canciones populares que canta en las calles junto a su padre, tal como su madre lo hacía.

En 1933, a los 17 años, tiene una hija con su amante Louis Dupont, llamada Marcelle, que desgraciadamente muere de meningitis a los dos años de edad, en 1935.

Primeros pasos artísticos
En 1935, es descubierta en la calle por Louis Leplée, gerente de un cabaret de moda, el Gerny's, situado en la avenida de los Campos Elíseos. La invita a presentarse con el nombre artístico de la niña Gorrión ("la Môme Piaf") debido a que era de pequeña estatura (1.47 m) como un gorrión. Sus presentaciones fueron todo un éxito, y su talento y su voz extraordinarios son destacados, entre otros, por el compositor Raymond Asso y su futura fiel amiga Marguerite Monnot, compositora y pianista virtuosa, quien la acompañará durante toda su carrera y compondrá para ella la música de Mon légionnaire, Hymne à l'amour, Milord (canción) y Amants d'un jour.

Firma un contrato con Polydor y graba su primer disco en 1936: les Mômes de la cloche ("los niños de la campana"; cloche, en argot, es el nombre genérico de los mendigos parisinos). Ello la convierte en un éxito mediático de forma inmediata. Pero en abril de ese año Louis Leplée es asesinado en su domicilio. Esto revela que él formaba parte de los bajos fondos del barrio parisino de Pigalle, lo que precipita a Édith al centro del escándalo y el linchamiento mediático, y la envía nuevamente al lugar de donde vino: la calle y los pequeños cabarets miserables.

Vuelve a tomar contacto con el compositor Raymond Asso (autor de Mon légionnaire y Le Fanion de la Légion, creadas por Marie Dubas en 1935, que Piaf retoma a inicios de 1937). Asso se convierte en su Pygmalion y amante, y la prepara para ser una cantante profesional del Music-Hall.

Cantante del music-hall
En marzo de 1937, Édith debuta en el music-hall en el teatro ABC de París. Se convierte inmediatamente en una estrella de la canción francesa, adorada por el público y difundida por la radio.

En 1940 se presenta con éxito en la obra teatral Le Bel Indifférent, que Jean Cocteau escribió para ella. También comienza una carrera cinematográfica con la película Montmartre sur Seine, de Georges Lacombe.

En la primavera de 1944 se presenta en el Moulin Rouge, donde el joven cantante de Music-Hall Yves Montand forma parte importante del espectáculo. Se produce un flechazo entre los dos artistas y Édith Piaf, ya célebre y adulada devoradora de hombres, se propone iniciar a su nuevo amante en los trucos del oficio y de la vida de artista. Lo presenta a las personas más importantes de la época en el mundo del espectáculo: Joseph Kosma, Henri Crolla, Loulou Gasté, Jean Guigo, Henri Contet, Louiguy, Marguerite Monnot, Bob Castella, Francis Lemarque...

Durante la guerra, Edith Piaf cantaba en los clubes y music-halls, en donde conoció a su contemporánea alemana Ilona Hesse, y ayudaba a los prisioneros a escapar. Tras la guerra, en 1945, escribe la letra de La vida en rosa, su canción más célebre, que interpreta en la Comédie-Française.

Yves Montand, por su parte, se convierte en una estrella del music-hall. Montand debuta en el cine junto a Édith Piaf en Étoile sans lumière, para luego obtener su primer papel protagonista en Les portes de la nuit de Marcel Carné. Ambos parten en gira el año 1946, en el cual se separan.

En 1948, mientras está en una gira triunfal por Nueva York, vive la historia de amor más grande de su vida con un boxeador francés de origen argelino, Marcel Cerdan, quien ganó el campeonato mundial de peso medio el 21 de septiembre de 1948 y murió en un accidente de avión el 28 de octubre de 1949 en el vuelo de París a Nueva York en el que viajaba para ir a su encuentro. Abatida por el sufrimiento, Édith Piaf se vuelve adicta a la morfina. Ella cantó su gran éxito Hymne à l'amour en su memoria y, además, este noviazgo originó la película Édith et Marcel.

Aparte del mencionado, son varios los romances de Edith Piaf. Los más conocidos fueron con Marlon Brando, Yves Montand, Charles Aznavour, Théo Sarapo y Georges Moustaki.

En 1951, el joven cantautor Charles Aznavour se convierte en su secretario, asistente, chófer y confidente.

El 29 de julio de 1952 se casa con el célebre cantante francés Jacques Pills, según el testimonio de la actriz Marlene Dietrich. Se divorcian en 1956.

Comienza una historia de amor con Georges Moustaki ("Jo"), a quien Edith lanza a la canción. A su lado tuvo un grave accidente automovilístico el año 1958, lo que empeora su ya deteriorado estado de salud y su dependencia de la morfina.

Edith se convierte también en una especie de icono parisino y en la musa de los existencialistas. En la década de 1950, Piaf era famosa en muchos países. El público norteamericano la consagró en 1956 en el Carnegie Hall de Nueva York, al que regresó con frecuencia, tras iniciar ese mismo año una cura de desintoxicación.

En 1958 graba la canción Milord, que se convertirá en uno de sus enormes éxitos mundiales
En 1959, Édith se desploma en escena durante una gira en Nueva York. Tuvo que soportar numerosas operaciones quirúrgicas. Volvió a París en un penoso estado de salud y sin su marido Georges Moustaki, que la había abandonado.

En 1961, Édith Piaf, a petición de Bruno Coquatrix, ofrece una serie de conciertos, tal vez los más memorables y emotivos de su carrera, en el Olympia de París, local que estaba bajo amenaza de desaparecer por problemas financieros. Es en ése, su salón de espectáculos favorito, en donde interpreta la canción Non, je ne regrette rien, canción que, compuesta para ella por Charles Dumont, se adapta perfectamente a su persona. Con ello salva al Olympia.

A esas alturas, estaba muy enferma para tenerse en pie, y se mueve y canta sólo con importantes dosis de morfina.

El 9 de octubre de 1962, a los 46 años de edad, hastiada, enferma y adicta, se casa con Théo Sarapo, cantante joven y apuesto de 26 años, y declara que tiene la impresión de que es como un hijo que cuida a su anciana madre enferma. Cantan a dúo, entre otras, ¿De qué sirve el amor?.

A principios del año 1963, Édith graba su última canción L'Homme de Berlin.

El 10 de octubre de 1963, Édith Piaf fallece en Plascassier a los 47 años de edad, por causa de la cirrosis. El transporte de sus restos mortales fue organizado de forma clandestina.

Su fallecimiento fue anunciado oficialmente el 11 de octubre, el mismo día en que muere su amigo el cineasta Jean Cocteau. Su entierro tiene lugar en el cementerio Père Lachaise, en París, con el homenaje de una inmensa multitud de admiradores. Charles Aznavour declaró que desde la Segunda Guerra Mundial no se había detenido de esa manera el tráfico de toda la ciudad.

Se dice que Jean Cocteau (con el cual Édith mantenía en ese entonces una asidua correspondencia) fallece al enterarse de su muerte. Pero es posible que ella haya fallecido en realidad un día antes y que adrede se haya cambiado la fecha de su fallecimiento, precisamente para poder confirmar esa versión.

Su último marido, Théo Sarapo, muerto en un accidente automovilístico en 1970, es enterrado con ella en la misma tumba.

De extraordinaria personalidad, Édith Piaf sigue siendo una de las cantantes francesas más conocidas en el mundo. Además, dio a conocer con gran éxito a muchos cantantes franceses.

El Museo Edith Piaf, dedicado a su memoria, se encuentra en la calle Crespin du Gast, en el distrito XI de París.Fuente Wikipedia en español

martes, 18 de noviembre de 2008

Orquesta Color Tango

Orquesta Color Tango Orquesta Color Tango

Orquesta Color TangoOrquesta Color Tango
Roberto AlvarezRoberto Alvarez director y bandoneon de la Orquesta



• En 1989 Roberto Álvarez (1° bandoneón de la orquesta de Osvaldo Pugliese) forma junto a otros músicos la Orquesta Color Tango.
• El debut de la agrupación se produce en Holanda, con una gira de 26 conciertos.

1990
• En marzo la orquesta graba su primer CD: “Color Tango” con muy buena repercusión en diversos países de Europa y Japón.
• En Argentina realizan un intenso trabajo en Radio Nacional y como orquesta estable del principal canal de televisión nacional argentina (A.T.C.), asimismo actúan en diversos teatros como: Municipal Gral. San Martín, Presidente Alvear, C. C. Recoleta, Casa del Tango, Café Tortoni, Café Homero, El Mesón, etc.

1992
• Participan en la Expo Sevilla (España), en función de gala junto a otros notables artistas argentinos, como Julio Bocca, Eleonora Cassano y Alberto Cortés.

1993
• En marzo realizan una gira por Italia y Holanda. Regresan a Italia en septiembre y trabajan en el marco del festival "Septiembre Musical" en el Teatro Reggio de Torino, y en el “Festival de Música Sudamericano de Portofino”.

1994
• En marzo realizan su tercera gira por Italia con el espectáculo "Tangueros" (Génova, Bologna, Milán).
• Tambien en 1994, en Argentina es nominada por la Asociación de

lunes, 17 de noviembre de 2008

Django Reinhard

Django ReinhardDjango Reinhard

Django ReinhardDjango Reinhard


Django Reinhardt, (1910-1943), nació en Bélgica en el seno de una familia gitana y fue el primer músico de jazz europeo de aceptación universal, y también el más grande hasta ahora. Analfabeto, autodidacta, incapaz de escribir una sola nota o de leer una partitura, era también un hombre con poca disciplina para el estudio, jugador empedernido y juerguista a mas no poder. Django Reinhardt, no obstante fue un músico extraordinario, lleno de inventiva y creatividad y supo adaptar la música que venía de América a sus habilidades con la guitarra, a pesar de que en una de ellas, le faltaban dos dedos, percance este ocurrido cuando durmiendo se declaró un pequeño incendio que lo tuvo hospitalizado mas de un año y que facilitó su acercamiento al jazz. Uno de sus hermanos le llevó al hospital una guitarra y desde entonces cambió el banjo por ésta que ya no dejó hasta el final de sus días, teniendo que inventar una nueva técnica de digitación acorde a sus facultades físicas mermadas. Django Reinhardt, Fue una referencia indiscutible e indispensable no solo para su generación sino para todos los guitarristas de jazz posteriores.

Discutido siempre, y discutida su música, lo que es indudable, es que la guitarra de este "gitano de los dedos de oro" como se le conocía, tenia un swing irresistible y sus acordes eran de una lógica asombrosa y de una inventiva extraordinaria. Su música siempre terminaba en si misma y de una manera casi mágica, siempre coincidían el principio y el final de la exposición con las partes equivalentes de la audición creando así una especie de complicidad con quien la escuchaba. Django Reinhardt, además de un gran músico, tuvo la virtud - poco común en la historia del jazz- de liderar con destreza un grupo de músicos que dieron muchos días de gloria a esta música. En 1934, en compañía de su hermano, Joseph, fundó con ocasión de un concierto en Paris, el grupo que se encargaría de difundir el jazz por centroeuropa en los años previos a la II Guerra Mundial: el "Quintette Du Hot Club de France", un combo formado por dos guitarras rítmicas, además de la solista, contrabajo y violín solista. El violinista era, Stéphane Grappelli, (1908-1997) un parisino que rápidamente se convirtió en la otra estrella del pequeño grupo basado en la excelente afinidad y compenetración con Django. En 1936, apenas dos años después de la formación del quinteto, el grupo estaba perfectamente consolidado y en 1937 realizó sus primeras giras internacionales. En muchas de ellas participaron grandes instrumentistas americanos que se encargaron de dar lustre y categoría al quinteto francés: Benny Carter, al saxo alto o Coleman Hawkins al saxo tenor, fueron los solistas mas destacados que tocaron junto al gran Django Reinhardt.

La II Guerra Mundial les sorprendió en Londres donde se quedó Grappelli, volviéndose el resto del grupo a Francia. Mientras el resto de sus hermanos de raza sufrió la persecución y los campos de concentración, Django Reinhardt, tuvo la suerte de ser el protegido de uno de los funcionarios de la administración nazi aficionado a su música. Paradójicamente, Django Reinhardt y su música fue, durante la ocupación nazi de Paris, uno de los símbolos culturales de la Resistencia.

La fama de Django - que el en un exceso de fanfarronería alardeaba y engrandecía - llegó a oídos del mismísimo, Duke Ellington, y hasta los Estados Unidos viajó el guitarrista belga convencido de que su fama era mayor de lo que en realidad era. Django Reinhardt, dejó tras de sí una amplísima estela de seguidores incondicionales que lo consideran sin ninguna duda, el padre de todos los guitarristas de jazz europeos. Desde Jaco Pastorius o John Mclaughlin, en el jazz moderno a Jimmy Raney o Wes Montgomery, en el tradicional, todos coinciden en que este gitano belga dio un vuelco espectacular a la música en Europa.

Django Reinhardt, falleció el 16 d mayo de 1953 en la localidad francesa de Fontainebleau cuando apenas tenía 43 años. Pero a Django lo mantienen vivo sus cerca de 300 grabaciones y una legión de seguidores de su estilo, tanto gitanos: Bireli Lagrene, Elios Ferré, o Christian Escoudé, como “payos “, entre los que se encuentran, René Thomas, Philip Catherine, Larry Coryell, o Jim Hall. Recientemente Woody Allen le ha dedicado una de sus últimas películas,”Acordes y Desacuerdos” (1999). Su hueco en la guitarra de jazz europea todavía está sin ocupar. Fuente apolybaco

domingo, 16 de noviembre de 2008

I Salonisti

I Salonisti
I Salonisti Ensemble

 I Salonisti I Salonisti Ensemble


La historia de I SALONISTI se remonta al año de 1981. Desde entonces, el grupo ha presentado diversos programas en muchas partes del mundo. Sus conciertos ejemplo de la alegría de musicmaking, el disfrute de la propia vida y los placeres de pasar de un mundo musical a otro.

La apertura y la serendipia de los cinco músicos se refleja en sus programas. I SALONISTI dedicarse con entusiasmo a los conocidos y los desconocidos, a los graves y el ingenioso, a la difícil de usar y el pulido. Su amplio alcance repertorio incluye obras de Rota, Kreisler, Enescu, Piazzolla, Debussy, Gershwin, Bartók, Kálmán, Weill y Brahms, por citar unos pocos. A través de contacto personal con los compositores de todo el mundo, que han construido una biblioteca de composiciones originales y arreglos, hechas a la medida de su especial combinación de dos violines, cello, contrabajo y piano.

I SALONISTI crear cada uno de los programas con un tema. Seleccionados los textos, poemas y citas complemento de la música. Estos son habladas por Lorenz Hasler.

I SALONISTI fueron escogidos por James Cameron para llevar a cabo la orquesta a bordo para la multi-galardonada película Titanic. Como personajes importantes de la historia, el conjunto puede ser visto y oído en este siglo XX película épica.
Los intregrantes del Ensable I Salonisti son:
Piotr Plawner, violin
André Thomet, piano
Béla Szedlák, bass
Ferenc Szedlák, cello
Lorenz Hasler, violin
Los cinco músicos en viven en Berna. Su origines son de Suiza, Alemania y Hungria
La capital de Suiza es el punto de partida de sus interpretaciones o ejecuciones.Fuente web de I Salonisti