Puerto Palabras blog de Marta Pizzo

Con letra de Marta Pizzo y musica del maestro Emilio de la Peña el tema "Cada espera es un adios" logro el primer premio SADAIC "Por una Argentina que cante"2007, en el genero Tango

Haz clik sobre la imagen, estaras dentro del blog de Marta donde podras leer la letra y escuchar el tema

Felicitaciones de "El tango y sus invitados" para Marta y el Maestro Emilio de la Peña!!!!!

Fausto Papetti

Fausto Papetti

Fausto Papetti.(Traducion automatica) Su carrera comenzó en 1957 cuando, después de haber sido parte de algunas orquestas de jazz, comenzó a tocar con el grupo que yo Campeones en la que acompaña el disco y en concierto Tony Dallara.
Al abandonar el grupo en 1959,firma de un contrato para la Durium período de sesiones como un hombre, tocando lo tan difícil para los artistas a grabar. Un día, sin embargo, el director de la gran orquesta no se desea grabar el lado B de un 45 vueltas debido a la pieza elegida, era una violenta película de verano con el mismo nombre y no llega a un acuerdo satisfactorio.
El productor, deseosos de terminar, decidió entonces hacer sin dell'orchestra convocar de inmediato y la sección rítmica de la formación consta de cuatro partes: bajo, batería, guitarra y saxo. El joven saxofonista a la que encomienda la canción de la película es, de hecho, Fausto Papetti que durante los ensayos, el desarrollo repentino de una personal melodía, el ritmo destaca la sección con la intuición perfecta.
Después de la prueba Papetti afirma estar listo para iniciar el registro, pero ya se ha hecho, sin los cuatro varones, durante el juicio propiamente dicho.
45 rondas de "violentos de Verano" se publicó en 1960 bajo el nombre de Fausto Papetti Sax y ritmos, y tiene un éxito de venta superior a la de la banda sonora original de la película, y convencer a los Durium afectar a él en el mismo año , Su primer álbum, simplemente titulado "Colección". Esta es una colección de canciones famosas de la época (como el tema musical de la película La dulce vida escrita por Nino Rota o el escándalo en el sol, para no mencionar Pero su primer amor, el jazz, con la mejilla a mejilla), organizado versión instrumental. A partir de esto, todos los registros tendrán el mismo título, cambiando sólo los números.
Entre los músicos que lo acompañaba era el famoso baterista Pupo De Luca en los años siguientes que jugar con Adriano Celentano y Enzo Jannacci luego dedicarse al cine como un actor).
Papetti se hizo muy famoso por todos los the'60s and'70s, y todos su nuevo álbum llega a la cima de ventas, también está impreso en el mercado latinoamericano.
Durante el período de mayor esplendor, the'70s, Papetti también produce dos colecciones al año, el más vendido es el 20 que vinieron en primer lugar en 1975.
Estos discos también se caracterizan por las tapas que apareció, sobre todo en the'70s, las niñas plantean discinte en ammiccanti.
Convertirse en un verdadero padre de un género, y, en la década de los 70 son sus muchos imitadores, como Johnny Sax o Piergiorgio Farina.
Para ser recogidos a continuación, ha añadido algunas álbum un tema como la antigua América, Evergreen, Francia Bonjour, Made in Italy, los ritmos de América Latina, Cinema'60s, Cinema década del 70.
En 1985, después de 25 años, ha abandonado el Durium para ir a la CBS, a partir de 1988 adquirida por Sony Music, desde 1989 las cuentas del Fonit CETRA.
Fausto Papetti ha fallecido en 1999 y está enterrado a Ospedaletti, donde vivió durante oltri veinticinco años.Traduccion automatica

Zully Goldfarb

Zully Goldfarb en la Transtienda

Zully Goldfarb en el Coliseo
Zully Goldfarb

Zully Goldfarb nació en Buenos Aires, en el Barrio de La Paternal, el 27 de abril de 1948.
A los 12 años comenzó a estudiar piano, tomando clases con profesores particulares durante 10 años, alternado estos con sus estudios.

Luego de haberse dedicado durante muchos años a dibujo, pintura y restauración de antigüedades (Participó en la restauración de dos capillas en la Catedral de Buenos Aires), decide en1997, emprender una nueva carrera, la de cantante profesional. Tras un primer intento discográfico en 1999 (el CD Mano a mano con el tango, rechazado mas adelante por ella misma), saca los extremadamente logrados Aromatango (2000) y sobre todo Tango y luz (2003), el cual contiene dos "estandartes" de la canción en idioma idish, "Friling" y "Papirosn", devueltos al género tanguero al que pertenecían originalmente.

Siempre tuvo pasión por la música, ya que a pesar de no pertenecer a una familia de músicos, su casa estaba siempre colmada de música, ya sean boleros, milongas, tangos, o canciones en idish, y de esta manera la música quedo muy grabada en ella desde muy pequeña.

Como anécdota, Zully recuerda que repasaba sus lecciones del colegio subida a una silla, tomando una escoba en sus manos a modo de micrófono, sin saber que luego de tantos años se convertiría la sillita en escenario y esa escoba en un micrófono real.

Pasaron los años y cantaba con amigos, familiares, le cantaba a su novio quien hoy es su marido, luego a sus hijos, siempre sin saber que su destino sería el canto profesional,
Sus primeras actuaciones fueron en instituciones y a beneficio, acompañada por una guitarra o con piano.

Siempre tuvo un talento especial y cuando logro desenvolverse delante del público y pudo transmitirles esa gran energía que salía dentro de ella al cantar, descubrió que la música era lo que quería, y así fue que graba su primer CD, el cual se tituló Mano a mano con el tango, el cual se edito en 1999. En este disco participaron Osvaldo Burucuá en guitarra y direccion, Fabián Adell en piano, Gustavo Paglia en bandoneón.

Luego de presentar este disco ante el publico, comenzó el trabajo de crecer y perfeccionarse cada vez mas, así que comienza a buscar nuevos músicos, nuevos profesores de canto, y un nuevo equipo de trabajo.

Luego de varios tropiezos nació Aromatango..(director musical-Norberto Vogel). Ya los músicos encajaban mejor con el tango que ella quería hacer y la elección del estudio de grabación fue más meticulosa.

Habiendo ya grabado Mano a Mano, estaba un poco más preparada, además a esta altura ya hacía presentaciones en vivo mucho más seguido y acompañada por los mismos músicos, lo cual le dio mucha más seguridad.

En su ultimo disco “Tango y Luz”,(dirección musical-Oscar De Elia) realizo una versión de «Je te dirai», uno de los temas grabados por Gardel en septiembre 1931 con la orquesta de Kalikian Gregor, para lo cual trabajo muchísimo y se perfecciono con el francés tomando clases, en las que estudio toda la letra y el significado de cada una de las palabras, para así poder darle el sentido correspondiente a su interpretación.

En agosto 2003 viajo a Costa Rica, donde realizo una serie de presentaciones en el Teatro Melico Salazar. Se translado con todo su equipo, músicos, bailarines y director musical.

Enero 2004, actuación en Uruguay, Hotel Conrad, donde reune a un publico de mas de 1000 personas que aclaman su espectáculo y le dan a Zully su merecido reconocimiento.

En estos momentos (2005) Zully esta abocada a la promoción de su ultimo disco “Tango y Luz”, así como también trabajando con los ensayos para sus próximos shows en Noviembre y Diciembre en el Club del Vino junto a músicos de renombre, en piano Pablo Saclis, (director musical), bandoneon, Omar Massa, contrabajo, Gerardo Scaglione, con quienes prepara su proximo Cd de tangos.

Durante este año Zully retoma nuevamente sus estudios de piano junto a su maestro y director musical Pablo Saclis quien la alienta en sus estudios con el fin de acompañarse en escena mientras canta, lo cual se hara realidad a su momento cuando Zully considere que puede ofrecerlo a su publico con respeto y excelencia.

Al mismo tiempo, presenta su cd en idish “Zully canta en idish”,(canciones tradicionales-director musical Cesar Lerner)), en las mejores disquerias de Bs.As., donde el publico de la colectividad judia tendra la oportunidad de escuchar a una de las pocas cantantes argentinas de origen judio que canta en Bs.As. en dicho idioma y lo introduce en la comunidad para poder revivir en ellos un idioma hablado por sus abuelos que esta en peligro de extinguirse debido a su poco uso. Con esto, Zully pretende hacer regresar, a quienes todavía les resuenan algunas de las canciones, a tiempos pasados vividos junto a seres queridos de quienes escuchaban el idish, y de esa manera, unirlos al idioma, y, quien sabe….retornarlos a el.

Algo que la hace especial a Zully, son los tangos que ella interpreta en idish que hacen de unión entre los tangos rioplatenses y la musica tradicional judia, con referencia a estos “tangos en idish”, es necesario aclarar que la música fue escrita a principios del siglo pasado en tiempo de tango, siendo influenciados sus autores por el ritmo que llegaba de Buenos Aires. Después de muchos años de ser cantado en Europa, ese “tango” se convirtió en algo melódico, ya que posiblemente el ritmo tanguero no les era familiar, por lo que Zully, explica su origen y los canta en su ritmo original agregándole el instrumento tipico del tango en Argentina: el bandoneon, instrumento que lo lleva firmemente al ritmo tanguero y asi lo entrega a su publico explicando el origen del mismo. Actualmente Zully hace una investigación de todos los tangos en idish que puedan existir con los que estara grabando su proximo cd de “tangos en idish”. La conjunción de todo el material que Zully interpreta esta plasmado en el espectáculo “Raices” donde muestra tangos rioplatenses (de Argentina), tangos en idish y musica tradicional judia acompañada por 15 personas en escena que incluye músicos y bailarines contemporáneos que la acompañan en los tres tipos de musica que presenta. Este espectáculo fue presentado con gran éxito en tres conocidos Teatros de Bs.As., el Teatro Coliseo, Teatro Cervantes y Teatro San Martín.

En la pagina web de Zully (www.zully.com.ar) constantemente actualizada, encontraremos un reflejo de lo que ella transito como cantante durante todos estos años, lo cual nos dara una idea del trabajos realizado con el esfuerzo de quien comienza una carrera inesperada a una edad en la que nunca se imagino que emprenderia dicho camino, pero con la convicción de quien hace lo que realmente le gusta y quiere entregar al publico lo mejor de ella.Fuente y fotos Web de Zully Goldfarb

Raúl Garello

Raul Garello en Caño 14 en 1979
Raul Garello en la Legislatura Porteña

Raul Garello en el Luna Park

Raul Garello en el Alvear

Raúl Garello con Cátulo Castillo y Horacio Ferrer en 1974

Raul Garello


Raúl Garello, a la derecha, cuando integraba la orquesta de Anibal Troilo.

GARELLO, Raúl Miguel. Músico. Director. Bandoneonista. Arreglador. Compositor.
1.Personalidad. El más trascendente de los arregladores surgidos y consolidados en los años recientes, en una orientación abierta fuera de la absorbente inventiva de Astor Piazzolla. Artista de formación musical escolástica y de pausada y firme evolución personal. Tanguísticamente educado junto a Aníbal Troilo —como orquestador, bandoneón y admirador de éste— reanuda en su estilo de escritura —y también de dirección— raíces que se nutren en toda la hondura y la belleza creadas por Argentino Galván y por Alfredo Gobbi, hasta decantarlas en una "manera" propia, de proyecciones todavía insospechadas. En su sensibilidad se amalgaman, sin sometimiento ni al pasado ni a los grandes modelos de la música contemporánea, giros rítmicos, melódicos y armónicos del universo pampeano, con otros en los que se advierte su insobornable ubicación de creador de nuestro tiempo. Ha logrado, además, hacer prevalecer sus convicciones y su música por igual, y con ejemplar modestia, en sus trabajos de acompañamiento de cantables, como en los de carácter absolutamente instrumental, afirmándose, a la par, y gradualmente, como bandoneón solista fino, decidor y temperamental, y como compositor de temas hermosos.
2. Vida. Nació en Chacabuco, provincia de Buenos Aires, el 3 de enero de 1936. "En una carpintería de mi pago —recuerda—escuché a un chico tocar el bandoneón y quedé como hechizado". Así, desde 1947, estudió su instrumento con Salvador Criscuolo, con el cual aprendió también teoría, solfeo y tonalidades. Con el quinteto de su maestro (violín, guitarra, flauta, acordeón y bandoneón), hizo su debut en público, tocando en bailes de campo. Desde 1949 hasta 1953, integró —ya en locales céntricos de su ciudad natal— la orquesta de Héctor Marsiletti. En ésta llegó a primer bandoneón, y estrenó su primer tango —Pa que vayan sabiendo— un instrumental que aportó, también, su primer arreglo. Estimulado por su hermano Rubén, se vino a Buenos Aires, con el fin de continuar sus estudios de abogacía. El violinista Nerón Bacario lo vinculó entonces a la orquesta estable de Radio Belgrano, en la que él tocaba, donde conoció a Leopoldo Federico y tomó el lugar de éste en el cuarteto de Roberto Firpo (h) —luego de la aprobación de Firpo padre—, debutando con el primero en la ciudad de Paysandú (R. O. del Uruguay). Actuó con dicho cuarteto durante un año, realizando, luego, trabajos diversos, incluida una gira por Brasil, para cumplir luego su conscripción. Desde 1953 hasta 1957 estudió armonía con Pedro Rubione, y en mayo de 1958 se incorporó al sexteto de Mario Brugni para acompañar al cantor solista Horacio Quintana en la Richmond de Esmeralda. En 1960 volvió a tocar en Brasil, con Jorge Alonso esta vez, y tras de secundar a Carlos Dante, comenzó —en 1962— a grabar con Roberto Pansera, uniendo asimismo su bandoneón a los de Alfredo de Franco y Osvaldo Piro para acompañar a Alberto Morán, junto al cual, al siguiente año, se desempeñó, por primera vez, como director. Poco después —ocupando el lugar de Alberto R. García, "Pajarito"— ingresó a la agrupación de Aníbal Troilo, con Rufino y Goyeneche como voces, participando de la grabación del primer larga duración "For Export" de Pichuco para RCA Víctor, y en el espectáculo Tango en el Odeón. Simultáneamente, colaboró con Horacio Salgán, en televisión y discos, sin dejar su plaza de ejecutante —junto a Matío, Marino y Baffa— en las filas de Aníbal Troilo, a quien secundó hasta el final. Paralelamente a su carrera de ejecutante, perfeccionó sus conocimientos: en 1958, Alicia Marsiletti lo llevó al Collegium Musicum. donde Erwin Leuschter le sugirió estudiar
con Juan Schultis (maestro, conocido como "el alemán de Castelar", y que, previamente, también le había recomendado Pascual Mamonne). Con él cursó escuela coral, canto gregoriano, armonía, composición, fuga y contrapunto desde 1958 hasta 1968, fun-damentos que le permitieron concebir los arreglos iniciales de su gran etapa: sobre La guiñada de Agustín Bardi —el primero, para la orquesta Baffa-Berlingieri, 1966— y sobre Los mareados de Cobián (para el maestro Troilo, 1967). En 1968 realizó su primer L.P. completo, arreglando y dirigiendo el acompañamiento de Julia Sandoval, al que siguieron en 1969 y 1970, otros dos desempeños similares con Roberto Rufino y con Eladia Blázquez, y en 1970 y 1971 con Rubén Juárez, más su labor de orquestador absoluto de Pichuco: entre otros, los de los tangos Pico blanco, El baqueano, La racha, Mañanitas de Montmartre, Naipe marcao, Piropos, Mi refugio, Entre sueños, Pa que bailen los muchachos, Che Buenos Aires y Bandola triste. En 1972 viajó a México, donde radicado por seis meses, tocó en Pipo's, junto a Héctor Console (bajo), Sebastián Britos (piano) y Luis Ordóñez (canto). Al regreso, se reincorporó a la orquesta de Aní-bal Troilo, y escribió numerosos arreglos para Leopoldo Federico y Osvaldo Berlingieri(orquestas numerosas de éstos, en disco Music-Hall). Y en 1974, cuando Carlitos García viajó a Japón, tomó su lugar en las veladas de El Viejo Almacén de San Telmo, con la primera formación instrumental propia: él y Abelardo Alfonsín (bandoneones), Reynaldo Nichele y Nito Farace (violines), Eugenio Pro (bajo) y Osvaldo Tarantino—también Ulises Goñi— (piano). En agosto de 1974 se unió a María Cristina Laurenz, Roberto Grela y Horacio Ferrer en La Trova Porteña, debutando en el café concert El Gallo Cojo de la calle Defensa, en una temporada que se extendió hasta marzo de 1975 con la fábula Zapadas y Chamuyos, dirigidos por Jorge Petraglia y con la colaboración de Domingo Laine en guitarrón. Volvió, luego, ese mismo año, a integrar la orquesta de Troilo, en la postrera temporada del maestro en el Teatro Odeón, siendo luego llamado por Rubén Juárez como director y arreglador de todas sus actuaciones; en Buenos Aires y Montevideo, en el 75; en 1976 en Chile y en Caracas, y a fines de año en el Astral de la calle Corrientes, donde presentó su primera gran orquesta propia, que llegó al disco Odeón en 1977 para un larga duración exclusivamente instrumental al frente de una formación de veintisiete ejecutantes: Ahumada, Federico, Matío, Suárez Paz, Baralis, Nichele, Pérez Echeverría, Console, Besprobán, Colángelo, Corríale, entre otras muy destacadas figuras de la música de Buenos Aires, con inclusión de percusión, instrumentinos y voz de coro por María Angélica Fanelli. El mismo año, acompañando a Juárez y ofreciendo solos con su agrupación, actuó en el Teatro Estrellas, a la par de conducir y escribir los marcos musicales para discos de Rufino, Rosanna Falasca, Floreal Ruiz, Goyeneche y Juárez. A su obra de compositor pertenecen, entre otros, los tangos instrumentales Che, Buenos Aires, Muñeca de marzo, Margarita de agosto, Verde nuevo, Bandola zurdo (con Leopoldo Federico), A Ernesto Sábato (con Federico y Grela), y los cantables Dice una guitarra, Trasnoche de ilusión, Llevo tu misterio, Hoy estás aquí, Buenos Aires conoce, Antes que llegue el día, Con las pocas palabras (todos con Rubén Garello); Hace 200 tangos (con Federico Silva); y Tristería, Misterio de la Porteña, Canción de adentro, Celedonio Becquer, más la habanera Danzón de la Chiflada, el vals Serenata a mi Guitarra y la milonga Lunonga (todos con música en colaboración con Roberto Grela y versos de Horacio Ferrer, pertenecientes al repertorio de La Trova Porteña). 
Por Horacio Ferrer

Semblanza II

El maestro Michel Plassón, Director de la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse (Francia), ha dicho:
“De Raúl Garello sólo es posible esperar buena música”

Desde 1963 hasta 1975 participa en la Orquesta de Aníbal Troilo como bandoneonísta y arreglador.

Desde 1980 es Director fundador de la Orquesta del Tango de Buenos Aires.

En 1989 se presenta en el Primer Festival de Tango en Granada (España).

En 1990 actúa junto a Gary Burton en Buenos Aires.

Junto a Horacio Ferrer crean el espectáculo “Viva el Tango” el cual representan en Montevideo (Uruguay), Ámsterdam (Holanda) y en Ankara y Estambul (Turquía).

También graban el CD “Tangos en homenaje a Woody Allen”.

En 1991 actúa con su Orquesta en el Festival Latino, en Nagoya (Japón).

En 1992 graba en Toulouse (Francia) con la Orquesta National del Capitolio dirigida por Michel Plasson el CD “Gardel-Tangos” participando como arreglador y bandoneonísta.


En enero de 1996 actúa con la Filarmónica de Dresden (Alemania).

El 1º de enero de 1997 se realiza el “Concierto de Año Nuevo” en Toulouse (Francia).
En esa oportunidad asume la dirección de la Orquesta reemplazando a su Director titular Michel Plassón. Ha sido premiado por la Fundación Kónex en 1985 y 2005 y por SADAIC en 1989 y 1997 recibiendo el “Gran Premio SADAIC de composición”.

Como compositor se destaca entre sus obras: “La Danza del Fueye” interpretada por el célebre bailarín Jorge Donn, con coreografía de Maurice Bèjart, esta misma obra recibió en el año 2001 el Premio Nacional de Música.

En 1999 viaja a Francia en dos oportunidades (Mayo y Julio). Actúa en Reims, Laon, Nantes, en el Teatro Municipal de Beauvais y también en St-Etienne, donde presenta sus nuevas obras para Bandoneón y ensamble de Violoncelos.

En 2000 escribe su concierto para Bandoneón y Orquesta “Tango Lungo”.

En mayo de 2001 viaja a París (Francia) y actúa en la Sala Jean Vilar del Teatro Nacional du Chaillot.

En enero de 2002, escribe “Arlequín Porteño”, fantasía para Violín y Orquesta en tres movimientos.

En 2003 es declarado “Ciudadano Ilustre de la ciudad de Buenos Aires” y en Diciembre de ese mismo año recibe el premio a la “Trayectoria Artística del Fondo Nacional de las Artes”.

En el 2004 graba junto a Horacio Ferrer el CD “Diálogos de Poeta y Bandoneón”.

En junio ´04 se presenta en Génova 04, Italia, en el Palazzo Ducale.

En Septiembre dirige la Orquesta Alemana “Sabor a Tango” en Berlín (Alemania).

En Mayo de 2006 actúa en el Teatro Nacional Du Chaillot de Paris. En septiembre en el Auditorio Parco Della Música de Roma y sale a la venta el DVD “Diálogos de Poeta y Bandoneón”.

En septiembre del mismo año graba el CD junto a Anna Saeki “Concierto de Anna”

En Febrero de 2007 termina de escribir junto a Horacio Ferrer la ópera “El rey del tango, en el reino de los sueños”. Fuente web de Raul Garello

Carol Sloane

Carol Sloane en 1953

Carol Sloane en 1971

Carol Sloane en 1975

Carol Sloane en 1988

Carol Sloane: Hija de Claudia y Frank Morvan, nacio el 5 de marzo de 1937, en Providence, Rhode Island, pero ella nunca vivió en esa ciudad. En cambio, pasó su infancia feliz en la pequeña ciudad de Smithfield, sólo unas pocas millas al

norte de la ciudad. Sus padres trabajaban de manera constante a través de los años de la Segunda Guerra Mundial en la fábrica textil cerca de su casa.

Carol fue la afortunada miembro de una gran familia de primos, tías y tíos que todos naturalmente poseian voz para canto. Sólo un tío nunca recibió educación musical formal, y que desempeñó el saxo tenor. En 1951, su tío Joe organizó una audición para su sociedad con un grupo de baile dirigido por Ed Drew, y ella empezó a cantar la población arreglos de éxitos de la popular el día miércoles y cada sábado por la noche en la Rhodes-on-the-Pawtuxet Ballroom, que se encuentra en Cranston, Rhode Island.

En 1955, Carol se casó con un Providence disc jockey llamado Charlie Jefferds, y casi de inmediato, la pareja se encontraron en Fort Carson, Colorado, donde Charlie habia sufrido los rigores del entrenamiento básico seguido por un año obligatorio de servicio en Alemania. Regresaron a los EE.UU. en enero de 1958, y se divorció amigablemente en ese año.

Carol siguió a cantar en pequeños bares y clubes hasta que se reunió con el director de la carretera de la Les y Larry Elgart Orchestra, que fue recorriendo el parque de diversiones, salones de baile en el sur del área de Nueva Inglaterra. Ella la audición de Larry Elgart, que entonces le preguntó a venir a Nueva York con su banda. Los hermanos recientemente ha dividido la organización, Les teniendo en el territorio al oeste de Chicago, Larry para manejar todo este de Chicago. Larry Elgart sugirió que cambiar su nombre por el de Carol Sloane.

La "hoja de años" con la banda de Larry Elgart continuó hasta 1960, cuando la carretera se convirtió simplemente demasiado aburrido y demasiado difícil para ella. Después de dos años en el camino, ella sigue siendo desconocido, y no hubo canto compromisos que se tenía. Ella tuvo varios puestos de trabajo de secretaría reservado a través de agencias de Manhattan temp. Ella continuó su relación de trabajo con la antigua carretera director de la banda Elgart, que se ha convertido en un agente en la oficina del legendario Willard Alexander. Este hombre, Bob Bonis, Carol preparado para cantar en un festival de jazz en Pittsburgh en 1960, momento en el que se reunió Lambert, Hendricks y Ross.

Jon Hendricks Carol pidió si podía aprender de la LH & R libro con el fin de estar preparados para tomar Annie Ross lugar si cada vez que fue necesario. Carol de acuerdo a estudio del grupo exigente material, y continuó su secretaría conciertos. Luego, una noche a principios de 1961, cuando asistían a un rendimiento de LH & R en el Village Vanguard, Jon Carol pidió a cantar un par de canciones en su propio, después de que el legendario titular Máx Gordon le preguntó si le gustaría cantar en la club las siguientes de agosto como acto de apertura de Oscar Peterson. En sus propias palabras, "Yo stammered una aceptación, y caminó cinco pies fuera de la tierra en el camino a casa".

Otra medida fue auspicioso en silencio que se están realizando para la Carol en 1961, sin su conocimiento: Jon Hendricks hizo un argumento muy persuasivo a los productores que Carol deben incluirse en dicho año de Newport Jazz Festival como parte de las "nuevas estrellas" del programa. En la tarde de esa presentación, Carol tenía la utilización de la Ike Isaacs Trío que respaldó LH & R. El pianista, Gildo Mahones, no sabían el verso a la Rodgers y Hart canción "Little Girl Blue" tan alegremente Carol sugirió que se la cantan a capella, y lo hizo. La prensa de Nueva York por unanimidad, elogió la joven de talento, excepcional entonación y afinación, y también fue escuchado por un representante de Columbia Records. Su primer álbum, "Out of Blue" fue grabado unos pocos meses más tarde, con los arreglos por el legendario Bill Finegan, y cuenta con una orquesta de Clark Terry y Bob Brookmeyer entre los solistas.

En la década de 1960, Carol Sloane cantó en los principales clubes tales como Kelly en Chicago, donde abrió a la Jackie Mason y la asfixia Hermanos; hambre en el I, en San Francisco, donde abrió a Bill Cosby, Godfrey Cambridge y Richard Pryor; también abierto a la Phyllis Diller, Stiller y Meara y Jackie Vernon en el Blue Angel en Nueva York; se presenta regularmente en el Tonight Show con Johnny Carson y se convirtió en un miembro de la emisora de radio emitidos en Arthur Godfrey de la CBS programa semanal. Ella siguió para registrar y hacer club y concierto apariciones durante esta década hasta los Beatles y el rock 'n roll comenzó a consumir la cultura popular, obligando a algunos lugares de jazz al borde de la ruina. En 1969, Carol aceptó una oferta para cantar en un club en Raleigh, Carolina del Norte, que se encuentra la atmósfera en esa ciudad mucho menos agitado de Nueva York, con un público ansioso por escuchar y apoyar a los artistas de jazz. Ella se trasladó al sur a principios de 1970.

Carol trabajo tanto como un cantante, como secretaria judicial para los próximos años, con el tiempo de regresar a Nueva York para comenzar una turbulenta relación con un legendario pianista de jazz, Jimmy Rowles. Jimmy la reputación de un maestro como acompañante y solista fue sólido e indiscutible, pero su alcoholismo hizo su situación a menudo tormentosa. Lo hizo, sin embargo, tire de él mismo juntos el tiempo suficiente para jugar Ella Fitzgerald cuando Tommy Flanagan izquierda después de casi veinte años de acompañar a la gran cantante. Jimmy de la tenencia de la tierra era mucho más corto: sólo dos años en el exterior. A continuación, decidió regresar a Los Angeles, y lo hizo a finales de 1980. Carol también salió de Nueva York, esta vez de regresar a su querida Nueva Inglaterra.

Ella llegó a Boston en enero de 1981, aceptó un trabajo en un prestigioso bufete de abogados, con prontitud y tiraron la idea de una "ordinaria" la vida cuando un amigo le preguntó a regresar a Carolina del Norte para ayudar a él en su nuevo club cena recientemente abrió sus puertas en Chapel Hill. El lugar era hermoso, cómodo y verdaderamente un escenario perfecto para cualquier artista, y Carol reservado a sus amigos en el club: Shirley Horn, Joe Williams, George esquila, Marian McPartland, Anita O'Day, Jackie y Roy, y por supuesto, la gran Carmen McRae. Este club logró todos los últimos de dos años, un logro notable. Carol también organizó un programa de radio NPR en la filial en Chapel Hill. En 1984, mientras canta en un club de Boston, se reunió el hombre a quien finalmente se casan.

Su matrimonio con Buck Spurr tuvo lugar en noviembre de 1986, y Carol ha vivido en el área de Boston desde entonces. Ella grabó dos álbumes for Contemporary en 1988 y 1989 y, a continuación, firmado con Concord Jazz en 1991, la grabación solo seis álbumes y giras Japón muchas veces como parte de la Concord Fujitsu-Festival. Carol permaneció ocupado haciendo su debut con la Orquesta pop de Boston en el Symphony Hall, Boston, en 1998, luego con el pop de Nueva York Orquesta en 1999, y registró un álbum homenaje a Duke Ellington en la etiqueta DRG ese mismo año. En marzo de 2000, comenzó una segunda carrera en la radio, la sede de la Jazz Matinee, una de cuatro horas del programa de jazz, cinco días a la semana en WICN-FM, la filial de NPR en Worcester, Mass jazz Este show tuvo un año completo de tiempo para producir, hasta que, en la primavera de 2001, un pesado calendario de ejecución del hecho necesario para dejar a Carol WICN a reanudar las giras y también grabar un nuevo CD. En 2001, Carol firmó un contrato con la famosa HighNote Jazz etiqueta que haya expedido el primer cd titulado "Nunca se fue". Esto ha sido seguido por el de "Whisper dulce".

Carol de la última grabación, "Querido Duque", recientemente se publicó en abril de 2007, sobre la Arbors etiqueta. Con Brad Hatfield en el piano y Ken Peplowski en saxo tenor y clarinete, este CD contiene 15 canciones de Ellington, más material de Billy Strayhorn "Día Significado de los sueños".

La flor favorita de Carol es la rosa blanca. Fuente Web de Carol Sloane




In English
Carol Sloane was born to Claudia and Frank Morvan on March 5, 1937, in Providence, Rhode Island, the older of two daughters, but she never lived in that city. Instead, she spent her happy childhood in the small town of Smithfield, just a few short miles north of the city. Her parents worked steadily through the years of World War II in the textile mill near their home.

Carol was the lucky member of a large family of cousins, aunts and uncles who all possessed natural singing voices. Only one uncle ever received formal musical education, and he played the tenor sax. In 1951, her Uncle Joe arranged an audition for her with a society dance band led by Ed Drew, and she began singing the stock arrangements of popular hits of the day each Wednesday and Saturday night at Rhodes-on-the-Pawtuxet Ballroom, located in Cranston, Rhode Island.

In 1955, Carol married a Providence disc jockey named Charlie Jefferds, and almost immediately, the couple found themselves at Fort Carson, Colorado where Charlie endured the rigors of basic training followed by a one-year obligatory tour of duty in Germany. They returned to the US in January 1958, and were amicably divorced in that year.

Carol continued to sing in small bars and clubs until she met the road manager of the Les and Larry Elgart Orchestra, which was touring the amusement park ballrooms in the southern New England area. She auditioned for Larry Elgart, who then asked her to come to New York with his band. The brothers had recently split the organization, Les taking the territory west of Chicago, Larry to handle everything east of Chicago. Larry Elgart suggested she change her name to Carol Sloane.

The "road years" with the Larry Elgart band continued until 1960, when the road simply became too boring and too difficult for her. After two years on the road, she was still unknown, and there were no singing engagements to be had. She took various secretarial jobs booked through Manhattan temp agencies. She continued her working relationship with the former road manager of the Elgart band, who had become an agent in the office of the legendary Willard Alexander. This man, Bob Bonis, arranged for Carol to sing at a jazz festival in Pittsburgh in 1960, at which time she met Lambert, Hendricks and Ross.

Jon Hendricks asked Carol if she could learn the LH&R book in order to be prepared to take Annie Ross' place if that ever became necessary. Carol agreed to study the group's exacting material, and continued her secretarial gigs. Then, one night in early 1961, when attending a performance of LH&R at the Village Vanguard, Jon asked Carol to sing a couple of tunes on her own, after which the legendary proprietor Max Gordon asked her if she'd like to sing at the club the following August as opening act for Oscar Peterson. In her own words, "I stammered an acceptance, and walked five feet off the ground on the way home".

Another auspicious move was quietly being made for Carol in 1961, without her knowledge: Jon Hendricks made a very persuasive argument to the producers that Carol should be included in that year's Newport Jazz Festival as part of the "New Stars" program. On the afternoon of that presentation, Carol had the use of the Ike Isaacs Trio which backed LH&R. The pianist, Gildo Mahones, didn't know the verse to the Rodgers & Hart song "Little Girl Blue" so Carol blithely suggested she would sing it a cappella, and did so. The New York press unanimously praised the young woman's talent, exceptional intonation and pitch, and she was also heard by a representative of Columbia Records. Her first album,"Out of the Blue" was recorded a few short months later, with arrangements by the legendary Bill Finegan, and an orchestra boasting Clark Terry and Bob Brookmeyer among the soloists.

In the 1960's, Carol Sloane sang in major clubs such as Mr. Kelly's in Chicago where she opened for Jackie Mason and the Smothers Brothers; at the hungry I in San Francisco where she opened for Bill Cosby, Godfrey Cambridge and Richard Pryor; she also opened for Phyllis Diller, Stiller and Meara and Jackie Vernon at the Blue Angel in New York; she appeared regularly on the Tonight Show with Johnny Carson and became a regular member of the radio cast on Arthur Godfrey's CBS weekly program. She continued to record and make club and concert appearances during this decade until the Beatles and rock 'n roll began to consume the popular culture, forcing some jazz venues to the edge of ruin. In 1969, Carol accepted an offer to sing in a club in Raleigh, North Carolina, found the atmosphere in that city very much less hectic than New York, with an audience eager to hear and support jazz artists. She relocated to the south at the beginning of 1970.

Carol worked both as a singer and a legal secretary for the next several years, eventually returning to New York to begin a turbulent relationship with a legendary jazz pianist, Jimmy Rowles. Jimmy's reputation as a master accompanist and soloist was solid and undisputed, but his alcoholism made their situation often stormy. He did, however, pull himself together long enough to play for Ella Fitzgerald when Tommy Flanagan left after almost twenty years of accompanying the great singer. Jimmy's tenure was much shorter: only two years at the outside. He then decided to return to Los Angeles, and did so at the end of 1980. Carol also left New York, this time returning to her beloved New England.

She arrived in Boston in January, 1981, accepted a job in a prestigious law firm, and promptly threw away the idea of an "ordinary" life when a friend asked her to return to N.C. to help him in his new supper club recently opened in Chapel Hill. The venue was beautiful, comfortable and truly a perfect setting for any artist, and Carol booked her friends into the club: Shirley Horn, Joe Williams, George Shearing, Marian McPartland, Anita O'Day, Jackie & Roy, and of course, the great Carmen McRae. This club managed to last all of two years, a remarkable accomplishment. Carol also hosted a radio show at the NPR affiliate in Chapel Hill. In 1984, while singing in a Boston club, she met the man whom she would eventually marry.

Her marriage to Buck Spurr took place in November, 1986, and Carol has lived in the Boston area since that time. She recorded two albums for Contemporary in 1988 and 1989, then signed with Concord Jazz in 1991, recording six solo albums and touring Japan many times as part of the Concord-Fujitsu Festival. Carol stayed busy making her debut with the Boston Pops Orchestra at Symphony Hall, Boston in 1998, then with the New York Pops Orchestra in 1999, and recorded a tribute album to Duke Ellington on the DRG label that same year. In March 2000, she began a second career in radio, hosting The Jazz Matinee, a four-hour jazz program, five days a week on WICN-FM, the NPR affiliate in Worcester, Mass. This jazz show took a full year's time to produce, until, in the spring of 2001, a heavy performance schedule made it necessary for Carol to leave WICN to resume touring and also record a new CD. In 2001, Carol signed a contract with the famous HighNote Jazz label which issued the first cd titled "I Never Went Away". This has been followed by "Whisper Sweet".

Carol's latest recording, "Dearest Duke", is recently released in April of 2007 on the Arbors label. Featuring Brad Hatfield on piano and Ken Peplowski on tenor sax and clarinet, this cd contains 15 tunes of Ellington material plus Billy Strayhorn's "Day Dream".
Ms. Sloane's favorite flower is the white rose. Fuente web de Carol Sloane

Roberto Caló

Roberto Caló en 1938

CALÓ, Roberto. (Nombre de familia: Francisco Caló). Cantor. Director. Compositor.
Nació en abril de 1923. Hermano de Miguel, Salvador, Antonio, Armando y Juan Caló, se inició como "chansonnier" en la orquesta de este último, actuando luego como solista en las emisoras La Nación, Prieto y París. Integró posteriormente el conjunto de su hermano Miguel grabando para Odeón algunos tangos en 1939 como Nostalgias y Dulce amargura. A fines de la década del cuarenta constituyó su propia orquesta; desfilaron por ella, a través de quince años de actuación, ejecutantes tan destacados como Ernesto Franco, Julio Medovoy, Osvaldo Ta-rantino, Sebastián Luis Garreta, Leo Lípesker y los vocalistas Oscar Larroca, Jorge Maciel, Carlos Roldan, Roberto Rufino, Alberto Santillán, Héctor De Rosas y Enrique Campos. Grabó su primer disco en 1950 para el sello Orfeo con Selección de tangos de Aníbal Troilo (Y no puede ser, Total p'que sirvo, Medianoche, Barrio de tango, Tres y dos, María, Che bandoneón, Toda mi vida) arreglo instrumental de su entonces pianista Julio Medovoy, y El metejón, vocalizado por Larroca. Siempre sobre la base de arreglos de interés, aunque con cierta propensión a los tiempos de ejecución demasiado rápidos, registró luego para el mismo sello buenas versiones de La cachila, En fa menor, La catrera; y en Víctor, Sacale chispas. Se consagró más tarde a la actividad empresarial al frente de la confitería Patio de Tango, de la calle Corrientes. Compositor de los tangos Después que te perdí, Te vi llegar, No culpes al amor —cantables— y Colores, Flauteando, En fa menor —instrumentales. Fallecio el 26 de abril de 1985. Horacio Ferrer

Yehudi Menuhin

Menuhin en los 60'

Yehudi Menuhin

Yehudi Menuhin nació en Nueva York el 22 de abril de 1916, estudiando violín desde los cuatro años de edad con Sigmund Anker en San Francisco, su primer maestro; y debuta a los 7 años con la Sinfónica Española. Posteriormente amplió sus estudios con Louis Persinger, que a los 8 años lo hace debutar profesionalmente. Su presentación en Nueva York con 10 años fue un fulgurante éxito que le sirvió para debutar en Europa en 1927.

En el viejo continente se pone en manos de George Enescu, entonces descubrió que "interpretar equivalía a ser", como reflejaría más adelante en su diario. Paulatinamente iría desarrollando y madurando sus criterios y valores más característicos, entre los que destacarán la capacidad de trabajo, la autoexigencia, así como una concepción del arte estrechamente interrelacionado con la vida. "Recuerdo vivamente mi primera lección con Enescu. Mi madre me llevó a su casa y esperamos en el salón, al poco rato apareció el maestro con su violín y comenzó a tocar una Partita de Johann Sebastian Bach. Ahí verdaderamente comenzó mi amor por el instrumento".

En noviembre de ese mismo año presenta en Nueva York el Concierto para violín opus 61 de Beethoven bajo la batuta de Fritz Busch, convirtiéndose entonces en la portada de los principales diarios del pais. Rápidamente se organizaron giras de conciertos por Estados Unidos, Berlín (1928) y Londres (1929). Su primera grabación fonográfica data de esta época.

En los años 30, Menuhin estudia simultáneamente con Enescu, cuya influencia en la estética musical del muchacho fue definitiva, y con Adolf Busch. Su madurez es tal que cuando Fritz Kreisler renuncia a grabar el concierto para violín opus 61 de Elgar, del que era dedicatario, es Menuhin el elegido para realizar el registro fonográfico con el propio Elgar (75 años) a la batuta.

Su actividad en el bando aliado durante la Segunda Guerra Mundial le llevó a dar 500 conciertos en diversos destacamentos de las tropas. De esta época existe un film propagandístico en el que Menuhin interpreta el Vuelo del Moscardón y el Ave María de Schubert.

Menuhin asumió con gran valentía la defensa de Wilhelm Furtwangler cuando éste fue acusado de colaboración con el régimen nazi. El violinista no sólo publicó escritos al respecto, sino que en un acto extraordinariamente antipopular se convirtió en el primer judío en tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlín, con Furtwangler al frente, tras el episodio nazi.

Desde 1959 Menuhin se instaló en Londres, haciéndose cargo del Festival Bath (1958-68), el Festival Windsor (1969-1972) y el Gstaad Festival. En esta época se sitúa el comienzo de su interés por el vegetarianismo y la cultura india.

En 1962 funda cerca de Londres la escuela superior de música que lleva su nombre.

Durante los últimos años de su vida abandona el instrumento para dedicar casi todo su tiempo a la dirección orquestal.

Conocido también como humanista y filántropo, en 1960 recibió el Premio Nehru de la Paz y en 1992 fue embajador de buena voluntad de la Unesco.

Falleció en Berlín el 12 de Marzo de 1.999.

La carrera artística de Menuhin, desarrollada a lo largo de siete décadas, es una de las más espectaculares de nuestro tiempo. Como violinista, primero, y, luego, como director de orquesta, ha protagonizado las más importantes convocatorias de los principales escenarios internacionales, junto a los mejores solistas y formaciones orquestales.

Aliando la técnica irreprochable con una comprensión extraordinaria de la música, trabajó un repertorio muy amplio, de Bach, Ravel y Beethoven a la música de vanguardia, de la música barroca a las improvisaciones de jazz con Stéphane Grappelli. Le gustaba acompañar y dar a conocer todas las músicas.

Su fascinación por las distintas culturas lo llevará a tocar, tanto con Ravi Shankar, como con sus amigos cíngaros, cuya causa defenderá, destacando así que la búsqueda de la belleza y el compartirla con los demás son valores universales.

A lo largo de toda su vida, Yehudi Menuhin se preocupó por las grandes cuestiones de este siglo: tan sensible a la educación como a los derechos de las minorías, convirtió en una cuestión de honor el concretar siempre sus acciones. Nunca dejó de librar combates por la música, la paz y la convivencia entre los hombres; ante todo, fue un humanista comprometido con la defensa de los derechos humanos. A lo largo de su carrera de músico emprendió sin tregua la defensa de los más débiles, lo que le valió numerosas distinciones, entre las que cabe destacar la de "Lord", el Premio Mundial de la Paz en 1979, el Premio Nerhu de la Paz en 1960 y el Premio Príncipe de Asturias a la Concordia en 1997.

En 1945 intervino en el concierto de inauguración de la ONU y volvió a actuar en Alemania, preconizando la superación de las graves secuelas de la guerra. En numerosas manifestaciones públicas defendió la tolerancia y cooperación entre diferentes pueblos y culturas.

En 1992 promovió la constitución de la Fundación Yehudi Menuhin a la que asignó como cometidos prioritarios la integración social de niños desfavorecidos a través de actividades artísticas, la defensa de los derechos de las minorías culturales, el fomento de la tolerancia cultural y la creación de redes de cooperación internacional en los ámbitos de la educación y la cultura.

Era un hombre comprensivo, abierto a todo tipo de opiniones y creencias. Era "un hombre bueno" en el sentido machadiano. Era el ejemplo viviente de esa frase tan sencilla y tan genial de Sancho Panza: "Señora, donde hay música no puede haber cosa mala".

El año 97, al recibir el Premio Príncipe de Asturias, junto con Rostropovich, dijo en su discurso que quizás ellos eran los eslabones del hombre nuevo, el hombre que se debería dedicar con todas sus fuerzas a enseñar y propagar la música entre los niños, con la firme creencia de que así se mejoraría el mundo.

Todos los que amamos y vivimos la musica nunca podremos agradecer suficientemente, toda una vida de Menuhin, dedicada a los demás: como violinista, como director de orquesta, como profesor y como persona entregada y preocupada por la defensa de los derechos humanos y el apoyo a los más desfavorecidos. Fuente Fundacion Yehudi Menuhin España

Stéphane Grappelli

Stéphane Grappelli en los 60'

Stéphane Grappelli

Stéphane Grappelli (1908-1997) disfrutó de una larga, prolífica y distinguida carrera como el principal instrumentista de violín en el jazz. Su música y su swing se le recodará siempre unido a la génesis del jazz en Europa de la mano del extraordinario grupo creado en Paris por Django Reinhardt - el mejor guitarrista de jazz europeo- y denominado el "Hot Club Quintet de France". Sólo en la última parte del siglo XX, otro violinista, Jean Luc Ponty, perteneciente a otra generación de músicos diferentes, se le ha acercado como posible rival.

Grappelli, nació en Paris y fue en su juventud un músico autodidacta, si bien asistió al conservatorio de Paris desde 1924 hasta 1928. En 1927 se interesó por el jazz y comenzó a trabajar profesionalmente en cines y teatros aunque todavía, esas orquestas eran de baile como la estrafalaria "Gregor et ses Grégoriens". Antes de que terminase la década conoció a quien le iba a cambiar la vida musicalmente hablando, el guitarrista belga de raza gitana, Django Reinhardt. Empezaron coincidir en sesiones musicales de manera informal hasta convertirse en el embrión de un grupo que tocaría un jazz excitante y desenvuelto con una base rítmica aportada por las guitarras de Django y su hermano. El "Hot Club Quintet de France" nació oficialmente en 1934 y no tardó mucho tiempo en convertirse en un combo muy popular por toda Europa. Grappelli estuvo con Django cinco largos y fructíferos años, y abandonó el grupo en 1939 con la II Guerra Mundial apuntando en el horizonte.

Se trasladó a Londres donde actuó como solista en varios clubes y también colaboró con el pianista, George Shearing. Terminada la guerra regresó a Francia en 1946 y la muerte de Django un año antes, hizo que enfocara su carrera al margen del grupo creado por ambos. Por aquella época el papel del violín en el mundo del jazz era muy minoritario y Grappelli no obtuvo el reconocimiento y el favor del publico hasta muy entrada la década de los sesenta. En 1969 participó en el festival de jazz de Newport y se unió en 1972 al trío del guitarrista, Diz Dizley. Desde entonces y practicamente hasta su muerte, Stéphane Grappelli, grabó y viajó sin descanso por todo el mundo con diferentes tríos- su formato preferido- e incluso participó fuera del jazz con músicos adscritos a otras corrientes musicales como con el pianista, André Previn o el violinista de música clásica, Yehudi Menuhin. Fuente Apolybaco

Charlo

Charlo en 1924

Charlo con la Orquesta de Lucio Demare

Charlo, Corsini, Julio De Caro, Ernesto Famá y Francisco Lomuto

Charlo con Mercedes Simone, Gardel, Francisco Canaro y Osvaldo Fresedo, en 1933.

Charlo en mayo de 1936.

CHARLO. (Nombre de familia: Juan Carlos Pérez de la Riestra). Músico. Cantor. Pianista. Compositor. Autor. Dentro de la corriente de voces formadas en la escuela de Carlos Gardel y aparecida poco después del advenimiento artístico de éste, fue uno de los intérpretes que se expresó con mayor independencia de estilo. Barítono, con tendencia a tenor en sus comienzos —de buena tesitura siempre— su timbre, de perfecta adaptabilidad para el tango y una manera de frasear angulosa y propensa al virtuosismo vocal, caracterizaron su personalidad de intérprete, altamente representada en versiones como las que alcanzó en los tangos Olvido, Las cuarenta, Nostalgias, Y qué más, Ave de paso, Cobardía. Ejerció una vasta influencia artística en cantores que le sucedieron y que tomaron su estilo como punto de referencia, Armando Moreno y Alberto Marino, entre ellos. Su dúctil temperamento musical compartió en toda su trayectoria el canto con la ejecución de varios instrumentos—como guitarra, piano y acordeón —revelando en éstos su buen gusto para la armonización, reflejado siempre en la elección de sus acompañamientos, en particular los guitarrísticos, que renovó sensiblemente con la colaboración de Roberto Grela; luego de 1932. La más llamativa de sus facetas musicales ha sido, sin duda, la de compositor. Enraizado por la modalidad de su caudalosa inventiva melódica a los hombres de la tendencia que crearon y promovieron Delfino y Cobián, alternó en ella con Mora, Pichuco, Demare, Malerba, Laurenz, Rodio, en la proyección del refinado repertorio de cantables que perfiló de manera inconfundible a los tangos de la década del treinta. Composiciones suyas como Horizonte, Ave de paso, Tormento, Viejas alegrías y otras que dio a conocer luego, como Sin lágrimas, Fueye, La barranca, Rondando tu esquina, Zorro plateao, Tango en Colombia, están ya incorporadas a la mejor antología de obras de su género. Cultivó también con verdadero interés el tango para orquesta, con Don Alvaro, y especialmente con Diquero y Barbeta —que dedicó a Homero Manzi—.
Nació en La Pampa en la estancia El Avestruz, el 6 de junio de 1907. En la escuela rural de Puán, localidad próxima, recibió su instrucción primaria. En el Conservatorio de Santa Cecilia, del mismo pueblo, el maestro Alejandro Leone le impartió los primeros conocimientos musicales, cursando en La Plata los estudios secundarios. Mudó luego con su familia a Buenos Aires, residiendo en el barrio de Belgrano. En esa época abandonó las aulas llamado por cierta bohemia juvenil que lo empujó a su carrera de artista. Inició ésta en 1924, como cantor y como pianista en las transmisiones precursoras de Radio Cultura, y en discos Electra con Morochita y Ensueño azul, como placa inicial.
Su debut en público tuvo lugar al año siguiente en el Teatro de la Comedia, de la calle Carlos Pellegrini, durante la representación de los saínetes Pim pam pum Rataplán y Pinta Brava; para el segundo compuso su tango primero del mismo nombre, con letra de Mario Battistella. En 1925, grabó su primer disco para Victor: Costurerita y Pobre varón. Poco después, por intercesión de Mauricio Godard, director artístico de la casa Odeón, fue escuchado por Francisco Canaro, quien lo invitó para cantar los estribillos de las obras presentadas en los con-cursos organizados por Glucksmann; su disco de debut en Odeón: Ramona y Lindo tipo de varón (1928). Presentado como figura, cantó luego con Canaro en un festival realizado en el Teatro General Belgrano de la calle Cabildo. Colaboró también con la orquesta de Francisco Lomuto. En 1932 hizo su primera actuación en Montevideo, en el cine Cervantes; y, tres años más tarde, en Río de Janeiro, donde con un marco ambiental carioca, compuso sobre versos de Cadícamo, el tango Ave de paso. Durante la primera época del cine sonoro tuvo papeles en varias películas, entre ellas: Puerto Nuevo, en 1936, junto a Pepe Arias, Sofía Bozán y Alicia Vignoli dirigido por Amadori, y Carnaval de Antaño, de 1940, junto a Parravicini y a la Bozán, dirigido por Romero, además de Los Muchachos se Divierten y Los Troperos. En 1939 actuó acompañado por la orquesta Demare-Vardaro en LR3.
Realizó muchas y largas incursiones por el exterior, habiendo alcanzado junto a su entonces esposa, la actriz y cancionista Sabina Olmos, un señalado suceso en Portugal en 1959, con el espectáculo de su creación Estampas de Hispanoamérica, ofrecido en la televisión y en el Casino de Estoril, en el Gran Hotel Embajador y en la boite Bico Dourado, de Lisboa. Residió largo tiempo en España, donde participó en películas de cine, ciclos radiales y televisivos y temporadas teatrales en Madrid y otras ciudades peninsulares. Actuó en Colombia y en Venezuela; regresó más tarde a Buenos Aires, en la cual, durante las sucesivas instancias de su labor, le acompañaron conjuntos orquestales dirigidos y arreglados por Héctor Stamponi o Roberto Pansera. En 1968 hizo un ciclo por LR5, relatando la historia de sus obras. A más de los tangos ya mencionados, compuso estos otros: Sin ella, Dios te salve, Linda pinta de varón, No me olvides, Sin cariño, Tango de la ausencia, El bailarín de tangos, el vals Tu pálida voz y la milonga Oro y Plata. Fue presidente de la Unión Argentina de Variedades. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados