sábado, 7 de febrero de 2009

Rocio Jurado

Rocio Jurado
Rocio Jurado

Rocio JuradoRocio Jurado

Rocio JuradoRocio Jurado


María del Rocío Trinidad Mohedano, conocida artísticamente como Rocío Jurado (Chipiona, Cádiz, 18 de septiembre de 1946 - La Moraleja, Alcobendas (Madrid), 1 de junio de 2006) fue una cantante y actriz española. Se especializó en géneros musicales genuinamente españoles (copla, flamenco) así como en la balada romántica, faceta con la que alcanzó relevancia internacional. En sus últimos años experimentó con ritmos hispanos y gospel.
Nació en el número 11 de la calle Calvo Sotelo de Chipiona, en el seno de una familia humilde. Su padre, Fernando Mohedano, era zapatero y cantaor de flamenco en sus ratos libres; su madre, Rosario Jurado, era ama de casa y cantante aficionada de la música española. En su hogar aprendió a amar la música; su primera presentación en público la hizo a los ocho años, en una obra en su Colegio de La Divina Pastora. También aprendió a trabajar duro desde muy niña. Cantaba misas, participaba en festivales de su colegio y también, a los quince años, cuando falleció su padre, tuvo que echar una mano a la precaria economía familiar. Trabajó de zapatera, recolectora de frutas y aún tenía tiempo para presentarse a los concursos de Radio Sevilla.

A Rocío le llegaron a llamar «La niña de los premios», ya que ganaba todos los premios de las emisoras de radio en los cuales participaba. Como en 1958, su primer premio en Radio Sevilla, en el Teatro Álvarez Quintero, y que consistió en 200 pesetas, una botella de gaseosa y un par de medias, como ella misma confesó a una revista del corazón.

De la mano de su madre, viajó a Madrid, sin haber cumplido la mayoría de edad, donde una vieja amiga del pueblo la presentó a La Niña de los Peines y al maestro Manolo Caracol. Sin embargo, su imparable carrera artística no empezó hasta su primer encuentro con la «cantaora» Pastora Imperio.

Pastora Imperio inmediatamente contrató a Rocío para el tablao que regentaba, El Duende, uno de los primeros de la época de los tablaos. Siendo una menor, tenía que vestir ropa que la hiciera aparentar más edad para no llamar la atención de las autoridades. Su compañera, la cantaora y bailaora malagueña Cañeta de Málaga, que también había llegado a Madrid aún siendo joven a buscar fortuna con su arte y fue contratada en El Duende, recuerda en una entrevista como la joven Rocío cantó «sus alegrías, sus tientos y sus cosas de la Piquer».

Rocío siempre había dicho que nació en 1944 ya que cuando llegó a Madrid para cantar en 1960 era menor de edad. Hasta los 16 años no podía cantar en los tablaos, por este motivo es que falsificó su fecha de nacimiento.

Profesionalmente, Rocío Jurado despuntó con un repertorio mayormente de copla, género que empezaba a perder vigencia y que ella revitalizó con actuaciones enérgicas, tanto en voz como en presencia escénica. Se ha repetido varias veces una anécdota con Concha Piquer, cuando Rocío, aún jovencita, se osó a interpretar ante ella uno de sus viejos éxitos; la Piquer la recibió con frialdad, acaso al ver peligrar su liderazgo.

Popular ya en los años 60 y primeros 70, en parte por algunas apariciones como actriz en televisión y cine, Rocío dio el salto a la categoría de estrella internacional al inclinarse a un repertorio melódico, de balada romántica, con instrumentaciones orquestales y una imagen personal (maquillaje, peluquería y vestuario) al gusto anglosajón. Rocío alternó la bata de cola con suntuosos vestidos de noche, a veces muy comentados por su exuberancia. De los años 70-80 son sus éxitos Como una ola, Señora, Como yo te amo, Muera el amor...muchos de ellos debidos a Manuel Alejandro. La verdadera celebridad de Rocío radica en esta faceta, más que en la folclórica.

La declaración flamenca más contundente de Rocío Jurado llegaría años después cuando ya era una destacada intérprete de la copla y de baladas. En 1982 aplicó sus extraordinarias dotes al cante flamenco en un doble LP con la colaboración de dos máximas figuras de dicho género: el guitarrista Manolo Sanlúcar y el cantaor Juan Peña "Lebrijano". Titulado "Ven & Sígueme", descubrió que la famosa cantante también se movía con soltura por los caminos de lo jondo. A pesar de un decir lírico ya perfectamente desarrollado, la polifacética artista demuestra sus conocimientos y su compás en una serie de cantes rigurosamente tradicionales e interpretados con gran cariño.

El cineasta Carlos Saura tomó nota y se sirvió de la voz de Rocío en dos largometrajes: "El Amor Brujo" con Cristina Hoyos en 1986 y "Sevillanas" en 1992 donde interpreta junto a figuras tan relevantes del mundillo flamenco como Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Tomatito, Lola Flores, Manuela Carrasco o Matilde Coral entre muchos otros.

En la edición de 1998 del Festival de Jerez dedicado al baile flamenco, el Teatro Villamarta tuvo que colgar el cartel de "entradas agotadas" para la gala de Rocío semanas antes que para cualquier otro espectáculo. Un homenaje unipersonal a la cantante llegó con la adaptación por bulerías de Fernanda de Utrera de "Se Nos Rompió El Amor", canción de Manuel Alejandro popularizada por Rocío.

Su voz fue reconocida a nivel internacional. Prueba de ello es el premio como la Mejor Voz Femenina del Siglo XX, que le fue concedido en el año 2000 en la ciudad de Nueva York. Además, llegó a cantar en la Casa Blanca para el -por entonces- Presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan.

El cáncer que la atenazó en sus últimos años la obligó a retirarse de los escenarios; con todo, a finales de 2005 grabó un programa especial para TVE, donde sacó fuerzas para asombrar al público con un completo recital interpretativo, de voz y de expresividad. Dicho espectáculo incluyó actuaciones a dúo con múltiples estrellas de la música hispana, desde Paulina Rubio, Chayanne y Mónica Naranjo, hasta Raphael. Meses después se publicó un álbum que recogía dicho espectáculo, Rocío...siempre, que alcanzó notables ventas.

Rocío fue la primera en sustituir el típico traje de volantes y lunares de las tonadilleras por elegantes trajes de noche y una apariencia internacional, pero nunca olvidó sus orígenes, y el 21 de mayo de 1976, cuando se casó con el boxeador Pedro Carrasco en el Santuario de la Virgen de Regla, vistió bata de cola, peineta y volantes.

La pareja sólo tuvo una hija, Rocío Carrasco Mohedano. En privado, alguna vez reconoció que no dispuso del tiempo suficiente para dedicarse a ejercer de madre; sus largas giras por América le mantenían más tiempo del que hubiera deseado alejada de su hija. Tras su divorcio en julio de 1989, y después de obtener la nulidad matrimonial, Rocío Jurado se casó con el torero José Ortega Cano el 17 de febrero de 1995 en la finca de su propiedad «La Yerbabuena», ante más de 1600 invitados. La ceremonia fue retransmitida en directo (y diferido) por todas las cadenas de televisión. A finales de 1999, la pareja adoptó dos niños colombianos, José Fernando y Gloria Camila.

En agosto de 2004 fue sometida a una complicada operación en el Hospital Montepríncipe de Madrid[1] , y más tarde, el 17 de septiembre de 2004 anunciaría que padecía cáncer de páncreas[2] en una rueda de prensa.

En junio de 2005, el XIV Festival de la Yerbabuena de Las Cabezas de San Juan (Sevilla) fue dedicado a ella. Con su amigo de toda la vida, Juan Peña "El Lebrijano" a su lado, Rocío Jurado aceptó emocionada el galardón que brindó a su padre y a todos los aficionados.

Tras más de un año de inactividad profesional, Rocío reapareció en el especial de TVE Rocío...siempre, con un inesperado alarde que demostró su estado de forma. El espectáculo, grabado en dos sesiones, incluía una parte de cante folclórico y otra con sus famosas baladas y demás éxitos melódicos. Algunos temas los cantó a dúo con lo más granado de la música hispana: Raphael, Mónica Naranjo, Paulina Rubio, David Bisbal, Chayanne

En enero de 2006, Rocío Jurado ingresó en el Hospital MD Anderson, en Houston (Texas), para someterse a una revisión y a una pequeña cirugía. Una reacción alérgica a uno de los medicamentos que le suministraron, le hizo ingresar en la Unidad de Cuidados Intensivos en un par de ocasiones, retrasando su regreso a España hasta finales de marzo de 2006[3] . El mismo día del regreso de Rocío Jurado a España, el Gobierno le concede la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo lo cual se le notifica inmediatamente pisa tierra.
El 1 de junio de 2006 Dª Rocío Mohedano Jurado fallecía a las cinco y cuarto de la madrugada en su casa de La Moraleja en Madrid , a los 59 años de edad, así lo informaba a las puertas de la residencia de Rocío a las 6 de la mañana su hermano y manager de toda una vida, Amador Mohedano Jurado. El cuerpo fue trasladado al Centro Cultural de la Villa en la Plaza de Colón de Madrid, donde se instaló una capilla ardiente para su velatorio público. Finalmente su cuerpo fue trasladado a Chipiona donde más de 20.000 personas fueron llegando durante toda la madrugada del 2 de junio para darle el último adiós. Allí sus restos descansan en paz en el cementerio de San José.

El alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón, ha prometido poner el nombre de la cantante a una calle de la capital española y, el alcalde de su tierra natal, Chipiona, ha construido un mausoleo en su honor, en el cementerio municipal.

En el mundo del flamenco siempre ha habido personajes célebres ligados a Rocío: Curro Romero, Antonio Muñoz Cariñanos, la Duquesa de Alba, Rafael Alberti, Antonio Burgos, Jesús Quintero, Rafael de Paula, además de otros vinculados con la música como Camarón de la Isla, Raphael, Alejandro Sanz, Mónica Naranjo, María Jiménez, María del Monte, Juanita Reina o Isabel Pantoja.Fuente Wikipedia

viernes, 6 de febrero de 2009

Rodolfo Lesica

Rodolfo LesicaRodolfo Lesica


LESICA, Rodolfo. (Nombre de familia: Rodolfo Osear Aiello). Cantor. Nació en Buenos
Aires, barrio del Parque Chacabuco el 12 de noviembre de 1928. Se inició como vo-
calista en 1944, integró la orquesta de su padre Carmelo Aiello con el nombre artístico de Rodolfo Alberti y en 1950 alcanzó su espaldarazo en la recién constituida agrupación de Héctor Várela. Grabó con la misma para el sello Pampa, formando sucesivasparejas vocales con Armando Laborde, Argentino Ledesma y Raúl Lavié. Con éste se independizó en 1958 continuando luego su
carrera como vocalista de Joaquín Do Reyes y en carácter de solista, acompañado por
Alberto Nery o compartiendo el cartel con el bandoneonista y arreglador Jorge Caldara.
Ha grabado además para los sellos Odeón y Music-Hall. Desde 1969 integra el elenco
vocal del programa Grandes Valores del Tango, que emite Canal 9.
Fallecio el 19 de julio de 1984. 

Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

jueves, 5 de febrero de 2009

Eydie Gorme

Eydie Gorme con Los PanchosEydie Gorme con Los Panchos

Eydie Gorme y Steve LawrenceEydie Gorme y Steve Lawrence

Eydie Gormé, registrada con el nombre Edith Gormezano al nacer el 16 de agosto de 1931 en Nueva York, Estados Unidos, es una cantante a la que se le reconoce, junto con su esposo Steve Lawrence, su contribución a mantener vivo y vigente el repertorio clásico de música pop tradicional. Al día de hoy continúa dando presentaciones y giras artísticas con su esposo.

A lo largo de su extensa trayectoria ha recibido numerosos premios y distinciones, incluidos el premio Grammy y un premio Emmy.

La mezcla que hizo la pareja de baladas y breezy swing se ha combinado con la continuidad de su matrimonio y su buen humor, lo que los ha convertido en iconos norteamericanos--- aunque ninguno de los dos haya colocado un disco simple juntos o separado en el ranking de los American Top 40 desde 1963.

Los padres de Gormé eran inmigrantes de origen sefardita-español, siendo ella la menor de tres hermanos. Puesto que el español era la lengua de la familia, ella creció conociendo y hablando fluidamente este idioma.

Se graduó en la escuela secundaria William Howard Taft High School en 1946 (la misma escuela en la que estudiaba por esos años Stanley Kubrick). Posteriormente trabajó para las Naciones Unidas en Nueva York como traductora, aprovechando su dominio del español.

A la edad de tres se inició en la radio, cantando en un programa de niños. En la escuela secundaria William Howard Taft en el Bronx, Gormé era "la más bonita, animadora" de los musicales de la escuela, y cantaba. Al salir de la escuela, trabajó como intérprete de español con la Theatrical Supply Export Company, antes de decidir concentrarse en una carrera de canto, con Greengrass como su agente artístico.

Su primera grabación fue en 1950 con la Orquesta de Tommy Tucker y Don Brown, y una segunda grabación incluia a Dick Noel. MGM produjo estas dos grabaciones en discos de vinilo de 78 rpm.

Primeras grabaciones:

A: Powder And Paint Lanzamiento original: únicamente en vinilo de 78 rpm, MGM 10758

A: Cherry Stones Lanzamiento original: únicamente en vinilo de 78 rpm, MGM 10767

Años de las grandes bandas:

Ella también trabajó como cantante a pedido. Trabajó en las grandes bandas de Glenn Miller y el cantor Tex Beneke. En 1951 Eydie realizó varias grabaciones de audiciones radiofónicas que se lanzaron como discos larga duración de vinilo y, recientemente, como CD. En 1952 Eydie Gormé comenzó a grabar como solista, y sus primeras grabaciones las distribuyó el sello Coral.

Tuvo su primera gran oportunidad y conoció a su compañero de toda la vida cuando ella y al cantante Steve Lawrence los llamaron para el The Tonight Show original, que era conducido por Steve Allen. Andy Williams era también cantante de The Tonight Show en esa época.

Eyde y Steve Lawrence se casaron en Las Vegas el 29 de diciembre, de 1957. Tuvieron dos hijos, uno de los cuales falleció. Alcanzaron fama por sus famosos diálogos y muletillas en el escenario, en las que bromeaban y se burlaban de la vida de casados.

En 1995 Gormé y Lawrence fueron distinguidos por la contribución que durante su vida hicieron a la música por el Songwriters Hall of Fame.

Gormé tuvo éxito en varios simples como solista, siendo el más destacado "Blame it on the Bossa Nova" en 1963, que la condujo a ubicarse en el ranking de los mejores 40.

Ganó un Grammy Award como Mejor voz femenina en 1967, por su versión de "If He Walked Into My Life", del musical Mame. Gormé ha aparecido en numerosos programas de televisión a lo largo de su carrera, incluidos The Carol Burnett Show y The Nanny.

Ella y Lawrence participaron en Broadway en el exitoso musical Golden Rainbow, cuya gestación esta descrita en detalle en el libro de William Goldman The Season.

Gormé también alcanzó mucho éxito en el mercado de la música latina con una serie de álbumes con canciones en español. Uno de estos álbumes: Eydie Gorme canta en español, con el trío Los Panchos, fue de los que mejor se vendieron. El segundo álbum se llamó Cuatro vidas. El último álbum con Los Panchos es una colección de canciones navideñas titulado Blanca Navidad.

En dúo con su esposo, su show se llamaba "Steve and Eydie". En 1960, Steve and Eydie ganó un premio Grammy por "Mejor performance de un grupo vocal", por su canción "We Got Us". Una de sus mejores canciones como dúo fue la canción israelí "Hallelujah," ganadora del concurso Festival de la Canción de Eurovisión en 1979. La habían grabado bajo el pseudónimo de Parker y Penny.

Desde la década de 1970, la pareja centró su trabajo casi exclusivamente en el repertorio de música pop estadounidense, grabando varios álbumes con temas de compositores norteamericanos. Con el arribo del siglo XXI, la infatigable pareja anunció sus planes de reanudar sus giras, lanzando la denominada "One More For The Road" en el 2002.
En el 2006 Gormé se inició como blogger, subiendo mensajes ocasionales a la página de su sitio en Internet.Fuente Wikipedia

Trio Los Panchos

Los Panchos(Enrique Cáceres, Chucho Navarro, Alfredo Gil)Trio Los Panchos(Enrique Cáceres, Chucho Navarro, Alfredo Gil) formacion que grabo el LP con Eydie Gorme


Trío Los Panchos surge en Nueva York en Junio de 1944. Nace como parte del fenómeno de la emigración e integración Latina en un medio que le resultaba extraño y hostil. Alfredo Gil y Chucho Navarro se encuentra conHernando Aviles en Nueva York y deciden formar un trío de voces y guitarras.

La historia de cómo nace el Trío Los Panchos Se las relato de la misma forma y manera que la recibí del dilecto Juan Reséndiz Picasso — compueblano de Alfredo Gil.

"Mas o menos por junio de 1944 Se deshizo el conjunto de Felipe Gil, quedando al garete Alfredo Gil y Chucho Navarro, ninguno de los cuales era primera voz. por lo que al faltar esa primera voz de hecho los dos restantes quedaban al desamparo artístico."

"Fue una noche de ese mismo mes, a unos cuántos días de salir Felipe Gil, que fui a una fiesta que ofrecían unos amigos puertorriqueños, entre los cuales estaban Machito y su Conjunto. Bobby Capo, Servando Díaz y su Trío. Mirta Silva. entre otros que recuerdo, no sé si para festejar la boda de los mejicanos Eva Garza con Felipe Gil, o por cualquier otro motivo, porque a los artistas latinoamericanos. jamás les faltaron rnoviles para festejar. También asistieron a la fiesta Alfredo Gil y Chucho Navarro. Por sorpresa de la vida otro de los invitados, desconocido hasta entonces por Alfredo Gil y Chucho Navarro, era Hernando Avilés. Para esa fecha Hernando cantaba como solista con orquestas latinas, entre estas, la de Juanito Zanabria y la del maestro Bobby Quinton. Siendo la fiesta de tono bohemia grande, todos los presentes participaban conforme a sus talentos y posibilidades. Hernando Aviles canto "Sin Bandera”. de don Pedro Flores. Al escucharlo Alfredo Gil y Chucho Navarro al instante comprendieron que no tenían que buscar mas la primera voz que necesitaban para formar su Trío. Con un breve y ligero ensayo esa misma noche, cantaron juntos por primera vez. Surgió entonces el Trío, aunque aun sin seleccionar el nombre que pasearían por los mejores escenarios latinos."

Hernando Avilés, en un programa que le dedicaran en el desaparecido "Show Goya”, hace muchos años, ofreció otra versión de la formación del Trío Los Panchos.

Según Hernando, allá para mayo de 1944 el había llegado de un viaje que como solista había hecho a Nueva Orleans. Conoció a Alfredo Gil y Chucho Navarro en los estudios de la "Columbia Broadcasting System”, donde se presentaba El Charro Gil y sus Caporales, que recién habían llegado de una gira. Venían disgustados y ocurrió la separación del grupo. Alfredo y Chucho le encontraron mientras caminaban por la Calle 51 y Séptima Avenida y le invitaron a formar un trío juntos. Comenzaron a ensayar y así surgió el Trío Los Panchos.

Existe otra versión en cuanto a la formación del grupo que gira igualmente en torno al Charro Gil y sus Caporales.

Dice esta otra fuente "La agrupación Los Panchos surgió al panorama artístico en el I 944, cuando el requintista mejicano Alfredo el ‘Guero’ Gil y su compatriota José de Jesús 'Chucho’ Navarro {segunda voz) viajaran a Nueva York en busca de una primera voz para formar su trío. Ambos provenían del grupo Los Caporales, dirigido por Simón (otros le llamaban Felipe), 'el Charro Gil’ (hermano del Guero), quien acababa de perecer trágicamente v. tras su muerte. el conjunto se disolvió."

Según algunos conocedores de esa época. Simón se quedo dormido mientras fumaba, cogiendo fuego el mosquitero y luego la habitación, rnuriendo él quernado.

Al comenzar la búsqueda de una primera voz para integrar el grupo de Alfredo Gil y Chucho Navarro. la primera persona en quien pensaron fue en una dama a quien conocían por ser la esposa del conocido compositor Chucho Monge. Poseía una bonita voz y un estilo que parecía ser el complemento de Chucho y Alfredo. Esta primera idea no progreso y es entonces cuando aparece Hemando Avilès. Se integran y forman el Trío que adoptaría el nombre de Los Panchos’.

1944-1951
El Trío Los Panchos, formados por Alfredo Gil, Chucho Navarro y Hernando Aviles emprenden una larga y exitosa gira por Latinoamérica dándose a conocer como "la trilogía mas perfecta de América".Fuente web de fans de Los Panchos

miércoles, 4 de febrero de 2009

Argentino Galvan

Argentino Galvan con los Astros del TangoLos Astros del Tango(De izquierda a derecha) Rafael del Bagno, Mario Lalli, Enrique Francini, Julio Ahumada, Jaime Gosis,Elvino Vardaro, Galván y José Luis Bragato.

Argentino Galvan en 1955Argentino Galvan en 1955

Argentino Galvan en 1951Argentino Galvan en 1951

Argentino Galvan con los Cantores Hector Vargas y Carlos Vidal en 1949Argentino Galvan con los Cantores Hector Vargas y Carlos Vidal en 1949


GALVAN, Argentino Liborio. Músico. Violinista. Director, Compositor. Arreglador.
1.Personalidad. Recogiendo los lineamientos precursores trazados por Julio y Francisco De Caro, Alejandro Gutiérrez del Barrio, Julio Perceval, Sebastián Lombardo, Julio Rosemberg y otros desde comienzos de la década del treinta, compartió a la par de Héctor Artola y de Mario Maurano, la primera hornada de arregladores que concedió nuevas dimensiones a los estilos clásicos y a los renovadores, sobre la base de una escritura orquestal que fue su profesión en la música y su pasión en la vida. Desde sus trabajos iniciales en dicha especialidad —de la que fue, en suma, auténtico pionero—, para las orquestas de Miguel Caló, Juan Canaro y Florindo Sassone, en torno de 1935, evidenció un agudo instinto para la concepción instrumental. Extremadamente sobrio en la estructuración de sus trabajos, fue por el contrario, de un preciosismo extremo en el desarrollo de los mismos. Cultivó, por temperamento, una modalidad "cuerdista", de solos breves y variados, generosamente dibujados y con abundante intercalación de pequeños adornos en el acompañamiento o en el claro de la melodía. Mu-chos de los arreglos que él concibió y escribió han perdurado como modelos en su siempre equilibrada amalgama de contenido emotivo, buen gusto artístico, sabor de tango y corrección musical. Son ejemplos, entre sus creaciones, la tarea de escritura que hizo para Troilo con los tangos De todo te olvidas, Buen amigo, Recuerdos de bohemia —ésta sobre la base de un preludio introductivo y un desarrollo de cinco minutos de duración en forma de fantasía—; y especialmente, su serie de cinco selecciones, a manera de "petit-suites", ligando —respectivamente—, mediante introducciones, puentes, transiciones y codas en cada una, tangos de Arolas, de Bardi, de Julio De Caro, de Canaro y de Cobián; para Osvaldo Pugliese: Adiós Bardi y El día de tu ausencia; para el septimino Los Astros del Tango: Mala junta, Flores negras, Nieblas del Riachuelo, Santa milonguita, El buey solo, etc. En distintas ocasiones presentó sus propias orquestas a las que sirvió con su talento de arreglador, motrándose, en cambio, menos feliz como director dentro de una modalidad interpretativa con cierta tendencia a la pesadez de expresión. Aun así, revistieron verdadero interés realizaciones suyas como La Beba, Tango del ángel y Nunca tuvo novio (grabados en disco T.K. estos dos); Ele-gante papirusa (grabado en disco Music-Hall). Intercaló muchas veces en sus agrupaciones timbres de escaso empleo en la instrumentación orquestal del tango; especialmente instrumentinos, guitarra española, y elementos de percusión. Fue compositor de pequeño repertorio, volcado, invariablemente al melodismo en tangos cantables como Cafetín, Por la cuesta arriba, El día de tu ausencia y Esta noche estoy de tangos, y en instrumentales como Para baile solamente y Tango en do.
2. Vida. Nació en Chivilcoy, provincia de Buenos Aires, el 13 de julio de 1913. Fue descubierto por Gobbi en 1931, durante una actuación de éste en ese pueblo. Convencido Gobbi de sus grandes aptitudes, lo persuadió a que se radicara en Buenos Aires. Siguió él ese consejo, comenzando, una vez instalado en la capital, su carrera como violinista, luego como arreglador también, de la orquesta de Florindo Sassone, en 1935, y por Radio Belgrano. Pasó luego al conjunto que Enrique Delfino conducía por Radio Splendid, continuando como director acom-pañante de Roberto Maida, en el dancing Ocean. A partir de 1937 se erigió en figura independiente —simultáneamente con sus trabajos para Miguel Caló, Juan Canaro y otros conjuntos— presentándose en Mar del Plata primero, luego en Buenos Aires en los cafés Nacional, Ebro y Tango Bar, en las salas de Palermo Palace y Palacio del Baile y, sucesivamente, en las emisoras Stentor, Belgrano, Splendid y El Mundo. Alternaron en esas formaciones suyas, los pianistas Héctor Stamponi, Jaime Gosis y Carlos Parodi; los violinistas Núñez, Francini, Bes- probán y Nieso, los bandoneonistas Ahumada y Ríos; el flautista Rulio, el oboísta Storani, el guitarrista Máximo Barbieri y los vocalistas Carlos Vidal, Alberto Aguirre, Héctor Vargas y la cancionista Giselle Morán, grabando sus versiones para las casas Music-Hall y T.K. Ésta ofreció, luego de su desaparición, un disco de larga duración titulado Pentagrama Sudamericano, sobre la base de un eclético repertorio de especies populares grabado por su orquesta. A lo largo de su carrera condujo el marco orquestal de numerosos intérpretes vocales, con muchos de los cuales llegó también al disco, como Oscar Alonso, Horacio Deval, Jorge Casal, Virginia Luque, Agustín Irusta, Eduardo Adrián, Raúl Berón, Roberto Quiroga y otros. Y en 1940 compartió la dirección con Elvino Vardaro —y arregló— la Brighton Jazz. Lo capital de su consagración profesional estuvo destinado a la colaboración con los directores más prestigiosos: Aníbal Troilo, José Basso, Osvaldo Pugliese, Francini-Pontier. Escribió también para la editorial Korn y para los conjuntos de música internacional de Eugenio Nóbile y de Efraín Orozco. Le correspondió realizar en 1954 el guión musical para el disco Columbia (dos fases de 78 r.p.m.), denominado Historiando, en el que reprodujo con llamativa ductilidad al-gunas modalidades interpretativas de trascendente ubicación en el proceso creador del tango a través de cincuenta años. Posteriormente, sobre la base de un impecable trabajo de selección musicológica realizado por Luis Adolfo Sierra, arregló las treinta y cuatro ilustraciones sonoras que se insertaron en Historia de la Orquesta Típica (folleto y disco de larga duración presentados por la casa Music-Hall en 1960). Participó también como director y como arreglador en diversos ciclos de música argentina difundidos por Radio del Estado o instrumentando y poniendo música original para la banda de sonido de varias películas argen-tinas, entre ellas: Tres Anclados en París, La Vuelta de Rocha, Los Pérez García, Captura Recomendada. En 1959, le fue confiada la responsabilidad de escribir para un pequeño grupo de cámara sobre la base de distinguidos solistas a fin de abordar un repertorio orgánico de clásicos compositores de tango. De esa labor surgió el septimino (a veces octeto) Los Astros del Tango. Fue, además, un activo propulsor gremial. Contribuyó decisivamente a la gestación y a la fundación de la Sociedad Argentina de Arregladores y de Orquestadores (SADOA), en 1953, entidad de la cual fue primer presidente. Además de las obras ya mencionadas, compuso los tangos orquestales Don Perico y Fierro a fondo, el cantable Me están sobrando las penas, las milongas Milonga con Traje Nuevo y Pa'que Trabaje el Grandote (ésta con especial lucimiento del contrabajo). Falleció en Buenos Aires el 8 de noviembre de 1960. Fuente Horacio Ferrer

martes, 3 de febrero de 2009

Abbe Lane

Abbe Lane Abbe Lane

Abbe Lane Abbe Lane


Abbe Lane (nacio el 14 de diciembre de 1932) es cantante y actriz.

Abigail nació Francine Lassman de una familia judía en Brooklyn, Nueva York, Lane comenzó su carrera como actriz infantil en la radio, desde donde avanzó a cantar y bailar en Broadway.

Casada con Xavier Cugat desde 1952 hasta su divorcio en 1964, Lane alcanzado su mayor éxito como cantante de club nocturno, y fue que fue descripto en 1963 en un artículo en la revista "el swingingest sexpot en el mundo del espectáculo". La influencia de Cugat fue visto en su avance que favorece la música latina y los estilos de rumba. En 1958 ella protagonizó junto a Tony Randall en el musical de Broadway Oh, Capitán! pero su contrato de grabación que le impidió que figurase en el álbum del elenco original del show. En la grabación, sus canciones fueron realizadas por Eileen Rodgers. Carril más tarde grabó su canciones en un álbum como solista. El mayor éxito de sus registros de 1958 fue un álbum colaboración con Tito Puente titulado Be Mine esta noche.

Además de trabajar como, con frecuencia Lane apareció en el talk show con Cugat.

Ella atrajo la atención por sus sugerentes comentarios tales como "Jayne Mansfield niños puede convertirse en hombres, pero desde allí tomar", y también comentó que ella fue considerada "demasiado sexy en Italia". Su vestimenta para una aparición en el Jackie Gleason Mostrar era demasiado revelador y ella se encargó de llevar algo más, pero ella apareció en la muestra de la Red Skelton, Dean Martin y Jack Benny sin llamar la controversia.

Además de sus películas italianas, Lane es un artista intérprete o ejecutante sobre la frecuencia de televisión pan tostado de la ciudad durante la década de 1950. También desempeñó funciones en guest serie tales como The Flying Nun, The Brady Bunch, Hart y Hart a Vega $. Ella apareció en Twilight Zone: The Movie (1983) en el papel de una azafata de una línea aérea.

Ella tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución a la televisión, en 6381 Hollywood Boulevard. Fuente wikipedia en ingles

lunes, 2 de febrero de 2009

Lorenzo Barbero

Lorenzo BarberoLorenzo Barbero
Orquesta Lorenzo Barbero Orquesta Lorenzo Barbero

BARBERO, Lorenzo. Músico. Violinista. Director. Compositor. Nació en la localidad de James Craig —provincia de Córdoba—, el 6 de setiembre de 1918. Hijo y nieto de músicos, su padre Francisco Lorenzo Barbero fue violinista y director de orquesta típica. Comenzó como director en 1942, con una numerosa agrupación destinada al Teatro Capítol de la capital cordobesa y como conductor en 1947 de la orquesta Copacabana. Posteriormente actuó en Buenos Aires, incluyendo en su conjunto algunos instrumentos regionales para la interpretación de un vasto e inquieto repertorio de danzas y de canciones argentinas. Colaboraron, en distintas instancias en su conjunto, el arreglador Pascual Mamonne y los vocalistas Pablo Moreno, Roberto Florio, Danielito Ray y Jorge Sobral, grabando sus versiones para los sellos Pampa y Odeón.Luego de 1970, produjo programas de TV por Canal 13.
Por Horacio Ferrer .
El tango y sus invitados

BiografiaIILorenzo Barbero
Violinista, director y compositor(6 de septiembre de 1918)
Nombre completo: Isidro Lorenzo Barbero
Su orquesta fue sencilla, con poco vuelo musical, pero muy popular. Además del tango, tenía la pretensión de abarcar todos los géneros originarios de Argentina, con espectáculos que incluían bailarines con coreografías de relativa calidad, dentro de un clima entre tanguero y folclórico. Era, posiblemente sin saberlo, parte de un proyecto político cultural propio de aquella época.

Nació en la localidad de James Craik, provincia de Córdoba. Su padre se llamaba Francisco y era violinista. De niño comenzó a aprender los secretos del instrumento al lado de su papá.

A los 12 años, la familia se trasladó a la ciudad de Córdoba, donde cursó su enseñanza secundaria y comenzó a estudiar, con el maestro Domingo Patruco, que era violinista de la orquesta sinfónica provincial.

Con su padre concurrían a los conciertos que realizaba la sinfónica, donde tomó contacto con la música clásica: Bach, Wagner, Mozart. Por supuesto que además le gustaba el tango, en especial la música compuesta por Agustín Bardi, Eduardo Arolas y Julio De Caro.

A partir del tango, nació en él la intención de crear un estilo de música, lírica auténticamente argentina. Debutó dirigiendo su orquesta a los 23 años, en el Teatro Capitol de Córdoba, con el nombre de “Agrupación Copacabana”, hasta que fue requerido por la emisora cordobesa LV2. Su agrupación estaba integrada por 20 músicos y la participación de bailarines en el marco de una escenografía bien criolla.

Al poco tiempo, Radio Splendid de Buenos Aires creó su filial en Córdoba y designó director a Luis M. Moretti, quien contrató a Lorenzo, quien logró un éxito importante que tuvo repercusión en otras provincias.

Generó distintos espectáculos con gran aceptación en el público y variados nombres: “Teatros de Tango”, “Sinfonía Variable del Tango” y “Orquesta de Cuerdas del Tango”, razón por la cual, comenzaron a contratarlo para giras en todo el interior. La primera fue por el norte argentino, llegando hasta la ciudad de Asunción, capital del Paraguay.

El éxito de esas presentaciones repercutió en Buenos Aires y fue convocado por don Jaime Yankelevich para actuar en la radio y, más tarde, en la década del 50, en la televisión oficial, en el Canal 7, recientemente creado.

La orquesta debutó en mayo de 1948, en Radio Belgrano, en “La Gran Audición Federal”, el programa más exitoso de la radiofonía argentina. Llegaba a todo el país a través de su red nacional. El encargado comercial de dicho programa era Donato Sabia y el padrino artístico, Francisco Canaro, ambos apoyaron y fueron responsables del crecimiento de Barbero.

A esta formación se la denominó “La Orquesta de la Argentinidad” y actuó junto a grandes figuras como Pedro Maffia y Alberto Castillo. El programa salía al aire los días jueves, de 21 a 22:30 horas y los domingos de 12 a 13:30 horas. La orquesta estaba integrada por 25 músicos, algunos de ellos, ejecutaban diversos instrumentos regionales, para tocar otros ritmos aparte del tango, con la idea de representar a todas las provincias argentinas.

A partir de 1951, fue requerido por le sello Odeon y en octubre, registró con los cantores Roberto Florio y Carlos Del Monte a dúo, el tema de Francisco Canaro “Tomá mate, tomá mate”. Cuatro fueron las grabaciones de Florio, las otras tres: el tango de Barbero, “La serranita”, “La virgen del perdón” y el chámame “El Recluta”, de Mario Millán Medina.

El Chocho Florio se fue a la orquesta de Francini-Pontier y lo reemplazó Jorge Sobral, a quien, posteriormente, sustituyó el uruguayo Pablo Moreno. Otros cantores, además de los nombrados, fueron: Osvaldo Ribó, Carlos Uriarte, Oscar Brizuela, Enrique Lucero, Mario Córdoba, Fontán Luna y Daniel Rey.

En 1955, se produjo el golpe contra el general Perón y Barbero, como tantas figuras del espectáculo que simpatizaban con el gobierno tuvieron algunos inconvenientes, muchos se exiliaron, otros ingresaron en las listas negras y hasta hubo quienes fueron encarcelados. Barbero siguió actuando, principalmente en distintas provincias y en países vecinos.

Durante 1956 recorrió incansablemente el país, actuando en muchísimas ciudades: Mendoza, San Rafael, Río Cuarto, Córdoba, Villa Mercedes (San Luis), Rosario; en bailes, confiterías, locales nocturnos y emisoras de radio. Hacia mediados de año actúa en la calle Florida y en Radio Belgrano de la ciudad de Buenos Aires.

En la primera mitad del año 1957, tuvo un resonante éxito en Chile, actuando en Santiago y Valparaíso. De vuelta en la Argentina, actuó en distintas emisoras y en la confitería “La Armonía” de la calle Corrientes. Fue el final. En la década del 60 se dedicó a la producción y dirección artística del sello Disc-Jockey y, en el 70, como productor del Canal 13 de televisión.

Como compositor se destacan: “Taconear porteño”, “Candombe del carnaval”, “Topacio era tu nombre”, “Volvemos a encontrarnos”, “Mi flor de percal”, “Serranita”, “Ven tesoro” y “Organito malevo”. 

Abel Palermo 

domingo, 1 de febrero de 2009

David Sanborn

David SanbornDavid Sanborn

David Sanborn and Crhis Botti David Sanborn and Crhis Botti


David Sanborn es un saxofonista estadounidense. Nació el 30 de julio de 1945 en Tampa, Florida. David es principalmente asociado con los estilos musicales de smooth jazz y pop-jazz fusion, con una mezcla de rock 'n' roll/R&B. Publicó su primer álbum Taking Off en 1975, pero había estado tocando el saxofón desde niño, antes de ir al instituto.
Sanborn nació en Tampa, Florida y creció en Kirkwood, Missouri. Padeció polio en su juventud, y comenzó a tocar el saxofón por consejo de su médico para fortalecer los debilitados músculos de sus pulmones y así mejorar la respiración.

Aunque Sanborn es asociado con el estilo smooth jazz, ha explorado las fronteras del free jazz en su juventud, estudiando con Roscoe Mitchell y Julius Hemphill. En 1993, volvió a este género cuando apareció en Tim Berne's Diminutive Mysteries, dedicado a Hemphill.

Ha sido un apreciado músico de sesión desde finales de la década de los 1960s. Ha tocado junto a bien conocidos artistas, como Eric Clapton, Roger Daltrey, Stevie Wonder, Paul Simon, Jaco Pastorius, the Brecker Brothers, David Bowie, Bruce Springsteen, Little Feat, Bob James, James Taylor, Al Jarreau, George Benson, Joe Beck, Donny Hathaway, Elton John, Gil Evans, Carly Simon, Guru, Linda Ronstadt, Billy Joel, Roger Waters, Steely Dan, Ween, The Eagles, el grupo alemán Nena, y la estrella japonesa del pop Utada Hikaru.
Sanborn ha trabajado tanto en programas de radio como de televisión. Por ejemplo, desde finales de la década de 1980s, ha sido invitado regularmente de la Paul Shaffer's band en el programa nocturno de David Letterman. De 1988-89, colaboró en el espectáculo nocturno de música en la NBC con Jools Holland.

Sanborn ha ganado numeroso premios, que incluyen un Grammy por Voyeur (1982), Double Vision (1987) y el sencillo instrumental Close Up (1988). En televisión, Sanborn es bien conocido por su sólo de saxo en el tema para el exitoso drama de la NBC L.A. Law. También ha participado en música para películas, como Lethal Weapon y Scrooged. Fuente Wikipedia