sábado, 14 de febrero de 2009

Alfredo Sadel

Alfredo SadelAlfredo Sadel



Alfredo Sánchez Luna, conocido como Alfredo Sadel. (22 de febrero de 1930, Caracas, Venezuela - 28 de junio de 1989). Cantante popular y lírico venezolano.

Considerado por muchos como el cantante popular y lírico más importante en la historia musical de Venezuela. Con varios monumentos a su nombre, tales como la Plaza Alfredo Sadel en la ciudad de Caracas, fue llamado el «tenor favorito de Venezuela» y reconocido siempre porsu nombre artístico, Alfredo Sadel.

Realizó estudios primarios hasta 1944 cuando se vio en la necesidad de abandonar el Colegio Salesiano de Caracas, debido a los problemas económicos que afrontaba su familia. El padre Calderón y el Padre Sidi, se hicieron cargo de su instrucción musical educando su voz natural -un diamante en bruto aun sin pulir- y de darle lecciones de actuación escénica.

El niño provenía de un hogar infeliz por la irresponsabilidad y abandono de su padre, que dejó regados cerca de 50 hijos en la región. Su infancia fue triste y solitaria además de llena de privaciones, a cargo solo de la madre.

El padre, ebrio y autoritario, le hacía cantar las canciones de moda, lo que curiosamente fue una ventaja para el artista. “Aprendí a amar estas canciones -diría posteriormente- de Juan Arvizu, Imperio Argentina y las que cantaba el mismo Agustín Lara, que encerraban un mundo tan grande para mi”.

Su debut como ‘cantante’ se dio en la Catedral de Caracas, cantando el Ave María e impresionando a quienes lo escucharon. Diversos mecenas ayudaron a su formación que empezó en la Escuela Superior de Música de Caracas y continuó a lo largo de su vida en México, Nueva York, Buenos Aires, Barcelona (España), Salzburgo y Milán e incluían solfeo, piano, armonía y composición.

A la edad de 16 años debuta como cantante en Radio Caracas Televisión, donde a pesar de estudiar canto por espacio de tres meses fue finalmente rechazado.

Otras habilidades del joven Sánchez fueron el dibujo y la pintura, y caricaturas suyas fueron publicadas por el diario La Esfera y la revista Fantoches. Posteriormente trabajó en la agencia publicitaria Mc-Cann Erickson, y con este ingreso ayudaría en algo a la situación de su hogar.

Gracias a esto Alfredo pudo pagar la grabación de su primer disco de 78 RPM, por una cara el bolero Desesperación y por la otra, el pasodoble El Diamante Negro, dedicado al torero Luis Sánchez, amigo del cantante quien también alguna vez quiso hacerse matador e inclusive toreó en varias oportunidades.

Fue por aquellos días que sus amigos le aconsejaron cambiar su nombre porque ya se conocían en el medio un Alci y un Alex Sánchez. Tomó la primera sílaba de su apellido SA y le agregó DEL, última sílaba del apellido de su ídolo: Carlos Gardel.

Ingresa en agosto de 1947 al programa «Caravana Camel» que transmitía Radiodifusora Venezuela. En 1948, el pasodoble Diamante Negro, primer disco de fabricación nacional, constituyó un éxito de ventas (vendió 20 mil copias en un mercado donde tales cifras superaban cualquier expectativa) y el inicio de una ascendente trayectoria musical. Vendrían después las primeras grabaciones, Desesperanza y Caribe, de la compositora María Luisa Escobar, Lloraste ayer, de Jacobo Erder y Anoche te amé, de René Rojas, junto con No te puedo querer, que conociéramos en versión de Juan Legido, El Gitano Señorón. Con los boleros «Son dos palabras» y «Desesperanza» —esta última declarada canción del año en 1949— se define su condición de bolerista de marcada ascendencia popular.

Comienza a codearse con figuras prominentes de la época, su compatriota Mario Suárez, el boliviano Raúl Shaw Moreno y el chileno Antonio Prieto, quienes dominaban el ambiente musical junto con los boleros de Los Tres Reyes y la Voz de la Ternura, la puertorriqueña Virginia López.

En 1950 el cine lo llamó pronto y participó en producciones como “A La Habana me voy”, con los cubanos Blanquita Amaro, Otto Sirgo y el argentino Tito Luisiardo. En 1951, como consecuencia de su creciente popularidad se produce su estreno en el cine, al protagonizar el film Flor del campo, producción con música, argumento y elenco totalmente venezolanos.

En 1952, viaja a los Estados Unidos para realizar varias presentaciones; actuando al año siguiente en el Chateau Madrid de Nueva York, acompañado por la orquesta de Aldemaro Romero, durante 13 semanas seguidas, estableciendo un récord. Debuta en el teatro Jefferson de Nueva York, y a partir de ese momento comienza su popularidad en los Estados Unidos. Actúa en el “Ed Sullivan Show”, el “Colgate Comedy Hour” y en “Chance of a lifetime”, todos programas topes de la TV americana y que se veían de costa a costa en EEUU. Alfredo Sadel es considerado por la prensa de ese país, “El artista latino más popular de la TV norteamericana”.

En 1954, con motivo de la inauguración del Salón Naiguatá del hotel Tamanaco, se presentó Sadel como el gran atractivo en la Caracas de la época. Luego de esto realiza giras por el Caribe. En 1955 debuta en La Habana y la isla entera se rinde a sus pies. La TV cubana le ofreció conducir su propio programa, el cual años más tarde se adueña totalmente de la sintonía. Ese mismo año graba Mi canción, primer disco de 12 pulgadas de larga duración en la discografía latinoamericana con el sello RCA Víctor. Sadel compartió su carrera como cantante con la actividad sindical, promoviendo en 1947 la fundación de la Asociación Venezolana de Artistas de la Escena.

En 1958, regresa a los Estados Unidos contratado por la Metro Goldwyn Meyer para sustituir a Mario Lanza, convirtiéndose en el primer venezolano que trabaja en Hollywood, sin embargo permaneció un año recibiendo sueldo y al no serle asignado ningún papel, se fue a México donde sus discos lo habían hecho conocido. En 1956 participa en el cine en las películas “El Ratón”, al lado de Raúl ‘Ratón’ Macías y “Tu y la mentira”, con Miguel Aceves Mejía y Evangelina Elizondo.

Ese mismo año se traslada de nuevo a Cuba donde el amo era el chileno Lucho Gatica. El musicólogo César Miguel Rondón dice de esos días: “graba discos, se presenta en televisión y su fotografía aparece con elogios en casi todas las revistas y publicaciones de la isla. Se llama Alfredo Sadel miembro legítimo de toda la pompa y la euforia farandulera que conoció el continente por aquella época”. Su paso por la isla quedó registrado en dos grabaciones hechas en épocas distintas y entre otras bellas melodías incluyó Lágrimas negras de Miguel Matamoros, Noche azul, de Ernesto Lecuona y Si me pudieras querer, de Ignacio Villa, Bola de Nieve.

En Cuba se le manifiestan unos nódulos en la garganta que resultaron ser benignos. Su curación la atribuyó a un milagro de Fray José de Guadalupe Mojica, a quien llamaba su benefactor. Regresó en 1960 a México donde interviene en “Tres balas perdidas” junto a Javier Solís, Elvira Quintana, María Victoria y Julio Aldama. Se vuelve a reunir con Aceves Mejía en “El buena suerte”, con la abuelita del cine mexicano Doña Sara García y de nuevo con Solís y Aldama, en “En cada feria un amor”. Otro film donde participa es en “Un Venezolano en México”.

Su carrera en el cine termina con “Martín Santos, el llanero”, coproducción México-Venezolana con música de Juan Vicente Torrealba y Chelique Sarabia, de nuevo con Aceves Mejía, famoso por su falsete y su mechón de pelo blanco. En ella Sadel interpreta Di, tema de gran belleza en que despliega su formidable voz; también aparecen Lorena Velásquez y Adilia Castillo, el jilguero de Venezuela, muy recordada por el Golpe Tocuyano.

En 1961, se produce el gran salto de Sadel hacia el canto lírico con la zarzuela Los gavilanes, presentada en el Teatro Nacional de Caracas; ese mismo año se va estudiar a Milán con el fin de perfeccionar su calidad vocal, hecho que fue visto en algunos sectores como el abandono de sus raíces populares. En este nuevo período de su vida artística participó en el Carnegie Hall de Nueva York en el estreno de la ópera cubana Cecilia Valdez, tras lo cual emprendió giras para presentar Rigoleto, El amigo Fritz, El barbero de Sevilla, Carmen, Don Carlos, Lucía, Tosca, La Bohéme, El buque fantasma, Don Pascuale, etc., por toda América, además de Alemania, Belgrado, Hungría, Suiza, España y la Unión Soviética (1967 y 1968), convirtiéndose en el primer cantante lírico venezolano en llegar a Siberia y a otras 14 naciones. En Lima, Alfredo Sadel y Doña Pepita Embil protagonizaron lo que los peruanos calificaron como las temporadas de zarzuelas más exitosas que se hayan realizado en ese país.

En 1977, en un intento por institucionalizar la ópera en Venezuela, organiza una gran temporada en la Universidad Central de Venezuela, que se extiende a otras ciudades del país; participando también en temporadas de zarzuela en el teatro Nacional.

El pueblo sin embargo nunca lo olvidó y sus versiones de Humanidad, Vereda tropical, Incertidumbre, El cumaco de San Juan, El guarapo, Dominó, Cuenta mi alma, Desvelo de amor, Congoja, No te importe saber, Granada, Siempre te vas, Aquellos ojos verdes, Lágrimas (del colombiano Alvaro Dalmar) y sus versiones irrepetibles de Ansiedad y Madrigal (de Felipe Rosario Goyco, Don Felo), un amplio espectro que va desde el bolero hasta lo folclórico pasando por lo clásico, continuaron escuchándose —y aun se oyen—, en muchas radio estaciones de nuestra América.

En 1978 volvió a Cuba recibiendo homenajes apoteósicos que lo animaron a grabar de nuevo música popular, entre ella un L.P. con música de Los Panchos y otro en que rendía su tributo al Morocho del Abasto, Carlos Gardel.

Se radicó en Nueva York desde 1985 y viajó bastante desde entonces a Caracas y Colombia, especialmente a Medellín, donde decía sentir con agrado el gran cariño tributado por su gente. Cuando más feliz estaba por la posibilidad de presentarse en el Metropolitan Opera de Nueva York, su salud empezó a deteriorarse. Se encontraba realizando presentaciones en Cali, Colombia, cuando debió viajar de urgencia a Caracas el 31 de diciembre de 1988. En 1988 y 1989 se presenta en el teatro Teresa Carreño junto con la Orquesta Sinfónica Venezuela en conciertos que marcaron su despedida.

Hizo dúos estupendos, entre ellos con la soprano Alba Marina y otro con Beny Moré, el Bárbaro del Ritmo, que ocupa lugar preferencial entre los coleccionistas latinoamericanos, particularmente su versión de Alma libre.

Destacó como compositor, debiéndose a su inspiración innumerables piezas como Yo no te engañé, Son dos palabras, Otra rosa, El hombre de hierro, Golondrinas del tiempo, Quiero a Maracaibo, Razonando, razonando y decenas más.

En total Alfredo Sadel, grabó más de 2.000 canciones recogidas en cerca de 200 discos de 78 RPM y unos 130 larga duración editados en diversos países; la Fundación que lleva su nombre lo está recopilando en discos con tecnología digital, en un serie denominada Documentos Alfredo Sadel, de modo que su voz y su memoria estén siempre presentes en el acervo cultural venezolano.

Sadel obtuvo grandes logros en su carrera de cantante lírico a nivel mundial. A pesar de los éxitos en el ambiente lírico, nunca se apartó de la música popular.

Alfredo Sadel murió el 28 de junio de 1989.

viernes, 13 de febrero de 2009

Dalida

DalidaDalida


DalidaDalida


Dalida (n. Iolanda Christina Gigliotti en El Cairo, 17 de enero de 1933 - París, 3 de mayo de 1987) fue una cantante y actriz egipcia de ascendencia italiana que vivió en Francia durante la mayor parte de su extensa carrera profesional en la que llegó a triunfar internacionalmente. En 1981 fue la primera mujer que recibió un disco de diamante en reconocimiento a la cantidad de copias vendidas, que le valieron un total de 55 discos de oro a lo largo de su carrera.1 Entre sus éxitos más conocidos se listan Bambino, Ciao amore ciao, Je suis malade, Darla dirladada, Gigi, l'amoroso, Parole y Salma Ya Salama.
olanda Christina Gigliotti —posteriormente su primer nombre sería afrancesado como Yolanda— nació el 17 de enero de 1933 en Choubrah, un barrio a las puertas de El Cairo, hija de padres calabreses originarios de Serrastretta, en la provincia de Catanzaro.
En 1954 fue elegida Miss Egipto. Ese mismo año se traslada a Francia con la intención de hacerse un hueco en el cine galo.
En 1956 graba su primera canción, Madona, una versión en francés de un éxito de Amália Rodrigues. Le seguirá Bambino, uno de sus grandes éxitos, una traducción de la canción napolitana Guaglione, compuesta por Marino Marini. En principio estaba destinada a conocerse en la voz de Gloria Lasso, pero Lucien Morisse, director de programación de Radio Europe 1, le hace grabarla en una noche. En la emisora se oye constantemente y Dalida consigue un disco de oro.
En marzo de 1957 se presenta en el teatro Olympia de París acompañando a Charles Aznavour y en septiembre a Gilbert Bécaud.
En 1959 obtiene ex aequo con Tino Rossi el Oscar de la canción y uno después el Oscar de Radio Monte Carlo como vedette preferida de la audiencia y el gran premio de la canción por la interpretación en francés de Romántica, canción ganadora del Festival de Sanremo
El 8 de abril de 1961 se casa con Lucien Morisse, pero pocos meses después le abandonará por el joven pintor Jean Sobieski, padre de la actriz LeeLee Sobieski. En diciembre de 1961 se presenta en el Olympia como estrella principal, con gran éxito.
En 1967 se presenta en San Remo, junto al cantautor italiano Luigi Tenco, su pareja de entonces, con la canción compuesta por él Ciao amore, ciao. Después de ser rechazada la composición por un jurado y por el público, Luigi Tenco se suicida. Un asunto que aún no parece ser del todo esclarecido. A finales de 2005 un fiscal italiano reabrió el caso,2 al parecer una muerte mal investigada y rápidamente archivada, no hubo ni autopsia ni prueba perital sobre la nota de suicidio.
En 1975, Dalida vuelve a poner de moda la canción J´attendrai, cantada originalmente por Rina Ketty en 1938, al poco tiempo la grabarían también Tino Rossi y Jean Sablon, la canción es una adaptación de la italiana Tornerai (letra de Nino Rastelli y música de Dino Olivieri), inspirada en una melodía de Madama Butterfly.
En 1981 Dalida recibe un disco de diamante por 65 millones de discos vendidos alrededor del mundo (a lo largo de su carrera consiguió cincuenta y cinco discos de oro interpretados en siete idiomas y un total de 170 millones de discos vendidos).
En 1985 vuelve a Egipto para rodar la película el al-Yawm al-Sadis(Le sixième jour en Francia) del director Youssef Chaine, que le trae excelentes críticas, aunque también múltiples recuerdos que la atormentaran durante sus últimos meses.
Dalida murió el 3 de mayo de 1987 como consecuencia de una sobredosis de somníferos. Junto a su cuerpo, en su mansión de Montmartre, se encontró una nota de despedida: Pardonnez-moi, la vie m'est insupportable (Perdónenme, la vida me es insoportable). Está enterrada en la capital francesa, en el cementerio de Montmartre.
La muerte de Dalida dejó en shock a Francia entera; en los funerales, Claude Manceron (oficialmente en nombre del presidente de la República, François Mitterrand, en realidad hablando por toda la nación) la saludó diciendo: «Yolanda, adiós. Dalida, gracias». Fuente Wikipedia

jueves, 12 de febrero de 2009

Domingo Rulio

Orquesta Filarmónica, Casino de Mar del Plata  Orquesta Filarmónica, Casino de Mar del Plata 1947, foto gentileza de Iris Camps)
Arriba de izquierda a derecha: José Schiaritti (percusión),German Ehrenhaus (oboe), Ferrucio Malorgio (trompeta), Pedro Chiambaretta (fagot), José Lo Giudice (fagot), Domingo Rulio (flauta), Alfredo Perona (oboe) y Gerardo Levy (flauta). Abajo: Osvaldo Furgiuele (trompeta), Guido Paciotti (oboe), María del Carmen Colom (accesorios) y José Flechter

Pierre Rampal y Domingo Rulio en 1994Pierre Rampal y Domingo Rulio en 1994


RULIO, Domingo. Músico. Flautista. Compositor.(17 de febrero de 1927-5 de Julio de 1995)

La más importante flauta del tango, en estilo tradicional renovó luego de 1950 el
prestigio de las legendarias promociones de flautistas de la primera época. Instrumentista de excelente fiato, espléndido sonido yauténtico fraseo de tango ha integrado agrupaciones de moderna concepción orquestal como las de Argentino Galván y Carlos García, actuando también en la orquesta ampliada de Aníbal Troilo cuando las representaciones del saínete lírico El Patio de la Morocha. En 1959, con las guitarras de De Lío y Maiquez y el bandoneón de Leopoldo Federico en pleno y transitorio renacimiento de las viejas modalidades interpretativas del tango, formó el cuarteto Pa' que Bailen los Muchachos. Con este conjunto de virtuosos recreó los arcaicos moldes instrumentales del novecientos a través de una serie de versiones de afiligranada realización, con largos y lucidos "coros" de su instrumento, grabadas para el sello Víctor, tales como
Prohibido tocar bocina, En lo de Hansen, La payanca, La cumparsíta y Don Juan. Flau-
ta solista de la Orquesta Sinfónica Nacional fue también compositor de los tangos: Seamos amigos. Trotamundos, Prohibido tocar bocina, De todo olvidé.

Horacio Ferrer. 
Fotos; http://www.flautistico.com

martes, 10 de febrero de 2009

Fleurs Noires Orchestre de tango

 Fleurs Noires Orchestre Fleurs Noires Orchestre

 Fleurs Noires Orchestre Fleurs Noires Orchestre

Débora RussDébora Russ Voz
André MarsiliAndré Marsili Directora y Pianista


Esta Biografia esta tomada de una entrevista en Frances: en http://www.mandor.fr, la traducion la realize automaticamente e hice algunas correcciones manuales, pero puede tener algunos errores de redaccion, pero entiendo que no son de fondo.
Por otros sitios web que visite esta Orquesta Flores Negras(Fleurs Noires) esta teniendo un gran exito en giras que realiza en Europa y los comentarios dicen que sus presentaciones en vivo superan al CD. Sus componenetes son francesas, argentinas y brasileñas( en el CD podran informase de sus integrantes)

Biografia
Hoy en día, decidí poner de relieve un grupo de 11 niñas. No uno de estos grupos ejecutando los clips en abundancia déhancher Lasciviously de Música "R'nB sopa n'roll.
(No me preguntes qué significa esta frase, me la he inventado ...)

Menciono en este lugar santo, un grupo de franco-tango argentino, que obtiene un buen éxito de las estimaciones actuales. Las habitaciones están llenas en cada aspecto.
de flores Negras, de modo.

"El tango, ya sabes, esta música habla a los hombres las mujeres, el amor, el dolor y la pasión. Al mismo tiempo, la sensualidad del tango es una mujer ..."

Les Demoiselles de Fleurs Noires nosotros un tango muy contemporáneo difiere del tango tradicional ... ¿Qué caracteriza a esta mezcla de clase, la elegancia, la frescura y los nervios ...!

Hay una cantante que viene de Río, Débora Russ. Para el resto, 4 violines, 1 piano, 1 violonchelo, 1 contrabajo y 2 bandoneones.
En primera línea, Andrea Marsili (pianista y director musical del grupo).

Me entrevistó ayer por la tarde para aprender más acerca de este grupo me intriga mucho.

Andrè Marsilli
Profesora Nacional de Música (piano) en Rosario (Argentina), estudió Tango con Rodolfo Mederos, Javier Ferrer Lore luego con Pepe y Juan José Mosalini, Gennevilliers conservatorio. Tiene una Maestría en Música, opción piano en la Universidad de Hartford (Estados Unidos) y en 1997 ganó el primer premio en el Concurso Nacional de tango en Argentina. Pianista de la orquesta de tango de Rosario (Argentina), es también directora y pianista del quinteto Gotan en Boston (EE.UU.) y se desempeña en El Trío Tangazo en París.

André Marsili comenta que Fleurs Noires qué el grupo optó por hacer caso omiso de la mezcla.
Tango-por lo general consisten en grupos de un sólo hombre. Se trata de un macho. Todas las mujeres, los músicos confirmados en la clásica y popular, los campos, que consisten Fleurs Noires, tuvo dificultades al mismo tiempo, para tener éxito en este campo. Mujer, te lo aseguro, no son bienvenidos en este mundo existe. Por lo tanto estamos emancipando a la mujer en esta música.

La sensualida del tango surge la fuerza, en todos los tonos, que es el resultado de la diversidad de sus raíces. Algunos "expertos" en este campo dicen que son la vanguardia del tango.

-Es porque el Fleurs Noires(Flores Negras) tienen un directorio basado en composiciones originales creadas especialmente para la orquesta de compositores como confirmó Eduardo Acuña, Víctor Parma y Gerardo Jerez Le Cam. Y yo. Necesitamos un poco del aporto de todo!
En resumen, se trata de una cuestión de la autenticidad de la tradición con un toque moderno ".
Administrar un grupo de 11 personas no debe ser evidente.

-Va muy bien. Hay algunas sensibilidades a salir pero como en todos los grupos. Francamente, todos estamos de oír perfectamente.
Esa complicidad se siente, se puede ver y entender.

Fleurs Noires tiene sus diferencias, expresar su feminidad, glamour y jugando comedia, e interpretación de un nuevo tango decididamente fuera de los clichés ...

El disco está publicado por ULM / Universal.

Pero en mi opinión, hay que descubrirlos en el escenario.

Que tome todas sus dimensiones.

Si hablo hoy. Es que estará en concierto de sábado (24 de noviembre) en Clamart (92) Auditorio del Conservatorio Un anticipo. 

fuente http://www.mandor.fr

lunes, 9 de febrero de 2009

Nina Simone

Nina Simone
Nina Simone
Nina SimoneNina Simone

Nina SimoneNina Simone


Nina Simone
Eunice Kathleen Waymon (Tryon, Estados Unidos, 21 de febrero de 1933 - Carry-le-Rouet, Francia, 21 de abril de 2003), Nina Simone fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues y soul. Se la conoce con el sobrenombre de «High Priestess of Soul».

Estilísticamente, la palabra que mejor caracteriza a Nina Simone es eclecticismo. Su voz, con rango propio de una alto, se caracterizaba por su pasión, su breathiness (voz jadeante, sofocada, sin aliento) y su trémolo.

La influencia de Duke Ellington es patente en toda la obra de Nina, pero muy especialmente en cierto tipo de composiciones rebosantes de improvisación y de cercanía espiritual. Nina logra la complicidad del oyente con un empleo intencional de los silencios y minimizando el acompañamiento. Su voz a veces sólo susurra, pero luego grita o gime, transmitiendo todas las sensaciones que el alma humana es capaz de experimentar.

Gran luchadora por los derechos civiles de las personas de ascendencia africana, lucha ésta expresada en muchas ocasiones a través de sus canciones, Simone dejó Estados Unidos en 1969, tras el asesinato de Martin Luther King, hastiada de la segregación racial contra los afroamericanos.

De personalidad complicada, llegaba a ser altanera y vulnerable, y fuertemente apasionada. En la industria musical tenía fama de temperamental, una caracterización que Simone se tomó muy en serio. Aunque su personalidad era arrogante y distante, en sus últimas décadas parecía disfrutar con el acercamiento a sus audiencias, contando anécdotas y cumpliendo peticiones.

Como otros cantantes afroamericanos, encontró en Marian Anderson una fuente de inspiración, y empezó cantando en su iglesia local, mostrando al mismo tiempo un gran talento con el piano, que empezó a tocar ya con cuatro años. Cuando debutó públicamente en un recital de piano a los diez años, sus padres, que se habían sentado en la primera fila, fueron obligados a moverse para que otros asistentes blancos ocuparan sus lugares. Este tipo de condiciones de vida la motivarían más adelante a involucrarse en el Movimiento por los Derechos Civiles.

A los diecisiete años, Simone se mudó a Filadelfia, en el estado de Pensilvania, donde dio clases de piano y acompañó a varios cantantes. Gracias al apoyo de varios patrocinadores, entre ellos su antiguo profesor de música, pudo estudiar piano en la prestigiosa Escuela de Música Juilliard en la ciudad de Nueva York, pero la falta de recursos le impidió alcanzar su sueño de convertirse en el primer pianista negro de concierto de los Estados Unidos. Más tarde se presentó a una prueba para estudiar piano en el Instituto Curtis, pero fue rechazada. Simone estaba convencida de que se la rechazó por ser negra. De Nueva York su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca, pero fue rechazada también por el color de su piel.

Entonces, Simone se acercó al blues y al jazz, tras empezar a trabajar en un club nocturno de Atlantic City para ayudar económicamente a su familia.

El nombre artístico de Nina Simone lo adoptó en 1954 ; Nina (procedente en español de la palabra niña) era el alias que le había dado un novio y Simone lo tomó de la actriz francesa Simone Signoret a la que había visto en la película Casque d'or.

Se dio a conocer a un público más amplio gracias a su interpretación de la canción I Love You Porgy de George Gershwin, que se convertiría en su único éxito del Top 40 de Estados Unidos. Después vendría el sencillo My Baby Just Cares for Me (que sería un éxito en los 80 en Inglaterra al ser usado en un anuncio comercial del perfume Chanel No. 5).

Durante los 60, Simone estuvo involucrada en el Movimiento por los Derechos Civiles y grabó algunas canciones políticas, incluyendo To Be Young, Gifted and Black (interpretada después por Aretha Franklin y Donny Hathaway), Blacklash Blues, Mississippi Goddam (en respuesta al asesinato de Medgar Evers y al ataque terrorista a la iglesia de Birmingham, Alabama, en 1963, por parte de supremacistas blancos y que se saldó con la muerte de cuatro niñas negras), I Wish I Knew How it Would Feel to be Free y Pirate Jenny, de Kurt Weill, situada en un hotel del sur.

En 1961, Simone grabó una versión de la canción tradicional House of the Rising Sun, que también grabarían después Bob Dylan y The Animals. Otras canciones que la hicieron famosa fueron I Put a Spell on You, Here Comes the Sun de Los Beatles, Four Women, I shall be released, y Aint got no (I got life). La versatilidad de Nina como artista es evidente en toda su música, que frecuentemente tenía una simpleza equivalente a la trova. En un mismo concierto, iba de los temas tipo religioso (gospel) al blues y al jazz, de temas como For All We Know, números de estilo europeo clásico y figuras de contrapunto. En 1968 el tema Sinnerman de Simone apareció en la película de Norman Jewison The Thomas Crown Affair, lo que llevó su música a audiencias mayores. La nueva versión de la película rodada en 1999 con Pierce Brosnan y Rene Russo volvió a incluir a Simone. Otras películas han utilizado Sinnerman en su banda sonora, como Inland Empire de David Lynch.

En septiembre de 1970, Simone abandonó Estados Unidos en dirección a Barbados, tras desacuerdos con agentes, compañías discográficas y con la Agencia de impuestos norteamericana (Internal Revenue Service), que ella atribuía al racismo de la sociedad estadounidense. Regresó en 1978, donde era buscada por evasión de impuestos (se había negado a pagarlos durante varios años como protesta a la Guerra de Vietnam), por lo que volvió a Barbados, donde mantuvo una relación sentimental con el primer ministro Errol Barrow. En los 80 cantaba regularmente en el club de jazz Ronnie Scott de Londres. La cantante y amiga de Nina, Miriam Makeba, la convenció para ir a vivir a Liberia. Posteriormente residió en Suiza y Holanda antes de establecerse en Aix-en-Provence en el sur de Francia en el año 1992.

En 1992 apareció la autobiografía de Nina Simone titulada I Put a Spell on You (ISBN 0-306-80525-1). En 1995, Simone supuestamente le disparó al hijo de su vecino con una pistola de aire comprimido pues sus risas no la dejaban concentrarse.

Sus acompañantes habituales durante esta época fueron Lepoldo Fleming (percusión), Tony Jones (bajo), Paul Robinson (batería), Xavier Collados (teclado) y su director musical Al Schackman (guitarra).

Nina fue una de las estrellas de festivales como el Nice Jazz Festival de 1997 y el Thessalonica Jazz Festival en 1998.

En el Guinness Blues Festival en Dublín en 1999 su hija, Lisa Celeste, actuó como "Simone", cantando a dúo con su madre algunos temas.

Simone cantó con el cantante español Raphael y participó en dos obras de teatro de Disney, cantando los temas principales de Aida y Nala en El rey león.

El 24 de julio de 1998 Nina Simone fue la invitada especial en la fiesta del 80 cumpleaños de Nelson Mandela. El 7 de octubre de 1999 recibió un premio a sus logros artísticos de toda una vida en Dublín.

En 2000 recibió el título de Honorary Citizenship de Atlanta, el Diamond Award for Excellence in Music de la Association of African American Music de Filadelfia y el Honorable Musketeer Award de la Compagnie des Mousquetaires d'Armagnac de Francia.
Murió mientras dormía en Carry-le-Rouet en 2003. Fuente wikipedia

domingo, 8 de febrero de 2009

Thierry Caens

Thierry Caens
Thierry Caens

Thierry Caens: una rica cosecha de francés trompeta. (traduccion automatica)
Firmemente enraizadas en su natal Borgoña, Thierry Caens lleva a cabo múltiples actividades musicales, de sus ambiciones como artista internacional en el concierto para trompeta ylíder organizador. Se trata de una larga e interesante historia cuyas raíces se extienden profundamente en el corazón de Francia, de donde proviene la familia Caens ...
Caens la familia y la música
El Caens provienen de Normandía con un toque de Viking en su sangre, por ejemplo, padre e hijo con un alegre brillo en sus ojos. Alphonse Caens, bisabuelo de Thierry fue un jugador amateur clarinete, y naturalmente infectada a su hijo Maurice (violín), con un amor por la música, que fue transmitido a sus cuatro hijos (Maurice, clarinete, Pablo, flauta, Serge, y Marcel contrabajo, trompeta), todos los cuales se convirtieron en músicos.

Marcel, el padre de Thierry, nació en 1919 en Honfleur, en la región de Baja Normandía, que lleva el nombre de Calvados embriagador. Su punto focal es la ciudad de Caen (sin s), situada 223 km al oeste de París. Marcel fue a estudiar corneta en Villedieu-les-Poules, capital de la campana de latón y fundiciones (cuyos habitantes han recibido el apodo de "sordomudos", ya que ha quedado sordo de martilleo sobre metal). Su primer maestro fue nombrado Michel Havard, un modesto y de corta estatura de su profesor de música en los sesenta, que fue, no obstante, un excelente maestro de los fundamentos de la técnica y la música. En 1937, Marcel Caens entró en el ejército con sus tres hermanos. Durante este tiempo se reunió con el gran actor y cómico francés Bourvil, con la que tuvo una larga amistad. También hizo la adquisición de Louiguy, compositor de la famosa canción "La vida en rosa". En el otoño de «37 fue aceptado en la clase de Foveau Eugene (1886-1957) en el Conservatorio de París. En 1939 recibió un 2 º premio en la corneta. De 1940 a 1943, Marcel es un prisionero de guerra en Alemania. A su regreso a París, la clase había sido corneta lliminated y todos sus instrumentos había desaparecido. Andre Raimbourg (el nombre real de Bourvil) le prestó su trompeta Couesnon C hasta que el Couesnon empresa le dio una a cambio de algunos metales (latón). Marcel comenzó a tocar de nuevo y re-inscrito en el Conservatorio de París. Sus compañeros de clase incluido Pierre Pollin, Roger Delmotte, Gilbert Desprez, Fernand Vasseur, Georges Jouvin trompeteros y otros que han hecho destacadas carreras. En 1944, la superación de la desventaja de no tener un instrumento de tres años, que recibió un 2 º premio en la trompeta (al mismo tiempo que Georges Pretre, quien más tarde se convirtió en un director de orquesta). En 1945, Marcel Caens terminado sus estudios con un Primer Premio y entró con decisión la profesión, jugando en todos los teatros, salas de música de París y las bandas, todos los géneros mezclados. Finalmente un total de 6 Caens recibirá un Primer Premio en el Conservatorio de París.

En 1946 fue contratado por la Orquesta de la Radio de Marruecos (dir. André Girard) en Rabat y Casablanca en el teatro, donde también enseñó en el Conservatorio. En 1953 el compositor André Ameller (1912-1990, autor de numerosas obras de latón), entonces director del Conservatorio de Dijon, le informó de que la enseñanza de una posición abierta en la capital de Borgoña. En febrero de 1954 fue elegido para el trabajo y se convirtió en un maestro en el Conservatorio Nacional de la región, así como trompeta principal de la Dijon (ciudad natal de Eugene Foveau) Orquesta de la Ópera.

Tras el nacimiento de Thierry en 1958, el Caens familia compró un antiguo convento en Brochon, cerca de Gevrey-Chambertin, alto lugar de vino de Borgoña distrito si alguna vez hubo uno! El primer privilegio de Thierry Caens había de venir a este mundo en el reino de Dionisio y Euterpe ...

Thierry de la madre del lado de la familia, vamos a observar, no era (además de un tío que era también un clarinetista y director de la Banda de la Guardia Imperial en Hanoi, Indochina (Vietnam) de 1920 a 1935) una predilección por los manjares de la mesa que hizo una impresión profunda en la vida de nuestro joven héroe, que, si no hubiera convertido en el virtuoso de la trompeta, ahora sabemos, sin duda han encontrado una vocación entre las cacerolas y hornos de un conocido restaurante gourmet ...


Thierry, siguiendo los pasos de Marcel ...

No recuerdo exactamente cuántos años fue cuando yo me empecé a tocar la trompeta, pero sé que fue con mi papá del Couesnon trompeta. Al principio, mi padre tocaba melodías que poco me he tratado de imitar, y luego hemos jugado poco dúos, con él me ofrece asesoramiento de bits lanzados al mismo tiempo en que hemos jugado. Tengo la mejor, más atención a lo que él tenía que decir. En el año 1968 ", trompeta y órgano" considerandos eran populares en Dijon como en el resto de Europa, y Thierry pudo escuchar Roger Delmotte, Francis Hardy y Andr? Bernard en el concierto. Dos años más tarde, se matriculó en el Conservatorio de Dijon en la clase de su padre. En Brochon, el pueblo fue profesor nada menos que su madre ... Lo menos que podría decir es que la influencia familiar fue completa! Fue en ese momento que descubrió Maurice André y ajustado a la escucha de todas sus grabaciones con una pasión. La trompeta siempre mayor en los adolescentes telares ensoñación ... Para poder jugar "como que" un día ... Sus padres le compraron un Selmer "Maurice André" modelo de la trompeta con pistones en "V".


Crisis de identidad?

Y luego las cosas tomaron un giro hacia lo peor. Thierry perdido el control de su respiración cuando trataba de tocar su trompeta a la hermosa creen perplejo de su padre. En el momento en el control de aliento es un tema que se entiende aún imperfecta, y Marcel Caens no sabía qué hacer. Por último, recomendó que Thierry ir a su amigo Robert Pichaureau de ayuda. Pichaureau fue uno de los pocos maestros de la materia, a quien el viento innumerables jugadores (incluso los experimentados) fue por consejo.

Sr. Pichaureau comenzó por hacerme llegar a conocer mejor mi propio cuerpo, y para sincronizar mis movimientos respiratorios. A través de lo que llegué a conocer gente como André Antoine Bernard y Cure. Tomó mucho trabajo hasta que entiende que antes de la trompeta puede dar lugar a la música, y un correcto enfoque sensible física y el control debe ser desarrollado. Durante todo este año-largo período de reajuste, Thierry tienen grandes dificultades con su juego.

Mi padre era confusa y no entienden realmente lo que había sucedido a mí, pero él hizo por mi falta de confianza con su inquebrantable fe en mí. Le debo mucho para permanecer tranquilo y paciente. En los quince años que todos los de nuevo a la derecha y en buena forma y comencé a trabajar sobre la base técnica y el repertorio de piezas con Pierre Pollin en París (que era entonces director de la Orquesta Nacional de Francia). Su enfoque es diferente, pero que complementa de Pichaureau. Pierre Pollin defendió los valores típicos de Foveau: inflexible en sus exigencias, él me hizo trabajar intensamente en los detalles, la limpieza y la pureza de los ataques, y siempre hizo hincapié en el sentido de la belleza de tono. Fue durante esos mismos años (1972-73) que compró Thierry, y no por accidente, una grabación de la gran virtuoso ruso Timofey Dokschidzer descubierto y, por tanto, de otras escuelas, además de tocar la trompeta a los franceses.


Siguiendo los pasos de Maurice Andre ...

Un día en 1973, Marcel Caens tomó Thierry Besançon para escuchar a Maurice André en el concierto. Para Thierry, que hasta ese momento sólo había oído en las grabaciones, fue una experiencia inolvidable.

Después del concierto, mi padre me presentó a Maurice André, Pierre Pollin mencionar que me había preparado para el examen de ingreso al Conservatorio de París en 1974. En este momento, Maurice André tenía una magnífica clase allí, y Pierre Thibaud había sido nombrado. Hubo un rumor de que a causa de sus innumerables giras de conciertos, Maurice André es sólo raramente presentes en su clase. Me pareció más y decidió elegir Pierre Thibaud, cuyos métodos de enseñanza eran claramente diferentes de las de Maurice André. Por último, el Sr. Pollin inclinado la balanza hacia Maurice André, quien, contrariamente a lo que el rumor, se presentan a menudo y que conocía muy bien cómo comunicarse con e inspirar a sus alumnos.

Thierry Caens llegó en primer lugar entre las cinco docenas de los solicitantes de la clase de Maurice André, que fue limitado a 12 estudiantes. En 1977 recibió un 1 º Premio en la trompeta, y en 1978 la misma distinción en la corneta.

Hubo un excelente ambiente en la clase de Maurice André, y estábamos en una sana competencia con la de Pierre Thibaud. Para mí fue emocionante, por supuesto, para poder estudiar con el trompetista quien más admirado en el mundo!


París-Lyon-Dijon

A los 17 años, Thierry fue contratado como trompeta principal con la Orquesta Nacional de Lyon, entonces dirigida por Serge Baudo. Formó amistades - con Guy Touvron en particular - y descubrió ... la cocina de Lyon. En 1978 participó en la Competencia Internacional de Primavera de Praga. Este se encontraba todavía en los años oscuros del régimen comunista, y la competencia no parece completamente legítimas. Admitidos a la final, Thierry se negó a jugar ... Fue aquí que conoció a Michel Becquet, el inicio de una profunda amistad y una larga colaboración musical.

Thierry ganó la posición como principal corneta en la Ópera de París en 1982. Sólo permaneció allí tres años. La atmósfera en la sección fue horrible. En 1985, cuando mi padre se retiró del Conservatorio de Dijon, y fue elegido para sucederlo, no tenía dudas acerca de salir de la Ópera. Tuve la idea de jugar más como un solista y de dedicándome a la "Quintette Arban", un conjunto de latón que había fundado en 1976 y que había empezado a hacer muy bien.


Libre?

Esta nueva libertad no sólo había resultados positivos. Thierry fue burbujeo con las ideas. Sus ambiciones le lanzó en innumerables actividades a pesar de sus muchos conciertos: en 1982 fundó "latón ir a Dijon", una academia internacional de verano, e invitó a los profesores extranjeros de renombre. Pasó sus energías y monry ricamente ... Después de varias sesiones de la multa memorable aventura llegó a su fin, la tesorería vacía. Thierry suspendido el ritmo frenético. En 1986, El Quintette Arban, después de 10 años de éxito de la ascensión a la fama mundial, lamentablemente, llegó a su fin. Thierry intentó de nuevo. Él creó el Festival Musical de Borgoña Vinos de cosecha, y al año siguiente fundó y asumió la dirección artística de la "Camerata de Bourgogne", una orquesta de cámara de 35 músicos, que fueron nobles iniciativas que poco a poco tomó aún más tiempo y energía.

Thierry seguido desempeñando y enseñar ampliamente, pero hubo muy poco tiempo para el estudio y la reflexión. Hizo grabaciones, a veces (demasiado) rápido. Se sentó en muchos jurados de las instituciones nacionales y el ministro de cultura le confió la coordinación de las clases de preparación de sus colegas para la enseñanza de los grados .... Trabajó para mantener la escuela francesa de la trompeta de mente estrecha querellas y hacer más coherentes los programas de enseñanza. Ha olvidado que él se había convertido en árbitro y los dos jugadores. Estas funciones le ganó algunos enemigos en su país y terminó retirándose de la posición. En 1988 se convirtió en director artístico de la "Musique au Chambertin" festival. Ha producido una serie de grabaciones de música francesa, todavía una gran idea que no ha pasado y como si esto no fuera suficiente, comenzó la organización de numerosas obras y se propuso a la composición.

En 1989 una nueva gran idea fue tomando forma en su mente y él juntos "Les CUIVRES Francais", grandes y versátiles de formación que reunió a muchos de la nueva generación de jugadores más calientes. Para este grupo lo hizo como lo había hecho la Quintette Arban: encargó muchas obras originales. También fundó la Asociación de Jugadores de latón y francés de la Gaceta de CUIVRES. A partir de ahí, fue sólo un corto paso a la idea de fundar una editorial francesa. Una vez más, esto trajo un poco más de preocupaciones, algunas más problemas que resolver. Thierry fue enredada en una red de innumerables actividades. Un hacedor compulsivo, es igualmente entusiasta en su pasión por la cocina (como su generosa cifra es elocuente testimonio). Que coquetea con el mundo del cine francés, sino que puede ser visto u oído en varias películas: él es el que toca la trompeta solista en la película "Cyrano de Bergerac" (Gerard Depardieu), con música original escrita por Jean-Claude Petit. En 1993 creó un gran desfile histórico, "Le Pas de Marcenay" ...

Finalmente me di cuenta de que yo había extendido demasiado delgada, en detrimento de mi verdadera vocación como músico y como organizador. Se podría pensar que estoy tratando de ser famosa por todos los medios, pero eso no es en absoluto! Me encanta llevar a cabo proyectos. He intentado poner en marcha muchas ideas que parecen tener un potencial, pero que la mayoría de las veces sólo dio lugar a decepciones y conflictos. Es la misma historia cada vez: la gente reacciona mal o la mitad a mi corazón el entusiasmo y, a continuación, lo dejo en manos y pasar a otra cosa ... dificultad proviene de la sensación de hacinamiento en un solo género; mis ambiciones van más allá de esto en todo tipo de cosas. Pero me acaban de ver que en querer hacer demasiadas cosas - sobre todo para otras personas - lo que pasa es que me olvido de cuidar de mi mismo.

Thierry Caens Hoy está trabajando para un mejor equilibrio entre sus actividades como un concierto de artista intérprete o ejecutante, su amor de la Borgoña campo (y su éxito actividades como organizador de eventos culturales), su disfrute de la organización y la composición y su vida familiar.


Un balance muy positivo

Aunque no es todo fue un éxito, y hay quienes se muestran críticos con él, también es cierto que ha Thierry Caens de casi dos décadas sido un extraordinario catalizador de latón en Francia, y que él ha hecho algunos logros impresionantes. Él se atrevió a realizar (un verbo que pocos saben cómo emplear en la primera persona) los proyectos y mantener el cuello fuera, tener posibilidades ... Al tomar esos riesgos ha dado y tomado algunas visitas, pero al mismo tiempo, ha aprendido muchas cosas útiles de la experiencia. Como trabaja en futuros proyectos en su tranquilidad y confianza, no hay duda de que Thierry Caens será sorprendente y deleitando a nosotros durante mucho tiempo para venir con su trompeta de oro y sus grandes ideas! El mundo de los hombres como las necesidades de latón Thierry Caens a hacer que las cosas sucedan! Fuente web del Thierry Caens

Los Tubatango

Los Tubantango
Los Tubantango formacion actual con el nombre de La Tubatango

Los Tubatango historia y biografia
El pasado de la Cuidad se mantiene vivo, no extraña entonces que surja un conjunto como"Los Tubatango" con un estilo evocativo, con un repertorio de ese entonces, y se imponga en poco tiempo. Creado por el bandeononistaentrerriano Guillermo Inchausty en el año 1967 y graban su primer LP en Mayo de 1968 llamado "Tangos del tiempo perdido" al poco tiempo "Bailonga", "En lo de Hansen", "Con tuba pero con onda", "Con tuba y rancho es la cosa", "Viento en popa", "Polkas, Valses y Milongas", "Del tiempo de antes", "Tubatangueando en el Palais de Glace", como verán en poco tiempo grabaron bastante y con mucho éxito.

Los otros músicos que acompañaban a Inchasty (bandoneón, arreglador, compositor) eran: En la tuba Angel Díaz , tubista de la Orquesta Sinfónica Nacional . Piluso en flauta, de la Sinfónica Nacional, del Teatro Colon y de la Orquesta Sinfónica de Mariano Mores. Alberto Remersaro en guitarra, acompañante de los Cantores Nacionales Edmundo Rivero, Héctor Maure, Jorge Vidal entre otros.

Después hubo otro cuarteto con el mismo nombre donde grabaron un disco llamado "Tubatangueando en el Palais de Glace" formado por:Antonio Rodríguez en tuba, Francisco Militich en flauta, Abel Terrilli en guitarra y Guillermo Inchausty en bandoneón y director del conjunto.

La Tubatango nace a fines del 2005 como nueva agrupación de la mítica y legendaria banda Los Tubatango.

Su objetivo es retroceder en el tiempo, revivir el espiritu festivo y picaresco del tango como lo fue en el 1900.

Combinando repertorio y estilo musical, vestimenta, instrumentos de manera particular, ya que es la unica orquesta de tango del mundo que utiliza tuba.

Su primer trabajo discográfico Bien Canyengue del sello Euro Records 2006.

La orquesta posee un formato de espectaculo para milongas, otro para eventos privados y también para teatros.

En su corta vida ha tocado y lo sigue haciendo en las mas prestigiosas milongas, eventos y festivales de tango.

Realizó numerosos viajes al interior del pais y estuvo de gira por Sur y Centro Amúrica en los meses de Octubre y Noviembre del 2006.