sábado, 1 de agosto de 2009

Stevie Wonder

Stevie Wonder
Stevie Wonder

Stevie WonderStevie Wonder


Stevie Wonder (nacido el 13 de mayo, 1950), es un cantante, compositor, productor discográfico, músico y activista social estadounidense. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido 24 premios Grammy (un récord para un artista vivo), entre ellos uno por logros en su vida, y ha sido incluido en el salón de la fama de Rock and Roll de los compositores famosos.

Ciego desde la infancia, Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas en la Motown, con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos álbumes y sencillos que fueron aclamados por la crítica; también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y el teclado. Los críticos refieren que la alta calidad y versatilidad de su trabajo indica todo el genio musical de Stevie.

Stevland Judkins nació prematuramente en Saginaw, Míchigan. La causa más probable de su ceguera fue la retinopatía del prematuro, que se produce al aportar oxígeno en la incubadora necesario para salvar la vida de los niños prematuros que nacen con pulmones inmaduros y ese oxígeno puede causar un crecimiento exagerado de los vasos que produce un desprendimiento de retina y ceguera. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.

En 1962, a los 11 años, Morris fue traído a Motown por Ronnie White de The Miracles, y Berry Gordy, presidente de la discográfica, contrató a Morris para Tamla-Motown nombrándolo Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo. A los 13, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público. Demostrando que de "Pequeño" no tenía nada, Wonder obtuvo otros éxitos musicales a mediados de los 60’s, incluyendo Uptight (Everything's Alright), With a Child's Heart, y Blowin' in the Wind, de Bob Dylan, una de las primeras canciones que reflejó la conciencia social de Wonder. También empezó a trabajar en el departamento de compositores de Motown, escribiendo canciones para sí mismo y para otros artistas . Hacia 1970, Wonder había alcanzado más éxitos importantes, como My Cherie Amour y Signed, Sealed, Delivered. Además de ser una de las primeras canciones en las que Wonder hace de compositor y productor, "Signed, Sealed, Delivered" fue uno de los principales escaparates para su grupo de respaldo Wonderlove, un trío que incluyó a Minnie Riperton, Deniece Williams, Lynda Laurence, y Syreeta Wright, con quien Wonder se casó el 14 de setiembre de 1970. Wonder y Wright se divorciaron 18 meses después, pero continuaron sus colaboraciones en proyectos musicales.

Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en refutar los métodos de operación de la discográfica: artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre el control creativo varias veces. Como respuesta, Motown lanzó un álbum con el nombre de Eivets Rednow a espaldas de Stevie Wonder. Las discusiones continuaron y, Wonder dejó que su contrato con Motown expirara, abandonando la discográfica en su 21 cumpleaños en 1971. El álbum final que precedió su salida fue Where I'm Coming From, lanzamiento al que Gordy se opuso fuertemente.

Esta es la época más gloriosa de Stevie quien abandonó definitivamente la coletilla de "pequeño Stevie" cuando se casó con Syreeta Wright, que trabajaba en el departamento de distribución de la Motown, y que colaboraría en la composición de algunos de los temas de los primeros álbumes de Stevie de los setenta. Su matrimonio no duró mucho, pero ambos continuaron cultivando una buena amistad hasta la muerte de Syreeta en el 2006. Tras divorciarse de Syreeta, Stevie se volvió a casar con otro miembro de la Motown, Yolanda Simmons, con la que tiene 2 hijos, Aisha Zakiya y Keita Sawandi.

EN 1972 Stevie conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, cencediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos al interno de una compañía tan férrea como era la Motown. El primer disco que Stevie grabó bajo esta nueva política fue Music of my Mind, en el que el cantante se hacía cargo, por primera vez en la historia, de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglista.

En el verano del 73, Stevie sufrió un accidente de tráfico que lo mantuvo en coma durante varios días y a consecuencia del cual el músico perdió el sentido del olfato, pero a pesar de este incidente, el resto de la déacada resultó gloriosa: De 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres "Albumes del año" seguidos por Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life , para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.

La década acaba con una banda sonora para el falso documental The Secret Life Of Plants, que a pesar de no cosechar el inmenso éxito comercial del disco anterior, obtuvo el disco
La década empieza con un nuevo trabajo, Hotter Than July, que recibe los 80 a ritmo de reggae con el hit, "Master Blaster", y que abre a Wonder a una audiencia más amplia. El artista inicia una lucha para conseguir que la fecha de nacimiento de Martin Luther King fuese declarado un día festivo en Estados Unidos. Efectúa colaboraciones importantes como "Ebony and Ivory", junto a Paul McCartney o "Just Good Friends", junto a Michael Jackson, y recibe un nuevo Grammy por "We are the world". Publica un grandes éxitos, Musiquarium, en el 82, con cuatro temas inéditos y en 1984 lanza The Woman In Red, para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción I Just Call To Say I Love You. Publica además los álbumes In Square Circle y Characters. La década acaba con la inclusión del artista en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989.

Hubo que esperar 10 años para una nueva publicación, que finalmente vio la luz en 2005 con el nombre de A Time to Love. El fallecimiento de personas cercanas y queridas para el artista como Syreeta Wright (su ex mujer y colaboradora en los 70), su madre Lula Mae Hardaway, su hermano Larry Hardaway, Ray Charles, Gerald Levert, Luther Vandross, significan un período triste para Stevie Wonder. Como nota positiva, Stevie recibe la notificación por parte de la Industry Association of America (RIAA) del certificado de 10 millones de unidades vendidas del mítico doble LP Songs in the Key of Life, siendo elegido dicho disco también para formar parte de "Library of Congress" (la biblioteca del congreso estadounidense).

La lista del 2003 de la revista "Rolling Stone" con los 500 álbumes más grandes de toda la historia incluyó cuatro de Stevie Wonder, además en el 2008 la misma revista le consideró uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos.

En 2006 grabó junto a Andrea Bocelli, "Canción Desafinada - Canzoni Stonate". En 2007 realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continúa al año siguiente por Europa, Canadá y Australia.

Durante la campaña presidencial estadounidense de las elecciones de 2008, Stevie manifestó su apoyo al candidato demócrata Barack Obama.

El 23 de febrero de 2009 recibió el Gershwin Prize otorgado por la librería del congreso de los EE.UU. por su contribución a la música y expansión de la cultura en general. En marzo de ese mismo año publicó su primer DVD oficial, su título Live at Last, con el contenido de su concierto celebrado en octubre del año anterior en Londres.

En la ceremonia de entrega de los premios Gammy's 2009 actuó junto a los Jonas Brothers, interpretando "Burnin' up" y "Superstition".

Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Entre sus futuros proyectos discográficos se cuentan The Gospel Inspired by Lula, un álbum de gospel en homenaje a su madre fallecida en el 2006, y otro titulado Through the Eyes of Wonder. Fuente Wikipedia

jueves, 30 de julio de 2009

Javier Solis

Javier Solis
Javier Solis

Javier SolisJavier Solis


Javier Solís
Gabriel Siria Levario Nogales (Sonora), México, 1 de septiembre de 1931 - † Distrito Federal, México, 19 de abril de 1966, ), fue un cantante y actor mexicano, conocido también como el «Rey del Bolero Ranchero».

Fue el primero de los tres hijos del matrimonio formado por Francisco Siria Mora de oficio panadero y Juana Levario Plata, comerciante, quienes trabajaban en la frontera por el tiempo que nacio Gabriel, posteriormente se trasladaron al Distrito Federal donde su madre poseía un puesto de venta en un mercado público y debido al abandono por su esposo y al tiempo que le demandaba su trabajo, decidió en Abril de 1932 dejar a Gabriel en casa de sus tíos Valentín Levario Plata y Ángela López Martínez. De hecho, el futuro artista siempre los consideró sus verdaderos padres.

Logró estudiar hasta el 5º año de educación en escuelas ubicadas en el barrio de Tacubaya, donde creció. En estas escuelas, comienzan sus inquietudes artísticas, pues solía participar como cantante en los festivales escolares. Sin embargo, deja de asistir a la escuela, para ayudar en los gastos domésticos y trabaja como recolector de huesos y vidrios. Posteriormente, trabajó trasladando mercancías en un automercado. En noviembre de 1939, fallece su madre adoptiva lo cual le afectó durante mucho tiempo. Sin embargo, el futuro cantante debió sobreponerse y continuó trabajando en oficios como panadero, carnicero, cargador de canastas en el mercado y lavador de automóviles. Luego se interesaría por el deporte, llegando a ser gran aficionado al box, al béisbol y al futbol.

Sin embargo es su inquietud de cantar, la que hace que empiece a cantar tangos y a presentarse en lugares públicos de espectáculos, conocidos como carpas. Su primera oportunidad, se la ofreció Manuel Garay, quien era payaso de profesión y administrador del Teatro Salón Obrero. Ahí fue donde se puso como sobrenombre artístico Javier Luquín y participaba en concursos de aficionados, llegando a ganar en más de una ocasión un par de zapatos donados por una zapatería del lugar. Continúa trabajando en carnicerías y en una de ellas, su propietario David Lara Ríos, dándose cuenta de las habilidades del joven intérprete le paga clases de canto con el Maestro Noé Quintero, quien había sido maestro de vocalización de cantantes reconocidos para la época.

Comienza una nueva etapa, actuando en restaurantes y formando el "Dúo Guadalajara" y luego integrando el "Trio Flamingo", llamado después "Trio México", con sus amigos Pablo Flores y Miguel Ortiz Reyes. A principios de 1948, continúa trabajando como carnicero y se inicia como intérprete solista de música ranchera cantando en las noches con grupos de mariachis en la "Plaza Garibaldi" y en la Calle Honduras, en la capital mexicana. Después canta en los restaurantes "El Tenampa" y el "Guadalajara de Noche", donde se hacía acompañar del mariachi "América" de Alfredo Serna. Como no tenía sueldo fijo, sus ingresos provenían de las propinas que recibía. Ese mismo año, por primera vez participa en un concurso radial, sin usar su seudónimo y, al finalizar el año, mientras cantaba en la "Plaza Garibaldi" el General Rafael Ávila Camacho lo contrata junto al grupo de Mariachis "Metepec" por un año para actuar en Atlixco, Puebla. Esta gira es muy importante, ya que fue la primera del artista como Javier Luquín. Al finalizar la gira, es contratado en un cabaret como cantante y animador, enfrentando diversa clase de público.

Durante algún tiempo se le consideró un imitador de Pedro Infante, pero gradualmente fue reconocido como un talento con identidad propia y con más facultades vocales que el "Ídolo de Guamúchil".

En 1950 graba sus primeras creaciones: "Punto negro", "Tómate una copa", "Virgen de barro" y "Te voy a dar mi corazón" las cuales fueron realizadas en un pequeño estudio de grabación destinado a artistas aficionados y que pertenecía a la sala de cine "Cinelandia" con sus amigos integrantes del Trío Los Galantes. Sin embargo, el cantante sólo hizo estas grabaciones en discos de acetato para mostrarlas a sus amistades y las entregó como tarjeta de presentación a la disquera Columbia cuando fue contratado por ésta en el mes de enero de 1956. Posteriormente la Compañía CBS/Columbia Internacional incluiría las dos últimas en el LP "Homenaje a Javier Solís", editado en 1990 y "Punto negro" lo sería en triple LP "36 éxitos de Javier Solís" que apareció en el mercado en el año 1969.

A principios de 1955, es contratado para cantar en el "Bar Azteca", donde permanece por espacio de 4 años. Es aquí donde, a sugerencia de su amigo Manuel Garay, cambia su seudónimo a Javier Solís con el cual lograría la fama artística. A mitad de ese mismo año, lo escucha cantar en el local Julito Rodríguez, en ese entonces, guitarrista y primera voz del Trío Los Panchos, Julito Rodríguez es quien lo recomienda para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director artístico de Discos Columbia de México (hoy SonyBMG Music). Gabriel Siria, ahora convertido en Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para grabar su primer sencillo a fines de 1955. Dicho disco sencillo contenía los temas "Que te importa" y "Por qué negar". El sencillo obtiene éxito en el interior de México y, gracias a ello, es contratado formalmente el 15 de enero de 1956. Se dice que, como parte de este trato, Javier Solís entrega la cinta que contenía los temas antes mencionados y la compañía la archivó por varios años, dando a conocer los temas, años después de su fallecimiento.

Un hecho inesperado, retrasa el lanzamiento de su primer álbum. El día del sepelio del actor y cantante Pedro Infante es motivo para que Solís, subiera a una cripta del cementerio a entonar la ranchera Grito Prisionero, imitando la vocalización del fallecido intérprete.

Solís continuó haciendo presentaciones en el "Bar Azteca" y también en un espacio de la emisora mexicana XEW. Recibe su primer Disco de Platino por las altas ventas de su primer sencillo, el día 5 de septiembre de 1957. Como consecuencia, graba su primer álbum Javier Solís, Volumen I añadiendo a los temas de su disco sencillo, 6 canciones más. Aquí se inicia la leyenda del artista, en cuanto atañe a su vida privada pues en el prefacio de este LP se asegura que su nacimiento ocurrió en el estado mexicano de Sonora, lo cual desmintieron las investigaciones periodísticas posteriores. Su consagración definitiva fue cuando grabó el tema Llorarás Llorarás (que formó parte del álbum del mismo título) en 1959, cuando Valdés Leal logró con consejos que Solís abandonara su estilo imitador. En lo sucesivo, su carrera fue meteórica, ya que aunque duró solamente 10 años, grabó 379 canciones y se convirtió en uno de los cantantes más famosos de la historia en México.

En 1959, durante su primera gira promocional hacia Estados Unidos, la disquera preparó un álbum contentivo de valses de origen mexicano en el cual el acompañamiento no sería efectuado con mariachis sino con una banda sinfónica conformada por músicos mexicanos y estadounidenses con arreglo y dirección del músico Fernando Zenaido Maldonado. El álbum, titulado Javier Solís Con Banda fue grabado en los estudios de Columbia Records en la ciudad de Nueva York en uno de los primeros trabajos de Grabación Multipista llevados a cabo por artistas latinoamericanos. Las ventas iniciales de este LP se destinaron a organizaciones de caridad, pero tuvo poca aceptación en México. Sin embargo, varios años después fue digitalizado. Curiosamente, en 1963 la disquera toma la pista de voz de esta grabación y sustituye el acompañamiento de banda con el del Mariachi Nacional de Arcadio Elías. El álbum resultante se denominó Valses Mexicanos, que al ser digitalizado se titularía Valses. Es la primera reconstrucción técnica llevada a cabo con la voz de Solís, aún en vida, aunque esto no lo sabrían algunos fanáticos del cantante sino varios años después, gracias a los avances en las técnicas de computación y multimedios que permitieron hacer la comparación posterior.

Al año siguiente (1960), en una nueva gira en Estados Unidos, emprende un proyecto muy diferente pues graba boleros con acompañamiento de orquesta de estudio dirigida por quien después sería su amigo, el músico estadounidense Chuck Anderson. Este álbum fue denominado Javier Solís en Nueva York y tenía como fin, según palabras del cantante, ponerlo al nivel de otros artistas de géneros románticos demostrando su versatilidad. Este disco tardaría un tiempo en salir al mercado, debido a la aceptación del cantante como artista del género ranchero.

En 1962 y 1963 graba dos de sus discos más célebres: "Fantasía Española" y "Trópico", con canciones del Músico-poeta Agustín Lara, convirtiéndose así en uno de sus mejores intérpretes. Con las interpretaciones de Javier Solís inicia una nueva era para la música de mariachi dejando atrás los sones y la temática campirana para incorporar la lírica urbana y las adaptaciones de canciones latinoamericanas, logrando refrescar el género y el interés del público por la música ranchera.

Hoy en día cuenta con un gran número de admiradores y sigue siendo uno de los mayores vendedores de discos.

Al iniciarse el año de 1966, Solís emprende un nuevo proyecto discográfico grabando algunas de las canciones más conocidas de los compositores puertorriqueños Rafael Hernández y Pedro Flores. Sin embargo, debido a sus padecimientos de salud, solo alcanzó a poner la voz a ocho de las pistas preparadas del nuevo álbum, aunque llegó a terminar su álbum Javier Solís Con Orquesta. Por consejo médico, el 12 de abril de ese año, Solís se internó en la "Clínica Santelena" de México D.F. para operarse de la vesícula biliar. Sin embargo, hasta el momento, se han recogido 4 diferentes versiones de su enfermedad y fallecimiento, sin que se tenga por válida ninguna de ellas. Una de estas versiones, la más difundida en la red Internet, dice que luego de su operación, el artista desoyó la prohibición médica de tomar agua fría, lo cual le produjo un paro cardíaco. Otra versión afirma que fue operado de apendicitis, pero que una pinza fue dejada en su organismo, lo cual ocasionó su muerte. En otra se indica que los padecimientos de Solís eran prostáticos. Finalmente, su amigo, el ya fallecido músico y arreglista estadounidense Chuck Anderson, decía que luego de su operación, el artista lo visitó el día 18 y le manifestó que le habían dado de alta, que se sentía bien y que en la noche asistiría a una fiesta. Al día siguiente, Anderson se enteró de la repentina muerte del artista.

El 20 de abril, en medio de manifestaciones de dolor su cuerpo fue inhumado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México, lugar donde ha permanecido su cadáver desde entonces. Poco después, la disquera presentó las canciones dejadas por Solís, añadiéndoles a las pistas de estas interpretaciones, recitados escritos por el actor Ángel I. Fonfrías y declamados por el ya fallecido actor y locutor Guillermo Portillo Acosta. Este último álbum fue denominado Homenaje Inconcluso A Rafael Hernández y Pedro Flores, el cual tuvo tales ventas, que años después fue digitalizado. Fuente Wikipedia

miércoles, 29 de julio de 2009

Luciano Leocata

Luciano Leocata Luciano Leocata
Luciano LeocataDe izquierda a derecha:Mejias, Villy, Leocata y Perry. La linea de bandoneones en la Orq. de Jose Tinelli en 1936


LEOCATA, LUCIANO
(25 de septiembre de 1915) – Bandoneonísta, director y compositor.
Comenzó a estudiar bandoneón en su adolescencia siendo sus primeros maestros José Lopresti y Juan Barraco.
Era todavía muy joven cuando comenzó a trabajar en la orquesta de Juan Pedro Castillo, pasando mas tarde
a la de José Tinelli, con quien actuó en Radio Stentor, una de las emisoras pioneras de nuestra radiofonía.
Prosiguió su labor como bandoneonísta junto a Florindo Sassone, orquesta en la que se mantuvo durante quince años, acompañando al maestro director en actuaciones por Radio El Mundo y numerosas giras por el interior del país.
En 1944, bajo la dirección de Enrique Alessio, fue componente de la orquesta que acompañó al cantor Alberto Castillo, manteniéndose en la misma durante diez años.
Para mediados de 1950, el cantor Héctor Pacheco deja la orquesta de Osvaldo Fresedo, es así que el cantor convoca al maestro Luciano Leocata, labor que mantuvieron durante cuatro años.
En 1959, forma su propia agrupación comenzando con sus actuaciones por Radio Belgrano, emisora a la que perteneció durante seis años, a la par, la orquesta se presentaba en diversos locales nocturnos tales como el Marabú, Sans Souci y El Avión del barrio de la Boca. También para ese mismo año comienza a grabar para el sello Music Hall. Su orquesta estaba integrada por: José Libertella, Oscar Bassil, Pajarito Candelaro y un alumno del maestro de apellido Colía, que junto al director componían la fila de bandoneones. Los violinistas: Leo Lipesker (primer violín), y Gonzalez un ex integrante de la orquesta de Carlos Di Sarli el piano a cargo de Parodi y Guerra en contrabajo.
En el año 1996, el sello Vaiven lanzó a la venta un disco compacto conteniendo 19 versiones, que hoy publicamos.
Tuvo como vocalistas a Oscar Macri, Norberto Roldan, Roberto Chalean, Jorge Fiorentino y Alberto del Valle.
De su labor de compositor sus mejores logros estuvieron asociados al letrista Abel Aznar, quienes dejaron compuestos varios éxitos entre los años 1948 a 1955., con una particularidad muy especial, todos los títulos llevaban la letra (Y) y tres puntos suspensivos en su comienzo siendo algunos de estos títulos, Y…volvemos a querernos, Y… mientes todavía, Y… todavía te quiero, Y … todo es mentira, perteneciéndole además Aquel regalo, No quiero perderte y muchas obras más
El porque de editar obras con la “Y”, relataba el maestro, que el primer tango que compuso con letra de Abel Aznar, se llamaba Volvemos a querernos, lamentablemente cuando llegaron a SADAIC, les informaron que ya había un tango registrado con ese nombre, fue en ese momento que agregaron la letra “Y…” comenzando a partir de entonces con una larga lista de títulos con la misma modalidad, obras que todavía se hallan vigentes.
Los datos de esta pequeña biografía son el extracto de una conversación mantenida con el maestro director el 28 de febrero de 1996, en el Museo de SADAIC, lugar donde se desempeñaba como director del mismo, labor que siguió manteniendo a través de los años. Héctor Palazzo Por El Tango y sus invitados

martes, 28 de julio de 2009

Nicolas D'Alesssandro

Esta breve Biografia del maestro Nicolas D'Alessandro, se complementa con el informe del trabajo titanico para poder editar este LP
En nuestro género, suele ocurrir que excelentes instrumentistas y capaces directores orquestales no lleguen a a la cupide de sus aspiraciones a pesar de de sus merecimientos. Este es el caso de Nicolas D'Alessandro, bandoneonista, compositor y director cuya discografia es escasa en proporcion a sus meritos interpretativos. Por ello para efectuar este trabajo de recopilacion nos vimos en la necesidad de recurrir a acetatos (78rpm) particulares con las naturales deficiencias tecnicas y el logico desgaste por el tiempo transcurrido.
Pero no obstante, las dificultades expuestas ofrecemos la publico estos inhallables registros en la seguridad-que valen la pena-.
Al promediar el año 1943 se se presenta ante los microfonos de L.R.1 Radio El mundo, el maestros Nicolas D'Alessandro con su cantor Carlos Dante, que se hallaba alejado del ambiente artistico dedicado a otras funciones. Fue a instancias del violinista Norberto Bernasconi perteneciente al plantel de la orquesta, que el cantor se reincorporo al ambito musical colaboradondo esta agrupacion por el lapso de 6 meses haciendo radio y Cabaret Marabú. De esta unio hemos rescatado 4 notables relizaciones: Soñar y nada mas, Cuando no existas mas, Uno y Juan Tango. Paginas pertenecientes al primer quinqueño de la famosa decada del 40. Al mismo tiempo este antologico larga duracion nos brinda la oportunidad de volver a disfrutar de otra de nuestras mas importantes voces: la de Carlos Acuña, actualmente radicado en la madre patria donde actua con singular suceso. En efecto estee voclaista actuo durante dos temporadas veraniegas en la desaparecida boite del Casino de Mar del Plata, de donde fueron tomadas estas dos memorables versiones: Vieja Carreta Cuando te vuelva a ver, ambas pertenecientes al director de la orquesta.
En la faz B del siguiente LP se presenta al notable conjunto del maestro Nicolas D'Alessandro en seis realizaciones puramente orquestales donde nos demuestra su capacidad de conducion.Fuente; Hector Ernie en el año 1972

lunes, 27 de julio de 2009

Anja Stoehr

Anja Stoehr con Puro ApronteAnja Stoehr con Puro Apronte

Anja Stoehr con Susan a Pocs y Marcelo RaigalAnja Stoehr con Susan a Pocs y Marcelo Raigal

Anja StoehrAnja Stoehr


Anja Stoehr es una actriz y cantante que une y representa los dos géneros de manera única logrando asi la combinación excelente que le permite convencer en todo aspecto artistico. Anja Stoehr se educa en Hamburgo, Alemania. Después de terminar la educación secundaria sigue cursos de castellano y de danza en Barcelona. Luego de su formación como actriz en la escuela del Volkstheater Wien (Viena, Austria), actúa en numerosos teatros en Alemania, Austria y Suiza, como por ejemplo en el Volkstheater Wien y el Landestheater Salzburg.

Entre los trabajos actorales de Anja Stoehr se encuentran los paples de "Rose" en "Die See" (The Sea) de Edward Bond, "Esther" en "Spiel um Zeit" (Playing for Time) de Arthur Miller, "Helena" en "Ein Sommernachtstraum" (A Midsummernight's Dream) de William Shakespeare, "Recha" en "Nathan der Weise" de Gotthold Ephraim Lessing, "Hazel" en "Trauer muss Elektra tragen" (Mourning becomes Electra) de Eugene O'Neill, "Silvia" en "Die Unbestaendigkeit der Liebe" (La double inconstance) de Pierre Marivaux y "Emmeline" en "King Arthur" de Henry Purcell.

Su última realizacion escénica fue la versión dramatizada de sonetos de Shakespeare, desarrollada junto al actor y director Andreas Hueck. Dicho proyecto tuvo su estreno en Potsdam, Alemania. Desde 1995, Anja Stoehr aparece en películas y series de televisión, podemos citar "Soko Kitzbuehel" (2001-2004 papel continuo como la "médico forense Dr. Pfaundler"), dirección: Hans Werner, Stefan Klisch y otros; "Sinan Toprak ist der Unbestechliche" (Sinan Toprak es el incorruptible) , dirección: Andreas Prohaska; "Die schoene Braut in Schwarz" (La bella novia de negro), dirección: Carlo Rola y en "Dr. Schwarz und Dr. Martin" bajo la dirección de Bernd Fischerauer.


En paralelo a su trayectoria como actriz, Anja Stoehr desarrolla su carrera como cantante de tango. Viaja reiteradamente a Argentina,trabaja tanto allá como en Alemania con diferentes músicos de tango. Inicia asi su exitosa carrera musical, acompañada por artistas de primera, tales como los guitarristas y compositores Quique Sinesi, Sergio Gobi y Carlos Mieres, y el pianista y compositor Marcelo Raigal, así como el trío "Puro Apronte", y otros.
Cabe agregar que durante el renombrado "Festival Internacional de Mayo" 2004 del Staatstheater Wiesbaden, cantó junto con su "Trio Poetango" con tal brillo, que fue invitada por los organizadores a dar el concierto final del festival consecutivo "Nuevas piezas de Europa". El repertorio actual de Anja Stoehr abarca desde el Tango tradicional y Tango Nuevo hasta composiciones jazzeadas, pasando por el folclore sudamericano y canciones del Cabaret alemán. Su musicalidad,su creatividad, su perfecto dominio del idioma castellano, su acento argentino, así como la dedicación que imprime a la poesia de cada tema, convierten sus actuaciones en verdaderas experiencias inolvidables.

En su primer álbum "Baladas para el tango" (Danza y Movimiento /EFA 2001), la artista interpreta, acompañada por el pianista Micky Landau, una selección de tangos que va desde Gardel hasta Piazzolla y Dolina. Fuente web de Anja Stoehr.

domingo, 26 de julio de 2009

Libertad Lamarque

Libertad Lamarque Libertad Lamarque

Libertad Lamarque en 1925Libertad Lamarque en 1925



LAMARQUE, Libertad. Cancionista. Actriz. (24 de noviembre de 1908 - 12 de diciembre 2000)
Alternó desde su joven aparición durante la década del veinte junto a Rosita Quiroga, Azucena Maizani, Sofía Bozán, Ada Falcón y Tita Merello, entre las cancionistas que crearon con toda originalidad el repertorio de modalidades vocales femeninas del tango.
A Montmartre —de Delfino y González Castillo— es una interpretación de la primera instancia de su carrera que informa nítidamente de su personalidad: voz de soprano, extremadamente aguda —que fue cambiando de color con el paso de los años— y sobresalientes aptitudes dramáticas y musicales que refrendó en admirables realizaciones como Puerta cerrada, Después, Tal vez será mi alcohol, Tristezas de la calle Corrientes y Te lloran mis ojos, culminación de un exquisito estilo.
Nació en Rosario, provincia de Santa Fe el 24 de noviembre de 1909. Vivió parte de su infancia en Montevideo. Comenzó su trayectoria en los teatros porteños consagrados al género chico, en especial en las salas de Pascual Carcavallo, participando asimismo en el rodaje de algunas películas argentinas del período mudo como Adiós Argentina (1926) bajo la dirección de Mario Parpagnoli. Grabó entonces su primera placa en Odeón: íntimas y Déjalo (1926). Fue poco después contratada para la casa Víctor para la grabación de discos que desde Gaucho sol y Chilenito (1927), difundieron su labor consagrada luego en plenitud, con su acceso a la cinematografía sonora. En 1933 compartió créditos con populares figuras de la canción en Tango, película que dirigió Luis Moglia Barth y en 1935 a las órdenes de Mario Soffici, protagonizó El Alma del Bandoneón.
Para sus diversas actuaciones radiales y fonográficas de esa época fue secundada en su labor por Héctor Artola (bandoneón), Antonio Rodio (violín) y Alfredo Malerba (piano); con éste celebró su segundo matrimonio. Su definitiva consagración llegó a partir de 1936 cuando co-menzó una serie de películas realizadas bajo la dirección de José A. Ferreyra que la con-virtieron en la máxima atracción de la pantalla nacional con proyecciones continentales: Ayúdame a Vivir (1936), Besos Brujos (1937) y La Ley que Olvidaron (1938). Posteriormente interpretó otras: Puerta Cerrada (1939) y La Casa del Recuerdo, dirigida por Luis Saslavsky; Madreselva (1938) y Caminito de Gloria (1939), dirigida por Luis César Amadori; La Cabalgata del Circo (1945) dirigida nuevamente por Soffici. En 1947, por razones de índole política, se radicó en México donde continuó su triunfal carrera. Café de los angelitos, Ayúdame a vivir, Sombras nada más, Besos brujos y Madreselva, son versiones inseparablemente asociadas a su personalidad y a su paso por los estudios cinematográficos argentinos, todas registradas para el sello Víctor; grabó durante la década del cincuenta algunos temas secundada por la orquesta de Juan D'Arienzo. Desde 1936 en adelante su acompañamiento orquestal fue dirigido por Mario Maurano y luego invariablemente por Alfredo Malerba. Fuente Horacio Ferrer