viernes, 16 de octubre de 2009

Cuatro Vientos

Cuatro VientosCuatro Vientos


A lo largo de su trayectoria el excelente nivel musical del cuarteto se ha complementado siempre con situaciones teatrales, toques de humor y coreografía.
La música dispara los sentidos, emerge indisolublemente de la actuación, de la comicidad y de las líneas narrativas del relato escénico, homogeneizando los diversos lenguajes y soportes artísticos.
La imbricada relación entre cuerpo, instrumento, música y acción escénica se constituye como fórmula de desplazamiento continuo que provoca el asombro y la risa.
Cuatro Vientos tiene una importante discografía, con enriquecedoras contribuciones de Les Luthiers, Chango Spasiuk, Gerardo Flach, Andrés Calamaro, Bob Telson y Lalo Mir.
El repertorio del grupo danza entre los más variados estilos musicales, este eclecticismo – paradójicamente - se ha convertido en el estilo característico de Cuatro Vientos.
Desde sus comienzos la compañía estuvo cerca de las comunidades educativas y culturales, aportando una visión desacartonada de la música y del placer de ejecutarla que caracterizó siempre sus presentaciones. En la actualidad se encuentra desarrollando una intensa actividad con orquestas y bandas juveniles en nuestro país y en el exterior, muchas de ellas funcionan dentro de proyectos sociales y de un nivel musical admirable.
Sus espectáculos anteriores fueron: Sudestada (2006), Cuatro vientos15 años (2003), Pobrecitos los tramposos (2001), Alma de saxofón (1999), La Tempestad (1997), Música para tirar al techo (1996), El saxo mágico (1994), Soplando una historia a los cuatro vientos (1988).
En estos 21 años de trayectoria han sido muchas las participaciones del grupo con otros artistas, entre las cuales se destacan las realizadas con el grupo Tangos y Tragedias de Porto Alegre (Brasil), Opus 4 (Argentina), Geraldo Flach (Brasil), Marcos Mundstock (Les Luthiers), Lito Vitale (en TV), Fuente Web de Cuatro Vientos

jueves, 15 de octubre de 2009

El tango en alemania

Gabriela Amalfitani y su pareja Esteban DomenichiniGabriela Amalfitani y su pareja Esteban Domenichini

En la presentacion de Tanguera en Colonia Alemania en 2008


Desarrollo de El Tango Alemania en la actualidad.

El tango, el baile favorito en Berlín
Los alemanes tienen problemas con la distancia, en la vida y en el baile, dice un mito popular. Pero cuando de tango argentino se trata, la realidad es otra, porque ése es uno de los bailes preferidos de su capital, Berlín.
En las noches berlinesas y cuando suenan los primeros acordes del bandoneón, los cuerpos se juntan formando una sola silueta que se desliza a lo largo de grandes salones al compás del ritmo melancólico del tango.
La imagen se repite cada noche en algún punto de la ciudad, que se ha convertido en la capital europea del tango, la amante fiel de ese arte, al tener alrededor de 60 milongas dispuestas a recibir a los apasionados de este ritmo.
En realidad no son tantas considerando el fervor que existe. "Se puede pensar que al ser casi 60 milongas en la ciudad, puede haber mucha competencia e incluso que son demasiadas, pero no. Cada una tiene su público específico y ninguna compite con otra porque son diferentes entre sí", aseguró Jacqueline Tauil, propietaria de la milonga "Madreselva".
"Además hay demasiada gente a la que le gusta el tango, así que hay público suficiente para todas", agregó.

Desde hace más de 20 años, ese baile ha cautivado el gusto de alemanes y demás extranjeros que habitan Berlín. El alemán Thomas Henschel es uno de ellos. De joven aprendió a bailar diversos ritmos, pero un viaje a Italia definió el que sería su preferido. "Conocí a una chica que bailaba tango y ahí comenzó todo", dijo.

Hoy, Henschel es el propietario de "Haus der Sinne", un espacio artístico que desde hace una década dedica dos días de la semana al disfrute del tango.

¿Que por qué gusta tanto este baile? Cada persona tiene motivos diferentes para acercarse a ese ritmo, pero sin duda hay un común denominador: es un baile que permite y fomenta la cercanía entre las personas.


"Me gusta el tango porque cuando bailas es una relación íntima la que mantienes con tu pareja y además es algo que está permitido dentro del baile. Es también muy libre porque no tienes que mantener siempre una misma coreografía", explicó Henschel.

Con él coincide Jacqueline Tauil, propietaria de la única milonga que está a cargo únicamente de argentinas en Berlín. "En el tango los roles masculino y femenino están muy marcados. En este lado del mundo el rol de la mujer se ha emancipado tanto y han llegado a alcanzar un nivel tan igualitario que me parece que en el tango la mujer encuentra nuevamente un lugar femenino. Y eso les gusta a ellas", explicó la joven bailarina.

"Además de eso, creo que también gusta el ritmo por el contacto que hay entre la pareja. Alemania es una sociedad que no se toca en público y dentro del tango está permitido", explicó.

En Berlín es posible encontrar las típicas milongas que sólo se ocupan del tango tradicional pero también aquellas consideradas "underground", en donde lo que predomina es el ritmo del "electro tango", ese nuevo género que fusiona los ritmos rioplatenses con las diferentes expresiones de la electrónica.

Hay milongas también no sólo para los amantes del baile, sino de la música. "Madreselva" es por ejemplo, la que ofrece todos los lunes música en vivo y sus asistentes no siempre son gente que sepa bailar, sino amantes de la música. En otras, el tango no es el único ritmo que se toca, sino que los bailarines aceptan ritmos diferentes como jazz e incluso cumbia o salsa.

Muestra de la "tangomanía" alemana, son los 16 festivales que la embajada de Argentina en Berlín tiene registrados para esta primavera (boreal). Durante mayo y junio las ciudades de Berlín, Leipzig, Hanóver, Bonn, Fráncfort, Wuppertal, Múnich, Saarbrücken y Hamburgo organizan certámenes y jornadas de tango. Berlín y sus tangueros de corazón se preparan ahora para devorar la novena edición del certamen más importante del país, el Festival Internacional de Tango de la ciudad, que se extenderá del 28 de mayo al primero de junio.

Fuente; Yetlaneci Alcaraz, Agencia Alemana de Prensa (dpa), a 28 de abril de 2009

Hyppertz de Heinz y Marek Weber

En su mayoria los directores de orquestas de Tango de Alemania ejecutaban Jazz.
Se toma a dos de los directores como referencia para desarrollar su biografia

Hyppertz de Heinz

Hyppertz de Heinz




HUPPERTZ de Heinz (b. 1902 en Krefeld, Alemania--d. 1972 en Berlín), director alemán, virtuoso del piano y violín. Como un hombre joven había estudiado en la escuela de música de Krefeld y más tarde, en el Conservatorio de Colonia. A finales de los años veinte, formó su propia orquesta para una contratación en Berlín ("café Schön" en Unter den Linden y otros). En 1932 su orquesta se convirtió en la banda de la casa de la „ Rio Rita"barra de noche en el 12 de Tauentzienstrasse (Charlottenburg)--uno de los lugares que estaba mas de moda reunión para las altas clases de Berlín en 1930. Tenía varias salas y las paredes decoradas con escenas de la vida de una bailarina española, Rita de Río. Durante este período Huppertz hizo muchas grabaciones, principalmente en "Odeón". Cuando terminó la segunda guerra mundial, él y su orquesta toco principalmente en los torneos deportivos . „ Rio Rita", así como en esta parte de Berlín, fue convertido en ruinas. En 1962 ultra moderno Europa-Center se erigió en esta área.


Marek Weber

Marek Weber




Marek Weber Orch.
25 de octubre de 1888, Lemberg (Galizia); d:, 9 de febrero de 1964, Chicago, IL, Estados Unidos.
Instrumento: violín.
En 1906, a la edad de 17, años Marek llegó a Berlín, donde estudió música en el Conservatorio de Stern. Con sólo 20 años de edad, formó su propia banda que se oyó en Schoen de café de Berlín y el café de Eden y Esplanade Hotel. En 1926, estaba residiendo en el famoso Hotel Adlon de Berlín. También se escuchó su orquesta en conciertos, en las Schauspielhaus grandes, entre otros lugares. Aquí es la orquesta de Marek Weber, ca. finales de los años veinte, toco "es Muß fue Wunderbares Sein" ("it must be maravillosos") y, a continuación, el encantador tango "Sündig und Süss". En 1929, Weber grabó la canción visitas "Está la crema en mi café", CA 1933, Weber llevó lo que puede ser descrito como una orquesta de hotel de ciudad de Berlín "clásica", - quizás el más conocido al lado de la Dajos Bela Orchester. En 1933, viajó a Inglaterra, donde apareció en películas y más tarde viajó a Suiza y muchos otros países europeos. En 1937, Marek emigró a Estados Unidos, donde encontró una carrera en primer lugar como "Rey del vals de la emisora de radio" y luego como propietario de una granja. A continuación presentamos algunas fotos de Marek Weber cuando estaba en la América líder de la orquesta en la leche comprimido Clavel, programa de radio. (El espectáculo fue emitido durante la "Red" de NBC red, cuya estación principal fue WEAF en la ciudad de Nueva York. NBC también propiedad de la red "Blue" cuya estación principal fue WJZ también en Nueva York. Para aquellos interesados en estas cosas, NBC también contribuyó a formar 'Negro', "Naranja" y "Gold" red. El "Blue" fue finalmente vendida a Noble Edward que cambió el nombre ABC.) Durante su carrera, fueron sus bandas registrado innumerables veces, y Marek había un gran éxito con su grabación de 1927 de "Crazy palabras".

miércoles, 14 de octubre de 2009

Los Fabulos Cadillacs

Los fabulosos cadillacsLos fabulosos cadillacs

Los fabulosos cadillacsLos fabulosos cadillacs


Los Fabulosos Cadillacs es una banda argentina proveniente de Buenos Aires. Fundada en 1985, esta banda es considerada una de las más influyentes y exitosas del llamado "rock latino".

4 de sus álbumes han sido incluidos en la lista de los 250 álbumes más influyentes del rock iberoamericano: La marcha del golazo solitario (Nº 176), Rey azúcar (Nº 164), Fabulosos Calavera (Nº 76) y Vasos vacíos (Nº 7).También su álbum "El león", está en la posición número 21 del ranking "Los 100 mejores discos del rock nacional" de la revista "Rolling Stone".La canción "Matador" de su álbum "Vasos vacíos" es considerada la mejorcanción del rock latino en toda la historia y está en la posición número 40 del rock argentino. En 1994 el videoclip de la canción recibió el primer premio Video de la gente por la cadena MTV Latinoamérica y en el año 2000 recibió este premio el video de la canción "La vida" por MTV Latinoamérica sur.[7] [8] Además este tema ha salido 2 veces en la primera posición de los rankings hechos por MTV Latinoamérica, el primero en la celebración de los 10 años de la cadena y después en la celebración de los 15 y logró el segundo puesto en el ranking de Los 100 videos más MTV. En al año 2008 recibieron el Premio Leyenda de la cadena MTV Latinoamérica. Actualmente se encuentran terminando su gira mundial de promoción del disco "La luz del ritmo", llamada "Satánico Pop Tour", y en pocas semanas lanzarán su nuevo disco "El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs".Los Fabulosos Cadillacs comenzaron en el año 1985, cuando se juntaron Mario Siperman, Anibal Rigozzi, Gabriel Fernández y Flavio Cianciarulo. Ninguno de ellos sabía de música, pero formaron una agrupación sólo por el gusto de tocar siendo una banda underground. Luego de un tiempo fueron ingresando nuevos integrantes hasta llegar a ser ocho. Su primera presentación oficial con el nombre actual fue en un colegio de la ciudad de Buenos Aires, con una presentación que no fue muy aceptada por el público.

En los inicios de la banda, tocaban en bares y pubs, siendo fundada por: Gabriel Fernández (Vicentico), líder y voz principal del grupo, Flavio Cianciarulo (Sr. Flavio), bajista y segunda voz, Sergei Itzcowick, en la trompeta, Sergio Rotman, saxofonista, Luciano Giugno (Luciano Jr.), percusionista, Mario Siperman (Spiker), en los teclados, Anibal "Vaino" Rigozzi, en la guistarra, Fernando Ricciardi, batería, Naco Goldfinger (Ignacio Pardo), en el saxo saxo, y Rovert Calcaño, toca cholgas. A pesar que después del tiempo la banda fue rotando de músicos, las voces principales (Vicentico y Sr. Flavio) nunca han cambiado.

Por un pequeño tiempo el grupo se llamó Cadillacs 57, en honor al modelo de auto del bajista del grupo, Sr. Flavio, incluso alcanzaron a hacer algunas actuaciones.[13] Pero en una presentación en un bar el animador al llamarlos al escenario los presentó como Los Fabulosos Cadillacs, quedando definitivamente con aquel nombre

En 1986 editaron su primer álbum Bares y fondas, el cual en realidad iba a llamarse "Noches cálidas en bares y fondas" pero decidieron abreviarlo quedando con el nombre actual.

“El disco se llama "Bares y fondas" porque éstos son los lugares por donde nos movemos, donde estamos siempre. Inicialmente íbamos a titularlo "Noches cálidas en bares y fondas" pero luego decidimos abreviarlo. El título quiere dar una imagen de que pertenecemos a esos sitios y que estamos juntos todo el tiempo, rondando por allí”.[15]
Con este disco lograron darse a conocer ante el público, siendo mayoritariamente desechados y odiados por la prensa, pero a la vez ganando, aunque de forma menor, un público fiel.

El disco fue grabado en el estudio Moebius bajo el sello discográfico de Interdisc. La prensa criticaba a los Cadillacs principalmente por la inexperiencia y poco profesionalidad de sus músicos y además por el contenido de las letras, ya que canciones como "Yo quiero morirme acá", en esa época, era un letra muy mala.[15]

“En este país se tiene un concepto totalmente equivocado de lo que es una buena y una mala letra. La pauta es que la gente cree que Fricción es un grupo intelectual o que Baglietto es un buen compositor. No es así. Las letras de Los Twist son mil veces mejores que la de Fito Páez, por ejemplo. Son más inteligentes y describen la realidad mucho mejor. Creo que nosotros, por lo menos, no escribimos estupideces, que no decimos que está todo bien, que no somos ni Palito Ortega ni Soda Stereo”. (Vicentico)
Aunque el disco en su momento no fue tan aceptado, por ser una banda nueva y desconocida, con el tiempo han salido diferentes singles, que ahora son clásicos de los Cadillacs. Como por ejemplo la segunda canción del LP, la polémica "Yo quiero morirme acá", también "Silencio de hospital" y la última canción, la dedicatoria de Vicentico para su fallecida hermana Tamara, "Basta de llamarme así".

Este disco para L.F.C. fue un paso para darse a conocer solamente, por la razón de que después del tiempo ellos reconocieron de las críticas de la prensa de que no sabían tocar y que eran inexpertos.

“Éramos bastante idiotas, unos imbéciles, realmente retardados. No sabíamos tocar. Pero había algunas canciones rescatables, como "Basta de llamarme así"”. (Vicentico)
Gracias a este disco, hicieron varias presentaciones en el Teatro Astros con mucho éxito.

Su segundo disco fue llamado "Yo te avisé!!" y a diferencia del disco anterior, este Long Play tiene diferentes estilos aparte del ska, experimentando con el reggae y el dub. El nombre del disco se explica porque ellos sabían que iba a ser un éxito e iba a ser un gran tapaboca para muchos que los criticaron con el primer disco. Así lo explica Vicentico:

“Se llama así porque sabíamos que iba a ser un éxito. Entre las cosas extramusicales que más nos gustan, una es taparle la boca a los que hablan y no saben nada. Son los que creen que Mercedes Sosa es rockera y eso no es cierto. Nos criticaron desde el principio”.[17]
Este disco fue mucho más preparado que el anterior, se dieron tiempo para ver detalles y que sea un producto más elaborado que el antecesor. Además contó con la presencia de Andrés Calamaro, quien poco tiempo atrás había dejado de ser parte de Los abuelos de la nada. Calamaro desde el primer momento supo que el disco iba a ser un éxito e incluso afirmando que el disco iba a tener muchos de los clásicos de los Cadillacs. Era un disco de alguna forma "ya probado" por la razón de que muchos de los temas incluidos ya habían sido tocados por la banda en recitales en vivo. A diferencia de el anterior disco, en éste todos los instrumentos fueron grabados juntos, como si estuvieran en vivo, también cambiaron de casa discográfica, a Sony Music y también en los mismos integrantes del grupo había más seguridad y tranquilidad para el lanzamiento del disco.En el año 1988 lanzan su tercer disco: "El ritmo mundial". El disco grabado en los Estudios Panda, contiene como claramente su nombre dice muchos estilos, ritmos y géneros musicales. En este álbum Los Fabulosos Cadillacs amplían su espectro musical hacia géneros más comerciales para la época, sin perder la sobriedad en la composición. El disco abarca géneros como el ya clásico ska, alguna que otra balada como: "Siempre me hablaste de ella", un tema que quedó fuera del disco anterior, y "Número 2 en tu lista", también toma el rock en el cover de la banda The Clash en "Revolution rock". Además, en este vinilo se incluyen la ya clásica "Vasos vacíos", con la "reina de la salsa", la cubana Celia Cruz. Aterrizó en la Argentina un día lunes 5 de septiembre del año 1988 para grabar esta canción con los Cadillacs, con la misión de expandir este ritmo musical por Latinoamérica. Además, este tema le da el nombre a un disco copilatorio. Con este disco lograron vender 30.000 unidades, y bajaron considerablemente de más de 100 shows al año a tan sólo 40, todo ésto gracias a la inminente crisis Argentina.[18] A pesar de esta crisis Los Fabulosos Cadillacs se presentaron en el Estadio Obras Sanitarias con gran éxito, presentando su nuevo disco, y un adelanto del próximo, que coincidía en el momento con la grabación del cuarto, aunque, por el momento económico de su país, luego de la presentación los Fabulosos cesaron de tantas actuaciones y se abocaron al nuevo disco, componiendo y grabando, afectando así su explosiva carrera en ascenso que llevaban hasta ese momento. Con el disco lograron viajar a Centroamérica con gran éxito y varios shows

1989 comienza un período de baja creatividad, agravado por la crisis económica que atravesaba Argentina. La nación sufría un período de crisis económica por la hiperinflación de la moneda. En ese momento el presidente de la nación era Carlos Menem, quien logró reactivar el país después de un tiempo.[20] La crisis afectó a los Cadillacs en aquel instante, reflejándose en las ventas y en la calidad de producción de lo que sería el cuarto LP de la banda. Se destacan sólo dos canciones, "El satánico Dr. Cadillac" y "Contrabando de amor". Sin embargo, al contrario de lo que debiese haber pasado, la primera canción es un clásico de la banda y una de las favoritas de los fans, a pesar de ésto, la agrupación piensa que es el peor disco que han sacado, por la mala calidad de letras y de música. Las canción homónima está dedicada a el manager de los Cadillacs hasta el momento anterior de la grabación de este disco, Alejandro Taranto.

“Nuestro manager de aquel momento decía, después de nuestro segundo disco que había pegado mucho ‘Che, parece que no está funcionando, no suena el teléfono como antes, muchachos’. Y nosotros pensando ‘¿qué hacemos...?’, con una preocupación de verdad por lo que decía un salame que no tenía idea de nada. Ahí se nota que creíamos todo, aunque tampoco éramos nenes que decíamos ‘ah, bueno, hagamos un disco’. Era ‘andá a la concha de tu madre’ pero quedarte pensando. Haber echado a ese manager, fue nuestra primera decisión de ser profesionales”. (Vicentico)

En 1990 se edita Volumen 5 un disco rescatable y a la vez fresco para lo que era la exigencia musical de ese entonces. Dicho disco fue el que les otorgo a los Cadillacs el acceso a la expansión de su música a los Estados Unidos, mediante un contrato firmado con el productor internacional Tommy Cookman.[22] Como su nombre dice es el quinto álbum de la banda argentina, pero no sólo se debe tomar de forma literal, lo que querían lograr con el nombre de este LP, era decir que ya llevaban cinco discos, y que éste en particular tenía que reivindicar a los Cadillacs luego del fracaso anterior.

Se extraen diferentes singles, pero la banda esperaba más, porque para ellos fue un buen disco, bien preparado y buenas letras, pero las casa discográfica de aquel momento no impulsó las canciones que a ellos les hubiese gustado, a pesar de esto se rescatan: "Los olvidados", también "Radio Kriminal, un reggae que roza el punk, "Caballo de madera", la canción dedicada a Luciano Giugno, que había dejado la banda para lanzarse como solista, lo que los Cadillacs sintieron como una gran pérdida y hubo mucha tristeza en la banda, también la canción "Tanto como un dios" fue dedicada para él.

“Lo que yo pienso de este disco es que apuntamos a lo más alto y nos salió algo muy grosso. Quizás antes no apuntábamos al diez, sino al ocho. Sabíamos que había cosas que podían estar mucho mejor. En cambio con este disco apuntamos a que todo fuera redondo. El pensamiento tiene que ser ‘quiero ser lo más alto de todo’. O ni siquiera como pensamiento, porque lo hicimos sin pensarlo. Más bien fue como actitud.”. (Vicentico)

Corría 1991, un año no del todo satisfactorio en varios sentidos. Evidentemente la banda pasaba por un periodo de déficit creativo y esto se evidencia en la placa del año en cuestión: Sopa de caracol. El cual contiene sólo tiene un tema nuevo, que además en un cover de la banda hondureña Banda Blanca, llamado "Sopa de Caracol" al igual que el disco. Tiene una nueva versión de "El genio del Dub", un megamix titulado "Megamix LFC", y un remix de "Demasiada Presión".

A fines del año 1991, la banda sufre cambios en su integración. Naco Goldfinger sale de banda al igual que Luciano Jr. quien ya se había lanzado a solista, ingresando dos nuevos miembros: estamos hablando de Fernando Albareda y Gerardo Rotblat.


En agosto del 1992, sale a la venta el séptimo disco titulado El león. Este LP, que combina todos los géneros practicados por los Cadillacs, es un álbum esencial tanto en la historia de la banda como en la historia del rock argentino llegando a estar en la en el top 30 de los disco más importantes del rock argentino según la revista Roling Stone.[4] Contiene ritmo muy caribeños y bailables como por ejemplo: la salsa, el calipso, reggae y también el infaltable ska. Según Vicentico, el vocalista del grupo, es el mejor disco que han lanzado.
La edición en vinilo de este álbum fueron alrededor de 500 copias, incluso se rumorea que fueron menos. La razón de lo sucedido, es que en la esta edición sólo se encuentran 12 temas de los 15 que trae el CD, por motivos de espacio, y además el mercado argentino y latinoamericano se vio revolucionado por la llegada del nuevo tipo de distribución de la música, el CD.

Aunque no ofreció el éxito esperado en ventas, El león es una muestra contundente de la creatividad de la banda. Se extraen 8 grandes canciones y clásicos de la banda como: "Carnaval toda la vida", "Manuel Santillán, el león" (que le da el nombre al disco), "Gitana", el reggae clásico de Rotman "Siguiendo la luna", "El crucero del amor", "Arde Buenos Aires", "Desapariciones (cover de Rubén Blades)", "Gallo Rojo" (dedicada a Ernesto "Che" Guevara) y "El aguijón".

1993 es el año de su octavo disco Vasos vacíos, que se trata de una compilación de 17 temas. 15 son versiones antiguas y reinterpretaciones de singles pasados, más 2 temas inéditos: Matador y V Centenario. La primera la de mayor éxito comercial y la más reconocida canción en toda la historia de la banda, tanto por el tema en sí, como por el videoclip. Ganando variados premios, incluyendo ser elegida por la cadena MTV como el "Mejor videoclip latino del año" en 1994, la oportunidad de grabar el primer MTV Unplugged de MTV Latinoamérica y variados premio a lo largo de su historia incluyendo el presente. La canción trata sobre una persona que lucha por un mundo mejor, más justo y democrático, pero que es perseguido por la justicia. La letra de la canción se ajusta al cantautor chileno Víctor Jara, que además es nombrado en el tema. La segunda es una letra un tanto irónica. Habla sobre la "celebración" de los 500 años de los pueblos latinoamericanos hacia la conquista española.[25]

“V Centenario está dedicado a los 500 años de la conquista de América, pero negándola. Es algo que de alguna manera ya pasó, pero a nosotros nos sigue pegando. Y lo loco es que la gente no se hace cargo de esas cosas. Acá vinieron, mataron a todo el mundo -sigue sucediendo de otras maneras- y la gente celebró como si fuera una fiesta. Quisimos fijar nuestra posición”.
Vendieron más de 300.000 copias de esta placa y lograron la consagración en el ámbito de Argentina, América Latina y el mundo. Grabando su primer disco en vivo titulado En vivo en Buenos Aires llenando varias veces el estadio Obras Sanitarias de la ciudad capital de Argentina.
Matador en el año 2003 fue interpretado por Ricky Martin en la segunda edición de los Premios MTV por la celebración de los 10 años de la cadena.

Esta canción también ha dejado un sello en las canchas del fútbol argentino, su melodía se escucha precisamente en las tribunas, siendo la hinchada del Club Atlético San Lorenzo de Almagro la pionera de esto, no es un dato menor que el club azulgrana tenga como uno de sus apodos "Matador" (apodo obtenido en la década del '70) y que Gabriel Fernández (Vicentico) tanto como Sergio Rotman sean fanas de este cuadro.

La canción "Matador" también se le atribuye a jugador chileno Marcelo Salas. Se le apodó de esta forma en su primer club, Universidad de Chile, lo cual se mantuvo durante la época en que jugó en el equipo argentino River Plate, en donde la hinchada le cantaba esta canción. Durante las dos épocas en que estuvo logró ganar un tricampeonato, una Supercopa y torneo de Clausura.[26] También el jugador chileno Alexis Sánchez, y al igual que su compatriota, mientras jugaba en River Plate la barra le cantaba lo mismo que a Marcelo, siendo, de alguna forma, elegido como el sucesor de Marcelo Salas
En el año 1995 la banda argentina lanza un nuevo disco titulado "Rey azúcar", con la producción de con ayuda de Tina Weymouth y Chris Frantz (Talking Heads). Los Cadillacs afirman que esta época fue la "primavera de la banda". En el disco se puede apreciar una maduración musical notable, y además se deja en claro las posturas políticas de la banda

Mal bicho fue el primer single de este álbum. La canción habla de los dictadores o presidentes que cometieron atrocidades en los diferentes países de América Latina en la década del 70'. También se puede interpretar como un reclamo frente a las personas que discriminan, en temas como raza, nivel socioeconómico, y es un grito de libertad y paz frente a las guerras y problemas que hay en el mundo actual.

Strawberry Fields Forever, cover de The Beatles, en ritmo de rock steady con la cantante invitada Deborah Harry de la banda norteamericana Blondie.

Las venas abiertas de América Latina, llamada de la misma forma que el libro del escritor uruguayo Eduardo Galeano. Una rara combinación punk-ska-hardcore que habla desde temas de el despertar del indígena sudamericano hasta un poco del calentamiendo global.

Luego de Rey Azúcar y con una incipiente fama en los Estados Unidos, 1996 los ve grabando un cover de Charlie don't surf de The Clash, para un disco homenaje a dicha banda, y también lanzando un single grabado a mano con una banda de ska norteamericana llamada Fishbone; el single fue What's new pussycat?, afamada canción del galés Tom Jones.

El resto del año, los Fabulosos dieron recitales a lo largo de su país y por Latinoamérica, y por qué no, en giras por el viejo continente! (algo no muy común en bandas provenientes de Argentina ). En donde llegaron a compartir escenario con los reyes del punk: The Sex Pistols, y con bandas de renombre como Cypress Hill, o Red Hot Chilli Peppers, en un festival llamado "Saint Gallen, al aire libre" donde los fabulosos cadillacs cerraron el evento, y dice Gabriel Fernández Vicentico que ellos no tenían porque cerrar el evento por que eran menos populares que los demás.

Es importante aclarar que a mediados del '96, nuevamente se producen cambios en la banda: el guitarrista y fundador Aníbal "Vaino" Rigozzi abandona la banda y toma el mando como productor de la misma. En su lugar entra el guitarrista Ariel Sanzo Ariel Minimal, que influiría en el sonido del próximo disco.

Ya en el 1997, los Cadillacs preparan y editan el disco que los confirmaría como la gran banda del rock argentino. Estamos hablando de Fabulosos calavera un disco que nos presenta a unos Cadillacs más jazzeros, más tangueros y con toques de hardcore. Un gran disco experimental. Los singles fueron tres: El muerto, Calaveras y diablitos y Sabato. Además de estos temas hay otros que se destacan, como Surfer calavera (una rara mezcla de tres estilos bien individualizados; comienza con una intro con vientos muy al estilo Crucero del amor, se torna un poco más jazzera y despotrica con una línea bien pesada de guitarras distorsionadas en el estribillo), Howen (que nos recuerda un ambiente Western), y la cautivante A.D.R.B (en busca eterna), con una letra melancólica y que nos recuerda un ambiente porteño. El disco les brindó numerosas satisfacciones, entre las que se destaca haber ganado el primer Grammy a una banda en toda Latinoamérica, en el año 1998.

Los Cadillacs siguen activamente realizando recitales durante dicho año, entre los que se destaca el "Calavera Experimental Concherto", considerado por muchos el mejor recital de la historia de la banda, donde mezclando extraños sonidos emparentados con el jazz y el blues, mostraron su versatilidad musical, sin perder su identidad y calidad.

Al mismo tiempo una nueva compilación de éxitos, simplemente titulada 20 grandes éxitos, que contiene versiones inéditas de canciones; Mal bicho (con participación de Babasónicos, afamada banda Argentina) y una canción que no llegó a salir en el disco El ritmo mundial... llamada Igual a quién.

Ya en 1999 los Fabulosos Cadillacs, lanzan lo que sería su último trabajo en estudio: La marcha del golazo solitario, un gran disco plagado de canciones buenas, y que posiblemente nos haga ver a unos Cadillacs que vuelven a las bases de su éxito pero sin conformarse con esto siguen su camino de experimentación:

- Los singles: La vida, con esta canción, preparada para ser single de venta, abre el disco; muy pegadiza. Vos sabés, un tema de Flavio Cianciarulo, cuyo video causó controversia por mostrar desnudos y fue censurado en Chile por las cadenas televisivas. Los condenaditos, un estribillo pegadizo y melancólico en un ritmo samba que hace recordar a los libros Sub Terra y Sub Sole del chileno Baldomero Lillo. C.J, eterna balada romántica de Fernández dedicada a su esposa, la actriz Valeria Bertuccelli, mujer de cejas grandes.

Subsiguieron las presentaciones en vivo del disco, en una Argentina atormentada por la mala administración económica de ese entonces.
En septiembre del año 2000 los Cadillacs festejan sus 15 años de banda, realizando una pequeña agenda de conciertos donde los países incluidos sólo son Argentina y Chile.

En Argentina fue un serie de tres concierto en el Estadio Obras Sanitarias en la capital, los días 1, 2 y 29 de septiembre. En Chile, fue sólo una presentación, el día 7 de octubre en Santiago en el Teatro Monumental, donde hacen casi todos sus conciertos cuando van a aquel país, con lleno total, haciendo un concierto ante más de 8.000 personas.[28] De los shows en Buenos Aires es el CD y DVD titulado "Hola/Chau".[29] El DVD fue lanzado recién el 18 de abril del 2006, que incluye la grabación de la presentación en la segunda noche en la ciudad de Buenos Aires. La productora encargada de grabar el concierto fue Cuatro Cabezas y lanzado bajo el sello discográfico de Sony-BMG.

En el 2001, los Cadillacs deciden realizar una serie de 6 presentaciones, los días 17, 18, 19, 24, 25 y 26 de agosto en el Teatro Astral de la ciudad de Buenos Aires bajo el nombre de "Loco, miedo Loco".

En esta presentación se incluyeron variados covers de diferentes bandas. Partieron el concierto con "Sucio y desprolijo", canción de su compatriota Pappo, pasando por "Sus ojos se cerraron" (tango de Carlos Gardel) y "El cantante" de Rubén Blades la cual popularizó en Argentina Andrés Calamaro. El teatro en el que tocan tiene una capacidad muy limitada, sólo para 1000 personas, por lo que ellos mismos dijeron que iba a ser un concierto muy personal e íntimo, y que eso le dará un muy buen ambiente.[30]




En este concierto los Cadillacs no estaban completos. Se contempló la inestabilidad de la banda en ese momento, con la salida de Daniel Lozano, el trompetista, quien ingresó a la banda en el año 1985 luego de la salida de Sergei Itzcowick, y luego con la salida de Mario Siperman, el tecladista, y fundador de la banda.

[editar] La separación
En el año 2002 los rumores de la separación de los Cadillacs se incrementaron de gran manera. Primero con la inminente emigración de Sr. Flavio a Monterrey, México y con la preparación de discos solistas de algunos de sus integrantes.

Los Fabulosos Cadillacs se encontraban sin contrato con ninguna disquera, no tenían material nuevo, y además hubo un quiebre en la banda por la salida de dos de sus integrantes. En una entrevista con una página de fanáticos, al preguntarle sin no tenía ofertas de compañías para grabar un nuevo disco, Vicentico afirmó:

“-¿Ofertas no hubo? (entrevistador)
-Si, alguna hubo. Pero, la verdad, tampoco tenemos mucho que ofrecer... Digamos...yo sé que se piensa que a las compañías no le interesan ni Los Pericos ni Los Cadillacs. Yo creo que depende de lo que quiera, ofrezca o pida el grupo. A nosotros, lo único que puede llegar a apremiarnos es el dinero. Cada uno tiene sensaciones diferentes. Flavio siempre dice "sigamos grabando", en cualquier situación. Yo también... Fernando por ahí no tiene ganas. Cuando todos estemos en sintonía, vamos a volver a grabar”. (Vicentico, 15/08/01)

Proyectos paralelos y último concierto
En el año 2002, el cantante de la banda, Vicentico, presenta su primer trabajo solista titulado simplemente como: Vicentico, con respetable éxito. Una mezcla de diferentes ritmos y que hace acordar mucho a los Cadillacs. En total el cantante en solitario lanza 5 discos, de los cuales 3 son discos de estudios, uno en vivo desde el Luna Park y una recopilación. Sr. Flavio crea la banda "Flavio y la Mandinga" lanza 6 discos y también se dedicó a escribir libros.Ariel Minimal, crea Pez lanzando 18 disco en general, Sergio Rotman con Cienfuegos y continuando en Mimi Maura junto a Fernando Ricciardi, Gerardo Rotblat. Fernando Albareda, en 1999, juntos a otros viejos Cadillacs de instrumentos de vientos crean "La Cornetita". También entre el 1999 y 2000, Mario Siperman y Daniel Lozano hacen un soundtrack de una película llamada "Tesoro mío", logrando una moderada fama underground. Gerardo Rotblat, participó en varios proyectos, incluso en Los Auténticos Decadentes, para luego, en el 2005 formar su propia banda, la Orquesta Jabalí, sacando un disco ese mismo año titula como "Salta y vuela".

[editar] Último concierto
El 14 de mayo en el Acapulco Fest 2002 se realizó la última presentación de Los Fabulosos Cadillacs. En el escenario se notó el cansancio y desgano de los integrantes de la banda, no dejando contentos a sus seguidores. Luego de este concierto los Cadillacs nunca más realizaron un concierto, lo que fue tomado como la disolución de la banda, aunque ellos afirmaron de que nunca se separarían, sólo tomarían rumbos distintos, y que los Cadillacs jamás dejarán de existir.

[editar] ¡Calamaro querido! y rumores de reunión
En mayo del 2006, la banda se reúne para grabar La parte de adelante, un cover homenaje en el disco Calamaro querido! Cantando al salmón, dedicado al cantautor y ex productor de Los Fabulosos Cadillacs, Andrés Calamaro. Esto hace suponer a muchos fans de una futura reunión de la banda. En el disco la banda interpretan la primera canción "La parte de adelante". Convirtiéndose en un single inmediato, lamentablemente en esta presentación no estuvo presente Ariel Minimal. Vicentico, por su parte interpreta "Para no olvidar", canción número 6 del disco número 2.

[editar] Akustic-Loko de Fabulosos Amigos
EL 17 de julio del 2007, mientras continúa con su proyecto solista The Flavio Mandinga Project, Flavio Cianciarulo conduce en la radio llamada "Radio Atomika" de San Martín, el programa "Sonidero FM". El programa radial se realiza los días martes a las 21:00 horas. Se anuncia el "Akustic-Loko de Fabulosos Amigos", una junta de los Cadillacs en la radio donde Sr. Flavio compartirá con cinco de los antiguos integrantes de la banda a la cual pertenecía. Asisten: Vicentico, Sergio Rotman, Fernando Ricciardi, Luciano Jr. y Hugo Lobo como invitado especial. Tocan 17 temas en versión acústica logrando una gran popularidad y sintonía la radio en aquel momento. En el la emisión el anfitrión preguntó: ¿Cuándo vuelven los Cadillacs?, a lo que Gabriel sólo respondió: ¡Qué buena pregunta!. Con ésto los fans aseguraban la vuelta de los Cadillacs y a diferencia de Soda Stereo, no se desmintió una vuelta, sólo lo dejaron en duda. Sergio Rotman dijo:

“Esto es para la historia del rock: Los Cadillacs volvieron en una radio de barrio. Esta es la mística del rock: con los Cadillacs siempre fue así, nunca planeamos las cosas, ¿Por qué?, porque a diferencia de Soda Stereo, Los Cadillacs no tienen que comprobar nada”.
[editar] Muerte de Gerardo Rotblat
El percusionista durante 11 años de Los Fabulosos Cadillacs, Gerardo "Toto" Rotblat falleció el 29 de marzo del 2008, a los 38 años, víctima de un edema pulmonar.[39]

Luego de la separación de L.F.C. "Toto" fue invitado a tocar en diferentes bandas, entre ellas Los Auténticos Decadentes, Todos tus muertos, Me darás mil hijos, etc. para luego crear su propia banda, la Orquesta Jabalí, con la cual en el 2004 lanzó un disco "Salta y vuela". Tras la noticia de la muerte del percusionista se diera a saber al público, los artistas eligieron su MySpace para despedirse con frases como:

“Siempre te extraño tanto, tanto, aveces te recuerdo y río, éso es lo bueno....a veces lloro mucho....casi siempre....”. (Sr. Flavio)[40]
Los restos del músico fueron sepultados en el panteón de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores en el Cementerio de Chacarita, en Buenos Aires, Argentina.[41] Despúes de la muerte del músico y amigo de la banda, se pensó que un posible reencuentro sería aún más difícil, pero el grupo musical, actualmente en todos sus conciertos le rinde homenaje a Toto.
Yo te avisé!!
Aunque oficialmente los Cadillacs nunca se separaron, luego de 6 años, Los Fabulosos Cadillacs confirmaron oficialmente su reunión.
Escenario de los Cadillacs en la presentación en el D.F. en México.Esta vuelta a los escenarios fue publicitada con la frase "Yo te avisé!!", haciendo referencia a ese disco. Para este regreso, la banda lanzó un nuevo disco titulado "La luz del ritmo" que consta de 13 temas: 5 son canciones inéditas, 6 son nuevas versiones de canciones antiguas y dos son covers. De él se desprendió el primer sencillo: "Padre Nuestro", que tiene una versión de cumbia villera con un músico invitado, Pablo Lescano, de Damas Gratis,[44] luego el sencillo homónimo del disco, "La luz del ritmo" salió al aire y más tarde la canción "El fin del amor". En una entrevista con MTV Latino, los Cadillacs adelantaron que el nuevo disco se llamará "El ritmo de la luz", pero semanas antes de su lanzamiento el disco fue denominado "El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs".[45] [46] El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs, tiene 13 canciones al igual que su antecesor, haciendo una especie de segunda parte. La tapa del álbum es obra de Marta Minujín, una artista plástica originaria de Argentina. Mario Siperman, tecladista del grupo, adelantó que el disco no tendrá ningún cover, pero sí versiones nuevas de canciones antiguas, por ejemplo: Vasos vacíos versión dúo Vicentico con Mimi Maura, Destino de paria, Gitana y Siguiendo la luna. Junto con esta vuelta a los escenario, se remasterizaron todos los discos, manteniendo todo original a excepción de la portada, que ahora viene con un borde negro, al medio la carátula original, y en la parte de arriba de la imagen dice "Remasterizado 2008"


Fanático con zapatillas de Los Fabulosos Cadillacs.El regreso del los Cadillacs, fue impulsada por una fuerte propaganda por diferentes medios, televisión, carteles en las calles, productos (como zapatillas), y la más fuerte por internet, creando páginas oficiales en MySpace, Last.fm, Facebook, Flickr, YouTube, Fotolog, Tublip y siendo apoyado por grandres empresas como: Sony Ericsson y Personal. Fuente Wikipedia en español
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martes, 13 de octubre de 2009

A.V - Los tangos del siglo vol. 05



Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
Grabaciones originales realizadas entre los años 1928 y 1975
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 44.3 Mb/Total time: 45:05

Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!

Ver Tangos del siglo del 01 al 20
Tracks
01-Roberto Goyeneche con Orquesta*****Contramarca
02-Astor Piazzolla-Instrumental*****Loca Bohemia
03-Osvaldo Pugliese-Abel Cordoba*****Bien de abajo
04-Carlos Gardel con Guitarras(version 1930)*****Yira yira
05-Los Astros del tango-Instrumental*****Sans Souci
06-Armando Lacava con Mario Bustos*****Mandria
07-Horacio Salgan con Edmundo Rivero*****Pedacito de cielo
08-Agustin Magaldi con orquesta*****Tango mio
09-Armando Pontier-Instrumental*****Canaro en Paris
10-Jose Basso con Alfredo Belusi*****Jamas lo vas a saber
11-Orquesta Orlando Tripode con Rosana Falasca*****Tu
12-Anibal Troilo-Instrumental*****Pablo
13-Palabras de Rafael Rossi*****Rafael Rossi
Bajar

lunes, 12 de octubre de 2009

Ginamaria Hidalgo

Ginamaria Hidalgo con Atahualpa Yupanki en 1962Ginamaria Hidalgo con Atahualpa Yupanki en 1962

Ginamaria en el Carnegie HallGinamaria en el Carnegie Hall


Nacida en Buenos Aires, Argentina, de padre castellano y madre portuguesa, desde temprana edad demostró condiciones para la música, el canto, el ballet, el arte escénico, las letras.

De esa forma integró elencos de Teatro Vocacional, estudió ballet, llegando a participar en numerosos Festivalesde Danza al mismo tiempo que realizó la carrera del magisterio, obteniendo su diploma a los 17 años.

Partió de Argentina con una Beca de Estudios en New York en la Julliard School of Music, y alli la escuchó cantar el maestro Andrés Segovia, quien se convirtió en su mentor y apoyo hasta que Ginamaria logró la Beca de Estudios de canto en Santiago de Compostela, España, otorgada por el gobierno Español a través del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto.

Luego de Santiago en donde fue escuchada por don Joaquin Rodrigo, Victoria de los Angeles, y el mismo Segovia, Ginamaria viajó a Madrid y se puso bajo la tutela de Doña Carlotha Dahamen Chao, prominente diva y maestra de canto con quien Ginamaria obtuvo el conocimiento de una escuela de canto de elevado nivel, que fue siempre halabada durante toda su carrera, por críticos del mundo.

La pureza de su timbre, su impecable dicción en cualquier idioma, la afinación y el amplio registro fueron constante motivo de reconocimiento.

Antes de regresar a Buenos Aires, Ginamaria audicionó para La Ópera de Los Ángeles bajo la dirección de Henry Lewis y cantó el rol de Zerlina en la producción de “Don Giovanni” de Mozart que se representó en el Pavilion del Centro Musical (The Music Center) de la ciudad de Los Ángeles, California.

Intercalando con su labor de actriz en Hollywood, California, Ginamaria tuvo la oportunidad de hacer un concierto en Taormina, durante la estación de verano que coincide con el Festival de Cine de esa ciudad. Allí Ginamaría interpretó un recital de música de cámara muy selecto, con diversos estilos recibiendo de la crítica italiana palabras de gran respeto y admiracion.

De regreso en California intervino en un largo metrage: “My gun is Quick”, dirigido por el famoso Victor Seville, un director inglés que se encariñó con Ginamaria y ella tuvo la oportunidad de hacer el rol de una muchacha bailarina de un “Saloon” y en un momento de la historia Ginamaria interpretó una danza muy sugestiva haciendo la insinuación de un desnudo que fue muy bien manejado y de esa manera ella pudo demostrar sus condiciones de bailarina a la vez de actriz. Este director, el Sr. Seville, fue el que llevó a cabo la famosísima primera versión de “Good Bye, Mr. Chips” que pasó a la Historia de la Cinematografía y la película en que intervino Ginamaria fue la última en su carrera de director.

Este señor estaba muy impresionado con Ginamaria y pronto comenzaron a salir comentarios y el de Hedda Hopper en el Los Ángeles Times fue uno lleno de elogios y augurios hacia la joven actriz.

Estos fueron momentos muy difíciles para Ginamaria porque se le había abierto una posibilidad muy halagadora en Hollywood que en ese entonces no contaba con ninguna “star” de origen latino del calibre de Dolores del Rio, Carmen Miranda o una Lupe Velez y Ginamaría estaba muy tentada de proseguir ese camino sobretodo ante los auspicios y el aliento de personas muy importantes en el “medio” cinematográfico.

Al mismo tiempo y constantemente en su mente y en su corazón escuchaba las palabras de su amada maestra Carlota y del maestro Segovia que, por otra parte habían puesto mucha fe y grandes esperanzas en la carrera del canto de Ginamaría.

Finalmente Ginamaría tuvo que decidir y no fue fácil.

Optó por escoger el canto y asi llegó a Buenos Aires en donde hizo su debut ante el público argentino en el rol de Violeta en “La Traviata” produccion de alto nivel, dirigida por Tito Capobianco, en un ciclo de Canal 9 en donde se llevaron a cabo diversos espectáculos tales como “Tosca” con la participación de Richard Tucker, el famoso tenor norteamericano, la intervención del Ballet Ruso de Montecarlo y Teatro Clásico.

En su “Traviata” la acompañó Carlos Cosutta, tenor lírico de extensa carrera en Europa.

Luego vinieron diferentes roles en “Los Cuentos de Hoffman” de Offenbach, con Roberto Kinsky como Director. Olimpya, la famosa muñeca en el primer acto, caracterizada por sus articuladas técnicas de coloratura, y en el tercer acto, Antonia, la niña dramática y lírica, en contraste total con la heroina anteriormente mencionada. En “Madama Butterfly” de Puccini representó el rol de Cio-Cio San. Cantó en el debut sudamericano de “Il Campanello”, y en la opereta “El Secreto de Susana” de Wolf Ferrari. Todos estos eventos fueron interpretados en el Teatro Argentíno de La Plata, ciudad Capital de la Provincia de Buenos Aires, y Segundo Coliseo del país.

Al mismo tiempo logró ser presentada en televisión en diversos programas musicales hasta que llegó a la realización de su propio programa, ”Las Noches de Ginamaria”, que se originaron en “Las 4 Noches” para convertirse en 48 Noches, durante más de dos años consecutivos.

Allí Ginamaría que intervenía con un ballet y un galán que en su momento fue el actor Sergio Renán, interpretó un total de 420 canciones, en una selección mundial de los temas más hermosos y famosos del mundo. Zarzuelas, Operetas, Comedias Musicales, Arias de Ópera, en 5 idiomas.

Fueron unos espectáculos televisivos de enorme variedad con la interpretación de “El Mago de Hoz” (por ejemplo) “Mi bella Dama”, “Pulgarcito”, ”Una noche en Brasil”, otra en New Orleans, “El Submarino Amarillo”, “Las Mil y Una Noches”, y “Pinochio”. Todos los autores y Compositores del mundo figuraron en su repertorio que fue de mucha variación debido a esa prolífera selección.

Ese programa le deparó muchas satisfacciones a nivel de audiencia y críticos.

Fue galardonada con todos los premios del momento entre los que se destacan “Cruz de Plata” del Semanario Squiú, 2 ”Martin Fierros” premiados por APTRA (Asociación de periodistas de Radio y TV Argentina), y el premio ”Bamba de Oro”, durante 2 años. Tambien recibió los premios “Racimo de Uvas”, “Monumento a la Bandera”, y el ”Gardel de Oro”.

Asimismo comenzó a editar sus LPs (discos de larga duración) que alcanzaron ventas millonarias, siendo reconocida por el Instituto de Opinión Pública durante 2 años consecutivos como “Lo mejor en la música y el disco” y como “Elemento vital para la música Argentína.

Dio un Recital benéfico en el Teatro Colon de Buenos Aires, y 2 presentaciones en el “Luna Park” con asistencia de más de 20 mil personas.

Viajó a Perú, Venezuela, Colombia, México, Uruguay, Paraguay, Panamá, Berlin, Roma, Sicilia, Portugal, el Carnegie Hall en New York y 16 Teatros en todo Japón, con reconocimientos, premios y menciones de honor, hasta llegar a Puerto Rico, que le otorgó distinciones sobresalientes, considerándola como una de las mejores cantantes que actuara en el Centro de Bellas Artes en San Juan.

Participó en Festivales benéficos a lo largo y a lo ancho del Continente Americano, Europa y Japón.

Fue llamada desde Washington DC para cantar a su Santidad el Papa Juan Pablo II, en su visita a la OEA (Organización de Estados Americanos).

Su programa “Las Noches de Ginamaria” participó en Cannes en ocasión de la presentación anual de Televisión del Mundo entero, recibiendo Mención Especial.

Fue llamada por el Presidente de Perú en ocasión del Festival a beneficio de la infancia de ese país y desde Lima fue invitada a hacer un espectacular para Televisión en el Machu-Pichu, en donde cantó a la altura de las nubes en ese recinto de misteriosa e indescriptible belleza.

Fue convocada para cantar en el Festival de Fin de Año en el Palacio de Santo Domingo, República Dominicana, invitada por su Presidente, Don Joaquín Balguer. a total beneficio de la infancia de su país.

Alcanzó niveles excepcionales en la venta de su discografía con Discos de Oro otorgados cuando ese premio se daba con la venta millonaria de cada canción, contando con una producción discográfica de más de 30 grabaciones.

Muchas Fundaciones de Bien Público y de Caridad llevan su nombre y en diversos Institutos de Enseñanza de Argentina tiene una placa de bronce con el nombre de Ginamaria Hidalgo en homenaje y reconocimiento a la artista, así como Hogares de Ancianos, y diversas Fundaciones Culturales.

Ginamaria colaboró en recitales en grandes recintos abiertos de La Reforma, en Méjico, la Plaza Bolivar en Caracas, conciertos populares en Lima y Arequipa, Perú. También participó en festivales de Viña del Mar, Chile, y Montevideo, Maldonado, Punta del Este, Uruguay, y otros.

Su primer libro autobiográfico “Argentíno, yo también soy Argentína” fue editado durante la Dictadura militar y fue quitado de la venta ante la prohibición por parte del gobierno Argentino de esa epoca. Hace unos años, este libro, reapareció en la Biblioteca Pública de New York, ante la sorpresa y la alegría de Ginamaria.

En la actualidad, Ginamaría ha lanzando su penúltimo trabajo discográfico “Ginamaria Hidalgo, Live in Puerto Rico” Volumen 2, que ya está a la venta por medio del Internet. Ha preparado además otras ediciones de diversos títulos de su obra literaria y continuó, hasta casi el último momento de su vida, en la tarea maravillosa de ser útil y recordada por la enorme audiencia que siguió sus pasos y esperó de ella, siempre, nuevas y bellisimas presentaciones.

Asimismo, Ginamaría estuvo hasta el final involucrada en la confección de su página de la World Wide Web con material literario, en ambos idiomas - Español e Inglés, como también su futura discografía, para alcanzar la difusión mundial que ella se mereció.

Mujer dedicada a su vocación, al servicio de su arte, en plena conciencia de Humanidad y Amor, Ginamaría confió en poder realizar aún cuando parecian ser fuera de su alcance, diversos proyectos que involucrarían una función totalmente humanitaria y solidaria.

Con esos cometidos, ella se preparó y confió en que su talento, su perseverancia y dedicación, la lleven a realizar esas metas como, una culminación en su vida. Y nosotros, los que quedamos atrás y la queremos de todo corazón, haremos todo lo posible para continuar su obra, para darle la inmortalidad que ella bien se merece.
Fallecio el 10 de febrero de 2004

domingo, 11 de octubre de 2009

Carlos Gardel

Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931

Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931

Carlos Gardel en El dia que me quierasCarlos Gardel en El dia que me quieras

Carlos Gardel en New York en 1931Carlos Gardel en New York en 1931

Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934

Carlos Gardel y Azucena Maizani (Buenos Aires.1933)Carlos Gardel y Azucena Maizani (Buenos Aires.1933)



Carlos Gardel en la Costa Azul (1931), con el barón y la baronesa de Wakefield y el famoso futbolista del Barcelona, SamitierCarlos Gardel en la Costa Azul (1931), con el barón y la baronesa de Wakefield y el famoso futbolista del Barcelona, Samitier.

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel.


Carlos Gardel con Charles Chaplin en Niza

Carlos Gardel con Charles Chaplin en Niza

Astor Piazzolla con Carlos Gardel

Astor Piazzolla con Carlos Gardel

Astor Piazzolla en 1934, interpreta un pequeño papel de canillita en las escenas iniciales de El Día que me Quieras. Película Paramount protagonizada por Carlos Gardel.Con ellos en la foto Tito Lusiardo




Carlos Gardel con la actriz Blanca Vischer en una escena de ElTango en Broadway Carlos Gardel con la actriz Blanca Vischer en una escena de ElTango en Broadway (1934), filmada en Estados Unidos

Carlos GardelFoto de la izquierda: Con los hermanos Juan (izquierda) y DomingoTorterolo.

Foto de la derecha: Carlos Gardel con Elías Alippi y César Ratti, en el hipódromo de Palermo acompañados por el jockey Domingo Torterolo.

Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata (febrero de1916). Cantaron en el Teatro Odeón, en la compañía de Orfilia Rico.



Carlos Gardel canta en Radio Belgrano en setiembre de 1933Carlos Gardel canta en Radio Belgrano en setiembre de 1933.


Carlos Gardel en Barcelona Carlos Gardel en Barcelona (1932).

Carlos Gardel con Isabel del Valle Carlos Gardel con Isabel del Valle.

Carlos Gardel en 1922, cuando cantó con Razzano para Jacinto BenaventeCarlos Gardel en 1922, cuando cantó con Razzano para Jacinto Benavente. Carlitos aparece entre Barbieri y don Jacinto; (a la derecha) Razzano y "El Negro" Ricardo. Fotografía tomada en el Colegio Internacional de Olivos.


Carlos Gardel con Imperio ArgentinaCarlos Gardel con Imperio Argentina, en una escena de la
película Melodía de Arrabal filmada en Francia

Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo (1917).Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo (1917).


Carlos Gardel en Montevideo (1933) Carlos Gardel en Montevideo (1933)


El dúo Gardel-Razzano (1922)El dúo Gardel-Razzano (1922).


Carlos Gardel con ropas criollas en tiempos de sus primeros triunfos en EuropaCarlos Gardel con ropas criollas en tiempos de sus primeros triunfos en Europa.

Carlos Gardel con Ignacio Corsini Carlos Gardel con Ignacio Corsini (agosto de 1933).


Carlos Gardel y Horacio Pettorosi en 1933Carlos Gardel y Horacio Pettorosi en 1933


Carlos Gardel en 1912Carlos Gardel en 1912

Carlos Gardel en 1911Carlos Gardel en 1911


Carlos Gardel en 1912Carlos Gardel en 1912


Carlos Gardel con Eduardo Bonessi, Guillermo Barbieri y El NegroCarlos Gardel con Eduardo Bonessi, Guillermo Barbieri y "El Negro" Ricardo en la provincia de San Luis,
durante una gira.


Carlos Gardel en 1910 Carlos Gardel en 1910


Carlos Gardel en 1905Carlos Gardel en 1905



Carlos Gardel en 1908Carlos Gardel en 1908

Carlos Gardel en 1916Carlos Gardel en 1916


GARDEL, Carlos. Músico. Cantor. Compositor. 1. Ubicación personal. Fue el creador—en lo artístico—, el primer cultor emocional y estéticamente genuino —en lo histórico— y el mayor intérprete —en lo valorativo— de las formas vocales del tango. Su personalidad integral gravitó, además, en todo el panorama de la música popular y en el estilo espiritual de las ciudades del Río de la Plata, de los que fue la figura más representativa; en vida, primero, y luego en la ascendente proyección afectiva y social de su legendaria memoria.
2. Ubicación histórica. Fue hombre de la generación de 1910, gestora de la transformación profunda que hizo del tango primerizo un género perfectamente diferenciado de arte musical. Alternó en ella con los compositores y con los ejecutantes —Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martínez, Fresedo, Roccatagliata, Carlos V. G. Flores— que, en distintas latitudes de temperamento, promovieron la génesis del tango cantable con caracteres melódicos rítmicos y armónicos propios, y con los letristas que encabezados por Pascual Contursi aportaron la equivalente dimensión literaria. Él, a su vez, rompiendo revolucionariamente con las arcaicas maneras vocales que, representadas por Ángel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodríguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma y otros, habían prevalecido hasta entonces, dio a ese flamante y auspicioso repertorio para canto, la exacta configuración interpretativa. Sus versiones de Flor de fango(Gentile-Contursi), Milonguita (Delfino-Linnig), Mi noche triste (Castriota-Contursi), De vuelta al bulín (Martínez-Contursi), Mar-got (Ricardo-C. E. Flores), Carne de cabaret (Lambertucci-Roldán) y Pobre Paica (Cobián-Contursi), grabadas en discos Nacional Odeón entre 1918 y 1920, lo mostraron ya en toda la originalidad que desarrolló y enriqueció a lo largo de su breve carrera posterior.
3. Fisonomía creadora. En el plano vocal, irreprochable de afinación, de impostación, plena en todas las notas de equilibrado y parejo vibrato, su voz de barítono, de caudal mediano y próxima a las dos oc-tavas en su tesitura, fue cambiando de color a través de los años. Pero su inesperado e inconfundible timbre, su característica presencia sonora, quedaron radicalmente y para siempre identificados con el tango. No fue que tuviera él "voz de tango"; éste—más bien— nació de su voz. En el plano musical, le fue natural el refinamiento y la imaginación para tratar la línea melódica, dividiéndola, acentuándola, matizándola con exquisito e invariable buen gusto, todo lo cual, juntamente con su marcada tendencia al "tempo rubato" y a su instinto innato del ritmo —creador en alto grado del propio ritmo del tango— concurrió a perfilar su inconfundible fraseo. En lo interpretativo tuvo la rara aptitud de poder recrear, en un solo e indivisible acto de expresión, el texto musical y el texto literario. Esto es, cantando y "diciendo" a la vez con precisa y simultánea comprensión del contenido y de la intención de cada tango diferente: festivo en Qué querés con esa cara; compadecido en Pobre corazoncito; nostálgico en El bulín de la calle Ayacucho; cachador en Tierrita; coloquial en Mano a mano; trasnochado en Y reías como loca; melancólico en La per-canta está triste; arrabalero en Del barrio de las latas; romántico en Trovas; sentencioso en Pompas; grotesco en Chorra; irónico en Se acabaron los otarios; burlesco en Otario que andás penando; pretensioso en Si soy así; trágico en Cuesta abajo; reflexivo en Meditando; compadre en Taconeando, aun- que con una constitutiva inclinación a teñir toda su riquísima gama de intérprete con una pátina de melancolía profunda.

4. Esbozo temperamental. En el indesglosable todo de su creación, hubo la convicción de un arte en el que se combinaron su naturaleza anímica entre picaresca y solemne de hombre del bajo ciudadano, con las hondas raices de su criollismo —conocedor de cuanto había de manifiesto o de sobreentendido en lo que cantaba— y su señorío de hombre de clase por imperio espiritual.
5.Gravitación artística. La influencia de su personalidad que vivida y fecunda superó largamente a su muerte, y que se había afianzado luego de 1925, nació con su advenimiento mismo y alcanzó a enriquecer todos los aspectos del tango. Fue incitación para músicos y para letristas, los cuales lo sirvieron con un repertorio copioso del que, en medida importante, procedió la evolución y la diferenciación en estilos y tendencias de las composiciones cantables, a las que contribuyó él mismo con una obra de primera fila —Soledad, Arrabal amargo, Volvió una noche, Cuesta abajo, Volver, Golondrinas—, especialmente durante sus años postreros. Gravitó, intenso y dominante, en las corrientes vocales: únicamente pudieron sustraerse totalmente a su influjo, algunos de sus contemporáneos, como Ignacio Corsini, Agustín Magaldi y la mayor parte de las cancionistas; y fue absorbente su maestría, incluso para aquéllos que formados en su admiración y en su escuela —Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularmente Rivera— se expresaron en modalidades de jerarquía, con mayor independencia. La fuerza ordenadora y el contenido precursor de su manera de sentir y de tratar musicalmente el tango, concomitantes a los quefueron propios de la corriente decarista, influyeron por lo profundo en toda la familia de estilos orquestales auspiciada por ésta, inclusive en sus más avanzados cultores.
6. Trascendencia popular. Su arte, su naturaleza, su conducta, su temperamento, su
fisonomía, ejercieron una verdadera fascinación para varias generaciones, como una manera plena de confirmarse en todo cuanto define a lo porteño y a lo rioplatense. De esa pura y sencilla exaltación emocional, se alimentó el cariño y la imaginación popular que gestó, luego de su muerte, la legendaria imagen suya. Vivificado por el disco de fonógrafo —en el cual permanece su voz— o por la película de cine —en la que perdura su fisonomía—, su enorme fantasma se agregó a la doméstica constelación mitológica del Plata, junto a los Carriego, Arolas, Pepino el 88, Florencio Sánchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, pero compendiándolos en una sola e ideal representación espiritual.
7. Biografía. Los orígenes nacional y familiar, y la fecha y lugar de nacimiento, son cuatro aspectos capitales de su vida en torno de los cuales no hay todavía definitiva certeza: los documentos y los testimonios personales son contradictorios por igual, tan susceptibles de duda los unos como los otros. Una partida expedida en la ciudad de Toulouse —sur de Francia— lo ubica nacido en ésta el 11 de diciembre de 1890, hijo de Berthe Gardés—tolosana, también— y de padre desconocido. Esta fecha fue desvirtuada más tarde por él mismo en su testamento ológrafo (noviembre de 1933), al declararse nacido el 10 de diciembre de 1890, y por su compañero de labor artística José Razzano, quien dio otra —11 de diciembre de 1887—en el libro Vida de Carlos Gardel, (contada por José Razzano y escrita por Francisco García Jiménez), fecha que él también dio para toda su documentación personal. Un documento de identidad testimonia su nacimiento en el Departamento de Tacuarembó (R. O. del Uruguay), posibilidad sobre la cual el investigador uruguayo Erasmo Silva Cabrera ha escrito un ensayo ubicándolo como hijo del coronel oriental Carlos Escayola. De acuerdo con la primera hipótesis, su nombre familiar fue Charles Romuald Gardés; conforme a la segunda, fue Carlos Escayola. Su infancia y su adolescencia aparecen también envueltas en un misterio hecho de referencias orales desencontradas e imprecisas sobre la vida en Buenos Aires hasta 1912, residiendo con Berthe Gardés—quien fuera o no su madre, se comportó como tal hasta su muerte— en Corrientes al 1500, casi Rodríguez Peña, primero; des-pués, en la casa de la calle Jean Jaurés 735, barrio del Mercado del Abasto. Los principios de su trayectoria de artista corresponden a esa época, refrendados ya por menciones en la prensa: integró en 1912 un dúo con Francisco Martirio y un trío vocal de repertorio criollo con éste y con José Razzano, conjunto que debutó en un festival realizado en la Casa Suiza de la calle Rodríguez Peña y se convirtió, poco después en cuarteto con la incorporación de Saúl Salinas ("El víbora") para cantar en la localidad de Zarate durante el carnaval de 1913. Desvinculado Salinas, el trío Gar-del-Martino-Razzano continuó su gira por la provincia de Buenos Aires; y en Gral. Viamonte quedó reducido a dúo por la deserción de Martino. Ese mismo año hizo su primera serie de grabaciones fonográficas en solo y para la casa Columbia, integrada por catorce canciones campesinas en quese acompañó él mismo con elementales rasgueos de guitarra; la placa inicial, por orden de aparición en la venta, contuvo sus interpretaciones de La Mañanita y Me Dejaste. A fines de 1913, formando el dúo con Razzano, debutó en el cabaret Armenonville, presentándose durante 1914 como fin de fiesta de las representaciones de la compañía Ducasse-Alippi en el Teatro Nacional (enero), con Perdiguero-Casaux en el Apolo (marzo), con Arellano-Tesada-Aranaz- Mancini en Rosario de Santa Fe (junio), con Vitone-Pomar en Córdoba (julio), con Rico Mangiante en el Moderno de Buenos Aires (octubre) y, en este mismo escenario, para un concierto de la Sociedad Argentina de Compositores (noviembre). Al año siguiente cantó con Razzano en Montevideo, en el Teatro Royal y en el 18 de Julio, como parte del elenco de Arellano, integrando el cual viajó a Río de Janeiro en la puesta de Juan Moreira, que se estrenó en el mes de noviembre en el Teatro San Martín. En esta ocasión se agregó a su dúo el guitarrista José Ricardo. En 1916 acompañó —siem-pre con Razzano —la actuación de Orfilia Rico en el Odeón de Mar del Plata (febrero) y al recién constituido binomio de actores Muiño-Alippi en las salas del Marconi y del Nuevo, pasando en octubre al Esmeralda, donde cantó en solo Mi noche triste, primer tango que interpretó en actuaciones públicas. Durante esa misma temporada, desempeñó un pequeño papel en la filmación de la película Flor de Durazno, que dirigió el dramaturgo Francisco Defilippis Novoa, y volvió a Montevideo con Razzano, en la compañía de Rogelio Juárez y Lola Membrives, de actuación en el Urquiza. Llamado por Glucksmann, grabó el dúo —el 9 de abril de 1917— para Odeón, su placa inicial con la canción de Ángel Villoldo Cantar Eterno, quedando confiado a un solo de Razzano —la cifra Entre Colores— la faz complementaria de ese primer disco de fonógrafo. Y continuaron las presentaciones teatrales, en el Esmeralda —nuevamente— con Blanca Podestá; Alberto Ballesteros y Salvador Rosich, en el San Martín y en el Empire; con Florencio Parravicini, luego, en San Nicolás, durante una gira por provincias que incluyó un contrato cumplido por el dueto en Chile. En 1918, año de sus dos primeros tangos cantados para el disco —Flor de fango y Mi noche triste (éste apareció antes que aquél en la venta)—, actuó con el dúo en Montevideo: Teatro 18 de Julio y festival benéfico en el Parque Hotel. Desde entonces, marcadamente a partir de 1922, su figura fue cobrando señalada supremacía respecto de la de Razzano, quien paulatinamente disminuyó la intervención en los registros fonográficos. Con los guitarristas José Ricardo y Guillermo Barbieri (incorporado éste al acompañamiento en 1921), y una vez cumplidos los compromisos artísticos en la escena del Florida porteño y del 18 de Julio montevideano con el elenco de Enrique De Rosas y Matilde Rivera, embarcaron con estos actores rumbo a España; debutaron en diciembre en el Teatro Apolo de Madrid. De regreso, grabó —a fines del 24—, como solista, secundado por la orquesta de Francisco Canaro, algunas versiones para Odeón, la primera de las cuales fue el tango La garconníére; y, en 1925 —temporada de su debut en la radiotelefonía por ondas de Splendid—, llevó al disco dos tangos: Perdón, viejita y Fea, con marco orquestal dirigido por Osvaldo Fresedo. Desde setiembre de ese año —fecha de su desvinculación de Razzano—continuó su carrera de artista como figura independiente y con un segundo viaje a Es-paña; cantó en el Romea de Madrid y grabó a partir de Echaste buena, una serie de caras para la Odeón de Barcelona, labor que cumplió acompañado únicamente por José Ricardo. Luego de una fugaz reaparición en Buenos Aires —que incluyó audiciones en Radio Prieto—, volvió a los escenarios españoles, esta vez con Ricardo y Barbieri, sus dos guitarristas. Durante los dos años siguientes, sumado ya José María Aguilar al acompañamiento, actuó en París: Teatro Fémina, cabaret Florida y discos de la Odeón francesa —en 1928— y Teatro Ópera y Empire —enero y febrero de 1929—; en abril y mayo, cantó en el Principal Palace de Barcelona y en el Avenida de Madrid. Volvió en junio a Buenos Aires, tomando parte en una serie de películas breves dirigidas por Eduardo Morera, actuando en el Teatro Florida, ante micrófonos de Radio Nacional y en la sala del Artigas de Montevideo. Regresó a Europa durante el siguiente año, debutando en Niza e interpretando el papel protagónico en Luces de Buenos Aires, película que, dirigida por Adelqui Millar, se rodó en Joinville con Gloria Guzmán; Pedro Quartucci y otros elementos de la compañía del Teatro Sarmiento en gira en los demás roles de importancia, y el sexteto de Julio De Caro. En setiembre de 1931, luego de haber registrado un segundo lote de versiones para la Odeón de París, reapareció en el Broadway de Buenos Aires con los guitarristas Guillermo Barbieri, Ángel Domingo Riverol y Julio Vivas. De 1932 es su serie de películas Paramount, durante la cual em-pezó a colaborar con él, como argumentista y letristas de canciones, Alfredo Le Pera: Espérame (Direc: Louis Gasnier), La Casa es Seria (Dir.: Jacquelux), Melodía de Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). Tras otra fugaz presentación por Radio Belgrano retornó a Europa, grabando en Barcelona, el 22 y 23 de julio, una tanda de placas con el violín de Solsona y el piano de Juan Cruz Mateo, y el 6 de noviembre en la Argentina, sus últimas versiones para Odeón: Madame Ivonne, Tu Diagnóstico, El Tirador Plateado. Dos meses antes había realizado una breve temporada en el Teatro 18 de Julio de Montevideo y pocos días después viajó rumbo a París, en el "Conte Biancamano", acompañado por sus músicos Alberto Castellanos y Horacio Pettorossi. De allí se trasladó a Nueva York, cantando por la NBC (National Broadcasting Corporation) con un marco orquestal concertado por Hugo Mariani. En 1934 y 1935 filmó sus cinco películas para la Paramount en Norteamérica: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango en Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), El Día que me Quieras (Dir.: John Reinhardt, 1935), Tango Bar (Direc: John Reinhardt, 1935) y escenas para Cazadores de Estrellas (Dir.:Norman Taurog, 1935). En marzo de dicho año cantó desde Nueva York para Radio Belgrano de Buenos Aires, en tanto que la RCA Víctor imprimía en discos los canta-bles incluidos en su labor cinematográfica: el tango Amargura fue el último que interpretó para el surco y la canción criolla Apure Delantero Buey —grabados ambos los días 19, 20 y 23 de marzo— la postrera realización suya —sin distinción de géneros— para la fonografía. A principios de abril inició su gira por ciudades latinoamericanas. Comenzada en San Juan de Puerto Rico, dicha turné lo llevó sucesivamente a Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena y Medellín. El 23 de junio cumplió la actuación final de su carrera en el Teatro Real de Bogotá. El 24 de junio de 1935, elaparato que lo llevaba desde esa ciudad hacia Calí, hizo escala en Medellín, en el aeródromo Olaya Herrera, sobre cuya pista, al recomenzar el viaje se estrelló en tierra contra otro avión, determinando su muerte.
Además de las composiciones ya mencionadas, dio a conocer los tangos Mano a mano, Ave sin rumbo, Mi alhaja (luego Medallita de la suerte), Noche fría, Desdén, Estudiante, Melodía de arrabal, Me da pena confesario, Tomo y obligo, Silencio, Recordando, Evocación, Amor, Sus ojos se cerrarón y Mí Buenos Aires Querido. Fuente Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel


In English Automatic Traducion
GARDEL, Carlos. Music. Cantor. Composer. 1. Ubica staff. He was the creator-in-the artistic, emotional and aesthetically cultor first genuine in-the-historical interpreter and the largest-in terms of value-vocal forms of tango. His personality comprehensive gravitation also across the landscape of popular music and spiritual style of the cities of Rio de la Plata, which was the most representative figure in life, first, and then in the upward projection affective and social development of his legendary memory. 2. Ubica historic. He was man of the generation of 1910, manages the profound transformation that gave tango a genre perfectly first time differential of musical art. Alternator on it with composers and performers-Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martinez, Fresedo, Roccatagliata, Charles V. G. Flores-who, in different parts of temperament, promoted the genesis of tango vocalist with melodic rhythmic and harmonic characters themselves, and with lyricists who headed Pascual Contursi contributed the equivalent literary dimension. He, in turn, breaking revolutionarily with archaic ways that voice, represented by Angel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodriguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma and others, had prevailed until then, gave this brand new and auspicious for repertoire singing, the exact configuration interpretative. His renditions of Flower of mud (Contursi-Gentile), Milonguita (Delfino-Linnig), My sad night (Castriota-Contursi), Back to bulín (Martinez-Contursi), Mar-got (Ricardo Flores-EC), Meat cabaret (Lambertucci-Roldan) and Poor Paice (Cobián-Contursi), recorded on discs National Odeon between 1918 and 1920, and it showed throughout the originality that enriched and developed throughout his career shortly thereafter. 3. Fisonomía creative. In terms of voice, impeccable pitch, impost, in full of all notes and evenly balanced vibrato, his baritone voice, flow and medium next to the two oc-TAV in his position, was changing color across year. But his unexpected and unmistakable timbre, its characteristic sound presence, were radically and forever identified with the tango. It was not that he had "voice of tango"; latter-rather-was born of his voice. In musical terms, it was natural refinement and imagination to deal with the melodic line, dividing, accentuated by qualifying with exquisite and invariable good taste, all of which, together with its strong tendency to "tempo rubato" and his innate instinct of pace-maker in high degree of self-paced tango-attended outline his unmistakable phrasing. In the interpretive had the rare ability of being able to recreate in a single and indivisible act of expression, the musical text and the literary text. That is, and chanting "saying" at the same time and simultaneously with precise understanding of the content and intent of each different tango: a festive want to do this face; compadecido in Poor heart; nostalgic bulín in the street Ayacucho; Cachadora in Tierrita; colloquial Hand in Hand; outdated and laughed at as crazy; melancholy in per-sung is sad; arrabalero in the neighborhood of cans; trove in romantic; judgmental in Pompas; grotesque in Chorra; ironic in Goodbye Otari; burlesque in Otario that andás penando; pretensioso If I am in well; tragic in Cuesta abajo; thoughtful meditation on; compadre in Taconeando, even though with a constituent inclination to colour all his rich range of interpreter with a patina of deep melancholy. 4. Outline temperamental. In indesglosable all of creation, there was the conviction in an art that combined their nature animosity between picaresque and solemn man under citizen, with its deep roots criollismo-connoisseur of what had been apparent or understood in what they sang-lordship of man and his classmates by spiritual empire. 5.Gravitación artistic. The influence of his personality that lived long and fruitful surpassed his death, and which had been strengthened after 1925, was born with its advent to enrich himself and reached all aspects of tango. It was incitement to musicians and lyricists, which is served with a repertoire of copious that, in a major way, proceeded evolution and differentiation in styles and trends compositions vocalist, who helped himself with a piece of front row - Soledad, Arrabal bitter, returned one night, Cuesta abajo, back, Golondrinas, especially during his years last. Gravitation, intense and dominant voice on the pattern: only able to completely escape its influence, some of his contemporaries, as Ignacio Corsini, Agustin Magaldi and most of the female singers, and was acquiring his master, even for those who trained in their admiration and their school-Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularly Rivera-were expressed in forms of hierarchy, with greater independence. The strength and substance ordering forerunner of the way and try to feel musically tango, concomitant to quefueron own flow Decaro, influenced by the deep throughout the family orchestral styles sponsored by it, including its most advanced cultores . 6. Transcendence popular. His art, its nature, conduct, his temperament, his physiognomy, brought a real fascination for several generations, as a fully confirmed in all that defines what the Buenos Aires and River Plate. That pure and simple emotional exaltation, is fed affection and the popular imagination that gesture, after his death, his legendary image. Enlivened by the phonograph record-which remains in his voice-or the film-which persists in its appearance, its huge ghost was added to the domestic constellation mythological del Plata, along with Carriego, Arolas, Cucumber the 88, Florencio Sanchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, but compendium in one spiritual and ideal representation. 7. Biography. The national origins and family, and date and place of birth, are four aspects of his life in capitals around which there is still no definitive certainty: documents and personal testimonies are equally contradictory, so one could doubt as others. A departure issued in the southern city of Toulouse-France-born it places him on December 11, 1890, son of Berthe Gardés-Toulouse, too-and an unknown father. This date was later invalidated by himself in his will ológrafo (November 1933), to declare born on December 10, 1890, and his artistic work colleague Joseph Razzano, who gave another -11 December 1887-in the book Life of Carlos Gardel (counted by Jose Razzano and written by Francisco Garcia Jimenez), when he also gave to all his personal documentation. An identity document testifies to its source in the Department of Tacuarembó (RO of Uruguay), a possibility about which the investigator Uruguayan Erasmo Silva Cabrera has written an essay, identified as the son of Colonel Carlos Eastern Escayola. Under the first scenario, his family name was Charles Romuald Gardés; under the second, Carlos was Escayola. His childhood and adolescence are also wrapped in a mystery fact references oral desencontradas and imprecise about life in Buenos Aires until 1912, residing with Berthe Gardés-or who was not her mother, behaved as such until his death in-flows to 1500, almost Rodriguez Pena, first; af-ter, at the home of Jean Jaurés 735 Street, Market neighborhood of Abasto. The principles of his career as artist correspond to that time, already endorsed by mentions in the press: in 1912 he joined a duo with Francisco Martyrdom and a vocal trio repertoire of Creole with him and with Jose Razzano, set to debut at a festival held in House Switzerland in the street and became Peña Rodríguez, shortly after a quartet with the addition of Saul Salinas ( "viper") to sing in the town of Zarate during the carnival of 1913. Salinas split, the trio Gar-of-Martino-Razzano continued his tour of the province of Buenos Aires and in Gral. Viamonte was reduced to a duo by the defection of Martino. That same year he made his first series of phonographic recordings in the house alone and to Columbia, composed of fourteen songs in peasant cate accompanied himself with elementary rasgueos guitar; initial plate, in order of appearance in the sale, kept their interpretations of The Mañanita and left me. In late 1913, forming the duo with Razzano, debuted at the cabaret Armenonville, appearing during 1914 so as party representations of the company-Alippi Ducasse at the National Theater (January), with Perdiguero-Casaux in the Apollo (March ), With Arellano-TES-Aranaz-Mancini in Rosario de Santa Fe (June), with Viton-Pomar in Cordoba (July), with Rico Mangiante in the Modern Buenos Aires (October) and, in this scenario, for a concert of the Society of Composers Argentina (November). The following year he sang with Razzano in Montevideo, at the Theatre Royal and in the July 18, as part of the cast of Arellano, integrating which traveled to Rio de Janeiro in the making of John Moreira, which premiered in November at the Teatro San Martin. On this occasion was added to its duo guitarist Jose Ricardo. In 1916-always accompanied with Razzano-performance Orfilia Rico at the Odeon of Mar del Plata (February) and the newly formed team of actors Muiño-Alippi in the halls of Marconi and the New, moving in October to Esmeralda, where he sang in My only sad night, that first tango interpreted in public performances. During that same season, played a small role in the filming of the movie peach blossom, who led the playwright Francisco Defilippis Novoa, and returned to Montevideo with Razzano, in the company Rogelio Juarez and Lola Membrives, action in the Urquiza. Called by Glucksmann, recorded the duet-the April 9, 1917 - for Odeon, its initial plate with the song Angel Villoldo Eternal Song, being entrusted to a single-figure Razzano Among Colors-the face of that first record supplementary of phonograph. And continued theatrical presentations, in the Emerald-again-with White Podesta; Alberto Ballesteros and Salvador Rosich, in St. Maarten and the Empire, with Florencio Parravicini, then, in San Nicolas, during a tour of provinces which included a contract performed by the duet in Chile. In 1918, the year of its first two tangos sung for the hard-Flower of My mud and sad night (he appeared before him in the sale) - she appeared with the duo in Montevideo: Theatre festival on July 18 and beneficial in the Park Hotel. Since then, sharply from 1922, his figure was brought gaining supremacy over the Razzano, who gradually fell intervention in the recordings. With the guitarists Jose and Ricardo Guillermo Barbieri (incorporated it in the accompanying 1921), and once completed commitments in the artistic scene of Florida Buenos Aires and Montevideo on July 18 with the cast of Enrique De Rosas and Matilde Rivera, embarked with these players headed to Spain; debuted in December at the Teatro Apollo in Madrid. In return, recorded in the late-24 - as soloist, supported by the orchestra Francisco Canaro, some versions for Odeon, the first of which was the tango The Garconniere and, in 1925-his debut season in radiotelephony Splendid-wave led to record two tangos: Sorry, viejita and Fea, with orchestral framework led by Osvaldo Fresedo. Since September this year, date of untying-Razzano continued his career as an artist and independent figure with a second trip to Spain is; sang in the Romea Madrid and recorded from Echaste good, a series of expensive for the Odeon Barcelona, which played accompanied only by Jose Ricardo. After a fleeting reappearance in Buenos Aires that included hearings on Radio-Prieto, Spaniards returned to the stage, this time with Ricardo and Barbieri, his two guitarists. During the next two years, joined Jose Maria Aguilar and the accompanying acted in Paris: Theatre Fémina, Florida and cabaret records of the French-Odeon in 1928 - and Opera Theater and Empire-January and February 1929 - in April and May , Sang in the Main Palace in Barcelona and Madrid Avenue. He returned to Buenos Aires in June, taking part in a series of short films directed by Eduardo Morera, acting at the Teatro Florida, before microphones National Radio and the chamber of Artigas Montevideo. He returned to Europe during the next year, debuting in Nice and interpreting the leading role in lights of Buenos Aires, film, directed by Adelqui Millar, was filmed in Joinville with Gloria Guzman, Pedro Quartucci and other elements of the Company Theatre in Sarmiento revolves other important roles, and the sextet Julio De Caro. In September 1931, after having registered a second batch of releases for the Odeon in Paris, reappeared in the Broadway of Buenos Aires with the guitarists Guillermo Barbieri, Angel Domingo Riverol and Julio Vivas. From 1932 is his series of films Paramount, during which em-fish to work with him as a script writer and lyricists of songs, Alfredo Le Pera: Espérame (Director: Louis Gasnier), La Casa is Seria (Dir.: Jacquelux) Melody of Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). After another brief presentation on Radio Belgrano returned to Europe, recorded in Barcelona on 22 and July 23, a round plate with the violin and piano of Solsona Juan Cruz Matthew, and November 6 in Argentina, their latest Odeon versions: Madame Ivonne, Tu Diagnostics, Silver shooter. Two months earlier had made a brief season at the Theatre on July 18 in Montevideo and a few days later traveled to Paris direction, "Conte Biancamano, accompanied by his musicians and Horacio Alberto Castellanos Pettorossi. From there he moved to New York, singing by the NBC (National Broadcasting Corporation) with an orchestral framework agreed upon by Hugo Mariani. In 1934 and 1935 filmed his five films for Paramount in North America: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango on Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), The day you love me (Dir.: John Reinhardt , 1935), Tango Bar (Director: John Reinhardt, 1935) and scenes for Hunters Stars (Dir.: Norman Taurog, 1935). In March of that year sang from New York to Radio Belgrano in Buenos Aires, while the RCA Victor records printed in the sing-able included in his film work: the tango Bitterness was the last thing interpreted for the furrow and the folk song Striker Apure Ox-taped both 19, 20 and March 23-the realization his second season-irrespective of gender-for phonography. In early April he began his tour of Latin American cities. Began in San Juan, Puerto Rico, said Turner took him successively to Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena and Medellin. On June 23 met the performance end of his career at the Teatro Real in Bogota. On June 24, 1935, elaparato that it was carrying from that city to Cali, Medellin stopped in at the Olaya Herrera airport, whose runway, to restart the trip crashed ashore against another plane, determining their death. In addition to the aforementioned compositions, released tangos Mano a mano, Ave aimlessly, Alhaj My (then Medallita of luck), Cold Night, Desdén, Student, suburb of melody, I'm confesario penalty, Volume and obligations, Silence, recalling, evocation, Love, Your eyes are cerrarón and Mi Buenos Aires Querido. Source Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel