sábado, 23 de agosto de 2008

Rodolfo Biagi

Rodolfo BiagiOrquesta Rodolfo Biagi

Rodolfo BiagiRodolfo Biagi

Rodolfo Biagi en la portada de la reedición de 1958 de uno de sus mejores éxitos de compositor, con versos de Homero Manzi

BIAGI, Rodolfo Alberto. Músico. Pianista. Compositor. Director. Nació en el barrio de
San Telmo, el 14 de marzo de 1906. Estudió música en el Conservatorio de "La Prensa" con el maestro Francisco Rivera.
A los trece años hizo sus primeras armas profesionales amenizando
la pantalla muda
del cine Colón de la calle Entre Ríos. En 1920, junto con el violinista Elvino Varda-
ro, hizo su debut en la orquesta de Pacho, en el café Nacional y posteriormente en el bar Domínguez. Luego actuó con Miguel Orlando en el Maipú Pigall, donde conoció a Gardel, a quien acompañó en algunas grabaciones fonográficas con el violinista
Antonio Rodio. Integró luego la orquesta de Juan B. Guido en los cines Real y Sui-
pacha; volvió en 1933 al Maipú Pigall (ahora Casanova) como pianista del conjunto
de Juan Canaro, prolongándose su actuación en esa orquesta a través de una temporada
radioteatral en el cine París y en una gira por Brasil. En 1935 se incorporó a la or-
questa de Juan D'Arienzo, contribuyendo, con su modalidad pianística nerviosa, ar-
mónicamente elemental, monótona en lo rítmico por la invariable repetición de las mismas ideas musicales, a definir el estilo in-
terpretativo del conjunto. El 16 de setiembre de 1938, sobre la base de parecidos su-
puestos orquestales, debutó con su propio conjunto en la boite Marabú de la calle
Maipú y en los programas de Radio Belgrano. Desfilaron por su agrupación solistas de la jerarquía de Alfredo Attadía y los vocalistas Teófilo Ibáñez, Alberto Echagüe, Carlos Heredia, Jorge Ortiz, Alberto Amor, Jorge Saavedra, Jorge Garré, Hugo Duval, entre otros. Grabó sus versiones para la casa Odeón, a partir de El incendio y Golgota, incorporándose luego, en 1956, al elenco de la Columbia, grabando El carre-
rito y Ramona como primer disco. Compositor de los tangos Indiferencia, Humilla-
ción, Tu promesa, Gólgota y Magdala.Fuente Horacio Ferrer

Biografia II
Pianista, director y compositor
Apodo: Manos Brujas
(14 de marzo de 1906 - 24 de septiembre de 1969)
Lograr un estilo y una personalidad inconfundible, dentro de una modalidad musical muy simple, no deja de tener un gran mérito. Es el caso de Rodolfo Biagi, que nació en el porteño barrio de San Telmo.

Una vez terminado la escuela primaria, abandonó sus estudios para dedicarse a la música, en contra del criterio de sus padres, quería estudiar violín y sus padres le propusieron un trato; le compraban el instrumento pero él debía ingresar a la Escuela Normal de Profesores "Mariano Acosta". Rodolfo fue inscripto en el conservatorio del diario "La Prensa", allí descubrió que su verdadera vocación era el piano.

Orquesta Rodolfo Biagi

A los 13 años, y sin que sus padres lo supieran, debutó como pianista poniéndole fondo musical a las películas mudas de un cine de barrio. En una de esas noches, Rodolfo tuvo la suerte que concurriera al cine el maestro Juan Maglio (Pacho), que quedó impactado al escuchar al precoz pianista y lo invita a tocar con él. Tenía sólo quince años.

Luego pasó a integrar la orquesta del bandoneonista Miguel Orlando, en el cabaret "Maipú Pigall".
Una noche de 1930 José Razzano lo fue a ver y le propuso acompañar a Carlos Gardel en algunas grabaciones. Y así fue, el primero de abril de 1930 graba, para el sello Odeon, junto al violinista Antonio Rodio y las guitarras de Aguilar, Barbieri y Riverol, los tangos "Viejo smoking", "Buenos Aires" y "Aquellas farras", el foxtrot "Yo seré para ti, tu serás para mi" y el vals "Aromas de El Cairo".

Gardel lo invita a una gira por España y Biagi no acepta; pasa entonces a integrar la orquesta de Juan Bautista Guido, luego integra la orquesta de Juan Canaro, allí conoce a Juan Carlos Thorry junto a quien compone el tango "Indiferencia".

Siempre cono pianista de Juan Canaro viajó a Brasil. A su regreso dejó la orquesta de Juan Canaro y permaneció inactivo durante un tiempo.

Era asiduo concurrente del cabaret "Chantecler", donde tocaba su amigo Juan D'Arienzo, el pianista de la orquesta era Lidio Fasoli, famoso por su impuntualidad. Una noche D'Arienzo decide reemplazarlo y le propuso a Biagi que integrara su orquesta.

En el transcurso de 1935, D'Arienzo, con el joven y experimentado pianista y su ejecución nerviosa y rítmica, definió para siempre su inconfundible estilo. Durante los casi tres años que estuvo con D'Arienzo, consagró una manera de tocar que luego seguirían Juan Polito y Fulvio Salamanca, los pianistas que le sucedieron.

La orquesta de D'Arienzo se presentaba en el cabaret "Chantecler", en LR1 radio El Mundo, en bailes de clubes, en exitosas giras y actuó en la película "Melodías Porteñas" de Enrique Santos Discépolo. Su actuación con la orquesta dejó 71 registros discográficos.

En 1938, Biagi se separa de D'Arienzo para formar su propia agrupación, debutando el 16 de septiembre de 1938 en el cabaret "Marabú".

Tanto la orquesta de Biagi como la de D'Arienzo consolidaron las posiciones interpretativas tradicionales del tango, centralizando el interés del público adicto al baile, con repertorios especialmente basados en la exhumación de antiguas obras adaptadas a sus modos de expresión musical.

Su actuación en Radio Belgrano le valió su apodo de "Manos Brujas", que era un foxtrot de José María Aguilar que ejecutaba al comienzo de cada presentación de su orquesta

Su primer cantor fue Teófilo Ibáñez, exitoso intérprete de los tangos "Gólgota", "La Novena" y la milonga "Campo afuera". Luego lo sucedió Andrés Falgás que se consagró con "Queja indiana", "Griseta", "La chacarera" y "Cicatrices".

Luego vino tal vez el cantor de mayor éxito en la orquesta; Jorge Ortiz, que luego se fue con Miguel Caló, pero al poco tiempo volvió con Biagi, con quien se sentía mas identificado. Sus grandes impactos fueron "Yuyo verde", "Indiferencia", "Pájaro ciego", "Misa de once" y "Soledad la de Barracas".

También pasaron por su orquesta: Alberto Lago, Alberto Amor y Carlos Acuña. Este último se lució con los tangos "A la luz del candil", "Lonjazos" y con una de las mejores interpretaciones del tango "Uno".

En el año 1942, actuó en Chile con un éxito sin precedentes.

En su orquesta también cantaron Carlos Saavedra, Carlos Heredia, Carlos Almagro y Hugo Duval, quien permaneció en su orquesta hasta su disolución y, junto Jorge Ortiz, fue una de las dos voces emblemáticas de Biagi. Como curiosidad se destaca el hecho de que en su orquesta nunca actuó una mujer.

Al comienzo de la década del cincuenta fue la primera en presentarse por la flamante televisión argentina. Por la misma época fue figura central del famoso programa "Glostora Tango Club" de radio El Mundo.

Durante su trayectoria, Biagi tuvo la colaboración de destacados músicos. Entre los bandoneonistas figuraron: Alfredo Attadía, Miguel Bonano y Ricardo Pedevilla. Como violinistas estuvieron Marcos Larrosa, Claudio González y Oscar de la Fuente, quien además fue su arreglador.

A pesar de ser pianista, también contó con un ejecutante de ese instrumento. Fue Juan Carlos Giampé, quien los domingos lo reemplazaba en la radio para poder asistir al hipódromo.

Durante 17 años grabó para el sello Odeon, luego pasó a Columbia y finalmente a Music Hall.

Su obra como compositor, sin ser extensa, fue muy popular. Compuso el tango instrumental "Cruz diablo"; con letra de Carlos Bahr: los valses "Amor y vals", "Como en un cuento" y el tango "Humillación"; con Francisco Gorrindo los tangos "Gólgota", "Magdala" y "Por tener un corazón"; junto a Homero Manzi las milongas "Campo afuera" y "Por la güella"; en colaboración con Rodolfo Sciammarella el tango "Dejá el mundo como está"; con Carlos Marín "Oh, mama mía" (tango); junto a Juan Carlos Thorry el tango "Indiferencia".

En la televisión tuvo una gran presencia y fue estrella del programa "Casino Philips", por Canal 13.

La última vez que Biagi actuó ante su público fue el 2 de agosto de 1969, en el Hurlingham Club. Cuarenta y un días después, el 24 de septiembre, murió repentinamente a causa de una desmedida baja de presión. Recordémoslo con más "sonrisas que lágrimas", evocando su gran éxito "Lágrimas y sonrisas", hermoso vals de Pascual de Gullo.Fuente: Jorge Palacio de todotango

English
BIAGI, Rodolfo Alberto. Music. Pianist. Composer. Manager. Born in the neighborhood of
San Telmo, March 14, 1906. He studied music at the Conservatory of "La Prensa" with maestro Francisco Rivera.
For the thirteen years made his first professional arms brightened the screen moves
Columbus film of the street Entre Rios. In 1920, along with the violinist Elvino Varda -
ro, made its debut in the orchestra Pacho, in the National coffee at the bar and then Dominguez. Then he appeared with Michael in Maipú Pigall Orlando, where he met Gardel, whom he accompanied in some phonographic recordings with the violinist
Antonio Rodio. He joined the orchestra after Juan B. Guido in cinemas Real and Sui -
pacha; again in 1933 at Pigall Maipú (now Casanova) pianist as a whole
Juan Canaro, extending his performance in that orchestra through a season
radio in the cinema in Paris and a tour of Brazil. In 1935 he joined the or -
questa Juan D'Arienzo, contributing, with its pattern pianística nervous, ar -
Monica elementary, in the monotonous rhythmic unchanged by the repetition of the same musical ideas, to define the style in -
interpretation of the whole. On 16 September 1938, based on their similar -
orchestral posts, debuted with its own set of Marabú boite in the street
Maipú and programmes on Radio Belgrano. Parades by grouping its soloists of the hierarchy of Alfredo Attadía and vocalists Teófilo Ibanez, Alberto Echagüe, Carlos Heredia, Jorge Ortiz, Albert Amor, Jorge Saavedra, Jorge Garrido, Hugo Duval, among others. He recorded their versions for home Odeon, from the fire and Golgotha, then joining in 1956, the cast of Columbia, recording the trolley -
and Ramona rite as the first disc. Composer tangos indifference, humiliation -
tion, Your promise, and Golgotha Magdala.Fuente Horacio Ferrer


Biography II
Pianist, composer and director
Nickname: Hands Bruges
(March 14, 1906 - September 24, 1969)
Achieving a style and an unmistakable personality, within a very simple musical form, not without a great achievement. This is the case of Rodolfo Biagi, who was born in Buenos Aires neighborhood of San Telmo.

Once completed primary school, abandoned his studies to dedicate himself to music, against the criterion of their parents, wanted to study violin and his parents proposed a deal, he bought the instrument but he should enter the Normal School Teachers " Mariano Acosta. " Rodolfo was enrolled at the conservatory of the newspaper "La Prensa", then discovered that his true vocation was the piano.

At 13 years, and without their parents what they knew, debuted as a pianist putting musical background to the silent films of a local cinema. In one of those nights, Rodolfo was fortunate to attend a movie maestro John Maglio (Pacho), which was shocked to hear the precocious pianist and invited him to play with him. He was only fifteen years.

Later he switched to integrate the orchestra's bandoneonist Miguel Orlando, at the cabaret "Maipú Pigall."
One night of the 1930 Joseph Razzano went to see him and proposed to accompany Carlos Gardel in some recordings. And so was the first of April 1930 recorded for the Odeon, next to the violinist Antonio Rodio and the guitarists Aguilar, Barbieri and Riverol, the tangos "Old smoking", "Buenos Aires" and "Those farras", foxtrot "I will be for you, you'll be for me" and the waltz "Aromas of Cairo."

Gardel invited him to a tour of Spain and does not accept Biagi; happens then to integrate the orchestra Juan Bautista Guido, then integrates the orchestra Juan Canaro, there knows next to Juan Carlos Thorry who composed the tango "Indifference".

Always with pianist John Canaro traveled to Brazil. Upon his return he left the orchestra Juan Canaro and remained inactive for a while.

It was the regular concurrent cabaret "Chantecler" where he played his friend John D'Arienzo, the pianist of the orchestra was Lidio Fasoli, famous for its impuntualidad. One night D'Arienzo decides to replace him and proposed to Biagi to integrate his orchestra.

During 1935, D'Arienzo, with young and experienced pianist and execution nervous and rhythmic, forever defined his unmistakable style. During the nearly three years he was with D'Arienzo, devoted a way of playing then continue John Polito and Fulvio Salamanca, the pianists who succeeded him.

The orchestra D'Arienzo was presented at the cabaret "Chantecler," The World LR1 radio, in dance clubs in successful tours and acted in the movie "Real Porteñas" Enrique Santos Discépolo. His performance with the orchestra made 71 recordings.

In 1938, Biagi separates D'Arienzo to form their own group, debuting on September 16, 1938 at the cabaret "Marabú".

Both the orchestra Biagi as the D'Arienzo consolidated positions interpretative traditional tango, centralizing public interest addicted to dance, especially with codes based on the exhumation of ancient works adapted to their modes of musical expression.

His performance on Radio Belgrano earned him his nickname "Hands Bruges", which was a foxtrot of Jose Maria Aguilar who executed at the beginning of each presentation of his orchestra

His first singer was Teófilo Ibanez, successful interpreter of the tangos "Golgotha", "The Ninth" and the milonga "Camp outside." Then what happened Andres Falgás which was devoted to "Indian Complaint", "Griseta", "The chacarera" and "Scars".

Then came perhaps the most successful singer in the orchestra; Jorge Ortiz, who then went with Miguel Calo, but soon returned with Biagi, with whom he was most identified. Its large impacts were "Yuyo green", "Indifference", "Bird blind", "Mass once" and "Loneliness of the Barracks".

It also passed through his orchestra: Lake Albert, Love and Carlos Alberto Acuna. The latter was showcased with the tangos "In light of candil", "Lonjazos" and one of the best interpretations of tango "One".

In 1942, in Chile acted with unprecedented success.

In his orchestra also sang Carlos Saavedra, Carlos Heredia, Carlos Hugo Almagro and Duval, who remained in his orchestra until its dissolution and, together Jorge Ortiz, was one of the two voices emblematic of Biagi. As curiosity highlights the fact that his orchestra was never a woman.

At the beginning of the fifties was the first to appear in the brand-new television argentina. Around the same time was central figure in the famous program "Glostora Tango Club" Radio El Mundo.

During his career, Biagi was the collaboration of outstanding musicians. Among the bandoneonists included: Alfredo Attadía, and Ricardo Miguel Bonano Pedevilla. As violinists were Larrosa Marcos, Claudio Gonzalez and Oscar de la Fuente, who also was his arranger.

Despite being a pianist, also had a player of that instrument. It was Giampé Juan Carlos, who on Sunday replaced the radio in order to attend the races.

During 17 years he recorded for the Odeon, then went to Columbia and finally to Music Hall.

His work as a composer, although not large, was very popular. He composed the tango instrumental "Red Devil", with lyrics by Carlos Bahr: the waltzes "Love and waltz," "Like a story" and the tango "Humillación"; Gorrindo tangos with Francisco "Golgotha", "Magdala" and " By having a heart "; Homero Manzi next to the milongas" Camp outside "and" For the güella ", in collaboration with Rodolfo Sciammarella tango" Stop the world as "Carlos Marin" Oh, my mama "(Tango) ; Alongside Juan Carlos Thorry tango "Indifference".

On television had a great presence and star of the program was "Casino Philips," by Channel 13.

The last time he appeared before his audience Biagi was the August 2, 1969, at the Hurlingham Club. Forty-one days later, on September 24, died suddenly because of an excessive downward pressure. Let us remember with more smiles than tears, "evoking his big hit" Tears and smiles, "beautiful waltz Pascual of Gullo.
Source: Jorge Palace todotango

viernes, 22 de agosto de 2008

Orquesta Tipica Victor e historia de los 78 rpm

Orquesta Tipica Victor Orquesta Tipica Victor
Orquesta Típica Víctor, en noviembre de 1925. De izquierda a derecha: Humberto Costanzo (bajo); Ciriaco Ortiz (bandoneón); Eugenio Romano (violín); Agesilao Ferrazano (primer violín); Luis Petrucelli (primer bandoneón); Manlio Francia(violín); Nicolás Pnmianí "Pindeca"(bandoneón) y Vicente Gorrese "Kalisay" (paño).

Publicidad de Gramafon
Otra publicidad de Cassels en 1901, con ilustración del Gram-0-Fon y un disco de la Banda De Sousa, excelente agrupación de modelo francés, que grabó numerosos tangos

Publicidad de Gramafon
Aviso de la Casa Cassels y Cía. de la calle Florida 220, publicado en la revista "Caras y Caretas", en 1901.

ORQUESTA TÍPICA VÍCTOR. Agrupación formada por la casa de grabaciones Víctor.
Comenzó su labor en noviembre de 1925. Su finalidad fue exclusivamente, la realización de versiones para el disco*. En su integración original tocaron: Luis Petrucelli, Ciríaco Ortiz y Nicolás Primiani (bandoneones); Elvino Vardaro, Manlio Francia, Antonio Buglione y Nicolás Di Massi (violines); Humberto Constanzo (contrabajo) y Vicente Gorrese "Kalisay" (piano). En su composición alternaron luego otros calificados elementos —Bernardo Germino, Aníbal Troilo, Federico Scorticati— y entre los vocalistas Carlos Lafuente, Alberto Gómez y Francisco Fiorentino. Los tangos Sueno, La guiñada, La pueblera y Dominio se contaron entre los excelentes solos de Vardaro y de Petrucelli. Después de 1931 se denominó también dentro de la misma modalidad, Orquesta Porteña. Posteriormente fue arreglada y dirigida por Federico Scorticati y por Mario Maurano.

Historia de los 78rpm de La Victor y otras casas grabadoras
La Victor Talking Machine Co. Fundada en Norteamérica el 22 de setiembre de 1903 —con sus placas caracterizadas por el célebre perrito "Nipper"—esta empresa había compartido desde entonces los azares del disco en Buenos Aires. Hacia 1917, con el propósito de neutralizar el éxito de Firpo en Nacional-Odeón, contrató, sin lograr igualar a aquél, a los conjuntos de Vicente Loduca, Celestino Ferrer, Alonso-Minotto y Eduardo Arolas. Y en 1919, intentando contrarrestar el campanazo que Glucksmann daba al fabricar íntegramente sus discos en la Argentina, envió a Delfino, Fresedo y Roccatagliata a grabar a Nueva York. Pero aquella conquista sólo la alcanzó la Victor el 25 de agosto de 1924. Ese día, en el estudio de la calle Cerviño 4545, Osvaldo Fresedo grabó con su orquesta los tangos Sueño de amor y Oscarcito, primera cera de esta firma totalmente realizada en Buenos Aires. Acaso, para conservar sus ventajas frente a ese capital avance de la competencia, Odeón inició sus grandes certámenes de tangos en el Teatro Splendid, iniciativa a la que la Victor contestó con la creación de su propia orquesta típica —la Típica Victor— para la grabación inmediata de cuanto éxito surgiera. 8. La grabación eléctrica. Nace el disco 78 r.p.m. A principios de 1926, comenzó a emplearse en Buenos Aires—en sustitución del "acústico" o "mecánico"— el sistema de registro del sonido por impulsos eléctricos ("grabación eléctrica"), iniciado por Gardel en Nacional Odeón con unas pruebas muy imperfectas, el paso-doble Puñadito de Sal y los tangos Mi diosa y Del barrio de las latas (inéditas), el 8 de noviembre. Las versiones "princeps", con el flamante procedimiento, las hizo también Carlos Gardel a fines de aquel mes con los tangos Corrientes y El pibe. En 1927 se reajustó la velocidad de rotación, fijándose la norma (ochenta revoluciones por minuto hasta entonces) en 78 r.p.m. (diferencia auditivamente imperceptible tratándose de altas velocidades. Continuaba a la sazón la hegemonía que desde 1916 habían impuesto la casa Odeón (con Firpo, Canaro, Gardel, Maglio, Corsini, Lomuto, Maizani, Fresedo, progresivamente incorporados a su elenco)
y la casa Victor (con Fresedo, Cobián, Catán, De Caro, Roberto Díaz, Flores, Rosita Quiroga, Magaldi, Mercedes Simone, Ferrazano, Petrucelli, Di Sarli, Pollero y sus propios conjuntos —Orquesta, Cuarteto y Trío Victor—). Desde 1924 hasta 1932, no obstante, hubo varios intentos destinados a quebrar ese dominio: de Ideal que se llamó luego Electra (en el cual grabaron Charlo, Servidio, Dante, Pracánico, Sofía Bozán, D'Arienzo y Cobián); Brunswick (con un ambicioso catálogo, en el que figuraron De Caro, Maizani, Maffia, Magaldi-Noda, Donato-Zerrillo, Brignolo y la agrupación orquestal de la propia empresa alternativamente conducida por sus principales directores contratados) y Columbia (Columbia, Viva-Tonal ahora), que reapareció con Tania, Roberto Maida, Maffia, Aieta, Virginia Vera, Joaquín Mora, Minotto, Castellanos y otros. Sin em-bargo, el tango en discos siguió polarizado por Odeón (la que en forma progresiva se aseguró a Filiberto, Caló, Simone, Buzón, Charlo, Tinelli, Pugliese, Rodio, Tanturi, De Caro, Alonso) y por Victor su competidora—posteriormente asociada en amalgama de capitales a la Radio Corporation of América— que enriqueció su staff artístico con Fresedo, Lomuto, Cobián, Lamarque, Maizani, Gardel, Donato, D'Arienzo, D'Agostino, Tanturi, Troilo, Maderna, Francini-Pontier, Federico, Stamponi y otros, en tanto se iban perfeccionando las técnicas de toma de sonido, de matrizado y de reproducción fonográfica: Fuente Horacio Ferrer

English: Victor tango orchestra. Groupings in the home of Victor recordings.
It began its work in November 1925. Its purpose was solely for the performance versions of the disc *. In its original integration played: Luis Petrucelli, Ciriaco Ortiz and Nicolas Primiani (bandoneon); Elvino Vardaro, Manlio France, Antonio Di Buglione and Nicolas Massi (violins); Humberto Constanzo (double bass) and Vincent Gorrese "Kalisay" (piano). In its composition alternated then another qualified elements-Bernardo Germino, Anibal Troilo, Federico Scorticati-and among the vocalists Carlos Lafuente, Alberto Gomez and Francisco Fiorentino. The tangos Sleep, The winks, The Dominion pueblera and were among the excellent solos Vardaro and Petrucelli. After 1931 was also named in the same mode, Porteña Orchestra. He was subsequently arranged and directed by Federico Scorticati and Mario Maurano.

Story l 78rpm of The Victor recorders and other houses
The Victor Talking Machine Co.. Founded in North America on 22 September 1903-with their plates characterized by celebrity dog "Nipper"-this company had shared since the azares disk in Buenos Aires. By 1917, with the aim of neutralizing the success of a National Firpo-Odeon, hired without achieving one match, to the combined Vincent Loduca, Celestino Ferrer, Alonso-Minotto and Eduardo Arolas. And in 1919, trying to counter the campanazo that Glucksmann gave his records to fully manufacture in Argentina, sent to Delfino, Roccatagliata Fresedo and recording to New York. But the only conquest that reached the Victor on August 25, 1924. That day, in studying the street Cerviño 4545, Osvaldo Fresedo recorded with his orchestra tangos dream of love and Oscarcito first wax signing this totally held in Buenos Aires. Perhaps, to preserve their advantages over this capital advance of competition, Odeon started its big tango competitions at the Teatro Splendid, an initiative to which Victor replied with creating their own tango orchestra-the-Victor Typical for recording As immediate success arose. 8. The electrical recording. Born on 78 r.p.m. disc In early 1926, began to be used in Buenos Aires in place of "noise" or "mechanical" - the sound recording system by electrical impulses ( "burning power"), initiated by National Gardel in evidence too Odeón with imperfect The step-double handful of salt and tangos My God and neighborhood cans (unpublished), November 8. Versions "princeps," with the brand new procedure, also made Carlos Gardel at the end of that month with the tangos The kid and Corrientes. In 1927 was readjusted the speed of rotation, setting the standard (eighty revolutions per minute until then) at 78 rpm (aurally imperceptible difference in the case of high speeds. continued hegemony at the time that since 1916 had imposed the house Odeon (Firpo, Canaro, Gardel, Maglio, Corsini, Lomuto, Maizani, Fresedo gradually incorporated into its cast)
and the house Victor (Fresedo Cobián, Catán, De Caro, Roberto Diaz, Flores, Rosita Quiroga, Magaldi, Mercedes Simone, Ferrazano, Petrucelli, Di Sarli, Pollero and their own joint-Orchestra, Trio and Quartet-Victor). From 1924 to 1932, however, there were several attempts to break this domain: Ideal was called after Electra (in which they recorded Charlo, Servidio, Dante, Pracánico, Sofia Bozán, D'Arienzo and Cobián); Brunswick (with an ambitious catalogue, which included De Caro, Maizani, Maffia, Magaldi-Noda, Donato-Zerrillo, Brignolo and orchestral grouping of the company itself alternately led by its principal directors hired) and Columbia (Columbia, Viva Tonal-now) , Which reappeared with Tania, Roberto Maida, Maffia, Aieta, Virginia Vera, Joaquin Mora, Minotto, Castellanos and others. However, the tango in polarized discs followed by Odeon (which gradually be assured Filiberto, Calo, Simone, Mailbox, Charlo, Tinelli, Pugliese, Rodio, Tanturi, De Caro, Alonso) and his rival Victor Then-partner amalgam of capital to the Radio Corporation of americas-that enriched his artistic staff with Fresedo Lomuto, Cobián, Lamarque, Maizani, Gardel, Donato D'Arienzo, D'Agostino, Tanturi, Troilo, Maderna, Francini - Pontier, Federico, Stamponi and others, while iban refine the techniques of making sound, parent of recording and reproduction

jueves, 21 de agosto de 2008

Charlie Musselwhite en español and in english

Charlie Musselwhite

Charlie Musselwhite


Charlie Musselwhite (nacido el 31 de enero de 1944 en Kosciusko, Mississippi) es un blues americano y orquesta, uno de los no-negro bluesmen que llegó a la prominencia a principios del decenio de 1960, junto con Mike Bloomfield y Paul Butterfield. Aunque a menudo ha sido identificado como un "bluesman blanco", afirman nativos americanos y tailandés su patrimonio.

Infancia
Musselwhite nació en la colina de país rural de Mississippi. Él ha dicho que él es de ascendencia choctaw, y él nació en una región poblada originalmente por los choctaw. Sin embargo, en una entrevista 2005, dijo que su madre le había dicho que era realmente cherokee.

Su familia consideró que era normal para reproducir música, con su padre tocar la guitarra y la armónica, su madre tocando el piano, y un pariente que era un hombre de banda. A la edad de tres, Musselwhite se trasladó a Memphis, Tennessee. Cuando era un adolescente, Memphis experimentado el período de rockabilly, western swing, blues eléctrico, y algunas formas de African American combina la música fueron a dar a luz a rock and roll. El plazo ofrecido figuras legendarias como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Johnny Cash, así como menor leyendas como Gus Cannon peludas Lewis, Will Shade, Real Bell, Memphis Willie B., Johnny Burnette, Red Roby, Abe McNeal , Slim y Rodas. Musselwhite apoya a sí mismo por la excavación de zanjas, por la que se concreta en funcionamiento moonshine en un Lincoln 1950. Este entorno se Musselwhite para la escuela de música, así como la vida, y adquirió el apodo de "Charlie Memphis
Carrera
En cierto bluesman moda, Musselwhite luego despegó en busca de la rumorea "gran fábrica de pago de puestos de trabajo" hasta la "autopista hillbilly", legendario Highway 51 a Chicago, donde continuó su educación en el lado sur, con lo que el conocimiento de aún más leyendas incluidas Lew Soloff, Muddy Waters, Junior Wells, Sonny Boy Williamson, Buddy Guy, Howlin 'Wolf, Little Walter y Big Walter Horton. Musselwhite a sí mismo completamente inmerso en la vida musical, que viven en el sótano de, y de vez en cuando trabajo en Jazz Record Mart (la tienda registro operado por Delmark Records fundador Bob Koester) con Big Joe Williams y trabajó como conductor de un exterminador, que le permitió para observar lo que estaba sucediendo alrededor de la ciudad, clubes y bares. Pasó su tiempo a andar en el Jazz Record Mart en la esquina de Estado y de Grand y el cercano bar, señor Joe's, con la ciudad de músicos de blues, y en sesión con Big Joe Williams y otros en los clubes, consejos para jugar. Allí se forjó una amistad que dura toda la vida con John Lee Hooker; Hooker aunque vivía en Detroit, Michigan, los dos a menudo visitan unos a otros, Hooker y que actúa como mejor hombre a Musselwhite la boda. Poco a poco se convirtió en Musselwhite bien conocida en la ciudad.

Con el tiempo, Musselwhite condujo a su propia banda de blues, y, después de Elektra Records éxito con Paul Butterfield, dio a conocer el clásico [editar] Stand Back! Aquí viene Charley Musselwhite's Band Southside álbum en 1966 en Vanguard Records (como "Charley Musselwhite"), para su inmediata y gran éxito. Él aprovechó la influencia de este álbum le dio a trasladarse a San Francisco, donde, en lugar de ser uno de los muchos actos que compiten blues, ocupó tribunal como el rey del blues en la explosión de countercultural escena musical, un país exótico y áspero a la figura la flor niños. Musselwhite incluso convencido de Hooker a mudarse a California.

Desde entonces, Musselwhite ha publicado más de 20 álbumes, así como guesting en álbumes de muchos otros músicos, como Bonnie Raitt's Longing en sus corazones y The Blind Boys of Alabama del Espíritu del Siglo, ambos ganadores de premios Grammy. También apareció en Tom Waits "Mule y Variaciones INXS 'Suicidio Blonde. Él mismo ha ganado 14 premios WC Handy y seis nominaciones al Grammy, así como Lifetime Achievement Awards de la Monterey Blues Festival y el San Javier Festival de Jazz de San Javier, España, y el Gobernador de Mississippi del Premio a la Excelencia en las Artes.

En 1979, Musselwhite registrados El Harmonica Según Charlie Musselwhite en Londres para Kicking Mule Records, la intención de ir con un libro de instrucción, el álbum se convirtió en tan popular que ha sido puesto en libertad el CD.

Por desgracia, Musselwhite, al igual que con muchos de sus compañeros, fueron víctimas de alcoholismo; por su propia admisión , nunca había estado en el escenario sobrio hasta después de haber dejado de beber en su totalidad en 1987.

En 1990 firmó con Musselwhite Alligator Records, un paso dado lugar a un resurgimiento de su carrera.

Con los años, Musselwhite ha ramificado en el estilo. Su grabación de 1999, Continental Drifter, está acompañado por Quarteto Patria, de Santiago de Cuba región, la música cubana analógica de la delta del Mississippi. Debido a las diferencias políticas entre Cuba y los Estados Unidos, el álbum fue grabado en Bergen, Noruega, Musselwhite con la esposa de planchado a cabo todos los detalles.

Musselwhite cree que la clave de su éxito musical fue encontrar un estilo donde se pueden expresar por sí mismo. Él ha dicho: "Sólo sé una canción, y me juego lo más rápido o más lento, o cambiar la clave, pero es sólo una canción que he jugado en mi vida. Es todo lo que sabe."

Sus dos últimos álbumes, Santuario de hardware y Delta han sido puestos en libertad por Real World Records.

En 2002, que figuran en el Bo Diddley homenaje álbum Hey Bo Diddley - A Tribute!, El desempeño de la canción "Hey Bo Diddley".

Charlie Musselwhite


English
Charlie Musselwhite (born January 31, 1944 in Kosciusko, Mississippi) is an American blues-harp player and bandleader, one of the non-black bluesmen who came to prominence in the early 1960s, along with Mike Bloomfield and Paul Butterfield. Though he has often been identified as a "white bluesman"[citation needed], he claims Native American and Thai[citation needed] heritage.

Childhood
Musselwhite was born in the rural hill country of Mississippi. He has said that he is of Choctaw descent, and he was born in a region originally inhabited by the Choctaw. However, in a 2005 interview, he said his mother had told him he was actually Cherokee.

His family considered it normal to play music, with his father playing guitar and harmonica, his mother playing piano, and a relative who was a one-man band. At the age of three, Musselwhite moved to Memphis, Tennessee. When he was a teenager, Memphis experienced the period when rockabilly, western swing, electric blues, and some forms of African American music were combining to give birth to rock and roll. The period featured legendary figures such as Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, and Johnny Cash, as well as minor legends such as Gus Cannon, Furry Lewis, Will Shade, Royal Bell, Memphis Willie B., Johnny Burnette, Red Roby, Abe McNeal, and Slim Rhodes. Musselwhite supported himself by digging ditches, laying concrete and running moonshine in a 1950 Lincoln. This environment was Musselwhite's school for music as well as life, and he acquired the nickname "Memphis Charlie
Career
In true bluesman fashion, Musselwhite then took off in search of the rumored "big-paying factory jobs" up the "Hillbilly Highway", legendary Highway 51 to Chicago, where he continued his education on the South Side, making the acquaintance of even more legends including Lew Soloff, Muddy Waters, Junior Wells, Sonny Boy Williamson, Buddy Guy, Howlin' Wolf, Little Walter, and Big Walter Horton. Musselwhite immersed himself completely in the musical life, living in the basement of, and occasionally working at Jazz Record Mart (the record store operated by Delmark Records founder Bob Koester) with Big Joe Williams and working as a driver for an exterminator, which allowed him to observe what was happening around the city's clubs and bars. He spent his time hanging out at the Jazz Record Mart at the corner of State and Grand and the nearby bar, Mr. Joe's, with the city's blues musicians, and sitting in with Big Joe Williams and others in the clubs, playing for tips. There he forged a lifelong friendship with John Lee Hooker; though Hooker lived in Detroit, Michigan, the two often visiting each other, and Hooker serving as best man at Musselwhite's wedding. Gradually Musselwhite became well known around town.

In time, Musselwhite led his own blues band, and, after Elektra Records' success with Paul Butterfield, he released the classic[citation needed] Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's Southside Band album in 1966 on Vanguard Records (as "Charley Musselwhite"), to immediate and great success. He took advantage of the clout this album gave him to move to San Francisco, where, instead of being one of many competing blues acts, he held court as the king of the blues in the exploding countercultural music scene, an exotic and gritty figure to the flower children. Musselwhite even convinced Hooker to move out to California.

Since then, Musselwhite has released over 20 albums, as well as guesting on albums by many other musicians, such as Bonnie Raitt's Longing in Their Hearts and The Blind Boys of Alabama's Spirit of the Century, both winners of Grammy awards. He also appeared on Tom Waits' Mule Variations and INXS' Suicide Blonde. He himself has won 14 W. C. Handy Awards and six Grammy nominations, as well as Lifetime Achievement Awards from the Monterey Blues Festival and the San Javier Jazz Festival in San Javier, Spain, and the Mississippi Governor's Award for Excellence in the Arts.

In 1979, Musselwhite recorded The Harmonica According to Charlie Musselwhite in London for Kicking Mule Records, intended to go with an instructional book; the album itself became so popular that it has been released on CD.

Unfortunately, Musselwhite, as with many of his peers, fell victim to alcoholism; by his own admission[citation needed], he had never been on stage sober until after he stopped drinking entirely in 1987.

In 1990 Musselwhite signed with Alligator Records, a step led to a resurgence of his career.

Over the years, Musselwhite has branched out in style. His 1999 recording, Continental Drifter, is accompanied by Quarteto Patria, from Cuba's Santiago region, the Cuban music analog of the Mississippi Delta. Because of the political differences between Cuba and the United States, the album was recorded in Bergen, Norway, with Musselwhite's wife ironing out all the details.

Musselwhite believes the key to his musical success was finding a style where he could express himself. He has said, "I only know one tune, and I play it faster or slower, or I change the key, but it’s just the one tune I’ve ever played in my life. It’s all I know."[1]

His past two albums, Sanctuary and Delta Hardware have both been released on Real World Records.

In 2002, he featured on the Bo Diddley tribute album Hey Bo Diddley - A Tribute!, performing the song "Hey Bo Diddley".Fuente Wikipedia



miércoles, 20 de agosto de 2008

Silvana Gregori

Silvana GregoriSilvana Gregori

Silvana Gregori en el Cafe TortoniSilvana Gregori en el Cafe Tortoni



Nació en Buenos Aires , Argentina . Es musicoterapeuta y docente de canto e interpretación. Estudió técnica vocal a lo largo de 14 años con la Prof. Lucy Saborido .
Cantante profesional de tango desde su debut en enero de 1979, en la Bodega del Café Tortoni, de Buenos Aires.

Co-fundadora de "Grupo de Tango" , formó parte de su elenco estable durante los 18 años de su funcionamiento. Dicho grupo se dedicó a la investigación de temáticas, autores y compositores de nuestra música ciudadana.

Es pionera en el re-descubrimiento de tangos humorísticos, dado que luego del auge de este tipo de temática (en los años 20' y 30', en los sainetes y teatros de revista), fueron dejados de lado y hasta descalificados. Silvana Gregori, les pone su sello personal, y elabora sus Shows de Tango-Humor, que son secuencias de rancheras, milongas y tangos humorísticos, unidos por frases que relatan una historia.

Escribió para la revista Tango XXI .

En diciembre de 1995, grabó su primer CD titulado "TANGOLERO" .
En 1996, 1997 y 2001 fue convocada para participar en el Festival "Viva el Tango" , realizado en la ciudad de Montevideo , R.O.U. (Uruguay) .

En 1998 realizó una gira por Europa, participando en el 10° Festival de Tango en GRANADA , la 4ª Cumbre Mundial del Tango en LISBOA , y en varias ciudades de ALEMANIA, invitada y acompañada por conjuntos de músicos alemanes. A su regreso realizó presentaciones en PORTO ALEGRE.

Desde abril de 1997 a marzo de 2001 presentó su Show de Tango-Humor, titulado "Una Arrabalera de Hoy" en la Sala Alfonsina del Café Tortoni , junto a Julio Domínguez (Piano, Arreglos y Dirección Musical), Rafael Del Pino (Guitarra), Ricardo Luna (Flauta) y Martina Iñíguez (Co-Guionista).

En junio de 2000, sobre la base de dicho espectáculo, editó su segundo CD titulado también "Una Arrabalera de Hoy" .

Desde setiembre de 1998 coordina "CantoAbierto", canto-bar con el acompañamiento musical de las guitarras de Rafael Del Pino y Silvana Gregori, en el Café Montserrat de Buenos Aires.

Ha compuesto (junto a Martina Iñiguez) e interpretado dos tangos para la Banda de Sonido del Cortometraje titulado "Futbolhadas" , con la actuación de Mariana Arias, estrenado en el Centro Cultural Recoleta, en mayo de 2002. Los tangos son: " Futbolhadas" y "Tiro libre al corazón".

Desde abril de 2001 hasta el presente realiza recitales en diversos sitios de Bs.As. (Biblioteca Nacional, Academia Porteña del Lunfardo, Academia Nacional del Tango, Centro Cultural de la Cooperación, Centro York de Olivos, Fandango, Taconeando, Café Montserrat, etc.), con diferentes músicos y/o acompañándose con su guitarra.

En noviembre de 2004 editó su nuevo CD "Tango en Esencia" con repertorio de tangos clásicos y románticos.

Entre mayo y julio de 2005 presentó su CD "Tango en Esencia" en Europa
En los meses de mayo y junio de 2005, realizó una gira por Europa, cantando en distintos teatros, milongas y festivales de España (Madrid, Barcelona, Málaga y Palma de Mallorca), Italia (Roma) y Francia (París).
(ver detalle de presentaciones 2005)

En enero de 2006 se presentó en el Café Massaveu 55, Oviedo, España. En febrero , en el 4º Festival de Tango de la Costa del Sol , en Benalmádena, España .

En mayo de 2006 realizó una gira por Francia, invitada por la Maison de la Culture de Bourges, presentándose junto al dúo Marcelli-Romero en Ourouër-les-Bourdelins, La Borne y Bourges. (ver)

A fines de mayo , retorna a España para presentarse en Madrid y en la localidad de Móstoles .

En octubre de 2006 se presentó nuevamente en la sala Tinta Roja de Barcelona , España.Fuente Web de Silvan Gregori

Silvana GregoriSilvana Gregori con Martina Iñiguez


In English
She was born in Buenos Aires (Argentina) in April, 1956. She studied piano-playing and guitar-playing and, presently, she achieves activities as musical therapist and singing and performing teacher. She first started her professional activities as an argentine folklore singer.

In January 1979, she made her debut as a tango performer in La Bodega in Café Tortoni (Buenos Aires), when she was summoned by the journalist and investigator Roberto Selles.
In that very year she started studying vocal technique with Lucy Saborido (up to 1993) and entered Grupo de tango (open musical group devoted to the research of tango subjects, authors and composers) and became part of the stable staff as singing, co-ordination and musical management assistant.
She also participated in the organisation staff.

She has performed in La Bodega and Sala Alfonsina in Café Tortoni, Café Homero, Café Literario, Bar Latino, Sheraton Hotel, Café de los Angelitos, El Viejo Almacén, Café La Poesía, La Trastienda, Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, Presidente Alvear Theatre, Club del Vino and Galerías Pacífico, among others places.

All along 1994, she introduced her Show de Tango-Humor II "La Morocha" (Humor-Tango Show), in Café Mozart , Buenos Aires, together with Pascual Mamone (bandoneon) and Rafael Del Pino (guitar).
She has taken part of the Cosquín '94 Festival , in which she performed the unpublished song which was awarded the first prize: "El Polaco" , by G. Meres and E. Pierro. This song was an homage in life to Roberto Goyeneche .

She writes for the "Tango XXI" magazine.

In December 1995, she recorded her first CD called " TANGOLERO ".

She has been summoned (November 1996) to introduce her Tango-Humor Show "La Morocha" in the Third World Tango Summit, which has taken place in Montevideo, Uruguay . Then (November 1997) she introduced her Tango-Humor Show "Una Arrabalera de Hoy", in that city.
She has taken part of the ExpoFair TANGOMUNDO '96 in December '96 and performed activities in the Buenos Aires Academy of Lunfardo . In that occasion, she introduced a show together with poet Martina Iñíguez and participated as lecturer in a round table about "Women and Tango" .

In 1998, she has taken part of the "10th Granada Tango Festival" (Spain) and "4th. World Tango Summit" (Lisboa) . Then she has performed in Germany with German musicians.

Since April 1997, she has introduced her last SHOW in Café Tortoni: "An Arrabalera of These Days" . This Tango-Humor SHOW is a journey through old tangos, milongas, and rancheras which somehow show the development of women's role in Argentine society. All songs are intertwined with Martina Iñíguez. and Silvana Gregori's texts, thus achieving a corollary not only related to women but also to men's role in present-day society.
Arrabalera: An Argentinean word with no proper translation in English. It refers to an uptown irreverent merry lady who strongly identifies herself with tango music.

In September 2000, she recorded her second CD called "Una Arrabalera de Hoy" (An Arrabalera of These Days) , together with Julio Domínguez (piano), Ricardo Luna (flute), Rafael Del Pino (guitar), Osvaldo Cabrera (bandoneon), Daniel Buono (bass) and Martina Iñíguez (poetry).
Silvana Gregori devotes herself to study tango history and is a tango repertory and show performing consultant.

Since September 1998 she coordinates, at the Montserrat Café, B.A ., "CantoAbierto", a place for people to sing with Rafael Del Pino and Silvana Gregori accompanying them with guitars.

She has composed (together with Martina Iñiguez) and sung two tangos for the Soundtrack of the short animated movie called "Futbolhadas", with the performance of Mariana Arias. The premiere was on May of 2002 at the Centro Cultural Recoleta (Recoleta Cultural Center). The tangos she sang are: "Futbolhadas" and "Tiro libre al corazón".

Since April 2001 to now she's been giving recitals in deferent places of B.A. ( Biblioteca Nacional, Academia Porteña del Lunfardo, Academia Nacional de Tango, Centro Cultural de la Cooperación, Centro York de Olivos, Fandango, Taconeando, Café Montserrat, etc.) with different musicians or just herself with her guitar.

In November 2004 she recorded a new CD called "Tango en Esencia" with classic and romantic tangos.

Between May and June of 2005 she presented her new CD "Tango en Esencia " in Europe.Fuente Web de Silvana Gregori

martes, 19 de agosto de 2008

Eliane Elias en español and in English

Eliane Elias

Eliane Elias

Pianista / cantante / compositora, Eliane Elias es conocida por su distintivo y reconocible de inmediato estilo musical que combina sus raíces brasileñas, su sensualidad, seductora con su voz impresionante instrumental jazz, música clásica y habilidades de composición. Nacida en Sao Paulo, Brasil, Eliane Elias sus talentos musicales comenzaron a mostrar a una edad temprana. Ella empezó a estudiar piano a la edad de siete y doce años de edad fue transcribir solos de los grandes maestros del jazz. En el momento en que ella tenía quince ella estaba enseñando piano y la improvisación en una de las más prestigiosas escuelas de música de Brasil 's . Su carrera comenzó a realizar en Brasil a la edad de diecisiete años, en colaboración con Brasileño cantautor Toquinho y el gran poeta Vinicius de Moraes que también fue Antonio Carlos Jobim's co-writer/lyricist. En 1981 ella se dirigió a Nueva York y en 1982 aterrizó un lugar en el aclamado grupo Steps Ahead.

Eliane Elias

Su primer álbum fue una libre colaboración con Randy Brecker titulado Amanda en 1984. Poco después su carrera como solista comenzó, de más de dieciocho álbumes hasta la fecha; quince por Blue Note Records y tres en RCA Victor Group. En su trabajo Elias ha documentado docenas de sus propias composiciones, su excelente piano y la organización, y hermosa la interpretación vocal. Todas sus grabaciones han recibido una gran cantidad de elogios de los críticos y todos tienen la cabeza de la Billboard y Jazz Radio gráficos.

En 1988 fue votado Mejor Nuevo Talento por los críticos de jazz JAZZIZ encuesta de la revista.

Junto con Herbie Hancock en su dúo, fue nominado para un Grammy por "Mejor Solo de Jazz Performance" por su categoría 1995, "Solos y duetos". Esta grabación fue aclamado por la revista musical como "un hito en la historia dúo de piano. "

En 1997 la Encuesta downbeat lectores, su grabación de "Las Tres Américas" fue votado Mejor Album de Jazz. Eliane Elias fue nombrado en otras cinco categorías: Más allá de Músico, Mejor Compositor, pianista de jazz, vocalista femenina, y Músico del Año.

Considerada uno de los grandes intérpretes de música de Jobim s, Ms.Elias' ha sido destacado en muchos conciertos homenajes a Jobim y grabó dos álbumes dedicados exclusivamente a las obras del compositor, Plays Jobim y canta Jobim. El despacho 1998 "Eliane Elias Sings Jobim" ganó "Mejor Álbum Vocal" en Japón y fue otorgado al "Mejor álbum brasileño" en Jazziz Critics Poll de 1999.

Por otra parte, como un testimonio de la calidad de su escritura, el famoso danés Radio Big Band ha realizado y registrado Elias' con arreglos y composiciones realizadas por el legendario Bob Brookmeyer. La grabación de CD de este proyecto se llama "Impulsivo" y fue puesto en libertad el Acrobacias Records. Impulsivo recibió una nominación al Grammy por "Best Large Jazz Ensemble Album" en 2001. Ella realiza esta música en vivo en varias giras y se presentó con el Carnegie Hall y la BBC Jazz Orchestra y la Frankfurt Radio Big Band Orchestra por nombrar algunos.

En el mismo año, "Calle 54", el muy aclamado documental ganador de Oscar director español Fernando Trueba, con Elias Sra «rendimiento de Samba Triste también recibió una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Jazz Latino.

En 2002, Elias Sra grabado con la sensación de ópera Denyce Graves. Para esta grabación, "The Lost Days", Eliane organizó dos piezas clásicas de Brasil y escribió una composición original especialmente para Sra Graves titulado Haabia Tupi.

En 2002, Elias Sra firmado a RCA Music Group / Bluebird etiqueta besó y puesto en libertad por la Naturaleza. Su segunda grabación para el sello, soñador, dado a conocer en 2004, es una nueva mezcla de melodías de la América Cancionero, Brasil Bossa Novas dos nuevos y originales, todos cantados en Inglés y portugués, con el apoyo de una orquesta completa.

Soñador recibió el "Premio Disco de Oro" y ganó "Mejor Álbum Vocal en Japón" en 2004. Alcanzó # 1 en los Charts de Jazz de EE.UU. y Francia, el # 3 en el Pop Gráficas en Francia y # 4 en las listas de Billboard en los EE.UU..

Sra Elias' "alrededor de la ciudad" cd fue publicado en el sello RCA Victor en agosto de 2006. Se fusiona bits de Bossa Nova, con tonos de pop, jazz, latín, y rock and roll. ALREDEDOR DE LA CIUDAD características Sra Elias' voz y cantar en colaboración con los productores Andrés Levin y Lester Méndez, así como en fresco toma pop clásicos como Tito Puente "Oye Como Va" y Bob Marley "Jammin". Su canción "Running" fue destacado en la serie ABC "hermanos y hermanas". Alrededor de la Ciudad ganó "Mejor Álbum Vocal del Año" y "Disco de Oro" 2006 premios en Japón. Alcanzó # 1 en los World Music Charts EE.UU. y debutó en el Jazz Gráficas francés como # 1.

En 2007, la Sra Elías volvió a Blue Note Records. Su puesta en libertad 2007, "algo para usted", Eliane Elias Sings Reproduce y Bill Evans recibió "Mejor Álbum Vocal del Año" y el "Disco de Oro Award" en Japón. Esta es la 3 ª consecutiva Eliane grabación que recibe estos premios y su 4 º todos juntos.
"Algo para ti" alcanzó el número 1 en los EE.UU. Jazz Radio gráficos, # 8 en Billboard y # 2 en el francés Jazz Gráficas.

Sra Elías que acaba de finalizar una nueva grabación para Blue Note registros. "Bossa Nova Stories" es una celebración para el 50 º aniversario de la Bossa Nova y las características de su voz acompañada de una sección rítmica estelar y cuerdas registrada en el Abbey Road Studios en Londres.

Como artista invitada que ha aparecido en actuaciones y grabaciones con Joe Henderson, James Taylor, Michael Franks, Mingus Dynasty, Andy Summers, el ganador del Grammy Brecker Bros'. Fuera del bucle, Earl Klugh, Toots Thielemans Proyecto Brasil, Ivan Lins, Denyce Graves, Steps Ahead, Calle 54, y Marc Johnson's "Shades de Jade" en la ECM Records, una grabación instrumental que co-produjo y contribuyó con muchas de sus propias composiciones originales. "Shades de Jade" recibió el danés Music Award como Mejor Lanzamiento de Relaciones Exteriores en marzo de 2006.

Ms.Elias fue destacado en el Thelonious Monk Institute's Second Annual televisado "Celebration of America's Music" en el Kennedy Center en Washington DC, Los Angeles Philharmonic en el Hollywood Bowl, el Carnegie Hall Jazz Orchestra, cuatro veces en Marion McPartland NPR's "Piano Jazz"; el Festival JVC con Sting, Gilberto Gil, Gal Costa, Caetano Veloso y en el Lincoln Center de Nueva York, la televisión Piano Grand, una celebración de gala para el 300o aniversario del piano en Washington DC. organizada por Billy Joel, y el BBC Jazz Orchestra por nombrar algunos.

Eliane Elias


In English
Pianist / singer / songwriter, Eliane Elias is known for her distinctive and immediately recognizable musical style which blends her Brazilian roots, her sensuous, alluring voice with her impressive instrumental jazz, classical and compositional skills. Born in Sao Paulo, Brazil, Eliane Elias’ musical talents began to show at an early age. She started studying piano at age seven and at age twelve was transcribing solos from the great jazz masters. By the time she was fifteen she was teaching piano and improvisation at one of Brazil’ s most prestigious schools of music. Her performing career began in Brazil at age seventeen, working with Brazilian singer/songwriter Toquinho and the great poet Vinicius de Moraes who was also Antonio Carlos Jobim’s co-writer/lyricist. In 1981 she headed for New York and in 1982 landed a spot in the acclaimed group Steps Ahead.

Her first album release was a collaboration with Randy Brecker entitled Amanda in 1984. Shortly thereafter her solo career began, spanning over eighteen albums to date; fifteen on Blue Note Records and three on RCA Victor Group. In her work Elias has documented dozens of her own compositions, her outstanding piano playing and arranging, and beautiful vocal interpretations. All of her recordings have garnered a great deal of praise from the critics and all have topped the Billboard and Jazz Radio charts.

In 1988 she was voted Best New Talent by the jazz critics poll of JAZZIZ magazine.

Together with Herbie Hancock in their duet, she was nominated for a Grammy in the “Best Jazz Solo Performance” category for her 1995 release, “Solos and Duets” .This recording was hailed by Musician Magazine as “a landmark in piano duo history.”

In the 1997 Downbeat Readers Poll, her recording “The Three Americas” was voted Best Jazz Album. Eliane Elias was named in five other categories: Beyond Musician, Best Composer, Jazz Pianist, Female Vocalist, and Musician of the Year.

Considered one of the great interpreters of Jobim s music, Ms.Elias’ has been featured on many concert tributes to Jobim and recorded two albums solely dedicated to the works of the composer, Plays Jobim and Sings Jobim. The 1998 release “Eliane Elias Sings Jobim” won “Best Vocal Album” in Japan and was awarded ” Best Brazilian Album” in Jazziz Critics Poll of 1999.

Moreover, as a testament to the quality of her writing, the renowned Danish Radio Big Band has performed and recorded Elias’ compositions arranged and conducted by the legendary Bob Brookmeyer. The CD recording of this project is called “Impulsive” and was released on Stunt Records. IMPULSIVE received a Grammy nomination for “Best Large Jazz Ensemble Album” in 2001. She performed this music live in several tours and was featured with the Carnegie Hall and the BBC Jazz Orchestra and the Frankfurt Radio Big Band Orchestra to name a few.

In the same year, “Calle 54?, the highly acclaimed documentary film by Oscar winning Spanish director Fernando Trueba, featuring Ms. Elias’ performance of Samba Triste also received a Grammy nomination for Best Latin Jazz Album.

In 2002 Ms. Elias recorded with opera sensation Denyce Graves. For this recording, “The Lost Days”, Eliane arranged two Brazilian classical pieces and wrote an original composition especially for Ms. Graves entitled Haabia Tupi.

In 2002 Ms. Elias signed to RCA Music Group/Bluebird label and released Kissed by Nature . Her second recording for the label, DREAMER, released in 2004 , is a fresh mix of tunes from the American Songbook, Brazilian Bossa Novas and two new originals, all sung in English and Portuguese, supported by a full orchestra .

DREAMER received the “Gold Disc Award “and won ‘Best Vocal Album in Japan” in 2004. It reached #1 on the Jazz Charts USA and France, #3 on the Pop Charts in France and #4 on the Billboard charts in the USA.

Ms. Elias’ “AROUND THE CITY” cd was released on RCA Victor in August 2006 . It merges bits of Bossa Nova, with shades of pop, jazz, latin, and rock’n roll. AROUND THE CITY features Ms. Elias’ vocals and songwriting in collaborations with producers Andres Levin and Lester Mendez as well as fresh takes on pop classics such as Tito Puente’s “Oye Como Va” and Bob Marley’s “Jammin”. Her song “Running” was featured on the ABC series “brothers and Sisters”. Around the City won “Best Vocal Album of the Year”and “Gold Disc” 2006 awards in Japan. It reached #1 on the World Music Charts USA and debuted on the French Jazz Charts as #1.

In 2007, Ms Elias returned to Blue Note Records. Her 2007 release, “SOMETHING FOR YOU”, Eliane Elias Sings and Plays Bill Evans received “Best Vocal Album of the Year” and the “Gold Disc Award” in Japan . This is the 3rd consecutive recording that Eliane receives these awards and her 4th all together.
“Something for You” reached #1 on the USA Jazz Radio charts, #8 on Billboard and #2 on the French Jazz Charts.

Ms. Elias just completed a new recording for Blue Note records. “Bossa Nova Stories” is a celebration to the 50th Anniversary of the Bossa Nova and features her vocals accompanied by a stellar rhythm section and strings recorded at Abbey Road Studios in London.

As a guest artist she has appeared on performances and recordings with Joe Henderson, James Taylor, Michael Franks, Mingus Dynasty, Andy Summers, the Grammy winning Brecker Bros’. Out of the Loop, Earl Klugh, Toots Thielemans Brazil Project , Ivan Lins, Denyce Graves, Steps Ahead, Calle 54, and Marc Johnson’s “Shades of Jade” on ECM Records, an instrumental recording she co-produced and contributed many of her own original compositions. “Shades of Jade” received the Danish Music Award as Best Foreign Release in March 2006.

Ms.Elias was featured in the Thelonious Monk Institute’s televised Second Annual “Celebration of America’s Music” at the Kennedy Center in Washington DC, the Los Angeles Philharmonic at the Hollywood Bowl, the Carnegie Hall Jazz Orchestra, four times on Marion McPartland’s NPR ‘Piano Jazz”; the JVC Festival with Sting, Gilberto Gil, Gal Costa, and Caetano Veloso at Lincoln Center in New York, the televised Piano Grand, a Gala celebration for the 300th Anniversary of the piano in Washington DC. hosted by Billy Joel, and the BBC Jazz Orchestra to name a few.Fuente web de Eliane Elias

lunes, 18 de agosto de 2008

Pedro Laurenz

Pedro LaurenzPedro Laurenz

Pedro Laurenz con la pequeña María Cristina en su casa de la calle Comentes 922. casi Suipacha (1944)

Pedro LaurenzPedro Laurenz

Pedro Laurenz en 1925, con Julio De Caro, Manlio Francia y Francisco De Caro.


LAURENZ, Pedro. (Nombre de familia: Pedro Blanco Acosta). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.
1. Semblanza. Creador absoluto de una capital escuela de interpretación bandoneonística nacida de su inconfundible temperamento de artista. A diferencia de la modalidad dulce, apagada y, por así decir, musicalmente introvertida de Pedro Maffia, la suya se perfiló desde el pique como una forma de ejecución vibrante, de enorme tensión emocional. La brillantez del sonido, la fuerza de ataque, fueron otros dos rasgos de primer orden en sus trabajos. Perduran como ejemplos, sus solos fraseados y magníficamente dibujados en Qué noche, Sollozos, Semametón, Vayan saliendo, Chinche bonete, Maula (con el sexteto de Julio De Caro), La beba y Milonga de mis amores (con su propia orquesta), De puro guapo (con el Quinteto Real); sus solos "a cappella" en Gaucha, Boedo, Flores negras y De antaño (con el sexteto de Julio De Caro) y sus variaciones corridas o fraseadas en Parlamento, Farolito de mi barrio, Risa loca (con el sexteto De Caro), Orgullo criollo y Poca suerte (con su propia orquesta), realizaciones suyas que han quedado como verdaderas pruebas de la imaginación musical y de la maestría interpretativa, que fueron pilares de la corriente que él promovió en el bandoneón y en la cual se nutrieron de algún modo, dos de los mayores valores que lo sucedieron en el tiempo: Aníbal Troilo y Osvaldo Ruggiero. De esas mismas facultades surgió su obra de compositor proyectada con idéntica jerarquía y originalidad de concepción en todas las variedades formales y temperamentales de la especie: La revan cha, Sin tacha, Mal de amores, De antaño,

Pedro LaurenzPedro Laurenz
Pedro Laurenz con su orquesta en Los 36 Billares(1934), Osvaldo Pugliese (piano); Armando y Alejandro (bandoneones); Vicente Sciarreta (bajo); Sammy Friedenthal y José Nieso (violines)


Mala junta, Esquinero, Orgullo chollo, entre los tangos de corte milonga para orquesta; Risa loca, Berret'm, Gaucha. Tuve un sueño, Coqueta, entre los tangos de línea romántica y gran vuelo melódico; Como dos extraños, Vieja amiga, 24 de agosto, entre los canta -bles de refinado lirismo. En conjunto esta obra, cuya calidad de invención y cuya variedad de ideas lo ubica en primerísima linea de compositores sin distinción de épocas o de estilos, debe estimarse además como precursora de las avanzadas tendencias posteriores a 1940. 2. Vida. Nació en Buenos Aires el 10 de octubre de 1902. Vivió la infancia en Villa Crespo. Primero estudió violín. Posteriormente, sus hermanos mayores —hijos del primer matrimonio de su madre— le despertaron el interés por el bandoneón. En este instrumento se perfeccionó en Montevideo ciudad en la que estuvo radicado desde 1917, donde debutó profesionalmente tocando junto al pianista Luis Casanovas en el café Au Bon Jour, junto a Eduardo Arólas en el cabaret Moulin Rouge y en el ambiente de las "pensiones". Luego de 1920 regresó a Buenos Aires donde integró la orquesta de Roberto Goyheneche(el pianista), actuando con éste en las emisiones de Radio Cultura, y en La Glorieta de la calle Las Heras. En 1925, al desvincularse Luis Petrucelli del sexteto de Julio De Caro, fue requerido por éste para hacer pareja con Pedro Maffia —su ídolo—. A la par de la actuación de ambos en el referido sexteto, llevaron al disco una serie de versiones en dúo de bandoneones para la casa Víctor con ios tangos Mocosita, Pura maña, La cumparsita y otros. A partir de 1926 quedó como primer bandoneón de De Caro, ingresando a su lado Armando Blasco con quien formó una de las "yuntas" de mayor entendimiento, más completas, virtuosas e importantes de todos los tiempos, registrando con la misma además algunos arreglos a dos bandoneones como Lazos de seda y Guardia vieja para la casa Brunswick.

Pedro LaurenzPedro Laurenz

Pedro Laurenz en 1930, integrando el sexteto de Julio De Caro, es el primero de la derecha. Con él, los hermanos De Caro, Vicente Sciarreta, Armando
Blasco y José Nieso.


Integrando el conjunto de Julio De Caro participó de las célebres temporadas de los cines Real, Renacimiento, Select Lavalle (época en que por su iniciativa se cambió el tipo de afinación a su instrumento), en las giras por Brasil —1927— y por centros artísticos de Europa —1931— tomando parte en el rodaje de la película Luces de Buenos Aires. En 1934, justamente con Blasco, Nieso y Sciarreta se desvinculó del compositor de Buen Amigo, para formar su propia orquesta debutando en el palco del café Los 36 Billares de la Calle Corrientes. Además de los músicos nombrados, Sammy Friedhental como segundo violín, Alejandro Blasco completando la fila de bandoneones y Osvaldo Pugliese (piano y arreglos) integraron esa formación inicial suya, que en tarea paralela a la del sexteto de Elvino Vardaro —que actuaba enfrente, en el café Germinal —mantuvo con convicción, con sentido romántico de la música y con auténtico coraje artístico el culto por las manifestaciones mejor calificadas del tango, en un momento adverso, desalentador y en permanente cuesta arriba dentro del mundo del espectáculo. Alfredo Gobbi, Héctor Grané, Pedro Terrón, Mauricio Mise, César Zagnoli, José Colángelo, Fernando Suárez Paz, Rolando Gavioli, entre otros músicos de prestigio y los vocalistas Juan Carlos Casas, Héctor Farrel, Alberto Podestá, Alfredo Bermúdez y Jorge Linares, fueron algunos de sus colaboradores más destacados en su trayectoria de veinticinco años de director. Desde 1937 tocó en Radio Stentor y registró sus versiones para el sello Víctor, su primer disco —julio de 1937—: Milonga de mis amores y Enamorao. Luego fue contratado por Odeón. De las muchas excelentes interpretaciones alcanzadas en ese ciclo de su trayectoria, han de recordarse las logradas con los instrumentales Arrabal, La beba, De antaño, Boedo, Orgullo criollo, Poca suerte y con los cantables Recién, 24 de agosto, Nunca tuvo novio (vocales por Alberto Podestá), Firuietear de bandoneón (vocales por Juan Carlos Casas), Trenzas (vocales por Jorge Linares), La madrugada (vocales por Alfredo Bermúdez). En 1960, juntamente con Horacio Salgan, Enrique Mario Francini, Ubaldo De Lío y Rafael Ferro pasó a integrar en carácter de figura solista el Quinteto Real. Con el mismo grabó sus trabajos para Columbia y para Philips, y viajó tres veces al Japón donde tomó parte en la serie de conciertos ofrecidos por dicho quinteto. En 1966, fue elegido juntamente con Pedro Maffia, Ciríaco Ortiz y Aníbal Troilo, para ¡lustrar las secuencias del corto Fueye Querido que dirigió Mauricio Berú y en el cual ejecutó su tango Esquinero, incluido en un disco Microfón de 1966

Pedro LaurenzPedro Laurenz en 1922

con otras versiones de su quinteto. Además de los ya nombrados com-puso, en sucesivas instancias de su carrera, los tangos El rebelde (el primero, de 1924), Rechiflao, Patria mía, Siete colores, A Belisario Roldan, Es mejor perdonar, Marinera, Hoguera, Ei fueye de Arolas. I ntegró la Comisión Directiva de la Asociación Argentina de Directores de Orquesta y el directorio de SADAIC. Falleció el 7 de julio de 1972.

Pedro LaurenzPedro Laurenz

Pedro Laurenz, con su bandoneón, cuando vivía en Montevideo. Tenía 14 años. Foto de 1916



In English
Laurenz, Pedro. (Family name: Pedro Acosta Blanco). Music. Bandoneonist. Manager. Composer.
1. A portrait. Creator absolute capital of a school of interpretation bandoneonística born of his unmistakable temperament of an artist. Unlike the sweet mode, and off, so to speak, musically introverted Pedro Maffia, yours is emerged from the pique as a form of execution vibrant, enormous emotional strain. The brilliance of sound, the strike force, were two other features of the first order in their work. Persist as examples, his single sentence and beautifully drawn in Which night, Sollozos, Semametón, go out, Chincha bonete, Maula (with the sextet Julio De Caro), La Milonga drink and my love (with his own orchestra), De pure handsome (with the Royal Quintet); their own "a cappella" Gaucha, Boedo, flowers and black of yesteryear (with the sextet Julio De Caro) and its variations runs or phrase in Parliament, Farolito my neighborhood, Risa crazy (with the sextet De Caro), Pride and Creole Little luck (with his own orchestra), achievements that have been endorsed as true tests of musical imagination and interpretative mastery, who were pillars of the current which he promoted on bandoneon and in which they nurtured somehow, two of the biggest values that what happened over time: Anibal Troilo and Osvaldo Ruggiero. Of those same powers emerged from his work with composer projected identical hierarchy and originality of design in all formal and temperamental varieties of the species: The Rev cha, unblemished, Mal of love, of yesteryear, Mala board, Corner, Pride Cholla, Cutting between the tangos milonga for orchestra; Risa crazy, Berret'm, Gaucha. I had a dream, Coqueta, tangos line between romantic and melodic great flight; As two strangers, old friends, August 24, between sing-able refining lyricism. Overall this book, whose quality of invention and variety of ideas which places him first in line composers without distinction of eras or styles, should also upheld as a precursor for the advanced trends beyond 1940. 2. Life. Born in Buenos Aires on October 10, 1902. He lived childhood in Villa Crespo. First studied violin. Later, his older brothers-sons of the first marriage of his mother-he awakened interest in the bandoneon. This instrument was upgraded in Montevideo city where he was based since 1917, where professional debut playing alongside the pianist Luis Casanovas in the cafe Au Bon Jour, along with Eduardo Arolas in the cabaret Moulin Rouge and in the environment of the "pension" . After 1920 he returned to Buenos Aires where he joined the orchestra Roberto Goyheneche (pianist), acting with him in emissions of Radio Culture, and in La Glorieta de Las Heras street. In 1925, to opt out of Luis Petrucelli sextet Julio De Caro, he was summoned by him to partner with Pedro Maffia-your-idol. Together with the performance of both in that sextet, led to record a series of versions of bandoneons duo for the house with Victor ios Mocosita tangos, Pure maña, La cumparsita and others. Beginning in 1926 became the first bandoneon De Caro, entering his side Armando Blasco with whom he formed one of the "yuntas" greater understanding, more complete, virtuous and important of all time, recording with the same arrangements in addition to some Ties two bandoneons as silk and Watchkeeping for the old house Brunswick. Integrating all Julio De Caro participated in the famous Royal seasons cinemas, Renaissance, Select Lavalle (in that era for his initiative was changed to the kind of tuning his instrument), in tours of Brazil -1,927 - and centres artistic -1931 Europe - taking part in the filming of the movie lights of Buenos Aires. In 1934, with just Blasco, NIES and Sciarreta split of the composer Good Friend, to form his own orchestra debuting on the stage of coffee The 36 Billiards de la Calle Corrientes. In addition to the nominated musicians, Sammy Friedhental as second violin, Alejandro Blasco completing the bandoneon section and Osvaldo Pugliese (piano and arrangements) that included his initial training, in parallel with the task of the sextet of Elvino Vardaro-acting front, Germinal coffee-maintained with conviction, with a sense of romantic music with real courage and artistic worship at the manifestations of tango better qualified, at a time side, disheartening and permanent uphill into the world of entertainment. Alfredo Gobbi, Hector Grané, Pedro Terrón, Mauritius Mise, Cesar Zagnoli, Jose Colangelo, Fernando Suarez Paz, Rolando Gavioli, among other renowned musicians and vocalists Juan Carlos Casas, Hector Farrel, Alberto Podesta, Alfredo Bermudez and Jorge Linares, were some of its most prominent partners in twenty-five years of his career director. Since 1937 he played on Radio Stentor and recorded their versions for the Victor label, his first record-July 1937 -: Milonga of my love and LOVE. Then he was hired by Odeon. Of the many excellent interpretations reached in this round of his career, they remembered those achieved with the instrumentals Arrabal, drink, De yesteryear, Boedo, Creole Pride, Little luck and with vocalist Baru, August 24, had never boyfriend ( vocal by Alberto Podesta), Firuietear bandoneon (voice by Juan Carlos Casas), Braids (voice by Jorge Linares), Morning (voice by Alfredo Bermudez). In 1960, together with Horacio Salgan, Mario Enrique Francini, Ubaldo De Lío and Rafael Ferro became integrated into the character appears soloist Quinteto Real. With the same recorded for Columbia and its work for Philips, and traveled three times to Japan where he took part in the concert series offered by this quintet. In 1966, he was elected together with Pedro Maffia, Ciriaco Ortiz and Anibal Troilo, for sequences of short lustrar Fueye Dear who led Mauritius Beru and executed in which his tango Corner, including a Hard microphone 1966 with other versions of its quintet. In addition to those already appointed com-put, on several instances in his career, the tangos The rebel (the first from 1924), Rechiflao, Patria mine, seven colors, Belisario A Roldan, It's better to forgive, Sailor, Bonfire, Ei bandoneon Arolas. I ntegrate the Steering Committee of the Association of Directors of Argentina Orchestra and the directory of SADAIC. He died on July 7, 1972.Fuente Horacio Ferrer

domingo, 17 de agosto de 2008

Buddy Rich en español and in English

Buddy Rich


Buddy Rich

Posiblemente el mayor baterista de jazz de todos los tiempos, el legendario Buddy Rich exhibido su amor por la música a través de la dedicación de su vida al arte. La suya fue una carrera que abarcó siete décadas, a partir del momento que Rich tenia 18 meses de edad y continua hasta su muerte en 1987. Inmensamente dotado, Rich podría jugar con notable rapidez y destreza, a pesar de que él nunca recibió una lección formal y se negó a practicar fuera de sus interpretaciones o ejecuciones.

Nacido Bernard Rich vaudevillians a Robert Rich y Bess a 30 de septiembre de 1917, el famoso baterista se introdujo a las audiencias a una edad muy temprana. En 1921, él era un avezado intérprete solista con su acto de vodevil, "las trampas Drum Wonder". Con su natural sentido del ritmo, Rich actúa regularmente en Broadway a la edad de cuatro años. En el pico de Rich's al inicio de su carrera, fue el segundo más alto pagado animador infantil en el mundo.

Rich's jazz carrera comenzó en 1937 cuando él comenzó a tocar con Joe Marsala en Nueva York Hickory House. En 1939, se ha unido a Tommy Dorsey de la banda, y más tarde pasó a jugar con esos grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong y Gene Krupa. Rich fue regularmente en Jazz en la Filarmónica durante los fines del decenio de 1940. También apareció en películas de Hollywood tales como la Sinfonía de Swing (1939), Ship Ahoy (1942) y ¿Cómo es todo (1943).

A lo largo de los años 1960 y 1970, una gira con Rich sus propios grupos y abrió dos clubes nocturnos, Buddy's Place y Buddy's Place II. Ambos clubes se llena periódicamente a la capacidad de fans del gran maestro baterista. Después de abrir Buddy's Place II, Rich introducido nuevos temas con elementos de rock en su repertorio, lo que demuestra su capacidad para adaptarse a su público la evolución de los gustos y el establecimiento de sí mismo como un gran baterista de rock.

Conocido por su humor cáustico, Rich fue un favorito de televisión en varios programas de entrevistas entre ellos el Tonight Show con Johnny Carson, el Mike Douglas Show, el Dick Cavett Show y el Merv Griffin Show. Durante estas comparecencias, audiencias fueron entretenidos por la constante Rich sparring con los anfitriones y su slights de distintos cantantes pop.

Este afamado músico recibió el reconocimiento pendiente a lo largo de su carrera. La Revista de downbeat Hall of Fame Award, la revista Modern Drummer Hall of Fame y el Premio de Jazz Unlimited Inmortales de Jazz Award son sólo algunos de sus numerosos honores. Rich ganó la atención internacional para tal maestro como su composición de 10 minutos West Side Story popurrí. Durante su larga carrera, Rich gira por todo el mundo, realizando para millones de fans y varios líderes del mundo incluido el Rey de Tailandia, el rey Hussein de Jordania, la Reina de Inglaterra, EE.UU. y los presidentes Franklin Roosevelt, John F. Kennedy y Ronald Reagan.

El 2 de abril de 1987, Rich falleció de insuficiencia cardíaca después de la cirugía por un tumor cerebral maligno. Por mucho tiempo amigo, Frank Sinatra, habló de tocar un elogio en el funeral de Rich. Hoy en día, Buddy Rich es recordado como uno de la historia del mayor músicos. De acuerdo con la leyenda de jazz Gene Krupa, Rich es "el mayor baterista nunca han llamado la respiración".

Buddy Rich


In English

Arguably the greatest jazz drummer of all time, the legendary Buddy Rich exhibited his love for music through the dedication of his life to the art. His was a career that spanned seven decades, beginning when Rich was 18 months old and continuing until his death in 1987. Immensely gifted, Rich could play with remarkable speed and dexterity despite the fact that he never received a formal lesson and refused to practice outside of his performances.

Born Bernard Rich to vaudevillians Robert and Bess Rich on September 30, 1917, the famed drummer was introduced to audiences at a very young age. By 1921, he was a seasoned solo performer with his vaudeville act, "Traps the Drum Wonder." With his natural sense of rhythm, Rich performed regularly on Broadway at the age of four. At the peak of Rich's early career, he was the second-highest paid child entertainer in the world.

Rich's jazz career began in 1937 when he began playing with Joe Marsala at New York's Hickory House. By 1939, he had joined Tommy Dorsey's band, and he later went on to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong and Gene Krupa. Rich was regularly featured in Jazz at the Philharmonic during the late 1940s. He also appeared in such Hollywood films as Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) and How's About It (1943).

Throughout the 1960s and 1970s, Rich toured with his own bands and opened two nightclubs, Buddy's Place and Buddy's Place II. Both clubs were regularly filled to capacity by fans of the great master drummer. After opening Buddy's Place II, Rich introduced new tunes with elements of rock into his repertoire, demonstrating his ability to adapt to his audience's changing tastes and establishing himself as a great rock drummer.

Known for his caustic humor, Rich was a favorite on several television talk shows including the Tonight Show with Johnny Carson, the Mike Douglas Show, the Dick Cavett Show and the Merv Griffin Show. During these appearances, audiences were entertained by Rich's constant sparring with the hosts and his slights of various pop singers.

This famed musician received outstanding recognition throughout his career. The Downbeat Magazine Hall of Fame Award, the Modern Drummer Magazine Hall of Fame Award and the Jazz Unlimited Immortals of Jazz Award are just a few of his numerous honors. Rich gained international attention for such master compositions as his 10-minute West Side Story medley. During his lengthy career, Rich toured around the globe, performing for millions of fans and several world leaders including the King of Thailand, King Hussein of Jordan the Queen of England, and U.S. presidents Franklin Roosevelt, John F. Kennedy and Ronald Reagan.

On April 2, 1987, Rich died of heart failure following surgery for a malignant brain tumor. Longtime friend, Frank Sinatra, spoke a touching eulogy at Rich's funeral. Today, Buddy Rich is remembered as one of history's greatest musicians. According to jazz legend Gene Krupa, Rich was "The greatest drummer ever to have drawn breath."
Fuente wewb de Buddy Rich

Max Roach en español and in English

Max Roach

Max Roach

Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Fue Coleman Hawkins, quien le proporcionó su primera sesión de grabación en febrero de 1945, grabando para la casa "Apollo" la primera versión de "Woody'n You". En 1945, Max Roach, no pudo participar en los discos que Parker y Gillespie grabaron juntos, por haberse marchado de gira con la orquesta de Benny Carter. En otoño de 1945, de vuelta Parker, a New York pasó, ahora sí, a formar parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con el que actuaban regularmente en el club "Three Deuces". A finales de Noviembre de 1945, graba con ellos los famosísimos temas emblemáticos del bebop: "Billie's Bounce" y "Now's The Time", e inmediatamente se integró en el primer y efímero proyecto de bigband intentado por Dizzy Gillespie. Tras la gira de Parker y Dizzy por California, Max Roach se queda en New York, tocando en la Calle 52 junto a Jay Jay Johnson, Dexter Gordon y otros músicos y a la salida de Parker de Camarillo se unió a su quinteto, paradigma del bebop, con el trompetista, Miles Davis, y él mismo como miembros fijos con Duke Jordan, sustituido en ocasiones por Bud Powell o John Lewis, y los contrabajistas: Tommy Potter, Curly Russell y Nelson Boyd sucesivamente. Los extraordinarios discos de Savoy y Dial de 1947 y 1948 recogen esos innovadores patrones rítmicos.

En 1949, viaja con Parker a Europa para participar en el Primer Festival de Jazz de Paris, y también en el histórico concierto del "Massey Hall" de Toronto en 1953 que edita el sello "Debut", fundado por Charles Mingus. En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hardbop que en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hardbop y de la década, grabando para el sello "Emarcy" toda una serie de discos excepcionales. Tras el trágico accidente de Clifford Brown, que le costó la vida, en 1956, y tras un tiempo tocando sólo en trío con el contrabajista, George Morrow y el tenor, Sonny Rollins, reconstruye el quinteto con el trompetista, Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos y en julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista, Booker Little. Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, mas tarde, se convertiría en su esposa. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el extraordinario disco "We Insist! para el sello Candid, un alegato contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un bar con gesto amenazante hacía sus dos clientes negros.

En septiembre de 1962, graba junto a Duke Ellington y Charles Mingus, un disco extraordinario titulado "Money Jungle" y liderado por el "Duke" donde expresan, en forma de trío, todos los conceptos del nuevo sonido del jazz y donde Ellington, demuestra que su arte no se limita a la éra del swing. Max Roach, tampoco desdeñó enfrentarse a dúo con algunos de los mas significativos vanguardistas del jazz. Así graba entre 1976 y 1984 con Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, Cecil Taylor y otros. Max Roach, es, no sólo uno de los mejores solistas de la historia de la batería, técnicamente formidable, solista exquisito utilizando la batería de forma análoga a cualquier otro isntrmneto solista, sino que su curiosidad musical le ha llevado a explorar con gran originalidad la tradición afroamericana para convertirla en referencia obligada en el jazz moderno.Fallecio el 17 de agosto de 2007

Max Roach


In English
Max Roach is a renowned American percussionist and composer. He was born in the year of 1925 in New Land, North Carolina, but he began his extensive career at the age of ten when he began playing drums in Brooklyn, New York for gospel music groups. These gospel groups proved to contribute the most significant influence to his musical style. He also studied at the Manhattan School of Music.

At Monroe's Uptown House, a nightclub in Harlem, New York, Max Roach began working with a group of American jazz musicians (including pianist Thelonius Monk and alto saxophonist Charlie Parker) in 1942. These talented musicians were experimenting with a musical style that was to become known as bebop jazz, or bop. At the time, drummer Kenny Clarke was introducing stylistic innovations and was performing with many of the top bebop musicians. These innovations included utilizing the cymbals rather than the bass drum for the primary rhythmic pulse of the music. Roach was the first to fully realize the potential of these innovations and quickly developed his own style to become the leading drummer of the bop movement (early 1940s to mid-1950s). He played and recorded with most of the major jazz musicians of the period, including American tenor saxophonist Coleman Hawkins and American trumpeter Dizzy Gillespie. From 1947 to 1949 he was a member of Charlie Parker's historic bebop quintet. From 1954 to 1956 Roach led a jazz quintet with American trumpeter Clifford Brown. Through such albums as Study in Brown (1955) and At Basin Street (1956), the Brown/Roach Quintet came to exemplify the aggressive style of jazz known as hard bop.

Throughout the 1960s, the struggle for black racial equality rose to the forefront of societal awareness and Roach recorded a number of albums centering on these issues, including the album We Insist! Freedom Now Suite (1960). He also focused on the black-American cultural arts movement. In 1970 he formed M' Boom Re: Percussion, a ten-member ensemble representing diverse percussion traditions from around the world. In addition to ensemble work, Roach has been a frequent solo percussion performer and has composed music for Broadway musicals, motion pictures, television, and symphony orchestras. He then went on to join the music faculty at the University of Massachusetts at Amherst in 1972.Fuente Apolybaco y Vervemusicgroup