Enrico Rava
Enrico Rava, (Trieste, 1939), empezó a estudiar piano apoyado por su madre y en 1953, empezó a practicar por su cuenta con el trombón en Turín, donde entró muy pronto a formar parte de un grupo de jazz tradicional. En 1956, después de asistir a un concierto en directo de Miles Davis, decidió abandonar el trombón y pasar a la trompeta y solo un año después empezó a tocar jazz moderno y participar en distintas jam sessions, especialmente con el grupo del pianista, Maurizio Lama. Es en cuarteto cuando graba su primer disco para la serie "Jazz in Italy", del sello Cetra.
En 1962conocio a Gato Barbieri, el saxofonista argentino recién llegado Italia y con quien colaboró en varias ocasiones. Se trasladó a Roma para perfeccionar el estudio de la trompeta con Nino Culasso y en 1964 actuó en el club "Purgatorio" con el quinteto de Barbieri. Con la misma formación participó al año siguiente en la banda sonora de la película, "Una Bella Grinta" con música dirigida por Piero Umillani. En el Festival de Jazz de Bolonia de ese año, conoció a Don Cherry, quien le invita a grabar con él "Complete Comunnion" y también a Steve Lacy y Mal Waldron, con quienes grabó el álbum: "The Forest and theZoo". Realizo una gira por toda Italia y el saxofonista, Steve Lacy, le dio la oportunidad de entrar en su cuarteto, con quien estuvo hasta 1967, fecha en que se traslada a New York. Solo estuvo un año en la ciudad de los rascacielos y a su vuelta a Italia, ya con una formación mas acabada, intervendrá en el Primer "Laboratorio de música improvisada" celebrado en Europa en la localidad alemana de Bremen.
Enrico Rava
En 1971 decide saltar otra vez el charco y su estancia en los Estados Unidos, es mas provechosa que la vez anterior. Colaboró con la "Jazz Composers Orchestra Association" de Carla Bley y Miker Mantler, colaborando en el disco: "Escalator Over the Hilly". A partir de 1972, empezó por fin a trabajar con formaciones propias contando con John Abercrombie, Bruce Ditmas, y Jack DeJohnette, entre otros grandes músicos. Tocó con esas formaciones en el "Village Vanguard" y el "Village Gate" de New York; recorrió toda Norteamérica y también visitó y tocó en Argentina y Colombia (1976) y la revista Down Beat, le concedió un par de entrevistas. De vuelta a Europa a finales de 1976, Enrico Rava, salio de gira por Europa donde participa en numerosos seminarios, conciertos y festivales. En 1981, colaboró con la "Globe Unity Orchestra" de Alex von Schilippenbach, con la que llegó a visitar el Extremo Oriente en 1980.
En sus mas de treinta años de carrera, Enrico Rava, ha participado en más de setenta grabaciones, de las que más de una veintena están a su nombre. Músico riguroso e instrumentista refinado, este poeta de la trompeta es, además, un compositor sensible extraordinariamente melódico, adscrito a la estética del jazz pero capaz de sonar en los mas diversos contextos y de hacer entroncar con su personalísimo estilo las influencias musicales más diversas, desde la tradición belcantista italiana, al tango argentino, el rock o el funk. La mayor parte de sus discos han sido editados por ECM, entre ellos el maravilloso: "The Pilgrim and the Stars". Fue galardonado recientemente con el más importante premio de Jazz que se concede en Europa, el JazzPar Prize en su edición de 2002, otorgado por un jurado internacional de especialistas en reconocimiento a toda su carrera artística. Fuente apoloybaco
Esta pagina ha sido creada para difundir y hacer conocer nuestra música ciudadana "El TANGO" y sus artistas.
Compartimos el lugar con otros géneros, debido a que toda la música es arte, placer y ......
Aquellos que gusten de estos últimos y no conozcan el Tango, lo descubrirán y posiblemente lo empezaran a disfrutar.
viernes, 13 de junio de 2008
jueves, 12 de junio de 2008
Juan Carlos Cobián
COBIÁN, Juan Carlos. Músico. Pianista. Director. Compositor. Personalidad capital en la evolución creadora del tango. Figura de la generación de 1910. A diferencia de otros compositores importantes de ésta, como Arolas, Martínez, Bardi, Canaro, que recrearon con toda originalidad el espíritu de los viejos tangos con sabor de frontera urbana y reminiscencias de milonga, de vidalita y de estilo (con los cuales coincidió nada más que en dos páginas: El Motivo y La Catanga), plasmó su obra bajo la influencia más directa de la música europea. En lo formal, la gravitación de la romanza francesa; en lo temperamental, su infalible instinto de la belleza musical; en lo espiritual, la riqueza de su inventiva, fueron características de su estilo de compositor ya en la primer producción de su madurez, dada a conocer entre 1915 y 1923: Mi refugio, Mujer, A pan y agua, Los dopados (luego En mi pasado y más tarde, Los mareados), Mario, (luego Dolor milonguero), Snobismos, Mosca muerta, Almita herida. En labor estilísticamente diversa pero paralela en lo creador, a la de Enrique Delfino, contribuyó en primer lugar a gestar toda una tendencia en la cual se rindió culto a un melodismo de primer orden y en la que inscribieron luego sus tangos Francisco y Julio De Caro, Lucio Demare, Eduardo Pereira, el Bebe Calandrelli, Joaquín Mora, Pedro Laurenz, Enrique Villegas, Aníbal Troilo, Antonio Rodio, Alfredo Malerba. En segundo término, a la definitiva configuración de dos variedades de la especie: el tango romanza y el tango cantable, a las que enriqueció —con la siempre afín y comprensiva colaboración poética de Enrique Cadícamo— con Rubí, La casita de mis viejos, Pico de oro, Nieblas del Riachuelo y Nostalgias. En tercer lugar, al refinamiento y a la superación conceptual de los tratamientos armónicos. En cuarto término, como director de su sexteto de 1921-23, al advenimiento y a la consolidación de los estilos interpretativos de corte renovador que encabezaron Osvaldo Fresedo —con quien tuvo marcada afinidad siempre— y especialmente Julio De Caro como paladín indiscutido de esa corriente. Por último como ejecutante a la incorporación del acompañamiento y de los solos de mayor contenido musical, en la tesitura que consagraron Francisco De Caro, Pugliese, Rizzuti y otros. Su labor más interesante y representativacomo pianista —dentro de su época— se encuentra en algunas grabaciones de Fresedo, en las suyas propias y particularmente en su tarea de conducción y de solos en la grabación del tango de Prós pero Cimaglia Añoranza campera (con pasajes de su propia composición A pan y agua) y vertido a disco Electra por su orquesta durante 1924. Nació en la localidad de Pigüé, partido de Saavedra, provincia de Buenos Aires el 31 de marzo de 1896. Vivió su infancia en Bahía Blanca, ciudad en la cual a los siete años de edad inició los estudios musicales en la filial del Conservatorio Williams. Egresó de éste en 1911, radicándose después en Buenos Aires donde comenzó su carrera profesional como pianista de acompañamiento en el cine Las familias de la calle Santa Fe, enplena adolescencia. Pocos meses después —corría ya 1913— hizo sus primeras armas en el tango, integrando en el lugar de Roberto Firpo, el quinteto de Genaro Spósito cuando el "tano" actuaba en los cafetines de Leandro Alem. Dio a conocer por entonces sus primeros tangos: El botija,E! orejano y El motivo (éste, versificado por Pascual Contursi, lo cantaría Gardel como Pobre paica) fue estrenado en el cabaret Montmartre por Arolas, a cuya orquesta pasó a tocar junto con Spósito en 1917.
Integró fugazmente un terceto con Julio Doutry y con Ricardo González, para alternar inmediatamente en calificados conjuntos que compartió junto a Fresedo, Francia, Roccatagliatta, Thompson, Julio De Caro y otros. En 1920 se trasladó a Córdoba para tocar en el bar Victoria con Arturo Bernstein, Tito Roccatagliatta y Ciriaco Ortiz. Ingresó en 1922 al sexteto de Osvaldo Fresedo grabando con él para la casa Victor, en cuyas ceras dejó también las realizaciones de su propia orquesta constituida por Maffia y Petrucelli (bandoneones), Julio De Caro y Agesilao Ferrazano —luego Francia—(violines), Constanzo —después Thompson—(contrabajo) y Astor y Remo Bolognini como refuerzo instrumental para la tarea fonográfica. Las de Piropos y Mujer, dos tangos suyos son interpretaciones bien representativas de su modalidad de entonces. Grabó luego en discos Nacional Electra, L'adivina y otros tangos. En compañía de su amigo Macoco Álzaga Unzué, partió con rumbo a Nueva York, donde residió durante varios años alternando tango y jazz en su actuación profesional. Regresó en 1928, reconstituyendo su conjunto con el violín de Vardaro y la voz de Fiorentino para grabar en Victor, pero en tesitura francamente decepcionante y diez peldaños por debajo de su labor orquestal anterior. Condujo a la sazón también una numerosa agrupación de jazz en el Teatro Avenida, colaborando con elencos revisteriles. Fue pianista del Cuarteto Vocal Buenos Aires —Elizalde, García, Tagliacozzo y Gentile— y del Trío N° 1, con Ciriaco Ortiz y Cayetano Puglisi, ante los micrófonos de Radio El Mundo. En 1936, con los dos músicos citados en carácter de primeros atriles, más el vocalista Antonio Rodríguez Lesende rehizo su orquesta para presentarla en Charleston, la elegante sala de la calle Florida hecha por asi decirlo a la medida de su personalidad y en la cual estrenó Nostalgias, su tango más famoso. Con dicha agrupación ampliada, animó los bailes de carnaval del Teatro Politeama en 1937 hizo solos de piano en LR1; y poco después volvió a ausentarse. Otros cinco años vivió en Norteamérica de donde volvió en 1943 reapareciendo con orquesta y los cantores Balbi y Cardozo, por Radio El Mundo y en los discos Victor, con un estilo entre Fresedo y D'Agostino. Su década postrera, que marcó a la par la declinación de su talento, transcurrió entre adversidades de subsistencia e inconvenientes de salud. Falleció el 10 de diciembre de 1953 en Buenos Aires. A más de las composiciones ya mencionadas, ofreció los tangos Madrigal, Lamento pampeano, La silueta, El único lunar, Letanía, Ladrón, Divagando, Flor de loto, Salomé, Es preciso que te vayas, Muñeca cruel, Shusheta, Reo, Cambio de vida Y Como un sueño. Fuente Horacio Ferrer
miércoles, 11 de junio de 2008
Billie Holiday
Billie Holiday
Entre las voces femeninas del jazz, la de Billie Holiday (1915-1959), constituye un caso singular por lo azaroso de su vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata como fue su vida desde la misma infancia: violación, acusaciones de prostitución, reformatorios, alcohol, drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación para cantar y, por último, la muerte.
Billie Holiday
Eleanora Fagan, que así se llamaba en realidad, nació en el gueto negro de Baltimore y su padre, Clarence Holiday tocaba la guitarra y el banjo en la banda de Fletcher Henderson. Se interesó por la música a los diez años influenciada por Bessie Smith y Louis Armstrong, cuando los escuchaba en el gramófono de su casa a ambos.
En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre y a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo. En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación.
Billie Holiday
Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes mas importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong. En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black" e inicia una larga y fructífera relación musical con el pianista Teddy Wilson en el sello Columbia. Con Wilson graba cerca de un centenar de canciones y junto a ella tocan los grandes solistas de la época: Ben Webster, Johnny Hodges, Bunny Berigan, Roy Eldridge y sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz.
Billie Holiday
También cantó en la orquesta de Count Basie en 1937 y en 1938 con Artie Shaw, pero el mundo de las grandes orquestas no era el suyo y sus experiencias como vocalista de bigband entre 1936 y 1938 no le dejaron grandes recuerdos. Holiday, se transformó en una estrella de los escenarios de los clubes de New York a principios de los 40, y consigue un contrato de larga duración en el famoso club del Greenwich Village, el "Café Society", regentado por el judío, Barney Josephson, antirracista y de ideas claramente progresistas. Billie tenía solo veinticuatro años y ya era una cantante objeto de culto entre sus seguidores.
Billie Holiday
En 1943, ganó por primera vez la encuesta de críticos organizada por la revista "Esquire" por delante de Mildred Bailey y de Ella Fitzgerald y al año siguiente grababa para el pequeño, pero selecto sello Commodore, una serie de temas magníficos entre los que destaca su emblemático "Strange Fruit" un alegato antirracista demoledor y el maravilloso "Fine and Mellow" un hermoso blues. En 1945, se casó con el trompetista, Joe Guy, también adicto a la heroína y en agosto de ese año, grabó la versión de referencia del tema "Don't Explain" uno de sus canciones mas hermosas. 1946 la vio participar en un concierto en el teatro neoyorquino Town Hall y la aparición en una película junto a Louis Armstrong, titulada, "New Orleáns", interpretando el papel de una sirvienta.
Billie Holiday
Sin embargo, la historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. Norman Granz la contrató para su sello discográfico y también la incluyó en las giras del JATP y en 1953, viajó por primera vez a Europa. A su regreso, ingresó voluntariamente en una clínica para intentar rehacer su vida y tuvo una efímera recuperación que aprovechó para reaparecer en un capitulo televiso dedicada a las "Siete Artes" de la CBS titulada "The Sound of Jazz". El memorable y estremecedor "Fine and Mellow" que cantó acompañada de Lester Young puede considerarse un hito en la historia del jazz. El álbum de 1958, "Lady in Satin", encontró a la artista de 43 años de edad haciendo grandes esfuerzos para cantar como en los mejores tiempos, y al año siguiente falleció. Cuatro meses antes, lo había hecho su admirado Lester Young.
Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.Fuente apoloybaco
Entre las voces femeninas del jazz, la de Billie Holiday (1915-1959), constituye un caso singular por lo azaroso de su vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata como fue su vida desde la misma infancia: violación, acusaciones de prostitución, reformatorios, alcohol, drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación para cantar y, por último, la muerte.
Billie Holiday
Eleanora Fagan, que así se llamaba en realidad, nació en el gueto negro de Baltimore y su padre, Clarence Holiday tocaba la guitarra y el banjo en la banda de Fletcher Henderson. Se interesó por la música a los diez años influenciada por Bessie Smith y Louis Armstrong, cuando los escuchaba en el gramófono de su casa a ambos.
En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre y a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo. En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación.
Billie Holiday
Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes mas importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong. En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black" e inicia una larga y fructífera relación musical con el pianista Teddy Wilson en el sello Columbia. Con Wilson graba cerca de un centenar de canciones y junto a ella tocan los grandes solistas de la época: Ben Webster, Johnny Hodges, Bunny Berigan, Roy Eldridge y sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz.
Billie Holiday
También cantó en la orquesta de Count Basie en 1937 y en 1938 con Artie Shaw, pero el mundo de las grandes orquestas no era el suyo y sus experiencias como vocalista de bigband entre 1936 y 1938 no le dejaron grandes recuerdos. Holiday, se transformó en una estrella de los escenarios de los clubes de New York a principios de los 40, y consigue un contrato de larga duración en el famoso club del Greenwich Village, el "Café Society", regentado por el judío, Barney Josephson, antirracista y de ideas claramente progresistas. Billie tenía solo veinticuatro años y ya era una cantante objeto de culto entre sus seguidores.
Billie Holiday
En 1943, ganó por primera vez la encuesta de críticos organizada por la revista "Esquire" por delante de Mildred Bailey y de Ella Fitzgerald y al año siguiente grababa para el pequeño, pero selecto sello Commodore, una serie de temas magníficos entre los que destaca su emblemático "Strange Fruit" un alegato antirracista demoledor y el maravilloso "Fine and Mellow" un hermoso blues. En 1945, se casó con el trompetista, Joe Guy, también adicto a la heroína y en agosto de ese año, grabó la versión de referencia del tema "Don't Explain" uno de sus canciones mas hermosas. 1946 la vio participar en un concierto en el teatro neoyorquino Town Hall y la aparición en una película junto a Louis Armstrong, titulada, "New Orleáns", interpretando el papel de una sirvienta.
Billie Holiday
Sin embargo, la historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. Norman Granz la contrató para su sello discográfico y también la incluyó en las giras del JATP y en 1953, viajó por primera vez a Europa. A su regreso, ingresó voluntariamente en una clínica para intentar rehacer su vida y tuvo una efímera recuperación que aprovechó para reaparecer en un capitulo televiso dedicada a las "Siete Artes" de la CBS titulada "The Sound of Jazz". El memorable y estremecedor "Fine and Mellow" que cantó acompañada de Lester Young puede considerarse un hito en la historia del jazz. El álbum de 1958, "Lady in Satin", encontró a la artista de 43 años de edad haciendo grandes esfuerzos para cantar como en los mejores tiempos, y al año siguiente falleció. Cuatro meses antes, lo había hecho su admirado Lester Young.
Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.Fuente apoloybaco
martes, 10 de junio de 2008
Osvaldo Francisco Requena
Osvaldo Requena y Fernando Suarez Paz
REQUENA, Osvaldo Francisco. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. Nació en Buenos Aires el 29 de junio de 1931. Inició los estudios de piano con su padre el músico Juan Miguel Requena, continuándolos desde 1940 con la profesora María Copporole de Moyano y perfeccionándolos desde 1949 con el maestro Vicente Scaramuzza. Cursó estudios superiores conErwin Leuchter. Sus comienzos profesionales estuvieron vinculados en 1949 a la orquesta de Raúl Kaplún; posteriormente actuó en los conjuntos de Eduardo Del Piano—para quien hizo su primer trabajo de orquestación sobre el tango de Cobián El cantor de Buenos Aires— Alberto Mancione, Tití Rossi, Rovira-Del Río, Argentino Galvány Florindo Sassone. Durante 1963 realizó una gira de cuatro meses por Colombia y por Venezuela como director acompañante y arreglador del cantor Andrés Falgás, con quien grabó un disco de larga duración en estudios fonográficos del Pacífico. A su regreso formó una orquesta de excelente estilo compartiendo el cartel con el cantor Miró, grabando también versiones como solista con sección rítmica y como director acompañante del cantor Lalo Martel. Compuso música para cine en las películas Los Ratones, y Libertad Bajo Palabra, en tanto perfeccionó sus conocimientos de armonía y contrapunto con el maestro alemán radicado en la Argentina, Juan Schulpiz. Ha sido director de la orquesta estable de Canal 11. Su primer tango data de 1948, lo tituló Tres iniciales y lo dedicó a Eduardo Del Piano. Posteriormente compuso dentro de una línea musical decididamente afiliada a las modernas corrientes, los tangos Introducción, En penumbra, Extravio, Milonguero de hoy, Monograma —entre los instrumentales— y Mejor asi y Y que te perdone Dios, entre los cantables. Escribió además arreglos orquestales estándar para la editorial Select. Fuente Horacio Ferrer
Osvaldo Requena
Entrevista a Osvaldo Requena por Néstor Pinsón
Como en todas las charlas que he tenido con Requena, a lo largo de más de 10 años, él está sentado al piano. En esta ocasión termina de tocar dos tangos inéditos. Uno del tenor Tito Schippa "El coquetón", del año 1913. El otro: "Volcán" de Eduardo Arolas, manuscrito original de la colección de Bruno Cespi. Su nombre completo es Osvaldo Francisco Requena y nació en Buenos Aires el 29 de junio de 1931. Mirá, yo escucho el nombre de Arolas y me pongo de pie. Lo suyo es una maravilla. Notable su inspiración y todos sus tangos permiten la posibilidad de hacerle arreglos hermosos. También me gusta Agustín Bardi, por lo bien que escribía.
Mi trabajo fundamental es el de arreglador. Desde 1985 tengo mi conjunto, es un trío que a veces se incrementa en número según las circunstancias, se llama "Tango Sessions". Estaba conformado por Reynaldo Nichele, el bandoneonista Carlos Pazo y yo. La idea y el trío surgieron en un espectáculo para "Michelangelo", titulado "Jazmines", con la coreógrafa Ana María Stekelman y el bailarín Miguel Ángel Zotto. La formación inicial era con Suárez Paz y Daniel Binelli. Tuvimos éxito y viajamos a Norteamérica para una gira muy interesante. Digamos que este fue el lanzamiento definitivo, porque su verdadero nacimiento fue por mediados de los años sesenta cuando surgió la idea de hacer un dinero con las carreras de autos de Turismo de Carretera, que por entonces casi todas las semanas recorrían diversas ciudades y atraían mucho público. Llegábamos para actuar desde el jueves por la noche hasta el sábado, y tuvimos un gran éxito. La figura era Floreal Ruiz y los músicos Hermes Peresini en violín, Enrique Marchetto en contrabajo y yo. Hacíamos también temas instrumentales y nos poníamos a improvisar. Una vez mi esposa hizo el comentario que parecíamos una "jazz session", nos gustó y así quedó el nombre, "Tango Sessions".
Osvaldo Requena
Como director de orquesta, incluidos los acompañamientos a diversos cantores, grabé más de 400 discos y como pianista más de 800. Pero hay algo que desconoce la mayoría de la gente, hice bastante folklore y algo de jazz.
Durante 14 años fui director de una grabadora y vivía en los estudios desde la mañana a la noche. Sobre mi actividad como arreglador, aquí en casa tengo mas de 8000 arreglos y en el Canal 11 de televisión, debe haber como 11000 más.
Trabajé un par de veces para Zubin Metha, tengo sus cartas de agradecimiento. Lo mismo me ocurrió con Piazzolla. Una vez Astor, tenía que actuar en el SODRE de Montevideo y no le daba el tiempo para arreglar un tema suyo, "Tonto", con letra de Homero Expósito. Me pidió que se lo hiciera. Era para orquesta sinfónica. Con ese tema ganó un concurso. Una nota en el diario El Día, felicitaba al autor por el tema y el arreglo. Astor me lo supo reconocer.
Hice la música de la película de Torre Nilsson, "Los siete locos". Algo inhumano en cuanto al trabajo. Un jueves me llama el productor Jorge Álvarez de urgencia, necesitaba la música para el lunes. Le respondí que sí. No dormí, pero salió. Conocía la novela de Roberto Arlt, pero no su adaptación para el film. Imaginé un cuarteto de la guardia vieja con preponderancia del bandoneón. Compuse tres temas: "La milonga del rufián melancólico", "El vals del encuentro" y "Tango del desorden". Además de la música incidental. El conjunto lo integramos Leopoldo Federico, Domingo Rullio en flauta, Ubaldo De Lío y Ricardo Domínguez en guitarras, en el contrabajo alternaron Omar Murtagh y Quicho Díaz y yo en el piano.
El tango es importante en su historia, pero debe tener una evolución, si no hay evolución se pierde. Un buen ejemplo lo tuve en Indonesia, en Jakarta. Allí no conocían el bandoneón, entonces hice la historia del tango, desde cuando se bailaba entre hombres hasta llegar a Piazzolla. Pasito a pasito, para que entendiera y fue una eclosión al final. En todo el sudeste asiático conocen el tango europeo y también como lo tocan los norteamericanos, a lo Valentino. Para cambiar esa idea había que historiar el tango.
La discusión sobre la música de Piazzolla es interminable y ya se torna tediosa. Hay que aceptar lo que dice el público, me gusta o no me gusta. ¿Fiorentino?... Mirá, como cantor desafinaba, pero me gustaba como desafinaba. ¡Desafinaba tan lindo! Su voz parecía un bandoneón justamente por como fraseaba, allí uno encontraba su condición de músico.
Osvaldo Requena
Una vez Sassone me invitó al "Marabú" para ver a Di Sarli, yo era pibe y ya conocía los estilos de las orquestas, pero me costaba entrar en su intimidad. Florindo tenía de Di Sarli y de Fresedo y yo quería definir algo más. Cuando nos pusimos a charlar yo le pregunte: "¿Maestro cómo consiguió usted esa característica tan suya? Mire, para aprender hay que mirar a los bailarines". Como era medio escondedor no tocó el piano, me puso el ejemplo con la voz haciendo el arrastre suyo, igual al arrastre de los bailarines con los pies. En el piano lo hacía con la mano izquierda y luego, con la derecha, iba agregando lo suyo. Orlando Goñi era más orillero, él marcaba la mano izquierda ligada.
El pianista era el conductor de la orquesta. Todo se reflejaba en él. El contrabajo era el que marcaba el ritmo. Es el caso de Salamanca con D'Arienzo, o el de Biagi, cada uno tenía su manera de tocar. Para mí un gran pianista fue Emilio Barbato que definió el estilo de una orquesta con Fresedo... Mirá había un pianista importante en Norteamérica, Carmen Cavallaro, y yo creo que ese estilo suyo ya lo había hecho antes Barbato. Todas esas pequeñas ligaduras que hacía fue un invento suyo. Luego, cuando el pianista dejaba de tocar la orquesta se apoyaba en los violines. En esa época con Fresedo estaba Vardaro. Di Sarli se apoyaba en Guisado que era un tanguero de alma. Un ser extraordinario, yo estuve con él en Japón en 1966, conocía de tango más que nadie y nos apoyábamos muchas veces en él. También hay un estilo Requena que se basa sobre todo en la composición. Mi tío Paquito Requena fue maestro de Leopoldo Federico, de Arturo Penón, de Juan Carlos Bera, de Rovira, de Libertella y tantos más. Fue primer bandoneón de Maffia, director de la orquesta estable de Radio Belgrano, fue alumno de Juan José Castro, fue un gran músico. Luego se dedicó a la enseñanza.
Fui muy amigo de Aquiles Roggero, tenía una vena melódica propia de los elegidos, pero se lo conoce poco. Salvo que dirigió la Orquesta Símbolo "Osmar Maderna" y que compuso algunos hermosos tangos como "Mimí Pinsón". Una vez encontré en una editorial este tango suyo "Tus ojos lejanos", una hermosura. (Lo toca)
Compuse mucho, tengo mas de 100 obras inéditas. Cuando tengo un tiempo libre escribo. A lo mejor en el futuro son rescatadas.
A Canaro lo discutieron, tuvo sus contras cuando metía un pistón en la orquesta o formaba esos conjuntos numerosos. ¡A De Caro lo que no le dijeron! No se lo aceptaba. Hoy es el maestro que marcó una etapa, un punto de inflexión en la historia del tango. Lo mismo ocurre con Piazzolla, el fue el alma mater del lápiz. De tantos arreglos te nombro uno que hizo para Troilo: "Chiqué"... eso es un dechado de virtudes. A los seguidores de Troilo les gustaba pero con muchas reservas. Lo mismo ocurrió con "Recuerdos de bohemia", de Delfino con arreglo de Galván. La gente no entendía nada. Esta es una obra que tranquilamente puede estar entre la música clásica, pese a que yo no hago diferencias entre la música seria y la popular. La música es una sola, la buena.
En cuanto a mis arreglos, de pronto aparecía un tema exitoso y debía prepararlo para distintas orquestas, entonces cada uno debía ser diferente, con otra personalidad y debía ajustarme a otros valores, a otras formas, a otros estilos. Para eso debía olvidarme de los anteriores. De "La cumparsita" hice como 20 y yo mismo la grabé 5 veces y son todos distintos.
El bandoneón fue creado para los corales, los argentinos lo adoptaron para el tango. Se lo tocaba sobre las rodillas bien apretadas y las manos bien ajustadas por las correas y salía todo muy durito, se abría poco el fueye, se impedía el movimiento cómodo de las manos. Hasta que a alguien se le ocurrió apoyarlo en una de sus rodillas, así lograba mayor facilidad para la apertura. Uno de los primeros debe haber sido Laurenz. Así se digitaba mejor, era más liviano, daba lugar a mejores variaciones. De paso te digo que las variaciones de Laurenz son imposibles de mejorar, deben tocarse tal cual las inventó. Piazzolla en los tangos que hizo de Laurenz respetó siempre sus variaciones, "Berretín" es uno de ellos. Lo mismo ocurre con los "solos" que inventó De Caro. Ahora, los que son un problema son muchos cantores que te cambian las melodías.
Sobre los De Caro considero a Francisco más que a Julio, fue un creador. Con el estilo propio de un pianista consagrado, lleno de acordes, de sutilezas, lo mismo en la composición.
¿De los cantores? Floreal Ruiz. También Fiorentino, Ángel Vargas, Oscar Serpa. Floreal comienza en la orquesta de De Angelis, a la que se va adaptando y llega al sumun cuando se lo lleva Troilo. También un gran cantor fue Jorge Durán, al que descubrí tarde.
¿Qué es el arreglo? Mirá, cada uno tiene su concepción al respecto, pero no es difícil definirlo. Es tratar de hermosear y destacar la melodía, sin destruirla, al contrario, tratando siempre de respetarla al máximo. Primero poner la melodía, luego hacer una variación sobre ella y como se dice vulgarmente, poner una armonía de violín dentro de ella. Porque si no lo que se hace es destruir el concepto del autor. Siempre hay que respetar la línea melódica. Yo cuando me siento al piano primero hago una "armadurita" de lo que quiero hacer, pongo el cifrado de los tonos y con lapicera -yo tacho, no borro-, hago el arreglo, soy bastante rápido. El arreglador también es un creador, porque hay tantas armonías como a cada uno se le puede ocurrir. Y nunca se debe perder la esencia tanguera.
Como pianista de orquesta me inicié en 1951 con Raúl Kaplún. Con él hice mi primer arreglo, fue un vals mío "Solo de vals", que estuvo en el repertorio pero no fue grabado. Al año siguiente empecé con Eduardo del Piano cuando recién se desvinculaba de Ángel Vargas. Mi primer arreglo con él fue "El cantor de Buenos Aires". Con los años, pasé brevemente por Edgardo Donato, Carlos Demaría, Ángel Domínguez, Alberto Mancione, Eduardo Rovira cuando acompañaba a Alfredo del Río, Sánchez Gorio, Atilio Stampone -su primer conjunto-, Leopoldo Federico, el gran amigo que me dio el tango. También con Sassone, nueve años yendo y viniendo.
Cuando en 1968 me designan director del sello Microfón, dirigí la orquesta que acompañó a todos los que allí grabaron: Alfredo Zitarrosa, Los Quilla Huasi, Los Hermanos Cuesta y muchos más. A partir de 1984, dirigí durante un tiempo la Orquesta Nacional Juan de Dios Filiberto, debutamos en el Teatro Cervantes.
¿La actualidad? Estoy trabajando sobre unos arreglos para unas colecciones que saldrán, supongo de Norteamérica para todo el mundo, es para un conocido productor. Tengo 2 giras por delante, una a Israel y la otra, ya firmada, por octava vez a Japón. Debo ser el músico que más viajó. Anduve por unos 90 países.
Por último, renovarse es muy bueno, pero hay que saber como. No se pueden cambiar a los grandes músicos y compositores que tuvo el tango. Hay que darlos a conocer sin modificar su esencia. "Si la rosa es bella déjala como está". No es necesario tener una técnica depurada y hacer miles de notas. Mejor, una nota sola y cantarla bien. Troilo no era un virtuoso, pero cantaba con el bandoneón. Fuente Todotango
REQUENA, Osvaldo Francisco. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. Nació en Buenos Aires el 29 de junio de 1931. Inició los estudios de piano con su padre el músico Juan Miguel Requena, continuándolos desde 1940 con la profesora María Copporole de Moyano y perfeccionándolos desde 1949 con el maestro Vicente Scaramuzza. Cursó estudios superiores conErwin Leuchter. Sus comienzos profesionales estuvieron vinculados en 1949 a la orquesta de Raúl Kaplún; posteriormente actuó en los conjuntos de Eduardo Del Piano—para quien hizo su primer trabajo de orquestación sobre el tango de Cobián El cantor de Buenos Aires— Alberto Mancione, Tití Rossi, Rovira-Del Río, Argentino Galvány Florindo Sassone. Durante 1963 realizó una gira de cuatro meses por Colombia y por Venezuela como director acompañante y arreglador del cantor Andrés Falgás, con quien grabó un disco de larga duración en estudios fonográficos del Pacífico. A su regreso formó una orquesta de excelente estilo compartiendo el cartel con el cantor Miró, grabando también versiones como solista con sección rítmica y como director acompañante del cantor Lalo Martel. Compuso música para cine en las películas Los Ratones, y Libertad Bajo Palabra, en tanto perfeccionó sus conocimientos de armonía y contrapunto con el maestro alemán radicado en la Argentina, Juan Schulpiz. Ha sido director de la orquesta estable de Canal 11. Su primer tango data de 1948, lo tituló Tres iniciales y lo dedicó a Eduardo Del Piano. Posteriormente compuso dentro de una línea musical decididamente afiliada a las modernas corrientes, los tangos Introducción, En penumbra, Extravio, Milonguero de hoy, Monograma —entre los instrumentales— y Mejor asi y Y que te perdone Dios, entre los cantables. Escribió además arreglos orquestales estándar para la editorial Select. Fuente Horacio Ferrer
Osvaldo Requena
Entrevista a Osvaldo Requena por Néstor Pinsón
Como en todas las charlas que he tenido con Requena, a lo largo de más de 10 años, él está sentado al piano. En esta ocasión termina de tocar dos tangos inéditos. Uno del tenor Tito Schippa "El coquetón", del año 1913. El otro: "Volcán" de Eduardo Arolas, manuscrito original de la colección de Bruno Cespi. Su nombre completo es Osvaldo Francisco Requena y nació en Buenos Aires el 29 de junio de 1931. Mirá, yo escucho el nombre de Arolas y me pongo de pie. Lo suyo es una maravilla. Notable su inspiración y todos sus tangos permiten la posibilidad de hacerle arreglos hermosos. También me gusta Agustín Bardi, por lo bien que escribía.
Mi trabajo fundamental es el de arreglador. Desde 1985 tengo mi conjunto, es un trío que a veces se incrementa en número según las circunstancias, se llama "Tango Sessions". Estaba conformado por Reynaldo Nichele, el bandoneonista Carlos Pazo y yo. La idea y el trío surgieron en un espectáculo para "Michelangelo", titulado "Jazmines", con la coreógrafa Ana María Stekelman y el bailarín Miguel Ángel Zotto. La formación inicial era con Suárez Paz y Daniel Binelli. Tuvimos éxito y viajamos a Norteamérica para una gira muy interesante. Digamos que este fue el lanzamiento definitivo, porque su verdadero nacimiento fue por mediados de los años sesenta cuando surgió la idea de hacer un dinero con las carreras de autos de Turismo de Carretera, que por entonces casi todas las semanas recorrían diversas ciudades y atraían mucho público. Llegábamos para actuar desde el jueves por la noche hasta el sábado, y tuvimos un gran éxito. La figura era Floreal Ruiz y los músicos Hermes Peresini en violín, Enrique Marchetto en contrabajo y yo. Hacíamos también temas instrumentales y nos poníamos a improvisar. Una vez mi esposa hizo el comentario que parecíamos una "jazz session", nos gustó y así quedó el nombre, "Tango Sessions".
Osvaldo Requena
Como director de orquesta, incluidos los acompañamientos a diversos cantores, grabé más de 400 discos y como pianista más de 800. Pero hay algo que desconoce la mayoría de la gente, hice bastante folklore y algo de jazz.
Durante 14 años fui director de una grabadora y vivía en los estudios desde la mañana a la noche. Sobre mi actividad como arreglador, aquí en casa tengo mas de 8000 arreglos y en el Canal 11 de televisión, debe haber como 11000 más.
Trabajé un par de veces para Zubin Metha, tengo sus cartas de agradecimiento. Lo mismo me ocurrió con Piazzolla. Una vez Astor, tenía que actuar en el SODRE de Montevideo y no le daba el tiempo para arreglar un tema suyo, "Tonto", con letra de Homero Expósito. Me pidió que se lo hiciera. Era para orquesta sinfónica. Con ese tema ganó un concurso. Una nota en el diario El Día, felicitaba al autor por el tema y el arreglo. Astor me lo supo reconocer.
Hice la música de la película de Torre Nilsson, "Los siete locos". Algo inhumano en cuanto al trabajo. Un jueves me llama el productor Jorge Álvarez de urgencia, necesitaba la música para el lunes. Le respondí que sí. No dormí, pero salió. Conocía la novela de Roberto Arlt, pero no su adaptación para el film. Imaginé un cuarteto de la guardia vieja con preponderancia del bandoneón. Compuse tres temas: "La milonga del rufián melancólico", "El vals del encuentro" y "Tango del desorden". Además de la música incidental. El conjunto lo integramos Leopoldo Federico, Domingo Rullio en flauta, Ubaldo De Lío y Ricardo Domínguez en guitarras, en el contrabajo alternaron Omar Murtagh y Quicho Díaz y yo en el piano.
El tango es importante en su historia, pero debe tener una evolución, si no hay evolución se pierde. Un buen ejemplo lo tuve en Indonesia, en Jakarta. Allí no conocían el bandoneón, entonces hice la historia del tango, desde cuando se bailaba entre hombres hasta llegar a Piazzolla. Pasito a pasito, para que entendiera y fue una eclosión al final. En todo el sudeste asiático conocen el tango europeo y también como lo tocan los norteamericanos, a lo Valentino. Para cambiar esa idea había que historiar el tango.
La discusión sobre la música de Piazzolla es interminable y ya se torna tediosa. Hay que aceptar lo que dice el público, me gusta o no me gusta. ¿Fiorentino?... Mirá, como cantor desafinaba, pero me gustaba como desafinaba. ¡Desafinaba tan lindo! Su voz parecía un bandoneón justamente por como fraseaba, allí uno encontraba su condición de músico.
Osvaldo Requena
Una vez Sassone me invitó al "Marabú" para ver a Di Sarli, yo era pibe y ya conocía los estilos de las orquestas, pero me costaba entrar en su intimidad. Florindo tenía de Di Sarli y de Fresedo y yo quería definir algo más. Cuando nos pusimos a charlar yo le pregunte: "¿Maestro cómo consiguió usted esa característica tan suya? Mire, para aprender hay que mirar a los bailarines". Como era medio escondedor no tocó el piano, me puso el ejemplo con la voz haciendo el arrastre suyo, igual al arrastre de los bailarines con los pies. En el piano lo hacía con la mano izquierda y luego, con la derecha, iba agregando lo suyo. Orlando Goñi era más orillero, él marcaba la mano izquierda ligada.
El pianista era el conductor de la orquesta. Todo se reflejaba en él. El contrabajo era el que marcaba el ritmo. Es el caso de Salamanca con D'Arienzo, o el de Biagi, cada uno tenía su manera de tocar. Para mí un gran pianista fue Emilio Barbato que definió el estilo de una orquesta con Fresedo... Mirá había un pianista importante en Norteamérica, Carmen Cavallaro, y yo creo que ese estilo suyo ya lo había hecho antes Barbato. Todas esas pequeñas ligaduras que hacía fue un invento suyo. Luego, cuando el pianista dejaba de tocar la orquesta se apoyaba en los violines. En esa época con Fresedo estaba Vardaro. Di Sarli se apoyaba en Guisado que era un tanguero de alma. Un ser extraordinario, yo estuve con él en Japón en 1966, conocía de tango más que nadie y nos apoyábamos muchas veces en él. También hay un estilo Requena que se basa sobre todo en la composición. Mi tío Paquito Requena fue maestro de Leopoldo Federico, de Arturo Penón, de Juan Carlos Bera, de Rovira, de Libertella y tantos más. Fue primer bandoneón de Maffia, director de la orquesta estable de Radio Belgrano, fue alumno de Juan José Castro, fue un gran músico. Luego se dedicó a la enseñanza.
Fui muy amigo de Aquiles Roggero, tenía una vena melódica propia de los elegidos, pero se lo conoce poco. Salvo que dirigió la Orquesta Símbolo "Osmar Maderna" y que compuso algunos hermosos tangos como "Mimí Pinsón". Una vez encontré en una editorial este tango suyo "Tus ojos lejanos", una hermosura. (Lo toca)
Compuse mucho, tengo mas de 100 obras inéditas. Cuando tengo un tiempo libre escribo. A lo mejor en el futuro son rescatadas.
A Canaro lo discutieron, tuvo sus contras cuando metía un pistón en la orquesta o formaba esos conjuntos numerosos. ¡A De Caro lo que no le dijeron! No se lo aceptaba. Hoy es el maestro que marcó una etapa, un punto de inflexión en la historia del tango. Lo mismo ocurre con Piazzolla, el fue el alma mater del lápiz. De tantos arreglos te nombro uno que hizo para Troilo: "Chiqué"... eso es un dechado de virtudes. A los seguidores de Troilo les gustaba pero con muchas reservas. Lo mismo ocurrió con "Recuerdos de bohemia", de Delfino con arreglo de Galván. La gente no entendía nada. Esta es una obra que tranquilamente puede estar entre la música clásica, pese a que yo no hago diferencias entre la música seria y la popular. La música es una sola, la buena.
En cuanto a mis arreglos, de pronto aparecía un tema exitoso y debía prepararlo para distintas orquestas, entonces cada uno debía ser diferente, con otra personalidad y debía ajustarme a otros valores, a otras formas, a otros estilos. Para eso debía olvidarme de los anteriores. De "La cumparsita" hice como 20 y yo mismo la grabé 5 veces y son todos distintos.
El bandoneón fue creado para los corales, los argentinos lo adoptaron para el tango. Se lo tocaba sobre las rodillas bien apretadas y las manos bien ajustadas por las correas y salía todo muy durito, se abría poco el fueye, se impedía el movimiento cómodo de las manos. Hasta que a alguien se le ocurrió apoyarlo en una de sus rodillas, así lograba mayor facilidad para la apertura. Uno de los primeros debe haber sido Laurenz. Así se digitaba mejor, era más liviano, daba lugar a mejores variaciones. De paso te digo que las variaciones de Laurenz son imposibles de mejorar, deben tocarse tal cual las inventó. Piazzolla en los tangos que hizo de Laurenz respetó siempre sus variaciones, "Berretín" es uno de ellos. Lo mismo ocurre con los "solos" que inventó De Caro. Ahora, los que son un problema son muchos cantores que te cambian las melodías.
Sobre los De Caro considero a Francisco más que a Julio, fue un creador. Con el estilo propio de un pianista consagrado, lleno de acordes, de sutilezas, lo mismo en la composición.
¿De los cantores? Floreal Ruiz. También Fiorentino, Ángel Vargas, Oscar Serpa. Floreal comienza en la orquesta de De Angelis, a la que se va adaptando y llega al sumun cuando se lo lleva Troilo. También un gran cantor fue Jorge Durán, al que descubrí tarde.
¿Qué es el arreglo? Mirá, cada uno tiene su concepción al respecto, pero no es difícil definirlo. Es tratar de hermosear y destacar la melodía, sin destruirla, al contrario, tratando siempre de respetarla al máximo. Primero poner la melodía, luego hacer una variación sobre ella y como se dice vulgarmente, poner una armonía de violín dentro de ella. Porque si no lo que se hace es destruir el concepto del autor. Siempre hay que respetar la línea melódica. Yo cuando me siento al piano primero hago una "armadurita" de lo que quiero hacer, pongo el cifrado de los tonos y con lapicera -yo tacho, no borro-, hago el arreglo, soy bastante rápido. El arreglador también es un creador, porque hay tantas armonías como a cada uno se le puede ocurrir. Y nunca se debe perder la esencia tanguera.
Como pianista de orquesta me inicié en 1951 con Raúl Kaplún. Con él hice mi primer arreglo, fue un vals mío "Solo de vals", que estuvo en el repertorio pero no fue grabado. Al año siguiente empecé con Eduardo del Piano cuando recién se desvinculaba de Ángel Vargas. Mi primer arreglo con él fue "El cantor de Buenos Aires". Con los años, pasé brevemente por Edgardo Donato, Carlos Demaría, Ángel Domínguez, Alberto Mancione, Eduardo Rovira cuando acompañaba a Alfredo del Río, Sánchez Gorio, Atilio Stampone -su primer conjunto-, Leopoldo Federico, el gran amigo que me dio el tango. También con Sassone, nueve años yendo y viniendo.
Cuando en 1968 me designan director del sello Microfón, dirigí la orquesta que acompañó a todos los que allí grabaron: Alfredo Zitarrosa, Los Quilla Huasi, Los Hermanos Cuesta y muchos más. A partir de 1984, dirigí durante un tiempo la Orquesta Nacional Juan de Dios Filiberto, debutamos en el Teatro Cervantes.
¿La actualidad? Estoy trabajando sobre unos arreglos para unas colecciones que saldrán, supongo de Norteamérica para todo el mundo, es para un conocido productor. Tengo 2 giras por delante, una a Israel y la otra, ya firmada, por octava vez a Japón. Debo ser el músico que más viajó. Anduve por unos 90 países.
Por último, renovarse es muy bueno, pero hay que saber como. No se pueden cambiar a los grandes músicos y compositores que tuvo el tango. Hay que darlos a conocer sin modificar su esencia. "Si la rosa es bella déjala como está". No es necesario tener una técnica depurada y hacer miles de notas. Mejor, una nota sola y cantarla bien. Troilo no era un virtuoso, pero cantaba con el bandoneón. Fuente Todotango
domingo, 8 de junio de 2008
Henk van Twillert y Sonja van Beek
Henk Van Twillert
Biografía Henk Van Twillert
Henk van Twillert es un saxofonista de renombre internacional con una inagotable pasión por la música. Especializado en el saxofón barítono, se graduó con distinción de la Academia de Sweelinck en Amsterdam Música, donde estudió bajo Ed Bogaard, un destacado saxofonista clásico y pionero en el campo.
Mientras estudiaba, Van Twillert también fundó el Cuarteto saxofón Amsterdam (1979), iniciando así su carrera como músico profesional. El cuarteto desempeñado un papel importante en la popularización de la música de cámara clásica y la mezcla de otros géneros musicales, que van desde el pop al jazz local a singalongs. El cuarteto, que es la libre voluntad y creativa como siempre, ha realizado en todo el mundo y grabó muchos discos, a veces con otros bien conocidos músicos, entre ellos violinista Jaap van Suecia, pianista Daniël Wayenberg y rey del acordeón Johnny Meijer.
Henk Van Twillert
Aunque Van Twillert realizó como solista con el Quinteto Solista Salzburgo en 1993, su carrera de solista no comenzó en serio hasta que cuatro años más tarde. Mientras preparaba para una gira con la violinista Sonja van Beek, se estableció el Amsterdam Solista Quintet, un quinteto de cuerda que abarca un amplio espectro musical. El quinteto ha acompañado a Van Twillert en muchas giras internacionales, que han incluido actuaciones con la Cámara de Salzburgo Solista Ensemble, la Orquesta Sinfónica de Minsk, Emmy Verhey, el Remix Ensemble dirigido por Peter Rundle, Inessa Galante, la Orquesta Filarmónica de Beiras, Vinko Globokar y Henry Brant.
Henk Van Twillert
El quinteto también ha grabado numerosos CDs, incluye obras de Piazzolla y Heitor Villa-Lobos, así como secciones con saudades de Carlos Paredes y cantante de fado con Carlos do Carmo (ganador del Premio Goya 2008) como invitado solista. Junto con el violinista Emmy Verhey, grabó Gran norteamericanos; clásica en el Tour con Baritone Sax él se une pianista Gian Maria Bonino a jugar obras de Schumann y Debussy. En 2006, se registraron también un CD con la letóna soprano Inessa Galante.
Durante los últimos 25 años, Van Twillert ha colaborado estrechamente con el pianista y compositor Tjako van Schie, un músico cuyo enfoque a la música clásica es a menudo controvertido. Además de ser su acompañante regular, Van Schie ha entrenado Van Twillert los estudiantes en los Países Bajos y Portugal.
Henk van Twillert del virtuosismo sin precedentes no sólo es una alegría para el oído, que ha inspirado a otros músicos para componer. Varios compositores, entre ellos Chiel Meijering, Anke Brouwer, Rob Hauser, Gijs van Dijk, Carlos Marques, Carlos Azevedo y Virgilio Melo, por ejemplo, obras escritas específicamente para el saxo barítono.
Además de ser un músico ejecutante, Van Twillert es un incansable y entusiasta didactician que ayuda a los jóvenes músicos en su camino hacia la etapa profesional. Él vive en los Países Bajos y Portugal, y enseña en la Academia de Música en Amsterdam, los Países Bajos, y la Escuela Superior de Música y Artes Escénicas en Oporto, Portugal (ESMAE - Escola Superior de Música e das Artes
do Espectáculo). Junto con el saxofonista portugués Fernando Valente, estableció la Escuela de portugués para saxofón clásico, que más tarde dio a luz a la Orquesta portugués saxofón. También es el fundador y director artístico del conjunto internacional saxofón Vento do Norte, que se estableció tras una serie de clases magistrales. Van Twillert es un profesor visitante en el Simón Bolívar academia de música en Caracas, Venezuela y la UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México) en la Ciudad de Mexico. También es buscado después de clase magistral instructor, y ha enseñado en las academias musicales de París, Milán, Pekín, La Habana y Minsk, así como la Universidad de Nueva York.
Bach Suites para violonchelo, un CD lanzado en 2001, aceleró su carrera musical. Durante el año 2006, lo que resultó un emocionante año, realizó una de las suites del álbum de la Reina Beatriz de los Países Bajos en la inauguración oficial de un edificio de la iglesia en Amsterdam. Van Twillert aprovechó la ocasión para polvo en su original Adolphe Sax saxo barítono de 1863. Realiza una gira por Mexico, Colombia y Venezuela durante el mismo año, y se le pidió llevar a cabo en el prestigioso Festival de Música de Newport en los EE.UU., donde tocó con el Cuarteto de Cuerdas de Colorado y en el suyo propio. Van Twillert vuelto a Newport en 2007, esta vez para reproducir la música de Freddy Mercury con la diva internacional Inessa Galante.
Henk van Twillert desempeña exclusivamente Yamaha saxofones, incluida la YBS 62 y el barítono YAS 875 EX Plata alto. Una serie de conciertos se ha programado para la temporada 2008-2009, que se celebrará en la Sala de conciertos de Amsterdam (Concertgebouw de Amsterdam). Van Twillert también desempeñará varios conciertos con Carlos do Carmo y la Orquesta Filarmónica de Beiras. Por último, pero no por ello menos importante, está trabajando en nuevo CD con Tjako van Schie, que incluirá Rachmaninov del cello sonata. Fuente Web de Henk Van Twillert
Sonja van Beek
Biografia de Sonja van Beek
Van Beek estudió en el Conservatorio Sweelinck de Amsterdam de Davina van Wely. Ella ganó en 1995 su grado UM con distinción. Luego estudió más a fondo en Thomas Brandis en la Hochschule der Kunst de Berlín y los siguió para dominar Viktor Tretiakov, Boris Belkin, Herman Krebbers, Viktor Liberman e Igor Ozim.
Premios y galardones :Van Beek dos veces ganó el primer premio en el Iordens Viooldagen (1986 y 1988). Ella ganó el Concurso Princess Christina en 1988, y el primer Davina van Wely Vioolconcours en 1991. En 1993 ganó el Nacional Vioolconcours Oskar Volver.
Actividades :Sonja van Beek soleerde entre otros a la Orquesta Nacional de la Juventud, la Residentie Orchestra, la Orquesta Filarmónica de Rotterdam, La Orquesta Gelders, el holandés Estudiantes Chamber Orchestra, Orquesta de la UVA-J. PZN Sweelinck y orquestas en Alemania y América del Sur. Van Beek desempeñado en el Festival de Salzburgo, el Orlando Festival y el Festival de Música de Euregio. Van Beek contribuido a la música el teatro de la Toneelgroep Amsterdam, bajo la dirección de Gerardjan Rijnders.
Van Beek es también activa en la cámara. Ella juega con Johan van Iersel violonchelista y pianista Jeroen Bal piano en un trío con el nombre de Escher Trio, que hizo una gira por Alemania y los Estados Unidos. En 2002 ganó un premio en el Concurso Internacional ARD. Es dúo con el pianista Maurice Lammerts van Bueren y con el pianista alemán Andreas Frölich. Además, ella desempeña en la Cámara Solistas de Salzburgo, sigue Ensemble y EnsembleCameleon.
CD de grabaciones : Con Andreas Frölich Van Beek tuvo dos CDs con música de Enrique Granados, Joaquín Turina y Erich Wolfgang Korngold. Además, creó un CD con Henk Van Twillert con temas de Ástor Piazzolla de tango.
Instrumento
Van Beek desempeña un instrumento construido por Santo Seraphin (Venecia, 1750), que fue puesto a disposición por el Fondo de National Instruments. Fuente Wikepedia (traducion automática del holandés)
Biografía Henk Van Twillert
Henk van Twillert es un saxofonista de renombre internacional con una inagotable pasión por la música. Especializado en el saxofón barítono, se graduó con distinción de la Academia de Sweelinck en Amsterdam Música, donde estudió bajo Ed Bogaard, un destacado saxofonista clásico y pionero en el campo.
Mientras estudiaba, Van Twillert también fundó el Cuarteto saxofón Amsterdam (1979), iniciando así su carrera como músico profesional. El cuarteto desempeñado un papel importante en la popularización de la música de cámara clásica y la mezcla de otros géneros musicales, que van desde el pop al jazz local a singalongs. El cuarteto, que es la libre voluntad y creativa como siempre, ha realizado en todo el mundo y grabó muchos discos, a veces con otros bien conocidos músicos, entre ellos violinista Jaap van Suecia, pianista Daniël Wayenberg y rey del acordeón Johnny Meijer.
Henk Van Twillert
Aunque Van Twillert realizó como solista con el Quinteto Solista Salzburgo en 1993, su carrera de solista no comenzó en serio hasta que cuatro años más tarde. Mientras preparaba para una gira con la violinista Sonja van Beek, se estableció el Amsterdam Solista Quintet, un quinteto de cuerda que abarca un amplio espectro musical. El quinteto ha acompañado a Van Twillert en muchas giras internacionales, que han incluido actuaciones con la Cámara de Salzburgo Solista Ensemble, la Orquesta Sinfónica de Minsk, Emmy Verhey, el Remix Ensemble dirigido por Peter Rundle, Inessa Galante, la Orquesta Filarmónica de Beiras, Vinko Globokar y Henry Brant.
Henk Van Twillert
El quinteto también ha grabado numerosos CDs, incluye obras de Piazzolla y Heitor Villa-Lobos, así como secciones con saudades de Carlos Paredes y cantante de fado con Carlos do Carmo (ganador del Premio Goya 2008) como invitado solista. Junto con el violinista Emmy Verhey, grabó Gran norteamericanos; clásica en el Tour con Baritone Sax él se une pianista Gian Maria Bonino a jugar obras de Schumann y Debussy. En 2006, se registraron también un CD con la letóna soprano Inessa Galante.
Durante los últimos 25 años, Van Twillert ha colaborado estrechamente con el pianista y compositor Tjako van Schie, un músico cuyo enfoque a la música clásica es a menudo controvertido. Además de ser su acompañante regular, Van Schie ha entrenado Van Twillert los estudiantes en los Países Bajos y Portugal.
Henk van Twillert del virtuosismo sin precedentes no sólo es una alegría para el oído, que ha inspirado a otros músicos para componer. Varios compositores, entre ellos Chiel Meijering, Anke Brouwer, Rob Hauser, Gijs van Dijk, Carlos Marques, Carlos Azevedo y Virgilio Melo, por ejemplo, obras escritas específicamente para el saxo barítono.
Además de ser un músico ejecutante, Van Twillert es un incansable y entusiasta didactician que ayuda a los jóvenes músicos en su camino hacia la etapa profesional. Él vive en los Países Bajos y Portugal, y enseña en la Academia de Música en Amsterdam, los Países Bajos, y la Escuela Superior de Música y Artes Escénicas en Oporto, Portugal (ESMAE - Escola Superior de Música e das Artes
do Espectáculo). Junto con el saxofonista portugués Fernando Valente, estableció la Escuela de portugués para saxofón clásico, que más tarde dio a luz a la Orquesta portugués saxofón. También es el fundador y director artístico del conjunto internacional saxofón Vento do Norte, que se estableció tras una serie de clases magistrales. Van Twillert es un profesor visitante en el Simón Bolívar academia de música en Caracas, Venezuela y la UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México) en la Ciudad de Mexico. También es buscado después de clase magistral instructor, y ha enseñado en las academias musicales de París, Milán, Pekín, La Habana y Minsk, así como la Universidad de Nueva York.
Bach Suites para violonchelo, un CD lanzado en 2001, aceleró su carrera musical. Durante el año 2006, lo que resultó un emocionante año, realizó una de las suites del álbum de la Reina Beatriz de los Países Bajos en la inauguración oficial de un edificio de la iglesia en Amsterdam. Van Twillert aprovechó la ocasión para polvo en su original Adolphe Sax saxo barítono de 1863. Realiza una gira por Mexico, Colombia y Venezuela durante el mismo año, y se le pidió llevar a cabo en el prestigioso Festival de Música de Newport en los EE.UU., donde tocó con el Cuarteto de Cuerdas de Colorado y en el suyo propio. Van Twillert vuelto a Newport en 2007, esta vez para reproducir la música de Freddy Mercury con la diva internacional Inessa Galante.
Henk van Twillert desempeña exclusivamente Yamaha saxofones, incluida la YBS 62 y el barítono YAS 875 EX Plata alto. Una serie de conciertos se ha programado para la temporada 2008-2009, que se celebrará en la Sala de conciertos de Amsterdam (Concertgebouw de Amsterdam). Van Twillert también desempeñará varios conciertos con Carlos do Carmo y la Orquesta Filarmónica de Beiras. Por último, pero no por ello menos importante, está trabajando en nuevo CD con Tjako van Schie, que incluirá Rachmaninov del cello sonata. Fuente Web de Henk Van Twillert
Sonja van Beek
Biografia de Sonja van Beek
Van Beek estudió en el Conservatorio Sweelinck de Amsterdam de Davina van Wely. Ella ganó en 1995 su grado UM con distinción. Luego estudió más a fondo en Thomas Brandis en la Hochschule der Kunst de Berlín y los siguió para dominar Viktor Tretiakov, Boris Belkin, Herman Krebbers, Viktor Liberman e Igor Ozim.
Premios y galardones :Van Beek dos veces ganó el primer premio en el Iordens Viooldagen (1986 y 1988). Ella ganó el Concurso Princess Christina en 1988, y el primer Davina van Wely Vioolconcours en 1991. En 1993 ganó el Nacional Vioolconcours Oskar Volver.
Actividades :Sonja van Beek soleerde entre otros a la Orquesta Nacional de la Juventud, la Residentie Orchestra, la Orquesta Filarmónica de Rotterdam, La Orquesta Gelders, el holandés Estudiantes Chamber Orchestra, Orquesta de la UVA-J. PZN Sweelinck y orquestas en Alemania y América del Sur. Van Beek desempeñado en el Festival de Salzburgo, el Orlando Festival y el Festival de Música de Euregio. Van Beek contribuido a la música el teatro de la Toneelgroep Amsterdam, bajo la dirección de Gerardjan Rijnders.
Van Beek es también activa en la cámara. Ella juega con Johan van Iersel violonchelista y pianista Jeroen Bal piano en un trío con el nombre de Escher Trio, que hizo una gira por Alemania y los Estados Unidos. En 2002 ganó un premio en el Concurso Internacional ARD. Es dúo con el pianista Maurice Lammerts van Bueren y con el pianista alemán Andreas Frölich. Además, ella desempeña en la Cámara Solistas de Salzburgo, sigue Ensemble y EnsembleCameleon.
CD de grabaciones : Con Andreas Frölich Van Beek tuvo dos CDs con música de Enrique Granados, Joaquín Turina y Erich Wolfgang Korngold. Además, creó un CD con Henk Van Twillert con temas de Ástor Piazzolla de tango.
Instrumento
Van Beek desempeña un instrumento construido por Santo Seraphin (Venecia, 1750), que fue puesto a disposición por el Fondo de National Instruments. Fuente Wikepedia (traducion automática del holandés)
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