sábado, 28 de junio de 2008

Carlos Di Sarli

Carlos Di Sarli en 1957Carlos Di Sarli en 1957

Carlos Di Sarli, Tania, Discépolo en 1942Carlos Di Sarli, Tania, Discépolo en 1942

De izquierda a derecha: Tania, Discépolo, Juan Carlos Casas —director de RCA— y
Carlos Di Sarli (1942).

Carlos Di Sarli y su Orquesta en 1952Carlos Di Sarli y su Orquesta en 1952

Carlos Di Sarli al pianoCarlos Di Sarli al piano

Carlos Di Sarli con Héctor Gagliardi, Fernando OchoaCarlos Di Sarli con Héctor Gagliardi, Fernando Ochoa

Carlos Di Sarli y su orquesta en 1942Carlos Di Sarli y su orquesta en 1942

 Carlos Di Sarli grabando en 1958Carlos Di Sarli grabando en 1958


DI SARLI, Carlos. (Nombre de familia: Cayetano Di Sarli). Músico. Pianista. Director. Compositor. Personalidad. Su gran personalidad romántica quedó definitivamente espejada en la música y en el modo temperamental de Milonguero viejo, tango que dedicó a Osvaldo Fresedo, de quien fue admirador fervoroso y —artísticamente hablando— discípulo. Heredó, en particular del Fresedo de 1926 a 1930, la manera de sentir la orquesta y la modalidad cuerdista con exclusión virtualmente absoluta, de variaciones y solos fraseados de bandoneón y con gran preocupación por el tratamiento interpretativo, por el matizado de la frase y por la calidad sonora del todo instrumental. Su orquesta fue, sin embargo, profundamente original y claramente distinta por su contenido espiritual. Y la clave diferencial —el cimiento de su estilo— resultó de su concepción dominantemente pianística de la música. Hubo en su naturaleza de ejecutante genuinamente creador, el "milonguero" por excelencia, en todo cuanto de señorío criollo y de sobreentendidos valores de tango ese concepto encierra. Fue un artista de poderoso aliento interpretativo. Se hacía al piano bajo el influjo de cierta íntima soledad que puso, a veces, un halo
de aparente hurañez o de distancia sobre las fronteras de su presencia. Su fecunda inventiva estuvo prevalentemente consagrada a la mano izquierda en la cual, con excelente y purísimo sonido, creó una manera de decir, de acentuar, de modular, de "rellenar" y de "bordonear". Esa mano le bastó para tocar el atildado melodismo de Fresedo con profundidades milongueras "con olor a kerosén" —para decirlo con el exacto graficismo de "Pichuco"—; y, sobre esa mano, fue capaz de llevar a su orquesta "en el aire", tal como lo ilustra su labor en Shusheta, Tinta verde, A mí me llaman Juan Tango o Don Juan, para apelar a cuatro entre cien ejemplos. Desde su piano, eje y pilar—alma—de su conjunto, sintió y expresó con ascética emoción los
restantes planos instrumentales, finamente matizados siempre sobre la base de un fraseo inconfundible y particularmente dócil a las transi -ciones de ligado y stacato. En el arreglo—que durante años anotó Emilio Brameri—, dentro de la extremada simplicidad armónica y del esquematismo estructural propuesto, fueron características de su modalidad la alternancia de los tuttis con los temas contrapunteados en la cuerda. Compleja tarea correspondió a los bandoneones cuyos ejecutantes debieron recurrir a ciertos artificiosde realización para dar, en toda su intensidad, ese peculiar "arrastre" en tempo rubato, propio del estilo, generalmente reforzado con la inversión de los acordes en el bajo. En sus versiones fue poco frecuente la labor solista, excepción hecha de sus propias intervenciones —cada vez más espaciadas— en Mi refugio y La cachila; de algunos solos de violín —en Tinta verde— y de al-gunos de bandoneón (en El choclo admitió la única variación de toda su carrera de director). Dos primeros atriles de gran significación —Roberto Guisado (violín) y Félix Verdi (bandoneón)— fueron durante treinta años intérpretes calificados y cabales de sus ideas musicales. Su repertorio instrumental se nutrió —invariablemente— de obras de antiguo estilo; por el contrario, su repertorio cantable fue más bien sensible a las páginas nuevas. Milonguero viejo, El estagiario, Mi refugio, El jaguar, Ensueño, El ingeniero, Ojos negros, Un lamento,
La racha (todos en Victor); La cachila, Tinta verde El recodo, El pollo Ricardo (en Music-Hall); Indio manso, Una fija, Bahía Blanca, El abrojo (en Philips), se contaron entre sus mayores realizaciones orquestales, marcando la paulatina superación sonora de su orquesta y su creciente preferencia por los tiempos hasta muy lentos de ejecución, con el paso de los años. Y entre los cantables, Griseta, Cornetín, A
mí me llaman Juan Tango, Cosas olvidadas, Decime qué pasó, Mañana zarpa un barco (con Roberto Rufino); Cuando el amor muere(con Carlos Acuña); Sombras del puerto, Junto a tu corazón, Vamos, Volver a vernos (con Alberto Podestá); Vieja Luna, Porteño y bailarín, Cosas de tango, Whisky, Nubes de humo (con Jorge Durán); Tormenta, Se muere de amor, No me pregunten por qué (con Mario Pomar); Fulgor, Siempre más (con Oscar Serpa); De qué podemos hablar (con Argentino Ledesma). También cantaron en su con junto los vocalistas Santiago Devin, Ernesto Famá, Fernando Díaz, Roberto Arrieta, Antonio Rodríguez Lesende, Agustín Volpe, Ro-dolfo Galé, Roberto Florio, Carlos Posadas, Horacio Casares. Su estilo ejerció una moderada influencia. En unos casos —el de las orquestas de Dante Puricelli, Ricardo Pedevilla, orquesta típica Novel y Los Señores del Tango, éstas dos formadas de la desvinculacíón masiva de sus propios músicos—por la exacta reproducción del mismo. En otros —el de Alfredo Gobbi—, por una asi-milación temperamental y formal de sentido recreador
Biografía. Nació en Bahía Blanca —en la calle Buenos Aires— el 7 de enero de 1900. Hijo de Miguel Di Sarli y de Josefina Russomano, inmigrantes italianos que habían residido previamente en el Uru-guay. Comenzó sus estudios musicales al cuidado de Domingo Di Sarli, su hermano mayor y profesor a la sazón del Conservatorio Williams, de Bahía Blanca, donde conoció al también entonces niño Juan Carlos Cobián. Hacia 1920 se radicó en Buenos Aires, en la cual ganó para su vida como pianista de los cafetines de Paseo Colón y como musico acompañante de algunas figuras, Tania, entre ellas. En 1925 formó su primer sexteto con Krauss y Pécora (violines), Landó yGinzo (bandoneones) y Capurro (bajo), alcanzando el primer aplauso durante sus actuaciones en el café Guarany. Se presentó luego en el cine Renacimiento y ante los micrófonos
de Radio Cultura. El 26 de noviembre de 1929 grabó con los tangos La guitarrita y T.B.C. su primer disco para la casa Victor. En 1934, en el primer apogeo de su carrera, sus músicos —Verdi, Guisado, Le-falle, Otero, Capurro y Rodríguez Lesende("chansonnier")— se desvincularon de él fundando la orquesta típica Novel con Ricardo Canataro al piano. Integró entonces, transitoriamente, la orquesta de Roberto Dimas Lourbes, trasladándose luego a Rosario. Poco después volvió con sus viejos compañeros. Y en 1939 reingresó a Victor, donde desde Retirado y Corazón, hasta 1949, grabó ciento cincuenta y seis versiones. En 1950 fue contratado por la empresa Music-Hall, a la cual perteneció hasta 1956, año en el que sus músicos volvieron a abandonarlo masivamente para formar, esta vez, la orquesta Los Señores del Tango. En 1959 retornó en tercera instancia a la Victor, registrando luego su último lote de realizaciones para la casa Philips. A lo largo de su intensa trayectoria actuó en Casino Pigall, Follies Bergére, Marabú —que fue su clásico reducto porteño— y radios El Mundo y Belgrano, de Buenos Aires, y en el hotel Carrasco y Radio Carve, de Montevideo. Compositor espiritualmente identificado con las corrientes melódicas del género, ofreció dos tangos para orquesta que ya han sido consagrados en la más selecta antología popu-lar: Milonguero viejo (1926) y Bahía Blanca (1958). Su primer tango lo compuso en 1919: Meditación. A partir de Corazón produjo numerosos temas cantables con el letrista Héctor Marcó, entre ellos: Bien frapé, En un beso la vida, Nido gaucho, La capilla blanca, Tangueando te quiero, Cuatro vidas, Porteño y bailarín, Así era mi novia. Con otros autores dio a conocer Chiquetera, Otravez carnaval, Verdemar, Callorda, Che, francés, vení, Juan Porteño, Pobre buzón, Porqué le llaman amor, De qué podemos hablar, Rinconcito de alegría, Negando el perdón, Llanto en el corazón. En 1936 colaboró en la musicalización de la película Loco Lindo, que dirigió Arturo Mom. Falleció en
Olivos, provincia de Buenos Aires, el 12 de enero de 1960.Fuente Horacio Ferrer

viernes, 27 de junio de 2008

Stan Getz

Stan Getz

Del saxofonista, Stan Getz, ya dijo en su famoso libro: "El jazz, de los orígenes a nuestros días", el famoso critico, Joachim E. Berendt, en los años cincuenta a propósito de este músico: "...Es un virtuoso que puede tocar lo que sea posible con un saxo tenor". Y en efecto, estamos ante uno de esos músicos que consiguen un dominio absoluto de su instrumento poniéndolo al servicio de una inspiración creativa, permanentemente renovada y casi sin limites. Pero también Stan Getz, es uno de los más originales estilistas de toda la historia del jazz y que para muchos es considerado uno de los cinco saxofonistas tenores verdaderamente revolucionarios en la historia de esta música.

Stan Getz

Con capacidad para producir emotividad sonora, sugerente en las baladas y creativo y espléndido en los tiempos rápidos, su arte estuvo influenciado en la forma de tocar de Charlie Parker por un lado - el mensaje de Bird caló hondo en Stan Getz- , y en las maneras relajadas y fluidas del saxo de Lester Young. Su infancia se desarrolló en el barrio neoyorquino del Bronx adonde sus padres emigraron desde la Filadelfia natal en 1931, recién cumplidos los cuatro años. A los quince años debutó como músico profesional en la orquesta de Dick Rogers y durante nueve largos años estuvo sucesivamente en una decena de bigbands en permanente aprendizaje, entre ellas, las de Jack Teagarden, Jimmy Dorsey, o incluso la del "rey del swing", Benny Goodman, con quien grabaría sus primeros solos en disco. Se trasladó a la Costa Oeste americana donde logró formar su propio trío con el que actuó en en el "Swing Club" de Hollywood.

En 1947 y después de un largo periodo actuando en pequeñas formaciones, el director de orquesta, Woody Herman, los contrató a todos para su orquesta y así fue como Stan Getz, entra formar parte de una de las mejores bandas de jazz de la historia, y con ella, fue fundamental en el advenimiento del llamado "cool jazz", especialmente cuando un año mas tarde, en diciembre de 1948, grabó su histórico solo en "Early Autumn". De la noche a la mañana, su nombre saltó a la fama internacional, le pusieron el sobrenombre de "The Sound" y decenas de saxofonistas se lanzaron desaforadamente a tratar de imitarlo. Cuando dejó la orquesta de Woody Herman en 1949, su carrera ya era imparable y se adentró en la década siguiente cubierto de popularidad.

Stan Getz

En 1952 fichó como tantas otras estrellas del jazz por la organización de Norman Granz, donde recorrió medio mundo tocando el saxo. En aquel periodo tuvo sus primeros problemas con la droga, pero consiguió desintoxicarse en Suecia done permaneció alternando su presencia con otro país donde lo veneraban: Dinamarca. Cuando regresó a EE.UU., comprobó que la estrella de John Coltrane, brillaba con luz propia en el escenario musical del jazz y del saxo tenor, pero no se inmutó. Su respuesta fue la grabación de una obra maestra con su álbum grabado para Verve en 1961 titulado "Focus". Pero lo que realmente le devolvió a la primera fila de la actualidad jazzistica fue su viraje hacia los ritmos sudamericanos cuando grabó en 1962 junto al guitarrista, Charlie Bird, el disco de bossa nova "Jazz Samba", aunque todavía fue mejor y mas logrado el grabado el año siguiente con Gilberto, el guitarrista brasileño y que titulo "Getz/Gilberto" también para Verve. sin embargo, Stan Getz, no se dejó cautivar por los cantos de sirenas y el era sobretodo, un jazzman de los pies a la cabeza y por su grupo de los años sesenta pasaron futuras grandes generaciones de músicos como Chick Corea o Gary Burton.
Los años setenta y ochenta se los pasó grabando infinidad de discos con una calidad alta y sólo interrumpió su trabajo en 1988 cuando le diagnosticaron un cáncer de hígado. Murió tres años después, el 6 de junio de 1991.Fuente Apolybaco

jueves, 26 de junio de 2008

Juan D'Arienzo

Juan D'Arienzo con Jorge Valdes y Horacio PalmaJuan D'Arienzo con Jorge Valdes y Horacio Palma
Juan D'Arienzo con Ángel D'Agostino y Ernesto Bianchi en 1912Juan D'Arienzo con Ángel D'Agostino y Ernesto Bianchi en 1912

Juan D'Arienzo con Ángel D'Agostino y Ernesto Bianchi(Lechugita) en el Jardín Zoológico, cuando tocaban en el Teatro Guiñol, 1911.Formando una orquesta juvenil

Juan D'Arienzo y su orquestaJuan D'Arienzo y su orquesta

Juan D'ArienzoJuan D'Arienzo
Juan D'Arienzo (centro) con su orquestaJuan D'Arienzo (centro) con su orquesta

Juan D'Arienzo (centro) con su orquesta cuando la integraba como primer Bandoneon Hector Varela, Cayetano Puglisi y Fulvio Salamanca, en una escena de la película de Romero con Niní Marshall y Juan Carlos Thorry


Juan D'Arienzo: En 1936, debutó en la recién inaugurada Radio El Mundo. Tomó, luego, parte en laspelículas Melodías Porteñas (1937), Yo quiero ser Bataclana (1941) y Otra Cosa es con Guitarra (1949). En 1937, punto de arranque del gran espaldarazo a su labor que resucitaba el interés de bailarines por el tango, llenando multitudinarias pistas, se presentó por primera vez en Montevideo en el Teatro Solís y en el café Tupí Nambá, comenzando luego sus clásicas temporadas veraniegas en los salones del hotel Carrasco. En torno de 1940, conservando estrictamente todos los rasgos propios de su modo de ejecución, sus interpretaciones resultaron más aplomadas por la realización más pausada y la mejor escritura: versiones como las de los tangos Amarras, La madru-gada y Claudinette, ilustran perfectamente ese aspecto de su labor. Más tarde, especialmente en la década 1950-1960, retomó su línea original complementariamente perjudicada por un repertorio pobre, agresivo y chabacano, del que son muestras los tangos El nene del Abasto, El hipo y Chichipía. Luego de 1960, buscó nuevos caminos para su modalidad mediante instrumentaciones de concepción más depurada que dieron al conjunto inesperados valores de sonoridad y de armonización, dentro de su reconocido ajuste interpretativo, etapa de la que sonejemplo su realización de los tangos Nada y A Orlando Goñi. Desfilaron por su agrupación a través de los años, ejecutantes de excelente formación, como Alberto San Miguel, Enrique Alessio, Carlos Lazzari, Ernesto Franco, Cayetano Puglisi, a más de los pianistas Fulvio Salamanca, Juan Polito y de los vocalistas Cisca, Cabral, Landi, Echagüe, Carbel, Laborde, Reynal, Lemos, Bustos, Valdéz, Palma, y otros. Compositor de los tangos Ya lo ves, Borrá y apuntá de nuevo, Apache, Callejas solo, llamado luego, Nada más, Paciencia, El vino triste, Chirusa, Garronero. No nos veremos nunca, En laboca no. Falleció el 14 de enero de 1976. 
Horacio Ferrer

Biografia II
En la época que abarca las décadas del 30, 40 y 50, la música popular tanguera se adueñó de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, a través de programas radiales, presentaciones teatrales, películas de largo metraje, y bailes que se realizaban en cabarets, club sociales y en los famosos bailes de carnaval tan asiduamente concurridos.
Entre las orquestas que amenizaban ese entorno musical, se destacó gracias al concenso popular, la dirigida por el violinista, compositor y director don Juan D’Arienzo.
Para muchos eruditos en la material, Juan D’Arienzo con su nueva forma de interpretar el tango, la de marcar efusivamente el compás del dos por cuatro, dió vida a una música que estaba estancada en un pozo sin salida. Pero ese Nuevo compás más rápido y sensiblero, hizo que la juventud lo volviera a escuchar y más que nada a bailar.
Si bien D’Arienzo forma su primer conjunto en el año 1928, actuando en distintas funciones teatrales, es realmente en el año 1935 cuando se le acerca a su orquesta el pianista Rodolfo Biaggi, y juntos animan los bailes del cabaret “Chantecler”, dándole dicho pianista el ritmo que luego lo hiciera tan famosa a la orquesta de D’Arienzo. Cuenta la anécdota que cuando Biaggi comienza a acompañar a la orquesta, el maestro D’Arienzo no le permitía al joven pianista realizar ni demostrar sus aptitudes, ni hacer ningún cambio en el ritmo o el compás. Pero una noche que el director llegó tarde a la actuacion en el cabaret, generalmente la orquesta comenzaba a tocar sola, hasta que llegaba D’Arienzo, a Biaggi se le prendieron las lamparitas y empezó a tocar el tango “9 de Julio”, y el público aistente lo bailó con tanto gusto que cuando llegó D’Arienzo le pidió a gritos y aplaudiendo que continuara con ese ritmo tan novedoso y entrador, que el maestro no tuvo otro remedio que tocarlo durante toda la noche entre la algarabía y los aplausos de los bailarines.
Las primeras grabaciones de la orquesta son en el vals “Desde el alma” y el tango “Hotel Victoria” en Julio de 1935 y el vals “Penas de amor” y el tango “Tinta verde” en agosto del mismo año, con la actuación del pianista Lidio Fasoli. Cuatro meses después aparece grabando con el conjunto Rodolfo Biaggi y lo hace con el vals “ Orillas del Plata” y el tango “ 9 de julio”.
Cuando Rodolfo Biaggi se retira de la orquesta a fines de 1938, Juan D’Arienzo era el señor y rey de la noche porteña, a pesar de que en ese mismo momento tallaban orquestas de la categoría de Troilo, Canaro, Lomuto, Fresedo y Julio de Caro.
En esa época se ponen de moda los cantores de orquesta que sólo interpretan una estrofa, que son los llamados “estribillistas’, que como su nombre lo indica sólo entonan un estribillo en el medio de la canción. La orquesta de D’Arienzo es una de las primeras orquestas que cuenta en sus filas con un estribillista y asi vemos como cantores que después fueron de renombre tales como Carlos Dante y Francisco Fiorentino acompañan a la orquesta en esa especialidad. También el cantor uruguayo Walter Cabral fue uno de los primeros estribillistas que grabó con la orquesta de Juan D’Arienzo. Pero el cantor que más tiempo cantó acompañando a la orquesta fué Alberto Echagüe. También se lucieron Hector Mauré, Armando Laborde, Mario Bustos, Jorge Valdés, Carlos Casares y Osvaldo Ramos.
La principal característica de la orquesta era el compás remarcado por el piano en el cual fueron grandes interpretes que resaltaban esa modalidad, pianistas como Rodolfo Biaggi, Fulvio Salamanca y Juan Polito.
Entre las interpretaciones más conocidas y exitosas de esta notable orquesta, podremos recordar los tangos “La cumparsita”, “Felicia”, “Hotel Victoria” “Rodriguez Peña”, “Derecho Viejo” “Don Juan” “El entrerriano” “Rawson” “Nueve de Julio” y muchas, muchas más piezas que fueron joyas musicales de la liturgia tanguera. No quiero olvidar que D’Arienzo también fué considerado el rey de la milonga, ya que la milonga “La puñalada” escrita por el compositor uruguayo don Pintín Castellanos, tiene el record mundial de grabaciones vendidas en ese género musical.
Quiero destacar que a pesar de su gran fama a nivel internacional, D’Arienzo nunca quiso salir fuera del país, pues le llovían los contratos para ir a actuar en Europa, Japón y los Estados Unidos.. Y el motivo era que le tenía miedo pánico a viajar en avión. Solamente viajaba en el vapor de la carrera a Montevideo, donde actuó infinidad de veces, especialmente en Carrasco, donde según declaraciones del propio D”Arienzo era un lugar de ensueño en el que se sentía muy cómodo y querido por el público uruguayo.
Contaba el mismo D’Arienzo que el Emperador Hirohito, que era un gran amante de la música tanguera, le mandó a través de la embajada japonesa, un cheque en blanco, para que el maestro lo llenara y luego fuera con su orquesta a tocar a Japón. Como la contestación fué negativa, por miedo a viajar en avión, el emperador le pidió que viajara en barco, a lo que el maestro contestó negativamente porque tampoco quería meterse 40 días en un barco. Entonces el Emperador le dijo que le mandaba un submarino japonés para llegar más raápido, pero D’Arienzo le contestó que tenía miedo que Japón se metiera en otra Guerra, y que por ese motivo desechaba la invitación del Emperador!
A la muerte de D’Arienzo, ocurrida en el año 1976, le sucedieron sus integrantes, formando el conjunto “Los solistas de D’Arienzo” continuando de esa manera el mismo estilo, ritmo y compás que el gran director creara para el placer de todos los tangueros del mundo entero...denorteasur

Enrique Mario Francini

Enrique Mario FranciniEnrique Mario Francini
Enrique Francini en 1946, un año después de la formación de la orquesta que codirigía con Armando Pontier. De der. a izq. (de pie) Alberto Podestá, Raúl Berón, Pedro Sarmiento, Francini, Aquiles Aguilar, Mario Lalli y Rafaelito Del Bagno (contrabajo); (sentados) Adriano Fanelli, Nicolás Paracino, Pontier, Ángel Domínguez, Juan José Paz (piano).


FRANCINI, Enrique Mario.14 de enero de 1916 - 27 de agosto de 1978) Músico. Violinista. Director. Compositor. Personalidad: Su nombre ha estado invariablemente asociado a iniciativas de importancia en los treinta y cinco años más recientes, especialmente como parte del movimiento renovador que encabezaron Galván, Piazzolla, Troilo y Salgán y en el que alternó lucidamente como ejecutante, como director y como compositor. Número uno, juntamente con Simón Bajour, entre los cultores del virtuosismo violinístico en el tango, surgió al plano profesional entre los valores más auténticos de la Generación del Cuarenta. Inspiró las bases de su modalidad en las formas interpretativas creadas por Argentino Galván —arreglador— y Raúl Kaplún, ejecutante éste de la promoción anterior a la suya, y cuyo lugar tomó en la orquesta de Miguel Caló. Paulatinamente, luego fue encontrando el definido camino de su
Enrique Mario FranciniEnrique Francini con Ubaldo de Lío cuando integraban el Quinteto Real.
propio estilo. Violín de llamativa seguridad, vibrato medio, depurado e inconfundible sonido y prodigiosa mano izquierda, se ha caracterizado además por una muy personal manera de dividir la frase musical. En ciertos casos su dominio del instrumento lo ha volcado al efectismo en algunas cadencias de artificioso desarrollo. Aunque lo capital de su labor artística ha trascendido esa limitación expresiva merced a su natural aptitud para "cantar y decir" un tema, especialmente en los arreglos de Piazzolla y de Galván, alternando las sonoridades apagadas y melancólicas de unos pasajes con la brillantez y la exaltación romántica de otros. De las numerosas intervenciones bien representativas de su estilo, deben ser recordadas las que alcanzó en los tangos Mañana iré temprano y Sans Souci, con la orquesta de Miguel Caló (discos Odeón); Delirio, Pecado y A los amigos; con la orquesta de Francini-Pontier (disco Víctor); Mi refugio, Tema otoñal y Marrón y azul, con el Octeto Buenos Aires (discos Allegro y Disc-Jockey); Milonguita, Copacabana y Tiernamente, con Los Astros del Tango (discos Music-Hall) Organito de la tarde, El arranque y Ya no cantas chingolo, con el Quinteto Real (discos Columbia). La influencia de su modalidad se ha evidenciado especialmente en algunos jóvenes arcos de la hornada siguiente, como Fernando Suárez Paz.
Enrique Mario FranciniEnrique Francini: La orquesta Francini-Pontier reconstituida para su gira por Japón. Con los directores, la cantante Alba Solís y los músicos Normando Lazara,Ornar Murtagh, Quique Lanoo, Romano Di Paolo,Néstor Marconi, Nicolás Paracino y Ornar Valente-1973


Fue director, durante diez años, juntamente con el bandoneonista Armando Pontier, de una orquesta de verdadera significación, muchas de cuyas realizaciones —Arrabal, A los amigos, La beba, Lo que vendrá, Pa'que se acuerden de mí, Para lucirse, Pichuco, Tigre viejo, A Zárate— configuraron verdaderas muestras de tango instrumentalmente evolucionado. Sobre la misma base de inspiración troiliana, aunque superándose en la jerarquía sonora, en la interpretación y en el arreglo, condujo luego un conjunto, como director independiente, con realizaciones tan logradas como El resero, La trilla, Petit salón, Elegante papirusa y Barranca abajo. Su imaginación musical para la composición quedó expresada en sus tangos, preferentemente melódicos por su temperamento, como Mañana iré temprano, Junto a tu corazón, Inquietud y Ese muchacho Troilo, entre los cantables y Tema otoñal, entre los orquestales de corte moderno. .¡
Enrique Mario Francini Enrique Mario Francini y Armando Pontier

Vida: Nació en la localidad de San Fernando, provincia de Buenos Aires, el 14 de enero de 1916. Siendo todavía adolescente, ya con su vocación perfectamente perfilada, se radicó en Campana, donde juntamente con Héctor Stamponi, hizo sus primera armas de ejecutante. En 1935 integró la orquesta de Juan Elhert, en la cual Armando Pontier tocaba el bandoneón y con la que llegó a Buenos Aires, en 1937, para
Enrique Mario Francini Enrique Francini
De izq. a der.: José María Suñé, Mauri Rubinstein, Enrique Santos Discépolo, RicardoRuiz, José Basso, Enrique Francini, Ortega del Cerro y Armando Pontier, 1948.


actuar en Las Matinées de Juan Manuel, por Radio Prieto. Al año siguiente, por Stentor esta vez, prestó su concurso al conjunto de Argentino Galván. Ese mismo año fue requerido por Miguel Caló, compartiendo con Lázzari, Berón, Pontier, Podestá, Maderna, Domingo Federico y otros destacados elementos de su misma generación hasta 1945. Formó por aquella época, con músicos de jerarquía, su propia orquesta, que encabezó con Pontier, correspondiéndole inaugurar con ella el palco del Tango Bar, de la calle Corrientes, participando asimismo en el rodaje de la película Cuidado con las Imitaciones. Desde Margo y Sirva otra copa (1946), grabaron todas sus versiones para la casa Víctor, con los vocalistas Alberto Podestá, Raúl Berón, Roberto Rufino, Julio Sosa, Pablo Moreno, Roberto Florio, Héctor Montes y Luis Correa, registrando en total ciento veinte placas, treinta y cuatro instrumentales y
Enrique Mario Francini Enirque Francini
Enrique con la primera integración del Quinteto Real. De izquierda a derecha, arriba, Ubaldo de Lio y Rafael Ferro; abajo: Francini, Horacio Salgán y Pedro Laurenz (1960).



el resto con canto. En 1955, continuó su labor por propia cuenta, con Juan José Paz como pianista, Julio Ahumada —primer bandoneón—y Alberto Podestá, Roberto Rufino, Julia Vidal y otros en vocales, grabando también para Víctor hasta la disolución de la orquesta tres años después. Desde 1950 en adelante, simultáneamente con su tarea de director, formó parte de varios conjuntos de instrumentación reducida: desde 1952, en dúo de piano y violín con Héctor Stamponi, con quien grabó temas como Nostalgias y Griseta, para la Víctor; en 1954, en un homenaje a la memoria de Juan Carlos Cobián, en un quinteto de primeras figuras con Aníbal Troilo (bandoneón), Roberto Grela (guitarra), Kicho Díaz (bajo) y Horacio Salgán (piano); a partir de 1955 y hasta 1958, en todas las presentaciones del Octeto Buenos Aires —radio, recitales, discos Allegro y Disc-Jockey— en el que ofreció una formi-dable confrontación de modalidades violinísticas con Hugo Baralis; en 1959, grabando para Music-Hall y actuando por Radio Belgrano, formó el septimino Los Astros del Tango, a la vez que encabezaba con Stamponi la orquesta de cuerdas Los Violines de Oro del Tango, de profusa labor fonográfica en Philips. En carácter de primera figura se desempeñó en las agrupaciones de Astor Piazzolla, Atilio Stampone, Aníbal Troilo y Horacio Salgán, aunque su actuación estuvo asociada desde 1960 al Quinteto Real. Realizó, con él, las giras a Japón en 1964, 66 y 69, grabación de discos en Columbia y en Philips y presentaciones en Caño 14 y confitería Relieve, Radio El Mundo y Teatro de Buenos Aires; Radio Carve y confiterías de Montevideo. Volvió a Japón con Pontier en 1973, y con su orquesta en 1977.
Enrique Mario FranciniEnrique Francini
La orquesta Francini-Pontier reconstituida para su gira por Japón. Con los directores, la can-tante Alba Solís y los músicos Normando Lazara,Ornar Murtagh, Quique Lanoo, Romano Di Paolo,Néstor Marconi, Nicolás Paracino y Ornar Valente



Ha estado también activamente vinculado a las actividades societarias y gremiales de SADAIC. Además de los ya mencionados, compuso los tangos óyeme, La canción Inolvidable, Triste flor de fango, Princesa del fango, Me Jo dice el corazón, Camuflaye y la fantasía Delirio. Falleció en Buenos Aires. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados

miércoles, 25 de junio de 2008

Quinteto(Ensamble)Soledad

Quinteto(Ensamble)SoledadEnsamble Soledad

El conjunto SOLEDAD nació en 1995, cuando cinco jóvenes estudiantes en Bruselas descubrió una pasión común por la música de Astor Piazzolla. Ellos especializados en la interpretación del "Nuevo Tango" con un line-up de Acordeón y Bandoneón, Violín, Piano, Guitarra y contrabajo. La originalidad de esta formación y la personalidad de despertar el interés de varios compositores contemporáneos como Frederic Devreese, Alberto Iglesias y Daniel Capelletti, y también a los músicos del grupo para el escribir sus propios arreglos, color de sus diversas influencias. Este moderno enfoque tiene SOLEDAD en el camino trazado por Piazzolla y abre nuevas perspectivas musicales. Los primeros conciertos de Soledad inmediatamente seducir tanto público ya la prensa, su fama crece rápidamente en Bélgica y también en el extranjero, y ganar varios premios en diversos concursos de música de cámara. En enero de 2002, Soledad es elegido para cerrar la ceremonia de los "Victoires de la Musique Classique" en una emisión directa a mostrar canal de televisión France 3. El grupo también está nominado al "Mejor Joven Músico del Año" por la Unión de la Prensa Musical de Bélgica. En abril de ese año, después de que uno de sus conciertos en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas, que cumplan con Martha Argerich, que es muy impresionado por Soledad y les invita a realizar en distintos foros internacionales scenes.In de diciembre de 2002, el grupo recibe el " Choc de l'Année "de la principal revista clásico francés" Le Monde de la Musique "por su primer álbum," Soledad "(Virgin Classics a). "Al igual que un universo deslumbrante, martilladas de marfil, con Argentina en mente, las doce canciones de este álbum de tango son realmente fascinante e impresionante, en un repertorio que va desde Astor Piazzolla a Richard Galliano, Daniel Capelletti, Michel Lysight y de Igor Stravinsky. Para hacer un éxito de este "golpe de maître ', virtuosos fueran necesarios. Estos son virtuosos Soledad… "(Le Monde de la Musique, George Gad, 12/2002) El conjunto lleva

Quinteto(Ensamble)SoledadEnsamble Soledad

a cabo la más grande en los lugares y festivales internacionales, como el Palais des Beaux-Arts en Bruselas, el Suntory Hall de Tokio, el Gran auditorio du Palais des Festival de Cannes (Victoires de la Musique 2002), la nueva sede Flagey Bruselas, el Festival de La Roque d'Anthéron en Francia, Euromeet jazz y festivales de Jazz de Veneto en Italia, Al Bustan Festival en el Líbano, Festival de Miami en Florida, Argerich el festival de Taipei (Taiwán), Lugano Festival (Switserland), Beppu (Japón),… En 2003 su segundo álbum "Del Diablo" fue puesto en libertad el Virgin Classics y recibió grandes elogios en la prensa nacional e internacional. Durante el año 2004 se invitó a Soledad en festivales como La Roque d'Anthéron, el Festival de Valonia, Festival de Flandes, en Canadá, en los Estados Unidos, etc… En 2005 el conjunto giras en Japón, Canadá, Francia, Italia, etc, y ha el honor de haber sido elegido para llevar a cabo el concierto anual para el Palacio Real de Bélgica el 25 de octubre, que será transmitido "en vivo" en ambas estaciones de televisión nacionales. Su nuevo CD 'Passage' - dedicado a la música de Frédéric Devreese y con la colaboración del gran guitarrista de jazz Philip Catherine - ha sido puesto en libertad en octubre de 2006 en EMI / Virgin Classics, y recibe comentarios rave.

Quinteto(Ensamble)SoledadEnsamble Soledad

"Soledad presenta un cd sorprendentemente hermoso". "En el centro el acordeón, rodeado de violín, piano, contrabajo y guitarra, y para este evento especial con jazzman Philip Catherine. Jugando juntos, como el mejor grupo de rock, como uno, con un corazón que late. "" La calidad de la Soledad va mucho más allá de fronteras musicales. Si decimos que Soledad se especializa en el tango no lo hacemos correctamente, porque Soledad simplemente hace hermosa música. "En su nuevo cd" Passage "que realizan música de Frédéric Devreese, que organizó una selección de sus composiciones para quinteto, con Philip Catherine como invitado. En concierto es fantástico oír cómo estas obras se combinan perfectamente con los de Piazzolla. Un impresionante rendimiento: con el fuego y la pasión.Fuente web del Quinteto Soledad

martes, 24 de junio de 2008

Juan D'Arienzo

Juan D'Arienzo con Jorge Valdes y Horacio PalmaJuan D'Arienzo con Jorge Valdes y Horacio Palma

Juan D'Arienzo con Ángel D'Agostino y Ernesto Bianchi en 1912Juan D'Arienzo con Ángel D'Agostino y Ernesto Bianchi en 1912

Juan D'Arienzo con Ángel D'Agostino y Ernesto Bianchi(Lechugita) en el Jardín Zoológico, cuando tocaban en el Teatro Guiñol, 1911.Formando una orquesta juvenil

Juan D'Arienzo y su orquestaJuan D'Arienzo y su orquesta


Juan D'ArienzoJuan D'Arienzo

Juan D'Arienzo (centro) con su orquestaJuan D'Arienzo (centro) con su orquesta

Juan D'Arienzo (centro) con su orquesta cuando la integraba como primer Bandoneon Hector Varela, Cayetano Puglisi y Fulvio Salamanca, en una escena de la película de Romero con Niní Marshall y Juan Carlos Thorry


Juan D'Arienzo: En 1936, debutó en la recién inaugurada Radio El Mundo. Tomó, luego, parte en laspelículas Melodías Porteñas (1937), Yo quiero ser Bataclana (1941) y Otra Cosa es con Guitarra (1949). En 1937, punto de arranque del gran espaldarazo a su labor que resucitaba el interés de bailarines por el tango, llenando multitudinarias pistas, se presentó por primera vez en Montevideo en el Teatro Solís y en el café Tupí Nambá, comenzando luego sus clásicas temporadas veraniegas en los salones del hotel Carrasco. En torno de 1940, conservando estrictamente todos los rasgos propios de su modo de ejecución, sus interpretaciones resultaron más aplomadas por la realización más pausada y la mejor escritura: versiones como las de los tangos Amarras, La madru-gada y Claudinette, ilustran perfectamente ese aspecto de su labor. Más tarde, especialmente en la década 1950-1960, retomó su línea original complementariamente perjudicada por un repertorio pobre, agresivo y chabacano, del que son muestras los tangos El nene del Abasto, El hipo y Chichipía. Luego de 1960, buscó nuevos caminos para su modalidad mediante instrumentaciones de concepción más depurada que dieron al conjunto inesperados valores de sonoridad y de armonización, dentro de su reconocido ajuste interpretativo, etapa de la que sonejemplo su realización de los tangos Nada y A Orlando Goñi. Desfilaron por su agrupación a través de los años, ejecutantes de excelente formación, como Alberto San Miguel, Enrique Alessio, Carlos Lazzari, Ernesto Franco, Cayetano Puglisi, a más de los pianistas Fulvio Salamanca, Juan Polito y de los vocalistas Cisca, Cabral, Landi, Echagüe, Carbel, Laborde, Reynal, Lemos, Bustos, Valdéz, Palma, y otros. Compositor de los tangos Ya lo ves, Borrá y apuntá de nuevo, Apache, Callejas solo, llamado luego, Nada más, Paciencia, El vino triste, Chirusa, Garronero. No nos veremos nunca, En laboca no. Falleció el 14 de enero de 1976.Fuente Horacio Ferrer

Biografia II
En la época que abarca las décadas del 30, 40 y 50, la música popular tanguera se adueñó de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, a través de programas radiales, presentaciones teatrales, películas de largo metraje, y bailes que se realizaban en cabarets, club sociales y en los famosos bailes de carnaval tan asiduamente concurridos.
Entre las orquestas que amenizaban ese entorno musical, se destacó gracias al concenso popular, la dirigida por el violinista, compositor y director don Juan D’Arienzo.
Para muchos eruditos en la material, Juan D’Arienzo con su nueva forma de interpretar el tango, la de marcar efusivamente el compás del dos por cuatro, dió vida a una música que estaba estancada en un pozo sin salida. Pero ese Nuevo compás más rápido y sensiblero, hizo que la juventud lo volviera a escuchar y más que nada a bailar.
Si bien D’Arienzo forma su primer conjunto en el año 1928, actuando en distintas funciones teatrales, es realmente en el año 1935 cuando se le acerca a su orquesta el pianista Rodolfo Biaggi, y juntos animan los bailes del cabaret “Chantecler”, dándole dicho pianista el ritmo que luego lo hiciera tan famosa a la orquesta de D’Arienzo. Cuenta la anécdota que cuando Biaggi comienza a acompañar a la orquesta, el maestro D’Arienzo no le permitía al joven pianista realizar ni demostrar sus aptitudes, ni hacer ningún cambio en el ritmo o el compás. Pero una noche que el director llegó tarde a la actuacion en el cabaret, generalmente la orquesta comenzaba a tocar sola, hasta que llegaba D’Arienzo, a Biaggi se le prendieron las lamparitas y empezó a tocar el tango “9 de Julio”, y el público aistente lo bailó con tanto gusto que cuando llegó D’Arienzo le pidió a gritos y aplaudiendo que continuara con ese ritmo tan novedoso y entrador, que el maestro no tuvo otro remedio que tocarlo durante toda la noche entre la algarabía y los aplausos de los bailarines.
Las primeras grabaciones de la orquesta son en el vals “Desde el alma” y el tango “Hotel Victoria” en Julio de 1935 y el vals “Penas de amor” y el tango “Tinta verde” en agosto del mismo año, con la actuación del pianista Lidio Fasoli. Cuatro meses después aparece grabando con el conjunto Rodolfo Biaggi y lo hace con el vals “ Orillas del Plata” y el tango “ 9 de julio”.
Cuando Rodolfo Biaggi se retira de la orquesta a fines de 1938, Juan D’Arienzo era el señor y rey de la noche porteña, a pesar de que en ese mismo momento tallaban orquestas de la categoría de Troilo, Canaro, Lomuto, Fresedo y Julio de Caro.
En esa época se ponen de moda los cantores de orquesta que sólo interpretan una estrofa, que son los llamados “estribillistas’, que como su nombre lo indica sólo entonan un estribillo en el medio de la canción. La orquesta de D’Arienzo es una de las primeras orquestas que cuenta en sus filas con un estribillista y asi vemos como cantores que después fueron de renombre tales como Carlos Dante y Francisco Fiorentino acompañan a la orquesta en esa especialidad. También el cantor uruguayo Walter Cabral fue uno de los primeros estribillistas que grabó con la orquesta de Juan D’Arienzo. Pero el cantor que más tiempo cantó acompañando a la orquesta fué Alberto Echagüe. También se lucieron Hector Mauré, Armando Laborde, Mario Bustos, Jorge Valdés, Carlos Casares y Osvaldo Ramos.
La principal característica de la orquesta era el compás remarcado por el piano en el cual fueron grandes interpretes que resaltaban esa modalidad, pianistas como Rodolfo Biaggi, Fulvio Salamanca y Juan Polito.
Entre las interpretaciones más conocidas y exitosas de esta notable orquesta, podremos recordar los tangos “La cumparsita”, “Felicia”, “Hotel Victoria” “Rodriguez Peña”, “Derecho Viejo” “Don Juan” “El entrerriano” “Rawson” “Nueve de Julio” y muchas, muchas más piezas que fueron joyas musicales de la liturgia tanguera. No quiero olvidar que D’Arienzo también fué considerado el rey de la milonga, ya que la milonga “La puñalada” escrita por el compositor uruguayo don Pintín Castellanos, tiene el record mundial de grabaciones vendidas en ese género musical.
Quiero destacar que a pesar de su gran fama a nivel internacional, D’Arienzo nunca quiso salir fuera del país, pues le llovían los contratos para ir a actuar en Europa, Japón y los Estados Unidos.. Y el motivo era que le tenía miedo pánico a viajar en avión. Solamente viajaba en el vapor de la carrera a Montevideo, donde actuó infinidad de veces, especialmente en Carrasco, donde según declaraciones del propio D”Arienzo era un lugar de ensueño en el que se sentía muy cómodo y querido por el público uruguayo.
Contaba el mismo D’Arienzo que el Emperador Hirohito, que era un gran amante de la música tanguera, le mandó a través de la embajada japonesa, un cheque en blanco, para que el maestro lo llenara y luego fuera con su orquesta a tocar a Japón. Como la contestación fué negativa, por miedo a viajar en avión, el emperador le pidió que viajara en barco, a lo que el maestro contestó negativamente porque tampoco quería meterse 40 días en un barco. Entonces el Emperador le dijo que le mandaba un submarino japonés para llegar más raápido, pero D’Arienzo le contestó que tenía miedo que Japón se metiera en otra Guerra, y que por ese motivo desechaba la invitación del Emperador!
A la muerte de D’Arienzo, ocurrida en el año 1976, le sucedieron sus integrantes, formando el conjunto “Los solistas de D’Arienzo” continuando de esa manera el mismo estilo, ritmo y compás que el gran director creara para el placer de todos los tangueros del mundo entero...Fuente denorteasur

lunes, 23 de junio de 2008

Dena DeRose

Dena DeRose

No es un logro pequeño para ser considerados como "Lo más creativo y obligar a la cantante-pianista desde Shirley Horn", pero eso es exactamente cómo Joel Siegel de la ciudad de Washington se describe Libro Dena DeRose. Si ella viene a su ciudad y que desea tomar el show, ir temprano, ya que la sala va a ser envasados. Ella no sólo AWES su público y los críticos de música con su instalación en el piano y su talento vocal, pero, como Richard Scheinin del San Jose Mercury acertadamente dijo: ".... que destila alegría ..... qué alma! "

Dena y su trío (Martin viento en el bajo y Matt Wilson en la batería) han desarrollado un duro-y los movimientos de balanceo dinámico de sonido que el público anhelan, y han acumulado una lista de créditos que el rendimiento lo demuestra. Desde el mítico Blue Note, El humo y el Jazz Standard de Nueva York, Jazz Alley en Seattle, y el Kennedy Center en DC a Body and Soul en Tokio, El Centro de Jazz en Estambul, Alexander Platz y en Roma, siempre que entregar ". ... vívido y con frecuencia emocionantes demostraciones de cómo sus innovadores conceptos musicales son ... " (Philip Elwood, San Francisco Examiner). Dena ha traído consigo que la innovación y vitalidad a las interpretaciones o ejecuciones, junto con la gente como Ray Brown, Clark Terry, Marian McPartland, Benny Golson, Ken Peplowski, Phil Woods, David "Fathead" Newman, Rufus Reid, Mark Murphy, Slide Hampton y muchos, muchos otros , Y numerosos festivales de jazz en todo el mundo han tenido Dena en su lista, entre ellas Monterrey, Kansas City Jazz y Blues, Sarasota, San Francisco y Litchfield en los EE.UU., el Mar Rojo en el Festival de Jazz de Israel, el Festival de Jazz de Ancona en Italia.

Dena DeRose

Como artista, ha Dena 6 CDs como líder de su crédito, todos los cuales han recibido elogios superior. Cadence Magazine le dio su Álbum del Año y Mejor Álbum Vocal de Jazz de premios para "Otro Mundo" y "Yo puede ver claramente ahora". Christopher Louden de Jazz Times dice que el sello MaxJazz toma "..... otro gran salto hacia delante "con el lanzamiento de" un paseo por el parque ". También recibió tres Grammy consideraciones.

Dena de la nueva grabación de Maxjazz "El Dena DeRose Trio-Live at Jazz Standard-Tomo 1" obtuvo un «4 estrellas» en Revista de downbeat escritor Fred Bouchard con él diciendo que "doble amenaza DeRose es una enérgica pianista y un vocalista ebullient -- coronada con una tiara rakish de piano / vocal dispersa "y" DeRose tribunal tiene ... verter potentes cócteles de freshened normas laced con sabia y original baladas sensibles ". Escritor Donald Elfman en Todo Sobre Jazz escribe "... no hay un speck de auto-importancia o pretensión como DeRose joyously avanza a través de nuevas y viejas canciones ... su voz tiene un fresco, claro encabezados por la calidad que habla de la libre - confianza ".

Sorprendentemente, Dena también ha encontrado tiempo para afinar sus habilidades como un educador de jazz, y ha estado en la facultad en algunos lugares de prestigio educación, incluida la Nueva Escuela y el Colegio de compras en Nueva York, y The Hartt School of Music en Connecticut. Sra DeRose es actualmente el Jefe del Departamento de Jazz Vocal de la Universidad de Música y Arte Dramático de Graz, Austria y ha sido docente en el Príncipe Claus Conservatorio de Música en los Países Bajos durante los últimos 7 años. Ella enseña con frecuencia en las clínicas y talleres, como el Instituto de Dave Brubeck en Oakland, CA, The Jazz School de Berkeley, CA, la NJPAC Jazz Programa para Adolescentes, el Stanford Jazz Workshop, y el de Rotterdam Escuela de Verano de Jazz. Ella ha servido como juez, tanto en el Thelonious Monk Competencia y el NJ Star Ledger Beca de estudio.

En 2000, Terry Teachout del New York Times escribió, "Dena DeRose canta jazz como si hubiera sido a él toda su vida larga y, a continuación, algunos". Fue más cerca de la verdad de lo que él podría haber imaginado. Su madre escuchó a cabo su recolección melodías en un órgano de juguete cuando tenía tres. Estudió piano clásico a lo largo de su infancia, hasta que fue tentado en el mundo del jazz de Count Basie tocar la música en su etapa secundaria banda. A los 17, se encontró con Doug Beardsley, el único maestro del jazz en Binghamton ciudad natal, y comenzó las clases.

En el momento en que ella fue a la universidad, la pasión por el jazz que se destila ahora plenamente evidente. Ella llevaba a cabo en cualquier lugar que podía, teniendo en privado estudiantes, y practicar tantas horas al día que a veces ella duerme en su taller. Para alimentar su insaciable apetito de jazz, se nos escape de campus en coche y cuatro horas para la ciudad de Nueva York para escuchar los ídolos piano Hank Jones, Mulgrew Miller y Kenny Barron.

Es una rara carrera musical que no es sazonada con retos y obstáculos, y Dena's no es una excepción - su fervor jazz llevado a su derecha en un caso de síndrome del túnel carpiano, agravada por la artritis, que fue lo bastante grave como para requerir cirugía, y la obligó a abandonar por completo el piano. Con su espíritu y su medio de vida, tanto en peligro, en un club una noche, alguien se atrevió a levantarse y cantar una canción. Ella lo hizo, ella le gustó, y también lo hizo el público. Dena no sólo ha encontrado su billete fuera de la difícil situación física, pero, dos años más tarde, cuando ella se había recuperado lo suficiente como para añadir piano de nuevo en el acto, también descubrió que el canto ha ayudado a añadir su lirismo y melodía a sus líneas de piano.

En 1991, llevó todo el paquete a Nueva York. Unos diez años más tarde, después de haber nunca cejar en el ínterin, el talento de Dena comenzó a ser ampliamente aclamado. Además de la revista Cadence premios por sus grabaciones, fue seleccionada por la Crítica downbeat la Encuesta de 2002, 2003 y 2006 del "artista que merece un mayor reconocimiento", y All About Jazz su ungido como Artista de Jazz del Año en 2003 y Mejor Album de Jazz de 2007. Ella apareció en el programa Morning Edition de National Public Radio, y dos veces en NPR's "Marian McPartland's Piano Jazz". Como su fama se extendió a la escena internacional, artículos y comentarios sobre Dena se publicaron en el New York Times, downbeat, Jazz Times, LA Times, Seattle Times, el jazz es, de Francia Hot Jazz, Ancona de Italia, y varios otros.

Ahora, Dena es que Don Heckman (LA Times) la predicción se haga realidad - que "... tiene todas las habilidades necesarias vocal a la altura del nivel superior de su campo". Ella es en la demanda, su pasión es más fuerte y más visible que nunca, y ella constantemente placeres de su cada vez mayor en todo el mundo público. Alan Bargebuhr de la revista Cadence resumió sucintamente la razón por la cual .... simplemente, ella es una "... deslumbrante talento pianista / vocalista."

Otras nuevas versiones en 2007: "La proximidad de dos" (GoFour), un dúo en directo concierto grabado en Ancona, Italia con el trompetista Marvin Stamm, un grupo de esfuerzo de grabación llamado "Una Noche en Claremont" (Vega) con el baterista, el bajista Ray Drummond, tenor hombre Dave Ellis, y destaca DeRose como pianista, compositor y vocalista.Fuente Webde Dena DeRose

domingo, 22 de junio de 2008

Erroll Garner

Errol Garner

Louis Erroll Garner (15 de junio de 1921 - 2 de enero de 1977) fue un estadounidense de jazz pianista y compositor cuyo distintivo estilo melódico y lo trajo tanto éxito popular y la admiración de sus compañeros. Es un hecho bien conocido que Garner nunca fue capaz de leer las partituras.
Vida y carrera Nacido en Pittsburgh, Pennsylvania, EE.UU. en 1921, Erroll comenzó a tocar el piano a la edad de 3. Asistió a George Westinghouse High School (al igual que Billy Strayhorn y Ahmad Jamal). Garner fue autodidacta y se mantuvo una "oreja jugador" toda su vida - él nunca aprendió a leer música.
A la edad de 7, Garner comenzó a aparecer en la estación de radio KDKA en Pittsburgh con un grupo llamado los Candy Kids. Por la edad de 11 años, estaba jugando en el río Allegheny. A los 14 años en 1937 se unió el saxofonista local Leroy Brown.
Jugó a nivel local en la sombra de su hermano de más edad pianista Linton Garner y se trasladó a Nueva York en 1944. Él trabajó brevemente con el bajista Slam Stewart, y aunque no es un músico bebop per se, jugado en 1947 con Charlie Parker en el famoso Cool Blues período de sesiones.
Corto de estatura, Garner fue la fama de realizar sentado en una guía telefónica de Manhattan. Films de la primera mitad 60 a hacer le muestran sentado en algo parecido a esto. También fue conocido por sus ocasionales vocalizaciones mientras juega, lo que puede ser escuchado en muchas de sus grabaciones. Él es generalmente por haber acreditado el servicio de puente para la brecha entre músicos de jazz y clubes nocturnos la sala de conciertos.

Erroll Garner

Garner su oido y la técnica la mayor cantidad adeudada a la práctica como a un don natural. Su estilo distintivo podría swing como ningún otro, pero algunos de sus mejores grabaciones son las baladas, como su más conocida composición, "Misty" ". Aunque "Misty" se convirtió rápidamente en un estándar con cantantes - y fue famosa figura en Clint Eastwood's Play Misty por mí (1971) - que nunca fue un favorito con otros instrumentistas.
Garner pueden haber sido inspirados por el ejemplo de Earl Hines, un compatriota residente de Pittsburgh, pero 18 años su alto nivel, y hay semejanzas en sus elásticas para el calendario y la utilización de la mano derecha de octavas. El estilo de Errol sin embargo, era único y evidente no tenía ni precursores ni imitadores, aunque competente, a un nivel de aficionados, más los jugadores trataron de imitar lo que ningún otro pianista de jazz en la historia. Un factor clave en su sonido era la independencia de su elástico pero firme roca-izquierda de las melodías aparentemente deriva de la derecha. Se suelen comenzar su juego con una extraña mezcla de notas teniendo nada se parecen a cualquier composición musical que dio a su audiencia una sensación de emoción sin saber que el número estaba a punto de realizar. Ya sea en ultra lento o baladas hasta desenfrenado ritmo de la improvisación, esto nunca no a transmitir un sentido del humor y actitud ante la titilating tanto el material al alcance de la mano y el público.

Errol era un músico de jazz hasta la médula, su atractivo popular que surge directamente de su juego. Se lograrse sin la ayuda de jocular voz o ingratiating anuncios, en la manera de Louis Armstrong o Fats Waller (las cifras sólo comparables en términos de ganarse el afecto universal), y parece igualmente improbable que su música adaptada a las exigencias de éxito . Él se limita a encontrar el camino hacia los corazones de la gente y nunca la perdió.

Garner ha establecido una reputación internacional, y desde ese punto hasta su muerte el 2 de enero de 1977, él hizo muchas giras tanto en el hogar y en el extranjero, y produjo un enorme volumen de trabajo registrado.
Garner está enterrado en Pittsburgh Homewood del Cementerio.

Obras
Su carrera discográfica registro comenzó a fines del 1940 cuando varios 7 "EP registros se realizaron con pistas como" Bellas y Dandy 'y' Sweet 'n' hermosa '. Sin embargo, su grabación de 1955, Concierto de Mar, entre sus filas más populares de trabajo y ha Eddie Calhoun en el bajo y Denzil Best en la batería. Irónicamente esta grabación, en el Carmelo de California, se hizo con relativamente primitivo equipo de sonido. Erroll Pero la inventiva y la oscilación tiene el punto a través de cada corte. Otras obras notables son la Long 1951 Y hace lejos y 1974 del Mago, que ver Erroll realizar una serie de normas clásicas en su propio estilo. A menudo, el trío se amplió para añadir percusión latina, por lo general una conga, con resultados eléctrica.
En 1964 Garner hizo una, dos raras apariciones en el Reino Unido por la BBC música serie titulada Jazz 625 (625 en relación con la nueva de alta calidad formato de línea de 625, frente a la antigua línea de 405) que se está emitiendo por el entonces nuevo canal de televisión BBC 2. El programa fue organizado por Steve Race, que presentó Garner's trío con Eddie Calhoun en el bajo y Kelly Martin a la batería. Aunque el teclado de trabajo duro, sudor Garner había streaming en su rostro como el programa hizo disparos cerca de sus manos.
Lo que hace Erroll del juego fácil de reconocer es la introducción de su marca, que parece que no tiene sentido hasta romper drásticamente en su exposición de la melodía toca, y rasgando la guitarra el sonido de su mano izquierda, jugando negra acompañamiento a su rico sonido mano derecha . Él pone sus acordes y octavas en ritmos sincopados que swing muy duro y puede ser utilizado para construir la tensión excelente, como entre frases. El enfoque también le sugiere que fue influenciado por la guitarra rítmica icónico trabajo de Count Basie largo del tiempo el guitarrista, Freddie Green. Sin embargo, que discierne los oyentes pueden encontrar que, si bien incluso cuatro su mano izquierda es un accesorio, se dista mucho de ser el único enfoque rítmico que entiende a jugar.Fuente Wikipedia.