sábado, 27 de febrero de 2010

Rockabilly

Rockabilly Rockabilly


El Rockabilly es uno de los primeros subgéneros del Rock and Roll. Se origina en la década de 1950.
El término es la contracción de las palabras rock y hillbilly, referente éste a una variedad ruda de country conocida como hillbilly music en la década de 1940-50 que contribuyó enormemente al desarrollo de su estilo. Otras influencias del Rockabilly incluyen el Western swing, el Rhythm and blues, el Boogie Woogie, y la música folk de los Apalaches. Aunque existen excepciones, su origen descansa en la región sur de los Estados Unidos.

Su influencia y popularidad decae en la década de 1960, pero a finales de los años 70 y principios de los 80, disfruta de un revival de
popularidad que llega a la actualidad mediante la subcultura rockabilly.

Su sonido característico, aparte de la velocidad, se basa en la conjunción de una guitarra, una batería y el slap del contrabajo, que ofrece una importante función rítmica, así como la voz solista que suele imitar efectos de eco, reverberación y hic ups. Además el cantante improvisa la carga en las silabas según la situación, dándole un tono más sensual.

Ya existía una relación estrecha entre el blues y el country desde las primeras grabaciones estadounidenses de la década de los años 20. El primer hit country a nivel estatal fue "Wreck of the Old '97",[1] [2] acompañada con "Lonesome Road Blues", que también se hizo muy popular.[3] y Jimmie Rodgers, la primera estrella ("first true country star"), conocido como Blue Yodeler y muchas de sus canciones tenían una base de blues de típica progresión armónica aunque con una instrumentación y sonido muy diferentes de las grabaciones de sus contemporáneos negros como Blind Lemon Jefferson y Bessie Smith.[4]

Durante los años 1930 y 1940, emergen dos nuevos sonidos: Bob Wills y sus Texas Playboys eran los mejores exponentes del western swing: combinan voz country y steel guitar con influencias de Big Bands de jazz y sección de viento-metal y consiguen una popularidad masiva. Sus grabaciones de mediados de la década de los 40-principios de los 50 incluyen ritmos jazz two beat, coros y guitarras que son un claro precedente de grabaciones rockabilly inmediatamente posteriores.[5]

Más tarde, artistas de blues como Meade Lux Lewis y Pete Johnson lanzaron la locura boogie que comienza en 1938. Artistas de country como Moon Mullican, los Delmore Brothers, Tennessee Ernie Ford, Speedy West, Jimmy Bryant y Maddox Brothers and Rose graban lo que se conoce como Hillbilly boogie, que consiste en voz e instrumentación hillbilly, con una línea de bajos boogie.[6]

El rock and roll de los años 50 pronto evolucionó adquiriendo mayor velocidad y furia, volviéndose más salvaje y juvenil, acorde con el carácter adolescente pero haciéndose quizá menos bailable. De esta manera llega el rockabilly como se conoce hoy, que es al rock and roll lo que el hillbilly al country.

Si puede considerarse a Bill Halley como el primer rockabilly, Carl Perkins está considerado el padre del género con su "Blue suede shoes" (1956), tema que lleva ya todas las características estilísticas, aunque se deba a Elvis Presley su popularización mundial. A ellos siguieron otros interpretes de gran talento en la época dorada que dura hasta 1959

partir del 59, la masiva llegada de grupos vocales y edulcorados ídolos para adolescentes que volvieron a acomodar un tanto al rock, unido a la tragedia que se cebó, con los astros rockabillies (hospitalización de Perkins, retiro por matrimonio de Wanda Jackson y Janis Martin, muertes de Eddie Cochran, Buddy Holly, Ritchie Valens, The Big Booper (El día que murió la música), Johnny Burnette, Gene Vincent, la encarcelación de Chuck Berry, locura de Little Richard, el servicio militar de Elvis Presley, problemas de alcohol de Bill Halley, etc, dejaron al subgénero como algo pasado de moda y los pocos supervivientes que quedaban se vieron obligados a reciclarse cantando country o baladas románticas.

La llegada en tromba del britpop a mediados de los años 60 parecía rematarlo, sin embargo, Elvis siempre deslizaba algo de rockabilly en sus películas por lo que gracias a nostálgicos y gente coherente no llega a desaparecer. En Europa se mantiene gracias a los muchos aficionados de Inglaterra, Francia o Alemania que nunca olvidaron a sus ídolos del otro lado del charco. En Estados Unidos, por el contrario, sobrevivió solo en pequeñas tabernas del sur y medio oeste americano, así como en las pequeñas ediciones de discos en modestos sellos como Marvell, sistemáticamente ignoradas por prensa y público.

Aun así siguieron en activo grupos como The Race Records (Indianápolis), John Fred & The Playboys (Louisiana) o Los Catalinas (Ilinois), cuyo cantante y guitarrista Jason Ringenberg es todo un mito para los rockers de la zona. Grupos como Sha-Na-Na intentaban mantenerlo vivo pero siempre fueron considerados unos bufones que tocaban música de la Edad de Piedra. A finales de los años 70 y por aquellos parajes surgen nuevos grupos al amparo del revivalismo apoyado por prensa y multinacionales del disco, como es el caso Big Daddy Sun & the Outer Planets (1979). Ese mismo año Robert Gordon irrumpe haciendo sensacionales versiones de clásicos y dando a conocer a todo el mundo aquel tipo de música.

En los años 80, surgen grupos aun más salvajes y rápidos que los de los años 50 en una oleada que se ha dado en llamar neo-rockabilly. Grupos como Stray Cats, Blue Cats, Dave Phillips & the Hot Rod Gang, Restless, Polecats, Kingbeats o Blasters, avivan el panorama y con la influencia del punk rock británico de los 70 dan lugar a la aparición del Psychobilly, nuevo subgénero más rápido con The Cramps y The Meteors como máximos exponentes.

En la década de los años 1990, se vuelve al estilo original, con la búsqueda de una sonoridad de época con grupos como Wildfire Willie and The Ramblers, Oakie Dookies, Tin Star Trio o The Avengers.

El comienzo del nuevo siglo profundiza en el retorno estilístico a los 50 con las grabaciones de sellos como Tail Records o Lenox Records, los franceses Don Cavalli and the two timers y Al Willis and the swingsters, los alemanes Brewsters, Spo dee o dee, los portugueses Tennesse boys Meandevils, etc.

Durante esta década comienzan en Europa festivales de con una nueva generación de artistas de rockabilly, rock y doowop que revitalizan incluso a artistas de décadas anteriores. Destacan el Hemsby Rock n roll Restival, Rockabilly Rave y la Rhythm Riot en Reino Unido, la High Rock-a-Billy, el Screamin festival o la Rockin'Race Jamboree en España y el Festival Rockabilly en Chile.Fuente Wikipedia

viernes, 26 de febrero de 2010

Hugo Diaz(Bandoneon)

Hugo Diaz(Bandoneon)Hugo Diaz(Bandoneon)


Bandoneonista, Hugo Díaz nació en 1947 en Montevideo, Uruguay y estudió tango y bandoneón clásico con el profesor Charlos Belozo y Maestro Marino Rivero. Ha sido miembro de la televisión Uruguaya y ha realizado conciertos en América Latina y Europa con su grupo de tango - Trio Hugo Díaz.

El bandoneón es un instrumento que es muy difícil de tocar. No hay un orden lógico a la disposición de los sonidos durante la apertura o el cierre en el botón de a bordo. (Si se quiere dominar el instrumento, hay que aprender dos sistemas totalmente diferentes.) Por último, la larga serpiente-como el fuelle son difíciles de controlar.

Debido a estas dificultades, la mayoría de los bandoneonistas (incluido el célebre Astor Piazzolla) tocan en su mayor parte sólo al abrir el fuelle, que utilizan un botón grande de aire para cerrar rápidamente el fuelle entre las frases, por lo que puede entonces comenzar la siguiente frase al abrir el fuelle de nuevo.

Sin embargo, no es así con Hugo Díaz, es considerado un maestro en el difícil arte de tocar el bandoneón, tanto en la apertura y cerrando el fuelle. Actualmente sólo hay unos pocos bandoneonistas en el mundo que se llevan esta tecnica a cabo en el presente, como Alejandro Barletta (el padre del bandoneón clásico) y su discípulo René Marino Rivero. Hugo Diaz, fallecio en 1998. Fuente Henry Doktorski.

jueves, 25 de febrero de 2010

Biagio Antonacci

Biagio AntonacciBiagio Antonacci

Biagio AntonacciBiagio Antonacci


Biagio Antonacci nació en Milán, Italia el nueve de noviembre de 1963. Creció en Rozzano, en la periferia de Milán. Cuando estudiaba la secundaria con sus amigos Marco, Mauro y Massimo formaron su primera banda llamada los “Falchi Junior” donde tocaba la bateria. Participo en 1988, entre las nuevas propuestas, en la 38sima edición del Festival di Sanremo con la canción Voglio vivere in un attimo (quiero vivir en un momento). Obtiene su primer contrato discográfico y en 1989 publica su primer álbum, Sono cose che capitano (son cosas que pasan), que no pasa inobservado gracias a la canción Fiore (Flores). Mayormente conocido por la interpretación que realizó con Laura Pausini en el concierto Grandes Éxitos en París. La canción utilizada para la aparición de Antonacci fue Tra Te e il mare ('Entre tú y el mar'), más conocida como «Entre tú y mil mares», que entusiasmó al público y a los intérpretes.

miércoles, 24 de febrero de 2010

A.V - Los tangos del siglo vol. 08



Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 37.3 Mb/Total time: 35:55
Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!

Ver Volumen 01 al 20 Col. Tangos del siglo

Tracks
01-Orquesta Juan D'Arienzo******La Puñalada-Instrumental
02-Atilio Stampone******Garras-Roberto Goyeneche
03-Orquesta Alfredo Malerba******Fruta amarga-Libertad Lamarque
04-Orquesta Osvaldo Fresedo******Como aquella princesa-Roberto Ray
05-Orquesta Pedro Laurenz******Amurado-Juan Carlos Casas
06-Cuatro guitarras, Bandoneon y Coro Femenino******Silencio-Carlos Gardel(Version 1933)
07-Orquesta Eduardo Arolas******Adios Buenos Aires-Instrumental
08-Orquesta Francisco Lomuto******Quiero verte una vez mas-Fernando Diaz
09-Orquesta Francini,Pontier******Tenemos que abrirnos-Julio Sosa
10-Guitarras de Jose Canet******Corazon de oro-Nelly Omar
11-Orquesta Carlos Di Sarli******Nada-Alberto Podesta
12-Orquesta Alfredo Gobbi******El andariego-Instrumental
13-Homero Exposito******Habla Homero Exposito
Bajar

martes, 23 de febrero de 2010

Herb Alpert & The Tijuana Brass

Herb Alpert & The Tijuana BrassHerb Alpert & The Tijuana Brass

Herb Alpert & The Tijuana BrassHerb Alpert & The Tijuana Brass


Herbert "Herb" Alpert (Los Ángeles, California, EEUU, 31 de marzo de 1935) es un trompetista y cantante estadounidense conocido por formar parte del grupo Herb Alpert & The Tijuana Brass, Herb Alpert's Tijuana Brass o simplemente TJB. También es famoso por ser un ejecutivo de la industria fonográfica -es la letra "A" de A&M Records, un sello de grabación fundado junto a Jerry Moss-.

Los logros musicales de Alpert incluyen cinco números uno, veintiocho álbumes en las listas de Billboard, ocho Premios Grammy, catorce discos de platino y quince discos de oro. En 1996, Alpert había vendido 72 millones de álbumes en todo el mundo.

Nacido en Los Angeles, California, Alpert empezó con lecciones de trompeta a los ocho años y de adolescente ya tocaba en bailes. Adquirió su primer magnetofón en la escuela secundaria y empezó a experimentar grabando con este equipo sencillo. Después de graduarse en la escuela secundaria de Fairfax en 1952, se unió al Ejército americano y actuaba frecuentemente en ceremonias militares. Después del servicio en el Ejército, Alpert probó suerte con actuaciones dramáticas, pero se acabó estableciendo en la carrera musical. Mientras asistía a la Universidad de California del Sur en los años cincuenta era miembro de la USC Banda de Marcha de Troya, durante dos años. Se graduó con BM en 1954.

En 1957, Alpert se asoció con Lou Adler, otro lírico del burgeoning, como autor de Keen Records. Varias canciones escritas o co-escritas por Alpert durante los siguientes dos años llegaron a los mejores puestos de los veinte mejores hits, incluyendo "Baby Talk" de Jan and Dean, "Mundo Maravilloso" por Sam Cooke, y "Alley-Oop" de The Hollywood Argyles por Dante y The Evergreens. En 1960, Alpert empezó su carrera de grabaciones como vocalista de RCA Records bajo el nombre de Dore Alpert, dónde grabó sus primeras canciones.

"Tell It To The Birds" se grabó como primera versión en el sello de Alpert & Moss, Carnival Records. Cuando Herb & Jerry se dieron cuenta de que ya estaba en uso la denominación Carnival, su sello se convirtió en A&M Records.


Alpert preparó un pequeño estudio de grabación en su garaje y dobló una melodía llamada "Twinkle Star", escrita por Sol Lake que escribiría las melodías originales del futuro Tijuana Brass. Durante una visita a Tijuana, México, Alpert escuchaba una banda de mariachis mientras asistía a una corrida de toros. En esta experiencia, Alpert se dio cuenta de que él estaba "inspirado para encontrar una manera de expresar musicalmente eso que él sentía mientras veía la respuesta exacerbada de la muchedumbre, y oìa a los músicos de metal introducir cada nuevo lance con una emotiva fanfarria ". Alpert adaptó el estilo de la trompeta a la melodía, mezclando los aplausos de la muchedumbre y otros sonidos para recrear ambiente, y renombró la canción: "The Lonely Bull". Pagó de su propio bolsillo la grabación del "sencillo", y la difundió a través de las radios DJ´s hasta que tuvo éxito y se convirtió en un Top Ten en 1962. Siguió rápidamente con su álbum de debut, The Lonely Bull por "Herb Alpert & the Tijuana Brass". La versión inicial de Tijuana Brass constaba de músicos de estudio. El corte del título alcanzó #6 en la Lista de Singles de Billboard. Éste también fue el primer álbum de A&M (el número original era 101), pero se grabó en Conway Records.

A finales de 1964, debido a la creciente demanda de actuaciones en directo de Tijuana Brass, Alpert hizo una audición y contrató un grupo de músicos. Nadie de la banda era realmente hispano (el propio Herb es judío). Alpert decía a su público que el grupo constaba de "tres pastramis, dos bagels y un queso americano": John Pisano -guitarra eléctrica-, Lou Pagani -piano-, Nick Ceroli -batería-, Pat Senatore -guitarra baja-, Tonni Kalash -trompeta-, Herb Alpert -trompeta y voces-, y Bob Edmondson -trombón-. La banda debutó en 1965 y rápidamente se convirtió en uno de los grupos más cotizados, que realizaba una completa interpretación que incluía coreografías y actuaciones cómicas escritas por Bill ("José Jiménez") Dana.

El éxito de Tijuana Brass ayudó a nacer a otros grupo latinos, Julius Wechter (el viejo amigo de Alpert y el marimbero para los Brass) y la Banda Baja Marimba, y las ganancias le permitieron a A&M empezar a contar con un repertorio de artistas como Chris Montez y The Sandpipers. Wechter también contribuyó en varias canciones originales de los Brass, normalmente al menos uno por álbum, junto con los de otros amigos de Alpert, Sol Lake y Ervan "Bud" Coleman.

Además, el estilo de Tijuana Brass también se adoptó en otras bandas americanas, Chicago y Earth, Wind & Fire. Ambas alcanzarían los mejores puestos en los hits de los setenta y en los primeros años ochenta.

Grababan un álbum o dos cada año a lo largo de los años sesenta. La banda de Alpert también era destacada en especiales de televisión, cada uno centrado en interpretaciones de las canciones de su último álbum -esencialmente los primeros "videoclips", hechos famosos después por MTV. El primer especial de Herb Alpert and the Tijuana Brass, patrocinado por el Singer Sewing Machine Company, se publicó el 24 de abril de 1967 en CBS.

El estilo de Alpert logró enorme popularidad con la difusión nacional que The Clark Gum Company dio a una de sus grabaciones en 1964, una versión de Sol Lake titulada "The Mexican Shuffle", qué se retituló "The Teaberry Shuffle" para anuncios de televisión. En 1965, Alpert grabó dos álbumes: Whipped Cream and Other Delights y Going Places. Whipped Cream vendió más de 6 millones de copias en los Estados Unidos. La portada del álbum es considerada un clásico. La modelo caracterizada Dolores Erickson lleva lo que aparentaba ser crema batida. En realidad, Erickson llevaba una manta blanca encima sobre la que se esparció, hábilmente colocada, crema de afeitar -la crema batida real se habría fundido bajo el calor de las luces del estudio-, aunque la crema de su cabeza es crema batida real. En los conciertos, cuando a Alpert le pedían la canción, decía "disculpen, no podemos tocar la portada para ustedes". La gracia fue parodiada por varios grupos incluso por Soul Asylum y por el cómico Pat Cooper para su Spaghetti Sauce and Other Delights. El single incluido en el título cortó, "Lollipops and Roses", and "A Taste of Honey". El último ganó un Premio Grammy para la Grabación del Año. Going Places ha producido cuatro singles más: "Tijuana Taxi", "Spanish Flea", "Third Man Theme", y "Zorba the Greek."

The Brass también interpretó la melodía de Bert Kaempfert "La Trompeta Feliz (The Happy Trumpet)" retitulándolo "Trompeta Mágica (Magic Trumpet)". La interpretación de Alpert contenía un compás que coincidía con otro de la melodía de la cerveza Schlitz, "cuando usted está fuera de Schlitz, está fuera de la cerveza". "La Melodía maltesa" era otra portada de Alpert de un original de Kaempfert. Otro uso comercial era una melodía llamada "El Garbanzo" que era destacado en algunos anuncios de Sunoco ("They're movin', they're movin', people in the know, they're movin' to Sunoco").

En 1967, the TJB hizo el tema principal de la película Casino Royale, compuesto por Burt Bacharach.

Muchas de las pistas de Whipped Cream and Going Places han tenido múltiples versiones, y aún se hacen; frecuentemente se usan como música ambiental en The Dating Game on the Game Show Network, especialmente los temas Whipped Cream, Spanish Flea y Lollipops and Roses.

Alpert and the Tijuana Brass ganaron seis premios de Grammy. Quince de sus álbumes ganaron discos de oro y catorce, discos de platino. En 1966, el Libro Guinness de Records Mundiales reconoció que H. Alpert logró un nuevo record poniendo cinco álbumes simultáneamente en el Billboard Pop Album Chart, un logro que nunca se ha repetido. En abril de ese año, cuatro de esos álbumes estaban simultáneamente en el Top 10.

La falta de profundidad en la desautorizada biografía y material histórico sobre Alpert es algo curioso dado lo que se ha escrito sobre los únicos tres artistas de la música que lo superaron en los años sesenta - Elvis Presley, Frank Sinatra, y the Beatles. Esto se explica quizás por la ausencia de actos violentos, dramáticos, o trágicos en su vida. Habían, sin embargo, cientos de artículos escritos sobre Alpert por prensa especializada, periódicos y revistas de música.

El único sencillo de Alpert que fue número uno durante este periodo (y el primer #1 corte de su sello A&M) era un solo: "Este Tipo Enamorado de Ti (This Guy's in Love with You)", escrito por Burt Bacharach y Hal David, ofreciendo un raro vocal. Alpert se lo dedicó a su primera esposa en un especial de Televisión CBS en 1968 titulado Beat of the Brass. La secuencia se grabó en la playa en Malibu. No se pensaba que la canción se volviese a emitir, pero después del especial, las miles de llamadas telefónicas a CBS preguntando por Herb convencieron al dueño del sello de Alpert para lanzarlo como single dos días después de que el show se emitiese. Las habilidades vocales de Alpert eran limitadas, pero esta canción tampoco tenía especiales requisitos y ello jugó a su favor. El single apareció en mayo de 1968, llegó a la cima en el ámbito nacional en cuatro semanas y estuvo en lo más alto entre los hits del año; inicialmente menospreciado por los críticos y los melómanos como un tema para amas de casa, la expresiva grabación de Alpert en "This Guy's in Love with You" se considera ahora como una de las baladas emblemáticas del pop. En 1996 en el Salón Festivo Real de Londres, Noel Gallagher, la banda Oasis de rock británico, realizó la canción con Burt Bacharach.

Alpert disolvió la Tijuana Brass en el año 1969, pero grabó otro álbum para el grupo en 1971. En 1973, con algunos de los miembros originales de Tijuana Brass y otros nuevos, formó un grupo llamado the T.J.B. Esta nueva formación de los Brass grabó dos álbumes en 1974 y 1975 e hizo algunas giras. Alpert recombinó una tercera etapa con The Brass en 1984 después de que le invitasen a actuar para los atletas de los juegos olímpicos en los Juegos de Verano de Los Angeles. La invitación llevó al álbum Bullish.

En los 1970s, '80s, and '90s, Alpert disfrutó de una triunfal carrera solista. Tenía su hit instrumental más grande, "Levantamiento (Rise)", del álbum del mismo nombre, que fue número uno en octubre de 1979 y ganó un Premio Grammy, y se probó después en 1997 canción de rap "Hipnotice" por el rapero difunto Notorious B.I.G. "Rise" también hizo a Alpert alcanzar el hit #1 en los singles Billboard pop charts con una pieza vocal and una pieza instrumental. La canción "Ruta 101 (Route 101)" extraída del álbum Fandango alcanzó el número 37 en Billboard en agosto de 1982. Alpert se bifurcó exitosamente al mundo de R&B con el hit del álbum Keep Your Eye On Me en 1987, asociándose con productores Jimmy Jam y Terry Lewis en "Diamantes (Diamonds)" y "Haciendo el amor En la Lluvia (Making Love In the Rain)" destacando vocales de Janet Jackson y Lisa Keith.

Desde 1962 hasta 1992 los artistas de Alpert firmaron para A&M Records y produjeron discos. Él descubrió la banda de la Costa Oriental We Five. Entre los artistas notables con quienes trabajó estuvieron Chris Montez, The Carpenters, Sergio Mendes and Brasil '66, Bill Medley, Lani Hall -la segunda y actual esposa de Alpert-, y Janet Jackson, la vocalista destacada en el hit single de 1987 "Diamantes (Diamonds)". Estas relaciones laborales le han permitido a Alpert volverse un único manager de artistas para llevar singles al Top 10 en por lo menos tres décadas diferentes ('60s, '70s, y '80s).

Alpert y su compañero Jerry Moss de A&M Records recibieron un Premio que Fideicomisarios de Grammy le otorgan en 1997 por sus continuos logros en la industria discográfica como ejecutivos y el Premio Grammy de Logro Perpetuo en 2007.

Por su contribución a la industria discográfica, Herb Alpert tiene una estrella en el Salón de la Fama de Hollywood en el Boulevard Hollywood 6929. También se instalaron Alpert y Musgo en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 13 de marzo de 2006 como no-actor los logros perpetuos de su trabajo en A&M.

Alpert continúa tocando su trompeta actualmente, pero también se dedica a su segunda carrera como pintor expresionista abstracto y escultor con las exposiciones alrededor de los Estados Unidos. También ha trabajado como productor del teatro de Broadway, con su producción de los Ángeles de Tony Kushner en América ganando un premio Tony.

En los años ochenta creó la Fundación Herb Alpert y los Premios Alpert de las Artes con El Instituto de California de las Artes (CalArts). La Fundación apoya juventud y educación de artes así como los problemas medioambientales y fondo de auxilios la serie de PBS "Bill Moyers en la Fe y Razón."

Ha mantenido los fondos para el grupo disidente cultural conocido como The Yesmen.

Aunque no ha lanzado un nuevo álbum desde 1999 "Herb Alpert and Colors", está controlando activamente la reedición de su biblioteca musical. En el 2000, Alpert adquirió los derechos de su música a Universal Music (los dueños actuales de A&M Records), en un pago legal y empezó la remasterización de sus álbumes para la reedición de sus discos compactos. En 2005, Shout! Factory empezó distribuyendo versiones del remasterizado de A&M de Alpert digitalmente, incluso un nuevo álbum, los Tesoros Perdidos (Lost Treasures), constando de material no grabado de los años de metal de Tijuana de Alpert. En la primavera de 2006, una versión del remixed del álbum Whipped Cream, titulado Whipped Cream and Other Delights: Re-Whipped se grabó y subió al #5 en la Lista de Billboard Contemporary Jazz.

Continúa siendo artista invitado para los amigos como Gato Barbieri, Rita Coolidge, Jim Brickman, Brian Culbertson y David Lanz.

Sus canciones han estado en varios shows de TV como Saturday Night Live.

Alpert también se acreditó con un papel secundario en el video musical de Beastie Boys, "Ch-Check It Out," aunque él no aparecía.

Aparte de las reediciones, el Álbum de Navidad (Christmas Album) continúa estando disponible todos los años durante la época navideña.

Ha donado $30,000,000 a UCLA, fundando la Herb Alpert Escuela de Música, y $24,000,000 (incluidos $15M en el 2008 de abril) al Instituto de California de las Artes (CALARTS) para su programa de música. Fuente Wikipedia

lunes, 22 de febrero de 2010

Carlos Buono

Carlos Buono en ItaliaCarlos Buono en Italia

Carlos BuonoCarlos Buono


CARLOS BUONO,
Bandoneonista, compositor y arreglador, ha sido Director Musical de los centros de tango más importantes de Buenos Aires; entre otros MICHELANGELO, VIEJO ALMACEN, SABOR A TANGO, CAÑO 14, y actualmente en el PIAZZOLLA TANGO.

A sus actuaciones en cine (PLATA QUEMADA, UN TAL FUNES, EVITA) a sumado la Dirección musical y arreglos en producciones discográficas de Raúl LAVIE, Roberto GOYENECHE, Adriana VARELA, Luis CARDEI, Omar MOLLO y Liliana BARRIOS.

Ex integrante de grupos orquestales como Alfredo GOBBI, Mariano MORES, Horacio SALGAN, Osvaldo TARANTINO, Osvaldo BERLINGHIERI y solista de Atilio STAMPONE, su experiencia se traduce en sus
composiciones publicadaspor WARNER, EDITORIAL PERROTI Y EMI MELOGRAF S.A., siendo sus CD editados actualmente por MELOPEA (Argentina), VICTOR (Japón), MOVIE PLAY (Brasil), ABRIL (Brasil),
NUEVOS MEDIOS (España), y BLUE MIX (Italia).


RESUMEN DE GIRAS

CON SU GRUPO ORQUESTAL
Venezuela, Japón, EE.UU, Brasil, España, Italia, Puerto Rico, Bolivia, Colombia, Ecuador, Chile.

CON HORACIO SALGAN
Japón

CON MARIANO MORES
Italia, Holanda, Israel, EE.UU, Ecuador, Uruguay, Chile, Perú, Costa Rica, Colombia, Venezuela, Panamá, México.

CON ATILIO STAMPONE
El Salvador, Nicaragua, Chile, Costa Rica, Panamá, México, España, EE.UU, Canadá, Portugal.

CON JULIO BOCA
EE.UU

CON LIBERTAD LAMARQUE (Director Musical)
Brasil, España, Puerto Rico

CON RAÚL LAVIE (Director Musical)
Chile, Paraguay, EE.UU, Turkmenistán, Uruguay, Holanda, Bolivia.

CON NELIDA Y NELSON (Director Musical)
Brasil

CON RICARDO Y NICOLE (Director Musical)
Turkmenistán, Uruguay

CON LITTO NEBBIA
Brasil

CON OSVALDO REQUENA
España, Portugal

CON OSVALDO ZOTTO Y MILENA PLEBS (Tango X2)
EE.UU

SOLISTA
Suecia, Dinamarca, Alemania, Italia

CON SANDRA LUNA
Holanda, Bélgica

ACTUACIONES DESTADACAS

- Solista SINFÓNICA NACIONAL junto a Atilio STAMPONE y Julio BOCCA con la dirección de P. I. Calderón
- Solista para EUROVISION junto a Fernando SUAREZ PAZ
- Solista en el NEW JERSEY PERFORMING ART CENTER, junto a Chita Rivera, American Ballet, la LINCON CENTER JAZZ con Wynton MARSALIS y el ALVIN AILEY AMERICAN DANCE
- Solista Orquesta Estable TEATRO ARGENTINO LA PLATA
- Con su Quinteto ha realizado ciclos en el CENTRO CULTURAL BORGES, CLUB DEL VINO y MOLIERE CAFÉ CONCERT
- Actuaciones como bandoneón solista con la RUNDFUNK ORCHESTER de la WDR (Radio TV Alemana)
- PRIMER PREMIO en la Música Original en el FESTIVAL de Super 8mm de Brasil
- Solista en el TEATRO NAZIONALE DE LA OPERA DE ROMA, en cinco recitales bajo la Dirección del Maestro Luis BACALOV
- Solista en ALEMANIA dirigido por el Maestro SCHMIDT GERTENBACH junto a la CAMERATA ROMANA
- Director Musical del Espectáculo Internacional “Una noche en Buenos Aires” para POLADIAN PRODUCCIONES

PRENSA

“La música del Maestro CARLOS BUONO es un recorrido por el alma urbana”
(CLARÍN ESPECTÁCULO)

“BUONO sintetiza exterioridad y dramatismo gracias a una clara eficacia emotiva. Puede pasar sin sobresaltos de Gardel a Piazzolla” (EL CRONISTA)

“BUONO se luce junto a su grupo dando el marco musical perfecto al show” (LA MAGA)

“El sexteto de BUONO viste al show de melancolía, con su talentoso estilo musical” (CLARÍN REVISTA)

“Hoy debiera haber grupos tan sólidos y libres como el bandoneonista CARLOS BUONO” (LA NACIÓN)

“CARLOS BUONO abarca las gamas del sentimiento. Va desde la ternura y lirismo hasta la fuerza dramática del Tango. BUONO parece alcanzar una estrella con cada nota arrancada a su bandoneón” (ALEXANDER AGRELL – SYDSVENSLAN- SUECIA)

“CARLOS BUONO reafirma su sabia técnica, logrando en una mágica alegoría ser un fueye alado registrando los secretos de la ciudad. Su fraseo profundo y tierno nos patetiza los sufrimientos diarios de los ciudadanos que la poblamos” (E. BALDUZZIO – Comentario sobre su CD “De tangos, fueyes y cuerdas”

“CUANDO ME VISTO DE NEGRO, tango de BUONO, es una rotunda afirmación tanguera, plena de orgullo y entrega. En su estilo parecen mezclarse TROILO y PIAZZOLLA”
(JULIO NUDLER – Comentario sobre su CD “Cuando me visto de negro”)


"Un grupo dirigido y liderado por el bandoneonista CARLOS BUONO cumplió lúcidamente su presentación. El espectáculo de BUONO y los suyos el público disfrutó con avidez y grandes aplausos. Fue una presentación impecable, gracias a una muy bien planificada Dirección, que logró una coordinación total de la música" (LA TERCERA - CHILE) Fuente web de Carlos Buono

Astor Piazzolla

Astor PiazzollaAstor Piazzolla


Astor PiazzollaAstor Piazzolla


Astor Piazzolla en 1979Astor Piazzolla en 1979



Astor PiazzollaAstor Piazzolla

Astor Piazzolla con Carlos Gardel Astor Piazzolla con Carlos Gardel
Astor Piazzolla en 1934, interpreta un pequeño papel de canillita en las escenas iniciales de El Día que me Quieras. Película Paramount protagonizada por Carlos Gardel.Con ellos en la foto Tito Lusiardo.


Astor Piazzolla
Astor Piazzolla tocando el bandoneon

Astor Piazzolla
Astor Piazzolla Orquesta
Astor Piazzolla dirigiendo la Orquesta de Francisco Florentino en Radio El Mundo, 1944.
De izquierda a derecha, parados: Florentino; Ernesto Gianni (violin); Pepe Díaz (bajo); Hugo Baralis (primer violin); Carlos Figari (piano); Juan Bibiloni (violin) y Osear Lucero (violin). Sentados: Ángel Genta (bandoneón); Roberto Di Filippo (bandoneón); Astor Piazzolla (primer bandoneón, arreglador y director musical); Fernando Tell(bandoneón) y Ángel Molo(cello).


Astor Piazzolla
Orquesta de Anibal Troilo en el año 1940.
De izquierda a derecha: de pie Hugo Baralis, Florentino, Julio Jorge Nelson (animador); David Díaz (primer violín); sentados: Piazzolla, Toto Rodríguez, Troilo, Marino y Marquitos Troilo. Sentado al piano, Orlando Goñi. No aparecen en la foto Nichele y Sapochnik (violines).

Astor Piazzolla Anuncio periodístico de la actuación de Astor Piazzolla dirigiendo la orquesta estable de Radio Splendid, conias voces de Nilda Marino y Fontán Luna, 1952.

Astor PiazzollaSeñalado con una cruz blanca, aparece Astor Piazzolla al terminar su tercer año secundario enMar del plata.

Astor Piazzolla
Astor Piazzolla de adolecente tocando el bandoneon



Astor Piazzolla
Astor Piazzolla con sus padres Vicente y Asunta, en Mar del Plata, 1936.



Astor Piazzolla
A su regreso de Norteamérica, Astor Piazzolla dirige su orquesta de cuerdas en Canal 9.A la derecha, Horacio Malvicino.


Astor Piazzolla
Astor Píazzolla y Horacio Ferrer, en el "Túnel deTango" de Michelángelo. Octubre de 1969


Astor Piazzolla
El Octeto Buenos Aires en 1956 (Canal 7). De iz-quierda a derecha: Stampone, Nicolini, Baralis, Fe-derico, Piazzolla, Bragato, Francini y Malvicino


PIAZZOLLA, Astor. (Nombre de familia: Astor Pantaleón Piazzolla Manetti). Músico. Bandoneon/sta. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. 11 de marzo de 1921 – 4 de julio de 1992

1. Ubicación.
Sin distinciónde épocas o de tendencias, es el músico más completo, el artista más discutido y en suma una de las personalidades más originales del tango, identificado hasta convertirse en el mayor creador de la música argentina con proyección americana y mundial. Por sensibilidad desde sus comienzos con la línea evolucionista junto a cuyos mejores hombres hizo su fogueo tanguístico, surgió en la primera línea de la Generación de 1940 para encabezar por último la siguiente, ya en la plenitud de sus facultades creadoras como la mayor figura de su tiempo.
Su obra en conjunto constituye un nuevo estilo musical rioplatense, de contenido revolucionario que enraizado espiritualmen fe a las esencias temperamentales y a las formas del tango evolucionista desarrolló otras—inspiradas en ellas o totalmente originales— sirviéndose con preferencia de los recursos de la música occidental moderna.
Este estilo así perfilado abarca tres campos de la música instrumental —composición, arreglo e interpretación— en recíproca y estrecha vinculación.

2. El compositor,
a) Obra corta. Procede de la tendencia que iniciada por Cobián, Bardi, Delfino, Arólas y Francisco y Julio De Caro se continúa luego en lo cantable con Demare, Mora, Pichuco, y en lo orquestal con Laurenz, Pugliese, Pascual y Gobbi. Su renovación en esa tesitura se insinuó con tres tangos melódicos—Se fue sin decirme adiós, Pigmalión y El cielo en las manos— y otros tres para orquesta: El desbande, Villeguita y Se armó, todos compuestos entre 1945 y 1950. Fueron éstos antesala de seis páginas instrumentales en (as que su novedad cobró definitiva trascendencia: Para lucirse (1950), Prepárense (1951), Contratiempo (1952), Triunfal (1953), y Contrabajeando y Lo que vendrá (1954). En las largas frases ligadas de raro dibujo, en sus vigorosos e inesperados temas rítmicos tanto como en el tratamiento que dio a las mismas, debe ubicarse el verdadero punto de partida de su estilo. Sin embargo en estos tangos como en -otros que los seguirían, se avino a los cánones de estructura tradicionales (dos partes de dieciséis compases cada una); en ocasiones con una primera rítmica y una segunda melódica en constante juego de contrastes como en los citados y en Marrón y azul; Revirado; Nortino; Adiós, Nonino; Melancólico Buenos Aires; Tango del ángel; Bando; Verano porteño; A Osear Peterson; Sens Unique; Quinto año nacional; Contrastes; Decarísímo; Bandoneón, guitarra y bajo; Al compás de los tamangos; Picasso; S.V.P.; Calambre; Nuevo mundo; Chau, París; Otoño Porteño; Kicho; Primavera porteña. En otras ocasiones optó por dos partes de curso melódico con reminiscencias de tango romanza—Río Sena—, con forma de tango para cantar —La misma
pena, Fugitiva, La última grela, El Gordo triste, Balada para mi muerte, La bicicleta blanca, Balada para un loco, Vamos Nina, Preludio para el año 3001, todos de línea renovadora. Por el contrario Tanguísimo, Fracanapa, El boletín, Buenos Aires hora cero, Los poseídos, son composiciones de corte acanyengado y esencia bien milonga, en los cuales empleó un breve diseño de ritmo en amplio desarrollo, evidenciando la gravitación que en ciertas facetas de su obra ha ejercido Osvaldo Pugliese.

b) Obra larga. Desde 1943, con Suite para cuerdas y arpa intentó paralelamente a su labor en el tango muchas composiciones plasmadas conforme a normas estructurales europeas (obertura, sonata, suite, rapsodia), en las que fue introduciendo paulatinamente elementos rítmicos, melódicos y armónicos de tango a partir de Rapsodia porteña (1948). Esta segunda línea suya culminó con Buenos Aires (tres movimientos sinfónicos, 1951), Tango dramático (para trece instrumentos, 1953) y Sinfonietta (para orquesta de cámara, 1953). Sin embargo un consejo de Nadia Boulanger su maestra de composición en París le indujo a invertir ese modo de invención, esto es: en vez de incorporar tango a las formas de mayor aliento para que éstas fueran interpretadas por conjuntos sinfónicos o por ejecutantes de concierto, poner su capacitación técnica y su imaginación para éstas al servicio de lo popular. Desde entonces compuso para alternarlas en repertorio de intérprete con las piezas breves o de canon tradicional, varias obras largas o de mayor elaboración, Tres minutos con la realidad (para orquesta de cuerdas, celesta y bandoneón solista), Tango ballet (para octeto, 1956), Hombre de la esquina rosada (para doce instrumentos, recitante y solista de canto, 1960), Tango para una ciudad (1961) Serie del ángel (1962), Serie del diablo (1965), Retrato de Alfredo Gobbi (1966), La mufa (1966) —todas para quinteto— Oda íntima a Buenos Aires (para gran orquesta, recitante y solista de canto, 1965), Concierto para Quinteto (1970), Tangata (1969). Extendió también esos conceptos al tratamiento de los elementos de la milonga en tres obras, especialmente Milonga del Ángel (1964), Romance del Diablo (1965), las dos instrumentales y para quinteto, A Don Nicanor Paredes (para gran orquesta y canto), Te quiero, che, Preludio para la Cruz del Sur, Milonga en Ay menor, Los Paraguas de Buenos Aires (1968-1973). En 1963 compuso Serie de tangos para orquesta, única entre sus obras en la cual siguiendo su línea habitual de concepción prescindió de sí mismo como intérprete y contemplando la ejecución de la misma en otros medios musicales, reprodujo la naturaleza tímbrica del bandoneón mediante un adecuado tratamiento de las cañas. En 1968 compuso la operita María de Buenos Aires, para recitante, cantantes femenino y masculino y once instrumentos. Estrenada en mayo de 1968 en el Teatro Planeta de Buenos Aires, desarrollada conforme a una estructura de cantata en dos actos de ocho cuadros cada uno, esta obra de su madurez involucra un verdadero alarde de síntesis operado sobre su propio estilo. Encadenamiento de poemas, cantables y música instrumental, María de Buenos Aires le dio ocasión de recoger y de recrear en una sola composición extensa y orgánica las más diversas formas populares del área musical y poética rioplatense.


3. El arreglador y el director. Tanto en la invención del arreglo como en la dirección de la orquesta, su estilo se gestó y fue siempre sensible a la influencia de cinco figuras capitales surgidas de la escuela de De Caro: de Alfredo Gobbi, Orlando Goñi y Osvaldo Pugliese recibió muchos elementos de ritmo, de acentuación —muy especialmente— de acompañamiento, de percusión, y sobremanera la gran tensión emocional del tango milonguero. Ciertos principios de sonoridad, de fraseo y de matizado los heredó de su afinidad con Elvino Vardaro y con Aníbal Troilo, junto a quien se desempeñó como ejecutante y como arreglador y cuya directa gravitación evidenció en su primera orquesta propia. En ésta por encima de ciertos encantadores abusos de escritura, destelló inconfundible ya una originalidad que quedó testimoniada en realizaciones como Taconeando, Orgullo criollo, Chiclana, Villeguita y Se armó (discos Odeón, 1946- 1949) y Triste (disco T.K., 1951). Fue sin embargo la rápida evolución de sus composiciones —tan íntimamente asociadas al arreglo, en el caso suyo— la que lo puso en la necesidad de romper con el canon tradicional de la orquesta típica. Conservando de ésta el cimiento tímbrico (bandoneón, piano, cuerda) buscó otros horizontes instrumentales, a saber: orquesta de cuerdas con bandoneón solista y gran orquesta, entre las combinaciones numerosas; entre las reducidas: octeto y quinteto. Procurando colores y sonoridades nuevas añadió conforme a sus necesidades de expresión, arpa, flauta, picólo, instrumentinos, vibráfono, campanelfi, celesta y otros instrumentos de percusión, y luego de 1973, sintetizador otros instrumentos electrónicos; coros vocales —solamente en algunas ocasiones— y en todas, guitarra americana. En la escritura para dichas formaciones fue incorporando desde 1955 paulatinamente ciertos recursos del jazz— "cool" y "progresivo" por vía de Evans, Mulligan, Tristano y Schearing —y de la música europea: Stravinsky, Bach—(escritura canónica, armonía moderna, polirritmia, politonalismo, empleo de compases irregulares, de temas fugados), con un instinto de síntesis creadora que fue dando frutos originales al compás de su propio avance hacia la madurez espiritual. Su concepción del arreglo se fue liberando de las normas convencionales del tango clásico, para entrelazar la exposición de los temas naturales con una sucesiva reaparición variada de los mismos, en la que cobró fundamental importancia la nueva dimensión que concedió a los solos en un constante diálogo con la idea central de la obra. Sobre la base de estos conceptos de elaboración musical interpretó con alta calidad el repertorio de otros compositores: Negracha y Recuerdo, de Pugliese; La revancha, de Laurenz; En las sombras, de Mora; Pampero, de Fresedo; Loca bohemia, de Francisco De Caro (con orquesta de cuerdas); Arrabal, de José Pascual; Tierra querida, de Julio De Caro; Tema otoñal, de Enrique Francini (con el Octeto Buenos Aires); Ciudad triste, de Osvaldo Tarantino, y Sideral, de Emilio Balcarce (con su Nuevo Octeto); Los mareados, de Juan Carlos Cobián; Redención, de Al-fredo Gobbi; El arranque, de Julio De Caro; Chiqué, de Ricardo Brignolo (con su quinteto Nuevo Tango); aunque en otros casos como ocurre con todo estilo interpretativo muy ensimismado, lo que los temas originales inspiraron a su inventiva desbordaron, transfiguraron, "apiazzollaron" y llegaron a desvirtuar ese motivo ajeno. La plenitud de su personalidad de intérprete afloró nítida ypura en la interpretación de su propia composición con puntos culminantes en Lo que vendrá; Chau, París; Melancólico Buenos Aires; Marrón y azul; Tres minutos con la realidad; Nonino; Río Sena y Tango del ángel, entre las versiones de la orquesta de cuerdas. Tango ballet, con el Octeto Buenos Aires; Triunfal, Adiós, Nonino, Decarísimo, Tango para una ciudad, Éxtasis, Tanguísimo, Buenos Aires hora cero, Bandoneón, guitarra y bajo, Fracanapa, Lunfardo, Verano porteño, Otoño porteño, Primavera porteña, Resurrección del ángel, Milonga del ángel, Retrato de Alfredo Gobbi, Serie del diablo y La mufa, con su quinteto. Vardarito, Onda 9, Oda para un hippie, Tristezas de un doble A, con el Conjunto 9; Años de soledad (en sus actuaciones con Mulligan; Líbertango y 500 motivaciones.


4. El director y el ejecutante. La proyección de su estilo a la dirección orquestal arranca de su personalidad de compositor, de arreglador y de intérprete y surge, esencializada —en último examen— en su inconfundible manera de dividir rítmicamente y de acentuar la frase musical Excepción hecha de algunas tareas de dirección en las que su propensión a los tiempos de ejecución demasiado rápidos o excesivamente lentos perjudicó el valor integral de la misma, ha revelado en lo temperamental el aplomo y las actitudes de "caudillo" que exige su cometido; tanto en el concepto más romántico de las agrupaciones de cuerdas como en la naturaleza más canyengue del octeto, particularmente en la síntesis de toda una gama emocional de tango que involucra su quinteto y su Conjunto 9. Esencialmente vinculado a esa faceta perfiló su modalidad de ejecutante del bandoneón. Definida ésta al comienzo en todo cuanto representa como vértice espiritual capaz de arrastrar y de contagiar una manera de sentir a toda la orquesta, así como en la forma de decir y de cantar el tema, su bandoneón fue al comienzo hijo del de Troilo. De la combinación de ese origen con sus nuevas ideas melódicas, armónicas y rítmicas, fue plasmando una también independiente personalidad bandoneonística de inconfundibles latitudes de dominio, de sonido y de fraseo, y un profundo sentido dramático de la interpretación, como lo ilustran sus largos solos ligados de profundidad conmovedora en Adiós Nonino, La mufa, Romance del diablo, o sus solos de diversa y rica inspiración en Lunfardo, Decarísimo, Berretín, Ciudad triste, Melancólico Buenos Aires, Verano porteño, Zurdo, Tristezas de un doble A, María de Buenos Aires, Panta y Georgie, que lo colocan lejos a la cabeza de los ejecutantes de su tiempo. Como intérprete de bandoneón solo, ha compartido con un selectísimo grupo de ejecutantes encabezado por Armando Blasco y Leopoldo Federico la primera línea de esta compleja y exclusiva forma de expresión del tango, dentro de un modo dominalmente melódico —que es el que mejor se aviene a la misma—. Mi refugio, Margarita Gauthier, La casita de mis viejos, En las sombras, Divina y Flores negras se cuentan entre sus creaciones más representativas de este aspecto (Disco Victor, 1970).


5. Influencia. En todas las facetas que han concurrido a definir su estilo, ejerció una vastísima influencia que alcanzó a muchos hombres de su propia hornada y de manera particularmente dominante a los de las generaciones de 1940 y 1955. Entre ellos: Atilio Stampone, Leopoldo Federico, Osvaldo Manzi, Eduardo Rovira, Alberto Caracciolo, Osvaldo Tarantino, Julián Plaza, Roberto Pansera, Osvaldo Requena, Ornar Luppi, Oldimar Cáceres, Osvaldo Montes, Manuel Guardia, Diño Saluzzi, Ariel Martínez, Horacio Valente, Raúl Garello, Juan Carlos Cirigliano, Federico García Vigil, Rodolfo Mederos y Osvaldo Piro. 6. Biografía. Nació el martes 11 de marzo de
1921 en Mar del Plata, hijo de Vicente Piazzolla y de Asunta Manetti quienes en 1924 se radicaron en Nueva York llevándolo con ellos. En 1929 su padre —que fue acordeonista de afición y sentía verdadero gusto por la música y por el tango— le compró un bandoneón que aprendió con la ayuda de un italiano y de Andrés D'Aquila. En 1930 volvió con su familia a Mar del Plata donde el bandoneonista Libero Pauloni le perfeccionó en el instrumento. En octubre del mismo año regresaron a Estados Unidos; continuó entonces su formación ahora bajo el cuidado de Terig Tucci y de Bela Wilda, un húngaro que había sido discípulo de Rachmaninof. En aquella época —corría 1932 —debutó en público tocando en un festival que se realizó en el New School Auditorium de la calle 12; compuso su primer tango que tituló Paso a paso hacia la 42, y que su padre rebautizó La catinga; comenzó a admirar a Julio De Caro a través de los discos y se relacionó con Carlos Gardel a quien secundó como músico
y como circunstancial actor en la película El Día que me Quieras. Sus primeras actuaciones en orquesta tuvieron lugar en 1936, ya de regreso definitivamente a Mar del Plata, integrando el Quinteto Azul y otros conjuntos locales y dirigiendo su propio grupo de músicos para emular el estilo del sexteto de Elvino Vardaro, cuyas ejecuciones seguía por radio. Al llegar 1938 con la ayuda de su padre, se radicó en Buenos Aires donde se desempeñó como ejecutante en las orquestas de Miguel Caló, Francisco Lauro y Gabriel Clausi, ingresando, por último a la de Aníbal Troilo.
Cumplió en ésta además tareas de arreglador, mientras cursaba estudios de diversas disciplinas musicales con Alberto Ginastera, y de piano con Spivak. En 1944 se desvinculó de Pichuco, encabezando y arreglando la orquesta de acompañamiento del cantor Francisco Fiorentino, grabando desde Corrientes y Esmeralda sus versiones para la casa Odeón, empresa a la que siguió contratado desde 1945 hasta 1949 cuando se erigió por vez primera en director independiente; registró en ese lapso dieciséis discos, el primero de los cuales se compuso de El recodo y Sólo se quiere una vez. Aldo Campoamor, Héctor Insúa y Fontán Luna fueron sus principales vocalistas y Hugo Baralis (violín). Atilio Stampone y Carlos Figari, sucesivamente (piano); Pepe Díaz y Valentín Andreotta (bajo) sus primeros atriles. Con dicho conjunto actuó en la película El Hombre del Sábado (1947) y a partir de Con los Mismos Colores (1949), Bólidos de Acero y El Cielo en las Manos se vinculó al cine como músico, actividad en la que fue luego repetidamente premiado. Ya entonces disuelta su orquesta típica se consagró a instrumentar para otros directores —Basso, Caló, Francini-Pontier, muy especialmente Troilo— y para la editorial Korn que difundió como aquéllos los nuevos conceptos orquestales que proponía su primera serie de tangos avanzados Para lucirse, Prepárense, etc. Durante este período 1950 a 1955 no actuó virtualmente como director excepción hecha de cuatro fases grabadas en 1951 para T.K., y de un ciclo en que condujo a la agrupación estable de Radio Splendid con Nilda Marina Marino y Fontán Luna en vocales. Distinguido por el Circulo de la Crítica de Buenos Aires y con el Premio Fabián Sevitzky por sus obras sinfónicas y de cámara, viajó en 1954 Francia merced a una beca que le concedió el Conservatorio de París pero de la cual no hizo uso, cursando en cambio estudios de composición con Nadia Boulanger, maestra cuya influencia resultó decisiva para su orientación posterior. Formó en París exclusivamente para grabaciones, una orquesta de cuerdas integrada por elementos franceses; Lalo Schiffrin primero y luego Martial Solal al piano, y su bandoneón solista. Registró dieciséis interpretaciones para los sellos Vogue, Festival y Barclay en la mayor parte sobre composiciones propias. Con una formación idéntica actuó desde su regreso en 1955 y hasta 1958, en Buenos Aires, en radio (recitales y discos T.K., Odeón y Music-Hall), y en Montevideo en radio y discos Antar Telefunken. Cumplió toda esta labor con su orquesta de cuerdas (en la que le acompañaron como solistas Hugo Baralis, Elvino Vardaro, Jaime Gosis, Hamlet Greco, Juan A. Vasallo, José Bragato y Jorge Sobral) con su intervención protagónica en el Octeto Buenos Aires, conjunto que gestó, integró y arregló inspirado en las
agrupaciones de solistas de jazz moderno escuchadas en París, con el cual grabó para las empresas fonográficas Allegro y Disc-Jockey, ofreciendo recitales en la Facultad de Derecho de Buenos Aires y en la Sala Verdi de Montevideo. Desde 1958 hasta 1960 vivió en Nueva York donde trabajó como arreglador de diversos géneros, dirigió su orquesta en el Waldorf Astoria y en los discos Roulette, grabando además con quinteto para Ti-Co composiciones propias y temas clásicos de jazz, bajo la denominación genérica de Jazz-Tango (J.T.), por exigencias comerciales del medio. En 1960 cuando su regreso de Estados Unidos, reconstituyó la agrupación numerosa de cuerdas para establecerse más tarde con su quinteto Nuevo Tango (bandoneón, piano, violín, guitarra americana, bajo) y solistas: Elvino Vardaro, Antonio Agri, Horacio Malvicino, Osear López Ruiz, "Kicho" Díaz, Jaime Gosis y los vocalistas Nelly Vázquez y Héctor de Rosas. Tocó en radio, televisión y en conciertos en los teatros San Martín y El Altillo de Buenos Aires, Solís y Sodre de Montevideo y en los clubes noc- turnos 676, La Noche, Gotán y Berretín. En 1964 para Philips grabó con diversas formaciones (orquesta típica, orquesta de cuerdas, octeto y quinteto) una retrospectiva de su obra de intérprete y de compositor, denominada "20 Años de Vanguardia con sus Conjuntos", a la vez que debutaba en La Noche de la calle Tucumán con una nueva agrupación de ocho ejecutantes: Jaime Gosis (piano), Antonio Agri (violín), Osear López Ruiz (guitarra), Jorge Bragato (cello), "Kicho" Díaz (bajo), Leo Jacobson (percusin), Jorge Barone (flauta) y él (bandoneón), con Héctor de Rosas en vocales. Con este nuevo octeto registró para CBS otro larga duración en el que fueron invitadas las voces de Alfredo Alcón, para decir un poema de su hija Diana Piazzolla con música suya, Réquiem para un Malandra, y el novelista Ernesto Sábato que dijo: Introducción a Héroes y Tumbas, fragmento de una obra musicalizada que no fue concluida. Sobre textos y poemas de Jorge Luis Borges, con Edmundo Rivero(canto) y Luis Medina Castro (recitante) abordó otra producción fonográfica para Philips: El Tango, que llevó en una faz una versión musicalizada del relato Hombre de la Esquina Rosada y en la otra, el poema El Tango y Oda Intima a Buenos Aires, Jacinto Chiclana, Don Nicanor Paredes y otras canciones. El 25 de mayo de 1965 volvió por cuarta vez a América del Norte, para ofrecer un concierto en el Philarmonic Hall, del Lincoln Center de Nueva York época en la que compuso Serie del Angel y Serie del Diablo, grabadas con su quinteto. Desde 1966 —siempre para Phonogram— comenzó La Historia del Tango, visión cronológica y orgánica, con arreglos e interpretaciones de su orquesta de cuerdas con bandoneón solista, de cincuenta años de composiciones tanguistas —programada originalmente en cuatro volúmenes: La Guardia Vieja, La Época Romántica, El Cuarenta y Los Contemporáneos, de los cuales solamente salieron los dos primeros a la venta, apareciendo algunos temas del tercero en discos combinados con otros intérpretes. En 1967 comenzó su colaboración con Horacio Ferrer en las obras con letra: la primera fue la operita María de Buenos Aires estrenada el 8 de mayo del siguiente año en la Sala Planeta, con Amelita Baltar, Héctor de Rosas y los autores como solistas y una agrupación de once músicos. Con esa misma formación llegó al disco Trova en 1968, temporada a la que pertenecen —también— Chiquilín de Bachín (vals), los tangos La última greia, Juaníto Laguna ayuda a su madre y Milonga en Ay Menor. En 1969 fue editado el libro de ensayo sobre su vida y su obra Con Piazzolla (editorial Galerna) de Alberto Speratti, mientras —en ese mismo año— dio a conocer Tangata (Silfo y Ondina), Otoño Porteño, Coral (para la obra Pedro Amor, de Alicia Ghiragossian), y Michelángelo (reunidas en L.P. Trova); escribió su composición sinfónica Tangazo y la música para la película del pintor Carlos Páez Vilaró Pulsaciones que registró en Trova con el siguiente conjunto: Dante Amicarelli (piano); Antonio Agri y Hugo Baralis (violines); Simón Zlotnik (viola); José Bragato (cello); "Kicho" Díaz(bajo); Cacho Tirao (guitarra eléctrica); José Corríale (percusión); Arturo Schneider como solista de saxo y flauta, y él en bandoneón. Desde la inauguración de Michelángelo en mayo de 1969 actuó en dicho local de San Telmo con su quinteto, Amelita Baltar y Héctor de Rosas, escenario donde dio a conocer la nueva serie de tangos cantados escritos por Horacio Ferrer: Bajada para mi muerte, Balada para él y Balada para un loco, tema éste que perdió la final del Primer Festival Iberoamericano de la Canción y de la Danza, realizado en el Luna Park y organizado por la Municipalidad de Buenos Aires. En el verano de 1970 actuó en Mar del Plata, compartiendo el cartel de Re-Fa-Si de la Avenida Luro con Aníbal Troilo, reencuentro del que surgieron las grabaciones a dos bandoneones con Pichuco realizadas ese mismo año para RCA Victor: El motivo y Volver. Para esta casa grabadora hizo en esa temporada la versión en vivo de sus recitales en el Teatro Regina que iniciados a fines del año anterior continuaron con el estreno de los temas instrumentales Primavera porteña e Invierno Porteño (que completaron la serie Las Estaciones) y de otra serie de cantables: Preludio para el año 3001, Preludio para la Cruz del Sur y Preludio para un canillita, compuestos con Horacio Ferrer, con quien—también para RCA— grabó un larga duración de recitados y bandoneón solo con las obras de ambos. Paralelamente grabó Concierto para Quinteto, seis solos de bandoneón sobre tangos de Mora, Cobián y Francisco De Caro, y Recuerdos de bohemia, arreglado para cuatro bandoneones y grabado con la colaboración de Leopoldo Federico, Antonio Ríos y Rodolfo Mederos (disco Victor); escribió la música para la película Con Alma y Vida de David Kohon, por la que recibió el Primer Premio
discernido por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina y otra serie de canciones con Horacio Ferrer: La bicicleta blanca, Te quiero, che y Canción de las Venusinas que juntamente con Fábula para Gardel, compusieron parte del repertorio del segundo volumen. Amelita Baltar interpreta a Piazzolla y Ferrer, grabando para CBS. Durante 1976 con Antonio Agri, Cacho Tirao, "Kicho" Díaz y Osvaldo Manzi como solistas instrumentales, con Amelita Baltar (canto) y Horacio Ferrer (recitados) realizó conciertos en Rosario, Santa Fe y Montevideo, y en el verano de 1971 en Michelángelo de Mar del Plata, viajando ese año con los dos últimos a Europa, desde marzo a agosto con presentaciones en la RAÍ de Italia, escribiendo con Horacio Ferrer y por encargo de la TV de Alemania el oratorio popular El Pueblo Joven, y a su regreso los tangos Vamos Nina, El gordo triste y la milonga Los Paraguas de Buenos Aires. Formó entonces su nueva agrupación, el Conjunto 9 con Osvaldo Manzi (piano); Antonio Agr¡ y Hugo Baralis (violines); Néstor Paniz (viola); José Bragato(cello); Osear López Ruiz (guitarra eléctrica); "Kicho" Díaz (bajo); José Corríale (per-cusión) y él en bandoneón debutando en el Metro el 10 de noviembre de 1971, para ofrecer luego un ciclo de conciertos en el Teatro Regina durante los cuales estrenó su nuevo repertorio: Vardarito, Tristezas de un Doble A, Zum, En 3x4, Oda para un hippie, Homenaje al 40, Onda 9, Zurdo, la Serie 9 (Preludio-Divertimento y Fuga) y Homenaje a Córdoba, grabados en dos volúmenes L.P. para RCA Victor en 1971 y 1972 bajo la denominación Música Popular Contemporánea de la Ciudad de Buenos Aires. Con este título, con Osvaldo Tarantino en lugar de Osvaldo Manzi en el piano y Horacio Ferrer, recorrió durante 1972 catorce provincias argentinas contratados por la Municipalidad de Buenos Aires; en enero viajó a Alemania para actuar en televisión, en abril a Italia nuevamente contratado por la RAÍ (en el programa Teatro 10, con Mina, Errol Gardner y Mireille Mathieu) y por el Instituto ítalo Latinoamericano de Cultura de Roma. Durante la misma temporada participó de dos festivales: Onda Nueva de Caracas, y VI FIC de Río de Janeiro, con dos temas compuestos con Horacio Ferrer e interpretados por su conjunto y Amelita Baltar: La primera palabra y Las Ciudades (2º premio y finalista, respectivamente) y con su agrupación participó en la filmación de Argentinísima, película de Héctor Olivera y Fernando Ayata. En agosto su nombre estuvo dos veces vinculado al Teatro Colón: por el estreno de su Tangazo (Ensamble Musical Buenos Aires, director Pedro Ignacio Calderón y por la actuación de su Conjunto 9 en el concierto de tangos organizado por SADAIC). En 1973 rehizo su quinteto, con Agri, Malvicino, "Kicho" Díaz y Tarantino, y dio cinco recitales en el Teatro Corrientes, de Buenos Aires, y diecisiete en Brasil (Porto Alegre y San Pablo) con Amelita Baltar; en julio compartió el escenario del Odeón con la orquesta de Osvaldo Pugliese. Viajó nuevamente a Alemania y a Italia, donde la actriz Edmonda Aldini registró en disco ocho de sus temas con Horacio Ferrer, y en donde —en marzo de 1974— se radicó contratado por el empresario y editor Aldo Pagani. Su primera producción en Europa fue Libertango (Líbertango, Meditango, Undertango, Violentango, Novitango, Amelitango y Trastango, más Adiós Nonino, disco Carosello, Milán) gra-bado con su bandoneón, órgano, flautas, guitarras, bajo eléctrico, percusión y cuerdas. Desde julio hasta setiembre, hizo una gira por Brasil dando conciertos en la Universidad de San Pablo y en el Teatro Municipal de Río de Janeiro, con Amelita Baltar y con los solistas Manzi, Agri, Malvicino y "Kicho" Díaz, con los que volvió a presentarse en el programa Le Grand Echiquier. Dichos solistas argentinos lo acompañaron, también el 21 de octubre del 74, en el recital que ofreció en el Olimpia del Boulevard de la Madelaine, al presentarse por primera vez con la estrella del jazz contemporáneo Gerry Mulligan, con el que grabó para Carrosello el volumen L.P. Summit (En la Cumbre) este nuevo repertorio de composiciones: Años de soledad, Cierra tus ojos y sueña, Deus Xangó, etc. Volvió a grabar en Barcelona con su orquesta y Amelita Baltar para el sello Ariola seis de sus canciones con Horacio Ferrer, más sobre el poema de Pablo Neruda y Violetas Populares con versos de Mario Trejo. El 20 de diciembre se presentó nuevamente en Buenos Aires en el programa Siempre Piazzolla, difundido por Canal 13, y conciertos del Teatro Coliseo con Amelita Baltar y Amicarelli (piano); Cirigliano (órgano); Padín (percusión); Bisio (marimba); Roitner (batería); Schneider (flauta); Malvicino (guitarra eléctrica) y Cevasco (bajo). En febrero de 1975 actuó como invitado en el Festival de la Música, realizado en Cannes, y en abril con Mulligan en Madrid, recibiendo el Sagitario de Oro que la Municipalidad de Roma concede a personalidades muy distinguidas. Compuso entonces la música para la película Lumiére (dirección: Jeanne Mo-reau) y al enterarse de la muerte de Aníbal Troilo, su Suite Troileana (Bandoneón-Zita-Whisky-Escolazo), ambas series de temas reeditados en Argentina por Trova. Fue contratado para la musicalización de otros tres films: Cuando una Ciudad se Despierta (dirección: Pierre Grasset), Llueve Sobre Santiago (dirección: Elvio Soto) y Viaje de Bodas (dirección: Nadine Trintignant). Regresa a Buenos Aires, y con la incorporación de José Ángel Trelles (canto) y de su hijo menor Da-niel Piazzolla (sintetizador) emprendió una nueva gira con conciertos en Montevideo, Asunción, Brasil, Buenos Aires (el 25 de octubre, otra vez en el Coliseo), Caracas, Puerto Rico y Estados Unidos de Norteamérica. El 7 de noviembre de 1975 inauguró La Ciudad de la calle Talcahuano, donde—el 28 de ese mes— Zita de Troilo le hizo entrega de uno de los cuatro bandoneones que fueran de Pichuco. Tocó allí secundado por Agri (violín); Malvicino (guitarra eléctrica); Cirigliano (piano y piano Fender); Cevasco (bajo eléctrico); Giacove (órgano); Roitner (batería); Daniel Piazzolla (sintetizador y percusión) y José Ángel Trellez(canto). Con éste registró para Trova el. L.P. Balada para un loco, que incluyó nuevas versiones de sus temas con Horacio Ferrer; Los pájaros perdidos (versos de Mario Trejo) con el poeta brasileño Geraldo Carneiro. Durante el verano 1976 presentó su música en La Botonera de Mar del Plata,
Rreapareciendo en La Ciudad de Buenos Aires el 12 de marzo de ese año, viajando luego a Nueva York para ofrecer otro consagratorio recital en el Carnegie Hall el 24 de mayo. El 26 de setiembre tocó como solista de bandoneón en Venecia acompañado por la orquesta de la RAÍ, y en noviembre en el Teatro Cecilia Meirelles de Río de Janeiro con la inclusión de Claudia Versiani en cantables. Tornó a presentarse en París (1976), en un recital realizado en el Teatro L'Empire con los músicos norteamericanos Mort Schumann y Patty Smith, para volver a Buenos Aires y tocar en el Gran Rex la noche del 16 de diciembre cuando estrenó para nuestro público 500 motivaciones y Panta y Georgíe. En abril de 1977 actuó en la estación Auber del Metro de París y en el Olimpia con George Moustaki con quien grabó discos, así como con Marie Paul Belle y Claude Nougaro componiendo la música para la película Armagedon ("Asesina Calibre 45"), dirigido por Jessua. Se acompañó, ahora, de una nueva formación de ejecutantes argentinos jóvenes: su hijo Daniel (sintetizador); Caló (órgano); Ferreyra (flauta); Sanz (bajo); Cerávolo (batería); Gubitsch (guitarra) y Beytelman (piano). Además de las obras ya citadas, compuso en diversos momentos de su carrera los tangos Noches largas, Tzigane Tango, Plus Ultra, Kris-Talin, El goy, El flaco Aroldi, Presantania, Nuestro tiempo, Divagación, C'est L'amour, Boricoa, Mar del Plata 70, Imágenes 676, Canto dé Octubre, Caliente, Contemporáneo, Lunfardo, Todo Buenos Aires -instrumentales-, y los cantables Todo fue (con versos de Diana Piazzolla), El mundo de los dos (con Albino Gómez), Rosa Río (con Juan C. Lamadrid), Me ne frega (con Hornero Expósito), Alguien le dice al Tango (con Jorge Luis Borges). Setenta balcones y ninguna flor (sobre el poema de Fernández Moreno); las milongas Fin de Curso (instrumental) y Yo Soy El Negro (con Carlos Gorostiza); los valses orquestales Dedé y Valcísimo.

Por Horacio Ferrer

domingo, 21 de febrero de 2010

Michel Fugain

Michel FugainMichel Fugain


Fugain Michel nació el 12 de mayo de 1942 en Grenoble (Francia). Para seguir el camino a casa, comenzó a estudiar medicina que en breve la licencia para convertirse en asistente de dirección. El primer paso en el arte abre las puertas y en 1964 fue nombrado compositor de la discográfica Barclay. Como tal, algunas de sus canciones será llevada a cabo por los talentos de la época de Dalida Hervé Vilard a través de Hugues Aufray. Autor de su talento le permite grabar su primer álbum en 1967 con el título Incontournable "Yo no tengo tiempo".
En 1972, Michel Fugain fundó el Gran Bazar, un grupo de once músicos que enchainer tubos durante la primera parte de la década de los setenta: "Atención señoras y señores", "Hacer como un pájaro", "La acadienses" etc. En 1976, nueva dirección de Michel Fugain dejando el Gran Bazar y el año siguiente base de La Compagnie Michel Fugain. En 1979 abrió un taller musical en Niza o se encargará de la formación de jóvenes artistas. Se pasan gran parte de la década de los ochenta en el taller, antes de regresar a solas en 1988 con el álbum "de los sueños y el viento" incluye el éxito "Viva La Vida". Incorpora, como una forma de estudios y un montón de nuevos álbumes con regularidad. La muerte de su hija Pauline Fugain en 2002 le llevó a pensar en su siguiente carrera como él mismo es ahora sólo un resumen de lo esencial. En 2007, en el estudio para grabar el álbum "Gracias" en el que canta los textos escritos por Nougaro, Aznavour, Adamo, etc. fuente Estrellas y Celebridades.