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sábado, 4 de abril de 2009
Bill Halley y sus Cometas
Bill Haley (William John Clifton Haley) (pronunciado IPA:[ˈheɪliː], aprox. hey-lii) fue un músico estadounidense, uno de los fundadores del rock and roll. Nació en Highland Park, un barrio de Detroit, el 6 de julio de 1925 y murió en Texas el 9 de febrero de 1981
Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo "Bill Haley and the Comets", evolucionando desde el country y el rockabilly, así como desde el rithm and blues, especialmente con Crazy Man Crazy (1954) y su gran éxito Rock Around The Clock (1955), una reinterpretación del clásico de Jimmy Myers y Max Freedman, y que ya había sido grabado en 1952 por Sunny Dae & His Nights.
A diferencia de la mayoría de las grandes estrellas del rock and roll, Bill Haley realizó importantes giras por América Latina que tuvieron una gran influencia en la difusión del nuevo estilo. En 1958 debutó en Buenos Aires (Argentina) y en 1960 en Ciudad de México (Teatro Follies) y el interior, donde fue todo un éxito.
Grabó varios discos en español durante su estancia en México, con los que comenzó a promover un nuevo ritmo que finalmente desplazaría al Rock & Roll, el Twist, estilo musical que entró pisando fuerte en 1962. Entre sus discos de Twist se encuentran La Paloma y Florida Twist. El Twist, vino a marcar el fin de la era del Rock & Roll original e inalterado (1955 a 1961). En 1964 el grupo británico los Beatles (más la gran ola inglesa que les siguió), vino a desplazar al Twist, o sea que el Twist reinó únicamente por dos años.
El gran mérito de Bill Haley y sus Cometas[1] es que comenzaron a tocar música de rock unos tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, Fats Domino, Buddy Holly, Chuck Berry, Bo Diddley o The Platters. Resulta difícil determinar quien fue el "Padre" o fundador del Rock & Roll, lo que si se puede asegurar, es que Bill Haley y su banda fueron auténticos pioneros del género.
Bill Haley y sus Cometas (nombre original Bill Haley & His Comets) fue una banda estadounidense de rock and roll creada en 1952 que continuó hasta la muerte de Haley en 1981. La banda, también fue conocida como Bill Haley and The Comets y Bill Haley's Comets u otras variaciones similares, fue uno de los primeros grupos de músicos blancos en tocar rock and roll atrayendo la atención del público de su país y de todo el mundo hacia ese nuevo estilo musical, de origen afroamericano. El líder del grupo, Bill Haley, había sido previamente un intérprete de música country & western (folklore blanco). Después de grabar en 1951 una versión country del tema "Rocket 88" (una de las canciones consideradas como iniciadoras del rock and roll), cambió su estilo para adoptar el nuevo sonido que terminaría llamándose unos años después rock and roll.
Si bien varios de los Cometas se volvieron famosos, Bill Haley permaneció como la estrella. Con su rulo sobre la frente y la banda con trajes de etiqueta y su comportamiento enérgico sobre el escenario, fueron considerados en su tiempo tan revolucionarios como Los Beatles o Los Rolling Stones en la década del 60.
Luego de la muerte de Haley, no menos de seis grupos diferentes se han formado bajo el nombre de Cometas, todos ellos reclamando para sí ser la histórica continuación de aquel que dirigía Haley.
La banda se inició con el nombre de Bill Haley and the Saddlemen (trad: Bill Haley y los Hombres Montados) (c.1949-1950) y realizaba música country, ocasionalmente con algún aire de blues. Muchas de las grabaciones originales de la banda no fueron lanzadas hasta los años 1970 y 1980, destacándose entre ellas "Rose of My Heart" y "Yodel Your Blues Away".
Los miembros originales fueron:
Bill Haley,
Johnny Grande, piano y acordeón
Billy Williamson, guitarra acústica.
A ellos se sumó poco después un bajista, inicialmente [[Al Thompson, puesto que luego fue ocupado sucesivamente por Al Rex y Marshall Lytle.
En los primeros años grabaron bajo distintos nombres, como Johnny Clifton and His String Band y Reno Browne and Her Buckaroos (pero Reno Browne, una estrella de la época nunca participó del grupo).
Haley adoptó el naciente estilo del rock and roll al grabar en 1951 una versión del tema "Rocket 88" de Ike Turner, previamente grabado por Jackie Brenston. Al año siguiente grabaron un tema rhythm and blues de los años 40, "Rock the Joint". Ambas canciones (la primera tanto en la versión de Haley como de Brenston) están entre las candidatas a ser consideradas como la primera grabación de rock and roll.
El nuevo estilo llevó a cambiar el nombre de la banda en 1952, adoptando Bill Haley y sus Cometas debido a la similitud entre el apellido del líder del grupo y el famoso cometa Halley[1]
Con el nuevo nombre la composición del grupo era: Haley, Grande, Williamson y Lytle. Grande usualmente tocaba el piano en los discos pero en los conciertos optaba por el acordeón, debido a la mayor facilidad para transportarlo. Poco después de renombrar la banda, Haley contrató su primer baterista, Charlie Higler, pronto reemplazado por Dick Boccelli (AKA Dick Richards). Durante este tiempo, la banda no tuvo una primera guitarra permanente, contratando a veces músicos para las grabaciones, o tocando a veces él mismo o Williamson.
En 1953, Haley tuvo su primer éxito nacional con una canción de su coautoría (con Marshall Lytle) titulada "Crazy Man, Crazy", una frase que Haley dijo oía decir a su público adolescente. "Crazy Man, Crazy" fue la primera canción de rock and roll en ser televisada por una cadena nacional cuando fue utilizada ese mismo año como banda de sonido de un programa de televisión protagonizado por James Dean.
A comienzos de 1954, Haley sumó a Joey Ambrose como saxo tenor y poco después dejó el sello Essex por el más importante Decca Records de Nueva York. El 12 de abril de 1954, en su primera sesión para el nuevo sello, acompañados por Danny Cedrone en guitarra eléctrica y Billy Gussak en batería (reemplazando a Boccelli), Bill Haley y sus Comets grabaron "Rock Around the Clock". Se trata de el más grande éxito de Haley y una de las canciones más importantes de la historia del rock and roll. Aunque su éxito inicial fue moderado, se estima que se vendieron 25 millones de copias según el Libro Guinness de los récords.
Inicialmente "Rock Around the Clock" fue un éxito modesto. En su momento fue mucho más importante fue "Shake, Rattle and Roll", grabado a comienzos de 1954, con el que vendieron un millón de copias, anticipando el estallido que la banda protagonizaría al año siguiente.
A fines de 1954, Haley grabó un nuevo hit, "Dim, Dim The Lights". Estos éxitos impulsaron a algunos DJs, entre ellos Alan Freed, a redescubrir y difundir anteriores grabaciones de la banda, entre ellas "Rock Around the Clock".[2]
El 25 de marzo de 1955 se estrenó la película Semilla de maldad ("Blackboard Jungle", cuya traducción textual es Jungla de Pizarrones), en la que Bill Haley y sus Cometas interpretan Rock Around the Clock como primera escena. El impacto fue masivo en todo el país: el tema se convirtió en Nº1 en los charts estadounidenses y se mantuvo en ese lugar por ocho semanas. Era la primera canción de rock and roll en hacerlo.
Los movimientos acrobáticos de Ambrose al tocar el saxo y Lytle montando el contrabajo como si fuera un potro, fueron marcas personales de la banda en sus presentaciones en vivo. A fines de 1954, Haley y sus Cometas aparecieron en un film corto titulado Round Up of Rhythm, tocando tres temas. Se trata de la primera película de rock and roll.
En 1955, Lytle, Richards y Ambrose abandonaron la banda debido a una disputa salarial y formaron su propio grupo, The Jodimars. Haley contrató nuevos músicos para reemplazarlos: Rudy Pompilli en saxo, Al Rex (quien había estado en los Saddlemen) en contrabajo, y Ralph Jones en batería. Además Franny Beecher, quien había venido siendo primera guitarra en las grabaciones se convirtió en miembro permanente de la banda. Esta integración del grupo se volvió aún más popular y es la que aparece en las películas que se filmaron en esos años.
Otros éxitos de Los Cometas fueron "See You Later, Alligator", "Don't Knock the Rock", "Rock-a-Beatin' Boogie", "Rudy's Rock" (el primer éxito totalmente instrumental del rock and roll) y "Skinny Minnie".
En 1956, Bill Haley y sus Cometas tienen importantes roles en dos de las primeras películas de largometraje de rock and roll: Rock Around the Clock y Don't Knock the Rock.
Bill Haley y sus Cometas comenzaron a ver cierta pérdida de popularidad entre 1956 y 1957, desplazados por la imagen más sexual y salvaje de músicos como Elvis Presley y Little Richard, que comenzaron a dominar las listas de difusión (de todos modos el cover de Haley de "Rip It Up" de Little Richard, superó en ventas a la original).
Después del éxito de "Skinny Minnie" en 1958 Haley comenzó a encontrar dificultades para alcanzar nuevos éxitos. Ello contrastaba con el éxito internacional de la banda. En la gira por Gran Bretaña de 1957 la banda fue virtualmente asaltada por miles de fans en la Estación Waterloo de Londres, hecho que los medios titularon como La Segunda Batalla de Waterloo. Manifestaciones similares se produjeron en las giras de 1958 por Australia y Argentina.
En 1960 la banda tuvo su último hit en Estados Unidos, con la versión instrumental de "Skokiaan". A partir de entonces fracasan varios intentos del grupo para reactualizar su presencia, debido a lo cual se volcaron hacia el mercado internacional, donde continuaban siendo una banda líder en las preferencias juveniles.
En 1961-1962, Bill Haley y sus Cometas (así, con el nombre español que utilizaban en América Latina) firmaron con el sello mexicano Orfeon Records y obtuvieron un inesperado hit con "Twist Español", un tema cantado por la banda en español en ritmo de twist, que se encontraba de moda en ese momento. El single se convirtió en el más vendido de la historia mexicana con "Florida Twist".
Aunque Chubby Checker y Hank Ballard fueron los creadores de twist, en México y América Latina, Bill Haley y sus Cometas fueron proclamados los Reyes del Twist. Gracias al éxito de "Twist Español" y "Florida Twist", entre otros, la banda se mantuvo al tope de las listas en México y América Latina durante los años siguientes, difundiendo rock and roll en español y con sonoridad latina. Fueron los animadores de una serie de TV llamada 'Orfeon a Go-Go'. Haley, quien hablaba con fluidez el español, grabó varias canciones en español. Incluso hubo cierta experimentación para fusionar ritmos latinos como la balada, "Jimmy Martinez", grabada sin los Cometas.
En 1966, los Cometas (sin Bill Haley) grabaron un álbum para Orfeon como músicos de sesión de Big Joe Turner, quien siempre fue un ídolo de Haley; sin embargo no realizaron ninguna interpretación conjunta de "Shake, Rattle and Roll".
En 1967 Haley, sin los Cometas, grabó en Phoenix, Arizona un demo de una canción country llamada "Jealous Heart" acompañado por una banda de mariachis, en un estilo similar a "Jimmy Martinez" y el posterior "Rock on Baby". Ninguna grabación sería lanzada en los siguientes treinta años.
Para fines de la década del 60 Haley y los Cometas eran considerados viejos. Pese a ello, la popularidad de la banda nunca decayó en Europa, por lo cual el grupo firmó un lucrativo contrato con Sonet Records de Suecia en 1968, donde grabaron una nueva versión del "Rock Around the table" convirtiéndose nuevamente en hit.
En 1969 en los Estados Unidos, el promotor Richard Nader lanzó una serie de conciertos de revival de rock and roll, con bandas de los años 50 y 60. Uno de los primeros fue Bill Haley, en el Madison Square Garden de Nueva York, donde recibió una ovación de ocho minutos y medio con el público de pie. Unas semanas después grabaron el álbum en vivo Bill Haley's Scrapbook, en el club Bitter End de Nueva York.
Después de 1974 Haley tuvo problemas de impuestos en Estados Unidos, que lo llevaron a actuar sólo en Europa y a realizar una gira por America del Sur en 1975. En 1974, la versión original del "Rock Around the Clock" volvió a ser hit en Estados Unidos debido a su inclusión en las películas American Graffiti y Happy Days.
En febrero de 1976, el saxofonista de Haley y su mejor amigo, Rudy Pompilli, murió de cancer después de dos décadas de carrera con los Cometas. Haley continó realizando giras durante el año siguiente pero su popularidad comenzó a decaer nuevamente y su presentación en Londres de 1976 performance recibió malas críticas de los medios. Ese año el grupo grabó un nuevo álbum, R-O-C-K. En 1977 Haley anunció su retiro y se radicó en México. De acuerdo con su biógrafo John Swenson, Haley tenía un pacto con Pompilli por el que si uno moría el otro se retiraría.
Los Cometas por su parte continuaron con sus presentaciones. En 1979, Haley fue persuadidol para volver a tocar en una gira europea, y para ello renovó casi completamente a los Cometas, la mayoría británicos. Haley apareció en muchos shows de TV y en la elícula 'Blue Suede Shoes', filmada durante uno de sus conciertos en Londres en marzo de 1979. Durante la gira Haley grabó varios tracks que se incluirían a fin de año en el álbum Everyone Can Rock & Roll, el último suyo con grabaciones originales antes de morir.
En noviembre de 1979, Haley y los Cometas tocaron para la reina Isabel II, momento que él consideró de de mayor orgullo de su vida. Fue su última presentación en Europa.
En 1980 la banda realizó una gira por Sudáfrica pero la salud de Haley ya era débil y le fue diagnosticado un tumor cerebral. La gira fue muy cuestionada por los medios pero sus grabaciones en Johannesburg lo muestran animado y con una buena voz.
Haley canceló varias presentaciones y volvió a su casa de Harlingen, Texas donde murió mientras dormía como consecuencia de un infarto el 9 de febrero de 1981.
Dos meses después Bill Haley & sus Cometas volvieron a ubicarse en los charts británicos con "Haley's Golden Medley", un single en 45 con un compilado de sus éxitos, que llegó al puesto 50 pero no fue lanzado en Estados Unidos.
En 1987, Bill Haley fue incluido en el Salón de la Fama del Rock. En aquella época las bandas de soporte no eran incluidas. Esa política cambió luego y también se ha solicitado la inclusión de los Cometas. Bill Haley y sus Cometas han sido incluidos también en el Salón de la Fama del Rockabilly. En julio de 2005 los miembros sobrevivientes de los Cometas originales representaron a Haley cuando Bill Haley y sus Cometas fueron incluidos en el Hollywood RockWalk, una ceremonia en la que también estuvieron presentes su segunda esposa y su hija menor. Los Cometas grabaron las palmas de sus manos en cemento y se dejó un espacio en blanco para Haley.
Los Cometas [editar]Más de 100 músicos tocaron con Bill Haley & sus Cometas entre 1952 y la muerte de Haley en 1981. Muchos de ellos se hicieron favoritos de los fans.[3] Varias intentos de reorganizar a los Cometas fueron intentadas en la década del 80, incluyendo una organizada por Joey Welz, quien formó parte de la banda brevemente en los años 60 y otra organizada por un imitador de Elvis Presley llamado Joey Rand (este grupo perdió luego un juicio sobre el derecho a usar el nombre de Cometas).
En 1987, músicos que tocaron con Haley en 1954-1955 formaron Los Cometas y aún siguen realizando presentaciones. Han grabado media docena de álbums para pequeños sellos en Europa y Estados Unidos. Este grupo se ha presentado también como Bill Haley's Original Comets (Los Cometas Originales de Bill Haley), y en algunos casos, cuando el uso de la denominación "Cometas" se encuentra en disputa, como A Tribute to Bill Haley (Un Tributo a Bill Halley) y The Original Band (La Banda Original). La integración básica de este grupo desde 1987 a mayo de 2006 es Marshall Lytle (bajo), Joey Ambrose (saxo), Johnny Grande (piano), Dick Richards (batería) y Franny Beecher (guitarra). El cantante británico Jacko Buddin acompaña al grupo durante las giras europeas, mientras que Lytle se encarga de cantar en Norteamérica.
Otros dos grupos reclaman para sí el nombre de Bill Haley's Comets y han realizado extensas giras por Estados Unidos de los años 80. Uno de ellos está liderado or John "Bam-Bam" Lane, baterista de la banda entre 1965-68. El otro está encabezado por Al Rappa, quien tocó el bajo con Haley intermitentemente entre 1959 y 1969. Ambos reclaman el mismo nombre. Este conflicto se remonta a la época en la que ambos estaban juntos y ganaron el juicio contra Joey Rand en 1989.
En marzo y julio de 2005, el ya mencionado grupo Los Cometas, integrado por miembros de la banda de 1954-55, realizarn importantes conciertos en Nueva York y Los Ángeles organizados por Martin Lewis como parte de las celebraciones por el 50º aniversario del rock and roll con motivo respectivamente de la proyección de la película Blackboard Jungle (Semilla de maldad), y del éxito de "Rock Around the Clock" llegando asl top del ranking. El 6 de julio de 2005, durante un concierto en Hollywood, The Comets fueron acompañados en el escenario en una canción por Gina Haley, la hija menor de Bill Haley y en marzo fueron acompañados por John W. Haley, el hijo mayor de Haley.
El 2 de junio de 2006 murió Johnny Grande, teclista de los Cometas originales (1954-55) y fundador de la banda. Poco después Franny Beecher, el guitarrista, con 85 años, anunció su retiro. Los tres Cometas restantes (Lytle, Richards y Ambrose) continuan con la banda.
El 18 de febrero de 2007 murió John "Bam-Bam" Lane pero su grupo los Bill Haley's Comets se espera que seguirán actuando. Fuente Wikipedia
viernes, 3 de abril de 2009
Azucena Maizani
Azucena Maizani en 1936 en la pieza Boite Rusa en el Teatro Liceo, reemplazando a Libertad Lamarque
Azucena Maizani en 1925 en los primeros de años de la radiotelefonia
Azucena Maizani en 1923 cuando la llamaban Azabache
Azucena Maizani en los ultimos año de su carrera en Patio de Tango
Azucena Maizani en 1925 en los primeros de años de la radiotelefonia
Azucena Maizani en 1923 cuando la llamaban Azabache
Azucena Maizani en los ultimos año de su carrera en Patio de Tango
MAIZANI, Azucena. Cancionista. Compositora. Acaso la más popular de las intérpretes femeninas del tango. Dueña de una voz sensitiva, de equilibrado vibrato y de un rico temperamento demarcó una época, creó un estilo vocal inconfundible que acompañó con la emoción propia de su presencia, capaz de llenar —por sí sola— un espectáculo.
Nació en Buenos Aires, en el hospital Rivadavia del barrio de Palermo el 17 de noviembre de 1902. Desde 1907 hasta 1917 residió junto a suspadres en la Isla de Martín García. Trabajó luego en un taller de modas, siendo llamada por su atractiva belleza, morena y criolla para el rodaje de algunas películas mudas. Debutó en 1920 como cancionista acompañada por la or-questa de Francisco Canaro en la sala del cabaret Pigall. Allí el mencionado director la bautizó "Azabache", recogiendo en el seudónimo el llamativo rasgo físico de su renegrida cabellera. Poco después intervino como partiquina en las representaciones que la compañía de César Ratti realizaba en el Teatro Apolo en el saínete con cantables de Manuel Romero El Rey del Cabaret. Y ya presentada como figura alcanzó su espaldarazo el 23 de junio de 1923 cantando el tango de Vaccarezza y Delfino Padre nuestro en la pieza A Mí no me Hablen de Penas, estrenada en el escenario del Nacional. Casi simultáneamente fue presentada en las transmisiones que Radio Cultura realizaba desde sus estudios en Palermo. En 1924 grabó su primer disco para Odeón, Padre nuestro y Yo tuve un cariñito. Continuó su trayectoria como figura del teatro revisteril desde cuyos escenarios alcanzó a imponer muchos tangos confiados a su voz para el estreno, entre ellos Esta noche me emborracho y Malevaje de Discepolín, quien encontró en la cancionista el comienzo de su triunfo como compositor y como letrista de nueva sensibilidad. En 1931 realizó una larga gira artística por España acompañada por Roberto Zerrillo, Oreste Cúffaro y Joaquín Mora. A su regreso tomó parte en el rodaje de las películas argentinas Tango(1933), Monte Criollo (1935) y Nativa(1939). Hacia 1938 secundada esta vez por los músicos Francisco Tróppoli, Domingo Várela Conté y Enrique Del Puerto, emprendió otra extensa actuación en el exterior, abarcando todos los países del Pacífico hasta llegar a Cuba y a Norteamérica. Su clásico "slogan" "La Ñata Gaucha", fue idea de Libertad Lamarque en 1935. Grabó sus versiones en los sellos Victor, Brunswick y Odeón. Le pertenece además la música de los tangos Déjame entrar, hermano; Aguas tristes; En esta soledad; Por qué se fue; Volvé negro, y dos de extendido suceso a través de los años: La canción de Buenos Aires y Pero yo sé. Fuente Horacio Ferrer
jueves, 2 de abril de 2009
Antonello Venditti
Nacido en Roma ( bajo el signo de Piscis ) el 8 de Marzo de 1949, Antonello Venditti se introduce en el mundo musical de muy joven, por la influencia de su madre. En su primer periodo musical, se dedica basicamente a aprender piano. Al poco tiempo empieza ya a escibir canciones, la primera de la cual es "Sora Rosa",
se la presenta a sus amigos del Folkstudio - el prestigioso encuentro romano del entonces naciente circuito " folk-impegnato giovanile " - Giorgio Lo Cascio y Francesco De Gregori. Con ellos Venditti empieza a actuar en público y hace su primera gira en concieto y con Francesco De Gregori, da una idea al discografico Vincenzo Micocci, con el que firma un contrato estable y realiza el album THRORIUS CAMPUS (1971). Tras las primeras canciones de Venditti presenta su nuevo album con dos clasicas como "Ciao Uomo" y "Roma Capoccia", otra naturalmente es " Sora Rosa", esta últimas dos escritas en dialecto romanesco.
Con el exito de "Roma Capoccia", Antonello Venditti se traslada a Milan para componer su primer album como solista, L'ORSO BRUNO (1973). Realizado con la colaboración de Vince Tempera, el disco contiene ahora una canción en dialecto ("E Li Ponti So' ") por el resto denota una fuerte atención a lo social. Efectua el primer cambio de sello de su carrera, que lo lleva de IT a RCA, en aquellos momentos sede de todos los cantoautores más innovadores de la escena musical italiana. En la RCA Venditti realiza en dos dias y dos noches uno de sus mejores albums, LE COSE DELLA VITA(1973, RCA), que toma el titulo de una de sus más bellas canciones. Es un album intimista por su contenido, gracias a canciones como "Mio Padre Ha Un Buco In Gola" y "Brucia Roma"), un ejemplo apasionado y sincero del modo de ser del cantoautor. A este disco sigue otro mucho más dificil y poco reconocido como QUANDO VERRA' NATALE (1974, RCA), a pesar de la presencia de buenas canciones como"Campo De' Fiori", "A Cristo ", "Marta".
En este año Venditti publica otra canción que sera crucial para su carrera, se trata de "Roma". Para su nuevo album, intenta introducir nuevos aspectos al igual que en el año sucesivo, cuando Venditti compone LILLY(1975, RCA), disco muy afortunado que llega a número uno y que toca el tema de las drogas en una canción, y en otras temas de contenido clasico como "Compagno Di Scuola" y "Lo Stambecco Ferito ", esta última con una compleja y arriesgada y ambiciosa parte instrumental.
Era un año politicamente hablando muy activo y Antonello Venditti, con una de sus canciones "Lilly" que es una canción que habla de las drogas, volverá a ser un motivo de acusación social, cuando en 1976, el ICMESA de Seveso reconoce una fuga de un gas altamente toxico, el desastre ecológico y la tragedia humana provoca en Venditti una reacción que finalmente plasma en ULLALLA', en un album que toca estos temas con canciones desesperadas como "Canzone Per Seveso", "Maria Maddalena"," Nostra Signora Di Lourdes", "Jodi E La Scimmietta", "Una Stupida e Lurida Storia d'Amore". El album citado, lo desplaza de la RCA e inagura un periodo de replanteamineto artístico y de silencio tras muchas críticas y problemas.
El retorno a la escena discografica llega con un nuevo contrato discografico y un nuevo album SOTTO IL SEGNO DEI PESCI (1978, Philips), que lo lleva a volver a vender mucho. Fruto de este periodo de transición se gesta una nueva fase artistica para Venditti, herido por la crítica política vuelve intencionadamente a realizar canciones de tono más personal y laico. El album contien canciones como "Sara", "Giulia" y " Bomba o Non Bomba", una metafora polemica sobre el dificil proceso hecho a los nuevos cantoautores a la conquista de la propia credibilidad y sobretodo a la " title-track ". El éxito de este último album hace entrar a Venditti en una fase delicadamente super romantica que se acabará con la separación de Antonello Venditti y de Simona Izzo y de su hijo Francesco Saverio, que se ira con su madre.
BUONA DOMENICA (1979, Philips) es un album que repecta este momento de trabajo personal con canciones de amor como "Donna In Bottiglia" y "Stai Con Me", con canciones que daran nombre al album y "Modena", una de las mejores de siempre. En 1982, todavia pensando en su hijo Francesco Saverio ( como en todo el album de ULLALLA' ), llega su album SOTTO LA PIOGGIA (1982, Heinz), album que será debut del sello discografico de su propiedad, la Heinz Music, con una buena relación con el productor Alessandro Colombini que dura hasta ahora. Es un album oscuro, amargo y refleja el pensamiento de la crisis de valores y el presagio incierto que será el inicio del nuevo decenio, canciones como "Le Ragazze Di Monaco","Torino", "Sotto la Pioggia", "Stukas " son solo algunas canciones de un album que convoca un gran exito de público, como una estupenda balada "Dimmelo Tu Cos'è". Albumes como SOTTO IL SEGNO DEL PESCI , BUONA DOMENICA, SOTTO LA PIOGGIA hacen que Venditti goce de una popularidad como nunca había tenido, aumentada ahún más en 1.983, cuando La Roma gana el campeonato de liga y toda la ciudad festeja el acontecimiento en el concieto gratuito que Venditti da en el Circo Massimo. De esta increible exibición hace conseguir un record italiano en un concieto en vivo. Aqui nace su primer " live " importante de su carrera. CIRCO MASSIMO (1983, Heinz), contiene un espléndido inedito, "Grazie Roma", canción a su equipo del corazón, que acabará adoptandolo como himno oficial.
Al siguiente año llega para los fans de Venditti CUORE(1984, Heinz) , album precedido del acontecimiento "Ci Vorrebbe Un Amico" y " Notte Prima Degli Esami", "L'Ottimista" y "Non è La Cocaina". A este prosigue SOTTO LA PIOGGIA, con arreglos modernos, ritmicos y canciones apasionadas e instintivas. Festejando este periodo de gran exito de su directo, realiza otro directo, CENTOCITTA'(1985, Heinz), registrado de nuevo en el Circo Massimo y con un solo de piano.
Después una colaboración en un film de Carlo Verdone "Troppo Forte"y un nuevo album de estudio. VENDITTI E SEGRETI (1986, Heinz), un disco con recopilación de sonidos más orientales electrónicos y rockeros como la canción "Rocky, Rambo e Sting" y "Questa Insostenibile Leggerezza Dell'Essere" no falto de recuerdos escolares "Giulio Cesare") con precedente de "Compagno Di Scuola" y "Notte Prima Degli Esami"), además de canciones de amor como "Settembre" y " C'è Un Cuore Che Batte (Nel Cuore Di Roma)".Este es globalmente uno de sus mejore albums de toda su carrera. El discurso musical sigue con un album muy afortunado,IN QUESTO MONDO DI LADRI (1988, Heinz), que contiene, otro title-track, otro clásico de Venditti, " Ricordati Di Me", "21 Modi Per Dirti Ti Amo" y "Correndo Correndo ".El afortunado decenio se cierra con una recopilación GLI ANNI '80 (1990, Heinz).
Venditti no para y vuelve a escena con BENVENUTI IN PARADISO (1991, Heinz), album que prolonga su ya largo éxito de sus albumes precedentes, vendiendo otro millón de copias, con singles como "Dolce Enrico", ( en recuerdo a Enrico Berlinguer ) "Dimmi Che Credi", "Alta Marea" (cover di "Don't Dream It 's Over" dei Crowded House) e "Amici Mai", otra estupenda canción de amor.
DA SANSIRO A SAMARCANDA - L'AMORE INSEGNA AGLI UOMINI(1992, Heinz) es un nuevo "live" en donde aparece el nombre de Samarcanda ( título del programa de TV de Michele Santoro en el que Venditti interviene con gran participación ). Otra muestra de celebración de un decenio de tours y conciertos."L'Amore Insegna Agli Uomini" es el título del único tema inedito del album doble. Una balada de amor y esperanza para el futuro.
Pasan tres años de silencio artistico, la más larga temporada de descanso para Antonello. Un nuevo album de estudio PRENDILO TU QUESTO FRUTTO AMARO(1995, Heinz) con la consiguiente gira. Se editan varios singles como "Ogni Volta", su mejor canción de amor ( extraordinaria ), "Eroi Minori", "1000 Figli" y la potente "Tutti All'Inferno ".
Para Antonello es ora de reaalizar un sueño de hace mucho tiempo, tocar acompañado de la orquesta sinfónica, nace asi ANTONELLO NEL PAESE DELLE MERAVIGLIE (1997, Heinz) , la orchesta no es otra que la " Bulgarian Simphony Orchestra de Sofia ", dirigida por el maestro Renato Serio.
Se abre un periodo de profunda reflexión e intuición para el artista romano, en el que escribe con gran velocidad nuevas canciones para su nuevo album, grabado y mezclado con un nuevo equipo de trabajo pero con Alessandro Colombini.
El 24 de Septiembre de 1.999 aparece el último de los discos publicados de Antonello GOODBYE N9VECENTO, un album que afronta la principal temática de fines del milenio. En 1.996 publicado por la discográfica EDEL MUSIC, S.A. aparece su primer CD ediatado en España y con 11 canciones interpretadas en castellano. Un disco extraordinario donde se encuentran algunas de sus mejores canciones entre las cuales destaca " Cada Instante " ( Ogli volta ), " Bienvenido al paraiso ", " Necesito un amigo ", " El cumpleaños de Cristina ", etc.. Fuente www.racocatala.cat/feelingsoft/antonello/biogr.html
miércoles, 1 de abril de 2009
Juan Carlos Caviello
Juan Carlos Caviello, nació en Quilmes, Provincia de Buenos Aires y creció en Capital Federal, donde vive hasta la fecha. Comenzó sus estudiós de bandoneón a los siete años y a los pocos meses ya tocaba en público. Es de esa época el origen de su apodo que entre muchos conocidos conserva hasta hoy. Fue llamado "el pibe del bandoneón" y de allí simplemente "el pibe".
Integró la Orquesta de Roberto Firpo y luego el famoso Cuarteto. Cuando Firpo deja definitivamente la actividad profesional forma su propia agrupación: el "Cuarteto de Oro" y es con este grupo que desarrolla una actividad muy importante.
Es autor de numerosas composiciónes y tiene en su haber gran cantidad de grabaciones, El vals de los pajaros, De hacha y tiza, Un baile a beneficio (La podrida)
En los últimos años realizó grabaciones a dúo con el mismo a dos bandoneones asi como grabaciones en conjuntos instrumentales
En el año 2003 la familia fue declarada ilustre del Barrio de Nueva Pompeya.
Fuente biografica y fotos: web de Mirta Caviello en homenaje a su padre. www.mirtacaviello.com.ar
Año 2003
martes, 31 de marzo de 2009
Caetano Veloso
Caetano Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil). La suya fue una familia amante de la música y numerosa integrada por ocho hijos, dos de ellos adoptados; Caetano aprendió en su casa a tocar el piano y a los nueve años compuso su primera canción, un baião.Cuando llegó el momento de los estudios universitarios, junto a su hermana María Bethania, se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió Arte en la Universidad.
A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición.
Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo objetivo era la re-evaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir.
Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania.
En 1969 debido a la dictadura que asolaba Brasil, Veloso se vio obligado a exiliarse a Londres (Reino Unido), Madrid (España),Tel Aviv (Israel); tres años más tarde regresó a Brasil y grabó Araca azul, un disco experimental.
En 1976 formó un grupo con Gilberto Gil, Gal Costa y María Bethania, e hicieron una gira por Brasil con el nombre de "Doces bárbaros".
Bicho fue lanzado en 1977 influenciado por el contacto que tuviera con la cultura nigeriana, donde había estado algunos meses antes. Ese mismo año fue publicado Alegría, un libro que es una colección de artículos y poemas que abarca desde 1965 hasta 1976.
En 1981 se hizo con su primer éxito con Outras palavras, y a partir de entonces su fama se extendió a todos los rincones del mundo. Ya en 1989 fue lanzado Estrangeiro. En 1991 fue lanzado un nuevo álbum llamado Circuladô. La letra que dio nombre al álbum fue un poema de Haroldo Campos, poeta brasileño. El diseño de la tapa de Circuladô ao vivo fue idea de Caetano y fue lanzada en 1992 como una pieza maestra. En 1993 fue lanzado Tropicalia 2 con Gilberto Gil. Fina Estampa aparece en 1995 y Noites do norte en 2001.En 2006 lanza un su álbum "Ce", con canciones inéditas de su autoría.
En 2003 colaboró con Nelly Furtado en su segundo disco "Folklore" en la canción "Island of wonder".Fuente Wikipedia
lunes, 30 de marzo de 2009
Cristobal Herrero Semblanza
Sexteto Cristobal Herrero
HERRERO, CRISTOBAL
(14 de septiembre de 1909 –Barcelona- España – 18 de diciembre de 2002) – Nombre de Familia: Cristóbal Herreros. Bandoneonísta- director y compositor.
Llegó junto a sus padres, inmigrantes españoles, afincándose en la localidad de Zárate, Provincia de Buenos Aires.
Sus comienzos datan aproximadamente en 1920, cuando todavía era un niño, actuando en la inauguración del teatro Argentino de Zárate.
Ya en su adolescencia, formó una orquesta juvenil integrada por Juan Carlos Aiello, violinista, Julio Jerez, en piano, Juan Trissi, segundo bandoneón y José Micheletti en contrabajo. También trabajó en el cine Belgrano de la misma ciudad de Zárate, acompañando las películas mudas de aquellos años.
Llega a Buenos Aires integrando una orquesta que dirigía Juan Elhert. Más tarde se incorpora a la orquesta de Roberto Firpo.
domingo, 29 de marzo de 2009
Maria Martha Serra Lima
Si en Mar del Plata los rayos de sol se agotaran habría que ir a reclamarle a la señora María Martha Serra Lima, que ahí viene con su bronceado Rubén Rada. El color refresca la teoría de un diseñador —muy de moda— que a propósito del verano y los ombligos al aire, dice algo así como que los gordos toman sol para borronear los contornos, tender a la oscuridad y parecer más flacos. Equivale a llevar ropa negra, que afina, se sabe, pero las 24 horas. No es la mejor manera de encarar el avatar periodístico, pero aquí estamos preguntándole a la cantante si es o no es verdad. "En mi caso es falso. Fijate que yo salgo de blanco a los shows. Con el bronceado, mi meta no es parecer más flaca sino evitar el maquillaje".
Este mes cumplís 30 años de trayectoria. Revisando el archivo se puede observar que a lo largo de tu carrera hablaste tanto de música como de la cuestión de peso. ¿Es difícil ser gordo en el mundo del espectáculo?
Es un desafío increíble. Por eso le estoy inmensamente agradecida al público que en vez de decir ay, por favor, saquen de acá a esa gorda, siempre me perdonó lo físico y se enamoró de mi voz. Cuando empecé, tenía todas las de perder. Fui a ver al dueño de una grabadora y me dijo: "Tenés una voz divina, pero antes de apostar a vos deberías bajar de peso". No volví. Yo sabía que no era sexy, pero Ella Fitzgerald tampoco lo era y la gente respetaba su talento.
¿Y cuáles crees que son tus armas de seducción?
La voz. Mi voz cantando.
O sea que no podrían haber candidatos sordos.
Ojo, yo tuve éxito con los hombres. Fijate que me pinto, estoy siempre arreglada, prolijita. No soy una gorda abandonada... Pero primero (sonríe) tiene que gustarte mi voz.
El embrujo tramposo de los locutores...
Quizás. Y no sólo eso: mi tercer marido dice que yo tengo la capacidad de trasmitir mucha paz.
Bueno, pero un día bajaste cincuenta y pico de kilos. ¿Tenías ganas de seducir desde otro lado?
Sesenta y siete kilos en un año y pico bajé. Me saqué una persona de encima. Cuando lo hice ya estaba casada con mi marido, mi ex —aclara—, Horacio, mi tercer ex. De todos modos —oscurece—, es como que sigue siendo un marido. El siempre está acá conmigo. Me conoce más que yo misma. ¡En qué estaba? Ah, el régimen terminó en el 2001. Pesaba 160 kilos, bajé, después subí 20 kilos. Me enfermé.
¿Bulimia?
No. Me provoqué una anorexia. Engañaba al médico. No comía nada o nunca pasaba de las 700 calorías diarias. Sólo acelga comía. Ahora estoy mejor, pero todo lo que como es con culpa.
¿Fuiste flaca alguna vez?
A los 11 años me tenían que dar inyecciones para subir de peso. Tontos de mis padres que ignoraron que en la familia estaba el gen de la gordura... Ahí empecé una escalada tremenda que me mortificó mucho. Yo amo la estética.
Cuándo aldelgazaste te cambió la figura. ¿Y con la voz qué pasó?
Mejoró un montón. Tenía más espacio para respirar.
Si esta fuera tu última nota, ¿admitirías que el famoso affaire con Sandro fue una simpática farsa mediática?
No.
¿Qué dirías?
Qué sé yo. A esta altura me cuesta saber qué fue verdad y que no.
¿Inventaste mucho?
¡Ustedes inventaron! Nosotros fuimos muy discretos. Sintonizamos muy bien porque él era sencillo. Don Sánchez, le decía yo. Fue lindo, pero se terminó cuando conocí a mi segundo marido. Me gustaba más. Sandro nunca me pareció pintón.
Vos te casaste virgen. ¿Para Sandro también fuiste una mujer difícil?
Nunca fui de tener relaciones en la primera, segunda o tercer salida. Había que conquistarme. Nosotros hablábamos cinco horas por teléfono... Sandro fue una ilusión muy grande.
Pasemos a la música. ¿Por qué vos y casi nadie más canta boleros en la Argentina?
Al bolero se llega cuando sos más grande. Para entender al bolero hay que aprender a sufrir.
¿Eso no es con el tango?: sufrir, amar, partir?
El tango y el bolero son lo mismo.
Sin embargo aparecen nuevas generaciones de tangueros. ¿Con el bolero qué pasa?
El tango está fuerte en el baile. Con el bolero, es verdad, no pasa nada salvo Luis Miguel que la pegó un rato y no es argentino. Acá si no lo hago yo, el bolero se muere.
Cuando empezaste tu carrera comparaban tu voz con la de Janis Joplin.
A mí no me parecía. El rock no me gusta. Los Beatles no me gustaron nunca con las drogas y todo ese mensaje... Nunca fueron un buen ejemplo para la juventud. Sí rescato a Elvis.
Pero murió de sobredosis
Fue el inventor. El resto del rock, casi todo, es una payasada de drogas y excitación (dice lo que dice y se queda como colgada de un pensamiento culposo). Ahora que hablamos de rock, hay un chico que me sigue y escucha mis discos. Pipy (sic) de Insaciables (¡sic!).
¿No será Pity, de Intoxicados?
Sí, Pity (Alvarez). Es un dulce, un divino. Fue a verme y me llevó un ramo de flores, pero le dio vergüenza dármelo y se fue.
¿Y cómo lo sabés?
Me lo lo contó en un mail.
Fuente: Reportaje en el diario Clarin por Hernan Firpo el 14 de enero de 2007
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