sábado, 13 de febrero de 2010

Lucio Battisti

Lucio BattistiLucio Battisti

Lucio Battisti en 1972Lucio Battisti en 1972


Lucio Battisti (* Poggio Bustone, provincia de Rieti, 5 de marzo de 1943 - + Milán, 9 de septiembre de 1998). Músico, compositor y cantante italiano. Sus comienzos a mediados de los años 60 fueron como compositor de canciones para otros artistas. De los textos de las canciones se encargaba el letrista Mogol. En 1966 grabó su primer sencillo, Per una lira. Muchas de sus canciones fueron grabadas, tanto entonces como a lo largo de los años posteriores, por innumerables cantantes y grupos, tanto italianos como extranjeros, tales como Mina Mazzini, Paolo Meneguzzi, I Camaleonti, Patty Pravo, Dik Dik, Antonio Zabaleta, Dyango, Fedra,Gypsy Kings, Ricardo Montaner, Laura Pausini, Emmanuel, etc.

Lucio Battisti ha sido y sigue siendo considerado uno de los músicos y cantantes más influyentes de la historia de la música italiana. Su producción representó un cambio importante y decisivo en el panorama del pop italiano a partir de finales de la década de los años 60. Influido por bandas anglosajonas de principios de los años 60, pero más aún por el sonido Rhythm and Blues de Otis Redding o Ray Charles, Lucio Battisti supo conjugar como nadie la tradición melódica puramente italiana con lo mejor del R&B y las corrientes musicales anglosajonas.

Siempre inquieto e innovador, tras una larga racha de éxitos con el letrista italiano Mogol, comienza una nueva andadura tras el último disco que compusieron juntos, Una giornata uggiosa, en 1980. Battisti, en su afán de innovación musical, cambia y evoluciona.

Su primer álbum sin Mogol como letrista será E già en 1982, un disco de transición con rasgos experimentales de sonoridad electrónica, y de una indudable calidad. En este disco no se utilizan instrumentos musicales "al uso" (No hay guitarras ni pianos), sino que la sonoridad de los doce temas está basada en modernos teclados electrónicos y sintetizadores de entonces, opción muy avanzada y atrevida en aquella época. Las letras las firma su esposa bajo el seudónimo de Velezia, aunque muchos de sus fans entienden que en los textos tuvo influencia muy directa el propio Lucio. A partir de 1986, con el disco Don Giovanni, y en los siguientes cuatro discos, el poeta romano Pasquale Panella será el letrista de los temas compuestos por Lucio Battisti. Tras una larga enfermedad, Lucio Battisti murió en Milán el 9 de septiembre de 1998, a la edad de 55 años.Fuente Wikipedia

viernes, 12 de febrero de 2010

Franck Pourcel

Franck PourcelFranck Pourcel


Franck Pourcel (Marseille, 11 de agosto de 1913 — Neuilly-sur-Seine; 12 de noviembre de 2000) fue un destacado director de orquesta francés. Es también, uno de los pocos (posiblemente el único a gran escala) directores franceses que tiene reconocimiento en los Estados Unidos.

Nació en Marseille, Francia, el 11 de agosto de 1913. Su relación con la música empezó con su padre, que era técnico de la marina francesa, pero también músico, quien, en honor a Carl Franck, llamó Franck a su hijo, cuyo segundo nombre era Marius. A los 6 años entró al conservatorio de Marseille, para estudiar violín y percusión general (debido a su afición al género Jazz). Después, fue al conservatorio nacional en París. Sus trabajos se basan en la percusión y las cuerdas, sobre todo el violín.

Se ganó al público norteamericano con su interpretación de la célebre y casi sagrada "Only You".

Compuso la música "Concorde" en ocasión del vuelo inaugural del hasta hoy único avión de pasajeros supersónico.

Falleció el 12 de noviembre de 2000 en Neuilly-sur-Seine, cerca de París.Fuente Wikipedia

jueves, 11 de febrero de 2010

Lisa Gerrard

Lisa Gerrard
Lisa Gerrard

Lisa GerrardLisa Gerrard


Lisa Gerrard (Melbourne 12 de abril de 1961) compositora y cantante australiana. Integrante principal de la desaparecida banda Dead Can Dance. Ella es mejor conocida por su profunda voz de contralto.

Lisa creció en el barrio multi-étnico de East Prahan, donde convivió entre las culturas griega, turca, italiana, irlandesa y árabe. Esta diversidad cultural tuvo gran influencia en su música, particularmente en sus posteriores álbumes con la banda Dead Can Dance y en su trabajo solista. En su último trabajo, Lisa Gerrard (4AD), la cantante y compositora australiana recapitula sus más de veinte años de carrera con Dead Can Dance y en solitario. La retrospectiva ilustra su progresión desde el goticismo barroco de su trabajo con Brendan Perry, y sirve para adentrarse en su personal mundo etéreo que ampara devaneos neoclásicos y ambientales, incursiones en la fusión étnica y sus exitosas aportaciones a las bandas sonoras de Ali, El dilema, El Fuego de la Venganza o a la multipremiada película, Gladiator.

Es intérprete vocal de uno de los temas de la película Gladiator, “Now We Are Free”, y junto al cantante Denez Prigent, interpretan la canción "Gortoz A Ran - J'Attends", realizada para la película "Black Hawk Down." Fuente Wikipedia

miércoles, 10 de febrero de 2010

Aquiles Delle Vigne

Aquiles Delle Vigne en CanadaAquiles Delle Vigne en Canada

Aquiles Delle Vigne en CoreaAquiles Delle Vigne en Corea

Aquiles Delle Vigne en gira en CoreaAquiles Delle Vigne en gira en Corea


Nacido en Argentina, Aquiles Delle Vigne dio su primer recital a la edad de 8 años. A los 17 años ya fue un discípulo de Claudio Arrau y ganó el gran premio de "Albert Williams", la más prestigiosa competencia en América del Sur. Este premio abrió las puertas de las salas de conciertos más importantes del continente para él.

Más tarde, completó su formación en Europa con el Prof. Eduardo del Pueyo y György Cziffra.

Ha realizado 20 tournées en Japón, 8 en Australia, Estados Unidos y México.

Hoy, se lo invita a los festivales más importantes que se realizan en las salas más importantes del mundo:

Santa Cecilia en Roma, Gaveau de la Salle en París, el Teatro Colón de Buenos Aires, el centro de las artes en Seúl, el Atheneu George Enescu en Bucarest, Tchaikowski Hall en Moscú, Filarmónica en St.Petersbourg, The Palais des Beaux-Arts en Bruselas, el Auditorium de Chulalongkorn de Bangkok, el Pablo Casals y el Salón Tsuda en Tokio, el teatro de Villa Lobos en Brasilia, la sala de Meirelles Cecilia en Río de Janeiro, el Palau de la música de Barcelona, De Doelen en Rotterdam, el Palacio de la música en Sofía, el Gothique de la Salle en Bruselas, El South Melbourne Town Hal, así como a lo largo de Sudáfrica y Chipre.



Se ha presentado en los festivales de Gstaad, París, Salzburgo, Madrid, Flaine, Lausana, Berna, Miami, Lljubiana, Skopje, Corea (Festival de euro) y el Festival de Beethoven, donde realizó los tres últimos conciertos de Beethoven.

AquilesDelle Vigne ha sido solista concierto bajo directores como Lord Yehudi Menuhin, Leopold Hager, Georges Octors, Alberto Lysy, Lee Dong-Ho, artísticamente Leskowitch, Vladimir Kim, Emiel Simon, Edvard r. Tchivtzel, André Vandernoot, Edgard Donneux, Fernando Terbi, Kamen Goleminov, Juan Carlos Zorzi, Reinaldo Zemba, Eugène Castillo, Jesús Medina, Claudio Santoro, Henrique Morelenbaum, Flavio Scogna, Hendrik Rycken, André Neve, D. Marinescou, Roberto Misto y Alexis Soriano, con la orquesta de la radio et Télévision Française, la RAI en Roma, el Orchestres nacional en Argentina, Bélgica, Colombie, México, la orquesta de la radio búlgara en Sofía, el Solisti di Roma, la Orquesta Filarmónica de Orchestres en Buenos Aires, Skopje, Fort Worth, Fort Wayne, Bucarest, río de Janeiro, Sao Paulo, Rosario, Bangkok, Paraná, Lima, México, Bogotá, Camerata Menuhin, Belgische Radio en Televisie y Carlos Chávez en México DF.

Como profesor, Aquiles Delle Vigne es muy codiciado internacionalmente. Actualmente enseña en el Conservatorio de Rotterdams (Codarts, Hogeschool voor de Kunsten) en Holanda.También da clases magistrales en la Internacional Sommerakademie Universität Mozarteum en Salzburgo y es profesor visitante en el Real Colegio del norte de música en Manchester.

Sus alumnos han ganado mas de 100 premios internacionales en todo el mundo.

También regularmente es invitado en la Juilliard, Manhattan y escuelas de Mannes en de Nueva York, el Conservatorio de Moscú de Tchaikowski y la Korsakow de St. Conservatorio de Petersburgo, la Universidad de Toho en Tokio, el Hochschules en München, Karlsruhe y Hamburgo, universidades y conservatorios de Seúl, Taejan, Sydney, Melbourne, Pretoria, Baltimore, Texas, Indiana, Osaka, Kyoto, Bangkok.

Ha sido jurado en las competiciones internacionales más importantes en los cinco continentes: Sydney, Pretoria, Cincinnati, Turín, Paris, Texas, Casagrande, Masters en Mónaco, Bellini, Madrid, Roma, Varsovia.

Su amplia discografía en EMI His Master's Voice, BASF Harmonia Mundi, BMG-RCA Victor, Pavanr y EMS han recibido elogios y distinciónes. Su actuación en los preludios por Olivier Messiaen para el Papa Juan Pablo II en el Vaticano le valió enormes elogios por los compositores.

Aquiles Delle Vigne reside actualmente en Bruselas con su esposa Chantal Remy . Sus hijos Laurence, Gabrielle y Guillaume quien ejecuta la música a igual que el. Fuente web de Aquiles Delle Vigne en Ingles.

martes, 9 de febrero de 2010

Alberto Fortis

Alberto FortisAlberto Fortis

Alberto FortisAlberto Fortis


Alberto Fortis (Domodossola, 3 de junio de 1955) es un compositor italiano También es el tío de Danijay.

ES autor de los textos y la música de canciones que interpretó, Fortis - que es también productor y director - está presente en la escena musical desde 1979.

Su discografía incluye grabaciones oficiales, compilaciones y vivas, una docena de títulos con grabaciones realizadas en Italia y en el extranjero (Los Angeles, Nueva York y Londres).
Tres de sus álbumes han sido recompensados con oro.

Muy revivir en los años 80, ha conocido - al menos en Italia - un período de olvido, regresando a en el 2006 con la participación en la tercera edición del reality show Music Farm, llevada a cabo por Simona Ventura.
Pasa de la niñez y la adolescencia en su ciudad natal; terminó sus estudios y se trasladó a Génova para inscribirse en las facultades de medicina y cirugía. En esos años comienza a tocar el piano y a componer canciones. Después de unas pocas pruebas se retira de estudios universitarios y se traslada a Roma, donde trabaja como gráfico y mientras tanto se pretende introducir, sin éxito, en el ambiente musical. La decepción y la ira de los jóvenes hacia la grabación del mundo de la capital se registrarán en Milán y Vincenzo (confrontacio s respecto de la grabación de Vincenzo Micocci) y A voi romani le, historias que aparecen más adelante en el primer álbum.

Un año más tarde reanuda el proceso en la música, esta vez en Milán, donde finalmente logra entrar en PolyGram gracias al letrista Alberto Salerno.

Así nació en 1979 el álbum Alberto Fortis, producido por Claudio Fabi y acompañado por el Premiata Forneria Marconi plenamente. Canciones como La sedia di lillà e Il Duomo di notte lo colocan a la palestra en el panorama de los nuevos jóvenes compositores del decenio de los años ochenta que está a punto de comenzar.

Los dos ya mencionadas canciones del álbum, "A voi romani"" y "Milano y Vincenzo", suscitaron en su salida una fricción por los textos , en el que algunos críticos y los usuarios de música debido a que sus letras hablaban sobre la diferencias que se hacian entre las personas originarias de Milan y las de Sur de Italia . Las dos canciones de alguna manera se impusieron por el circuito de radio-televisivo "oficial", pero había una popularidad en gran parte debido a los organismos de radiodifusión libres que decretaron el gran éxito. Algunos años después, el caricaturista Andrea Pazienza realizo un colorido clips de vídeo.

Vincenzo hace referencia polemicamente de Fortis en su canción es Vincenzo Micocci, grabación y mundial de talento que sesenta , fue fundada en Roma en la segunda mitad del año una casa editorial compañía y un sello discográfico (distribuido por RCA), de los Estados Unidos, que vieron el debut, entre otros, Francesco De Gregori, Antonello Venditti y Rino Gaetano. Fue una práctica común (casi en todas las casas de grabacion) poner bajo contrato jóvenes artistas y mantenerlos espera, a menudo sin lograr alguna vez un producto. Dicen fue este "parking" en los establos de la TI para causar rabia a Alberto Fortis y la canción resultante.

Posteriormente, Fortis ha propuesto una versión 'modificada' de Milán y Vincenzo que, en lugar de las palabras 'vidas en Roma y quién sabe?', canta 'del amor que sabe?'. La nueva versión aparece en el álbum vivoL'uovo(1991), en la que observa el compositor explica cómo sus versos no fueron dirigidos contra el pueblo de Roma, pero en contra de "formas de las burocracias de poder centralizado" de la capital.
Después de una breve experiencia en cine, donde interpreta a una pequeña parte en Samperi de Salvatore, deja su segundo álbum entre demonio y santidad, un álbum conceptual centrado sobre el diálogo entre el bien y el mal, pero obtiene menos éxito de público.

Es el tercer álbum de estudio, La grande grotta de 1981 consagra el gran éxito comercial solo en septiembre varias semanas en el ranking de venta italiano. Con la gran cueva comienza su peregrinaje artístico entre el antiguo y el nuevo continente. El disco es el resultado de unas vacaciones en los Estados Unidos: un club de música de fusión espartana, llamado Papa horneada, Fortis asiste a una jam session de Al Jarreau con músicos, que hasta entonces a él son desconocidos, que luego fueron tocados en el álbum: Abraham Laboriel (bajo), Alex Acuña (batería y percusión), parques de Dean y Mitch Holder (guitarras), John Phillips (saxo), Garey Mielke (teclados, ya con el Supertramp para Breakfast in America). Con Rossana Casale, coros en ese momento su novia con Alberto y Betty Vittori.

En 1982 un sinfín de fresas; hojas contenían temas sobre nieve, duettato de gran éxito también con Rossana Casale.

Después de estos cuatro álbumes Fortis ya no pueden obtener el mismo reconocimiento público y decide moverse en el extranjero, en los Estados Unidos.

En 2005, toma parte en O Shah, el festival buscado por Claudio Baglioni en la playa de la isla de Lampedusa.
En 2006, Fortis ha participado en la tercera edición de Música Farm, obtener el tercer lugar (Primero Pago, segunda Ivana España). Él trabajó en 2005 con Danijay, es tío, único me flores de lillà y en octubre de 2006 en el único Sin Fretta, también publicado en la m2o de volumen 13 de compilación. fuente wikipedia en italiano

lunes, 8 de febrero de 2010

Enrique Delfino

Enrique Delfino en 1938Enrique Delfino en 1938
Enrique Delfino con Hector Quintanilla filmando Ronda de Estrellas en 1938Enrique Delfino con Hector Quintanilla filmando Ronda de Estrellas en 1938

Enrique Delfino con el director Jack Davison durante la filmación de Ronda de Estrellas, agosto 1938Enrique Delfino con el director Jack Davison durante la filmación de Ronda de Estrellas, agosto 1938
Enrique Deflino toca en Sadaic, junto a el Osvaldo Fresedo en 1966Enrique Deflino toca en Sadaic, junto a el Osvaldo Fresedo en 1966

Enrique Deflino en la tapa de la revista Sintonia en 1936Enrique Deflino en la tapa de la revista Sintonia en 1936


DELFINO, Enrique Pedro. ("Delfy"). Músico. Pianista. Director. Compositor. Humorista. Inconfundible personalidad, exquisita sensibilidad creadora y rara fecundidad, fueron desde su aparición, las tres dimensiones capitales de su figura de artista.
Contemporáneo de Juan Carlos Cobián—con quien guardó, además, manifiestas afinidades de temperamento musical—compartió con éste y en segunda instancia con Fresedo y con Carlos V. G. Flores, la gestación de las corrientes melódicas del tango. A diferencia de otros compositores (el Bardi de El taura; el Arolas, de Maipo; el Canaro, de La Tablada; el Martínez, de Pablo, quienes, participando de la misma vocación renovadora, recogieron en sus páginas un influjo de aliento campesino con sabor arrabalero) él y Cobián incorporaron a sus temas el también refinado concepto de ciertas expresiones líricas de cuño francés e italiano: en particular, de las romanzas. En tal línea se perfilaron los "tangos romanza" Mujer y Mi refugio, de Cobián, y Bélgica y Sans Soucí, suyos. De este último, dijo su compositor: "Sans SOUCÍ anticipaba al tango moderno. Se estrenó en 1917, entre fragmentos de Parsifal, marchas y valses vieneses que la Orquesta Alemana de Montevideo incluía en sus conciertos callejeros." De aquel nuevo encuentro entre lo rioplatense y lo europeo surgió el tango de melodía cantable. Se le ha llamado, con entera propiedad, El Padre del Tango Canción; lo fue, porque de un modo más directo aún que las de Cobián, sus composiciones instituyeron el tango para cantar, le establecieron cánones de inalterable vigencia a través de cincuenta años y, en torno de 1920, contribuyeron, en primera fila, a su divulgación en un plano de invariable calidad.
Características de su obra fueron, en todo caso, la frescura de idea y de desarrollo de los dibujos melódicos; la pureza —no simplista— y la asombrosa variedad de temas esencialmen-te hermanados, siempre, por su estilo. Vibró en éste una cálida melancolía, hija de la ternura que le fue propia, en esa latitud temperamental que él mismo definió con infalible graficismo, afirmando que era "un compositor de ventana abierta"; esto es, un músico indisolublemente unido al sentir callejero. Fue el primero, además, que cultivó de manera permanente el tango de dos partes, instaurado, desde entonces, como norma estructural de carácter permanente para la especie.
Indesglosable en su espíritu, su obra admite, sin embargo, la articulación cronológica en cuatro secuencias sucesivas:
1) El período montevideano(1912-1919). Pertenecen a ésta sus tangos, Bonilla (1913), Pajonal (1913), Belgique, (1914), Fantástico (1916), Sans Soucí (1917), El gigoló (1918), Agua bendita (1919).
2) El periodo de su vinculación al teatro porteño (1920-1930): Corresponden al mismo, Milonguita (1920), La copa del olvido (1921), Porotita (1922), Rayito de sol (1923), Francesita (1923), Talán talán (1924), No le digas que la quiero (1924), Griseta (1924), Araca corazón (1927), No saigas cíe tu barrio (1927), Qué lindo es estar metido (1927), Aquel tapado de ar-miño (1928), Haragán (1928), Palermo(1928), Qué querés con ese loro (1929), A Montmartre (1929), Padrino pelao (1930), Dicen que dicen (1930).
3) El período de su actuación en el cine popular argentino (1930-1945): A éste pertenecen Araca la cana (1930), Canto por no llorar (1931), Otario que andás penando (1931), Ventanita florida (1932), Lucecitas de mi pueblo (1933), Santa milonguita (1933), Recuerdos de bohemia (1934), Guapo y varón(1936), Claudinette (1937), Ronda de estrellas (1938) Bandita de mi pueblo (1945).
4) Su obra posterior (1946 en adelante): Dinero dinero, Agua en las manos, Calor de
ausencia, Hermano grillo, Paisaje.
Como ejecutante, participó de las profundas tanto en el plano interpretativo como en el armónico y en el de la realización técnica, promovieron los hombres de su generación, porque, ya en la novedosa concepción de las obras, estaba implícita una también nueva manera mu-sical y anímica de ejecutarlas. Sus versiones de solista en los propios tangos Raulito y Amores viejos (discos Victor, 1919), insinuaban los criterios musicales que Cobián y Fresedo llevaron a la orquesta y Julio De Caro proyectó desde el 24, con vigor de escuela.
Nació en Buenos Aires en la calle Paraná, el 15 de noviembre de 1895. Hijo de los consignatarios de la confitería del Teatro Politeama (Corrientes entre Paraná y Uruguay), hizo en el piano del teatro sus tecleos de niño. Luego de realizados los estudios escolares y de recibidas sus primeras nociones de música, fue enviado a Europa, a fin de que culminara su bachillerato en Turín. Comenzó, ya de regreso, su actuación en público, como pianista del Cine Familiar Nº 3, de la calle Tucumán entre Esmeralda y Suipacha, en tanto debió compartir su vocación artística con varios empleos que su padre le obtuvo, en el deseo de encaminarlo en la carrera del comercio. Fiel a lo que entendió su destino, abandonó, por ello, la casa paterna radicándose en Montevideo; debutó el 3 de junio de 1911, en el cine Defensa, de la calle homónima (hoy, Pablo de María), entre Lavalleja y Chaná, con un seudónimo: "Roch".
En 1912, compuso su primer tango, El apache oriental, al que siguieron otros muchos, entre ellos Re Fa Sí (uno de los más populares y, a la vez, menos representativos de su estilo). Buena parte de su producción juvenil la estrenó él mismo durante su labor en la casa de música de Carlos U. Trápani o en sus actuaciones de la confitería Sport y del Teatro Royal. Tocó también en las "pensiones" o dirigiendo su orquesta, que integraron Genaro Nerón Domínguez y José Quevedo (bandoneones) y Edgardo Donato y Luis Alberto Castellanos (violines). Colaboró, luego, con elencos teatrales que se presentaron a la sazón en Montevideo; actuó con Alberto Ballerini, con Blanca Podestá y con Orfilia Rico. Regresó en 1919 a Buenos Aires, dirigiendo su conjunto en el Teatro Parisina, de 25 de Mayo al 400, Partió, a poco, en compañía de Osvaldo Fresedo y de Tito Roccatagliata, con rumbo a Nueva York, donde, enviados y contratados por la Victor, registraron dos series de discos fonográficos para ser luego difundidos en el Río de la Plata: una, tocando como Típica Select; otra, con solos de bandoneón por Fresedo y con solos de piano a su cargo. Al regreso, a la par de consagrarse fecundamente a la música esescénica —colaborando con Vaccarezza, con Romero, con Contursi y tantos otros—ofreció recitales de piano y violín con Agesilao Ferrazano en el foyer del Teatro de la Ópera; y, con Cayetano Puglisi, dentro de la misma modalidad, registró algunas interpretaciones para los discos Nacional, Odeón —su tango Porotita, entre ellas—. Para el mismo sello grabó luego algunossolos de excelente factura pianística, como el logrado de su tango Frivolité. A su regre-so de Norteamérica, también, y simultáneamente con su obra de compositor y de ejecutante, comenzó su trayectoria de artista del varieté en el Teatro Esmeralda, escudado tras el seudónimo que su gracia y su inventiva infinita enarbolarían famosamente: "Delfy". "Misterio el de sus manos recorriendo el teclado en estruendosas fórmulas irónicas —escribió de él Cátulo Castillo— y misterio su ingenio que emularía a Grock y que sería capaz de atravesar los mares para enseñarle a Europa y al mundo, la potencia expresiva de los artistas criollos". En efecto, debutó en el Teatro Maravillas, de Madrid en 1924, para actuar luego, fugazmente, en Bilbao, Santander y San Sebastián y aparecer con sonrisas en París, Londres, Berlín y ciudades de Italia, a las que volvió, de modo transitorio, en1925. De aquélla época data, asimismo, su vinculación con la radiotelefonía, en la que secundó por igual que en el disco, y juntamente con la guitarra de Manuel Parada, a las cancionistas Azucena Maizani y Sofía Bozán.
En 1935 dirigió la Orquesta Polifónica Odeón, y en 1938, la propia por LR3.
Desde 1933, contribuyó con música para catorce películas, a !a superación del cine nacional: Los Tres Berretines (1933), La Vuelta de Rocha (1937), Tres Andados en París (1938), Ronda de Estrellas (1938), Margarita, Armando y su Padre (1939), Asi es la Vida (1939) Persona Honrada se Necesita (1941), Los Martes Orquídeas (1941), Rigoberto (1945), El Mejor Papá del Mundo(1945), entre ellas. Actuó como solista en LR1, acompañado por la orquesta de Francisco Lomuto. Aunque no dejó de componer, se alejó paulatinamente —a medida que fue perdiendo su vista—, de los escenarios, consagrándose a sus inquietudes de radioaficionado desde la estación instalada en su casa de la calle Miró en el barrio Caballito, con la característica LU 4BZ. Las invisibles vibraciones de la radio, siguieron esparciendo así a cordiales rondas fraternales de más allá de todos los horizontes, la voz y la "boutade" del más gracioso de los humoristas y las notas del compositor inagotable de los tangos más tristes. Falleció en Buenos Aires, el 10 de enero de 1967. 

Horacio Ferrer