Armando Pontier

Armando Pontier

Armando Pontier (segundo entre los sentados de izquierda a derecha) en la época de

su orquesta codirigida con Enrique Francini. Con ellos entre otros, Juan José Paz, Fernando Cabarcos, Fernando Tell, José Bragato, Aquiler Aguilar, Alberto De! Bagno,

Emilio González, Ángel Domínguez y los cantores Raúl Berón y Roberto Rufino (1940).

PONTIER, Armando. (Nombre de familia: Armando Punturero). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Arregíador. Se contó desde su temprana aparición entre los más destacados valores de la Generación del Cuarenta, y a la par de los mayores compositores de tangos de todos los tiempos. Dotado de gran talento y de una inventiva musical que le ha permitido cultivar con idéntica calidad las diversas variedades formales del género, la mayor parte de sus páginas figuran ya como clásicos indiscutidos. A los amigos, A Zarate, A José Manuel Moreno, en su repertorio de tangos para orquesta, y Tabaco, Sombras del puerto, Margo, Trenzas, Anoche, son algunos de los títulos más representativos de su hermoso estilo. Nació en Zarate, provincia de Buenos Aires el 29 de agosto de 1917. En su pueblo natal estudió bandoneón y con Juan Elhert, solfeo, armonía y composición. Integró en sus primeros tiempos la orquesta de su maestro debutando en Buenos Aires con la misma en 1937. Juntamente con Enrique Francini, Raúl Berón, Osmar Maderna, Do-mingo Federico, actuó en la orquesta de Miguel Caló que dio proyección a las piezas iniciales de su repertorio de compositor, al igual que Aníbal Troilo, a quien dedicó admirativamente

                                                                  Armando Pontier

su tango Pichuco. El 1 de setiembre de 1945 debutó con su propia orquesta, compartiendo la conducción de la misma con Enrique Francini. Durante diez años la agrupación Francini-Pontier fue una verdadera forja de inquietudes tanguísticas definidamente orientadas en la línea renovadora de la música popular; arreglos y solistas de primer orden confirieron jerarquía a la extensa nómina de versiones grabadas para el sello Víctor en su totalidad y de las cuales cabe destacar a modo de muestra, las de los tangos Arrabal, Como tú, Pichuco, A los amigos, Lo que vendrá, la beba, Dicen que dicen, La culpa es mía, Delirio, Tigre viejo, Tan so/o por verte, Pa'que se acuerden de mi. A partir de 1955, disuelto el binomio con Francini, continuó su carrera como director independiente, conforme a una modalidad de corte más bailable con la cual viajó a Japón en 1967. Constituyó luego su sexteto, con las voces de Osear Ferrán y Carlos Casado, tocando en TV, Radio Municipal, Marabú y discos Music-Hall. En 1973, reconstituyendo su orquesta con
Francini, volvió a tocar en el Japón. Su obra se integra además con los tangos Claveles blancos, Cada día te extraño más, Qué falta que me haces, Canción para un breve final, Cuando talla un bandoneón, Corazón no le hagas caso, El milagro —entre los cantables— y Poema de arrabal —distinto y posterior al de Pollero—, El embajador, A mis amores, A la guardia vieja, A tus pies bailarín, Milongueando en el
40, entre los instrumentales, redondeando una obra de notable jerarquía. Con su habitual colaborador literario Federico Silva, compuso en 1969 los temas de Nuestro Buenos Aires, obra grabada por Aníbal Troilo y Roberto Goyeneche en disco Víctor.

Armando Pontier

Tributo de Armando Pontier a Aníbal Troilo es este formidable tango para orquesta, compuesto a la manera estructural antigua (dos partes y trio) pero con desarrollo temático de avanzada. Editada por Korn el 10 de octubre de 1946, y grabado por la orquesta Francini-Pontier con un arreglo que recoge y exalta los clásicos "yeites" troilianos

Patricia Ferro Olmedo (Voz de El Berretin)

Patricia Ferro Olmedo

Patricia ferro olmedo Cantautora, actriz, compositora, docente de canto y musicoterapeuta recibida en la universidad del Salvador de Buenos Aires, Argentina. Miembro de la Academia Nacional del Tango de la republica Argentina , Miembro Honoraria de la asociacion de letristas de tango LETRANGO De Buenos Aires y miembro de la Asociacion Española de musicoterapia y la Asociacion Nacional de Musicoterapia ITAIDOSHIN . Ha compartido escenario con destacadas figuras de la musica popular argentina e internacional tales como Rodolfo Mederos , Divididos , Luis Salinas , Ruben Juarez , Sacri Delfino,Gerardo Gandini , Estrella y Enrique Morente , Horacio ferrer, Lucho Baigo entre otros . Participo en diversas agrupaciones corales desde los 9 anos de edad. Realizo su primera actuacion como solista a los 10 a..os en el teatro Coliseo de Buenos Aires en un evento organizado por el Consulado Italiano en Argentina. Desde 1986 realizo algunas giras por el interior y exterior de la republica Argentina con agrupaciones corales de destacada trayectoria tales como el Coro de la biblioteca del congreso de la Rep..blica Argentina y Coro de la Universidad de Buenos Aires. Desarrollo una intensa actividad teatral entre los a..os 1989-1994.En el a..o 1993 forma duo con la guitarrista Griselda Italiano, realizando diversas presentaciones con un repertorio ..ntegramente de tangos. .Funda en 1994 el sexteto Groovin'Six (jazz), con quien realiza presentaciones por todo el circuito Jazzistico de capital federal y el interior de La Republica Argentina obteniendo elogiosas cr..ticas de la prensa especializada. En 1995 se desempeño como vocalista en el quinteto El Molde (jazz fusion) Integro desde su formacion EL DUO con el guitarrista Sacri Delfino, presentando entre 1994/96 el espect..culo ALREDEDOR DE LA MEDIA NOCHE Actua como cantante invitada en el Sacri Delfino Cuarteto (modern jazz) Actualmente integra el El Berretin tango (desde 1996) de quien es fundadora junto a Sacri Delfino y con quien realizo hasta la actualidad numerosas giras europeas que incluyen los paises de Espa..a, Francia, Inglaterra, Italia y los festivales internacionales de GRANADA, MADRID y LONDRES, MARRUECOS entre otros tambien ,Con esta formaci..n estrena en agosto de 1996 el espectaculo CONTANDO TANGOS ,y graba en 1998 un tango inedito para el CD que acompa..a el libro LA EPOPEYA DEL TANGO CANTADO del maestro HORACIO FERRER. Tambi..n en ese mismo a..o, edita su primer CD EL BERRETIN tango, que es presentado en LA ACADEMIA NACIONAL DEL TANGO DE Bs.As., y que fuera elegido como uno de los 100 discos m..s recomendados en la historia del tango por el diario La Nacion de la Republica Argentina. Algunos temas de su autoria fueron premiados en importantes certamenes de Argentina y del resto del mundo.( La memoria de mi gente , pudimos ser el sol , entre otros) En el 2000 aparece su segundo tango trabajo discografico con el Berretin : PLEGARIA A MI CIUDAD. Editado por la UNLZ (Universidad Nacional de Lomas de Zamora de la Rep..blica Argentina) Con el Berretin Tango, realiza en el a..o 2001 su primera experiencia de integracion de personas con capacidades diferentes a su trabajo art..stico, incorporando al grupo una pareja de bailarines con Sindrome de Down, presentando el espectaculo BUENOS AIRES HA VUELTO, en la Casa del tango de Buenos Aires, el Auditorio Astor Piazzolla de la Casa de la cultura de la Pcia de Buenos Aires y el 4º FESTIVAL DE TANGO DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES en marzo del 2002. En diciembre del 2001 resulta ganadora del certamen abierto de canto organizado desde mayo a noviembre del 2001 por la fundacion JULIO BOCCA. .En marzo del 2003 Participo en el elenco de la opera MARIA DE BUENOS AIRES de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer estrenada en Espa..a en el PALAU DE LA MUSICA DE VALENCIA . .En 2003 funda junto a Lila Horovitz, el grupo TIMTAYA (quinteto de cuerdas, guitarra y voz; que aborda repertorio latinoamericano tratado con arreglos de camara) con el que debuta en la CASA DE AMERICA en abril del 2004. Desde el 2002 y hasta la actualidad continua presentando con el Berretin tango AL SUR DE TODO EL CIELO. Autora de letras de letras de tangos incluidos en el libro "+ de 100 tangos nuevos " (26 autores contemporaneos de letras de tango) . subsidiado Por la Secretaria de Cultura del Gobierno de la Ciudad Bs As. Argentina .2005. Desarrolla una intensa labor como docente de canto moderno en prestigiosas escuelas de Música de Madrid y como asesora , entrenadora vocal personal y musicoterapeuta de reconocidas figuras del ambito musical moderno y artes escenicas tales como GRETA de Greta y los Garbos , LA MALA RODRIGUEZ , entre otros . ACTUALMENTE SE ENCUENTRA PRESENTANDO SU 1º cd COMO SOLISTA, MILAGROS DE MESTIZAJE y su espectáculo GARDELIANA . Fuente web de Patricia Ferro Olmedo

Patricia Ferro Olmedo

Entrevista de Pablo Rego a Patricia Ferro Olmedo. Fuente De Tangueros
Luego de la presentación de "Plegaria a mi ciudad"
PR- ¿Cómo fue llegar al momento de la presentación del nuevo CD?

PFO - En principio debo destacar el lugar en que lo presentamos. Este sitio (Café Homero) representa la historia. Hemos presentado nuestro disco en el mismo escenario en el que cantó "el polaco" (Goyeneche) y muchos más. Presentar nuestra música en la casa de un innovador del tango como lo es Rubén Juárez es un orgullo porque desde el punto de vista musical "el negro", de alguna manera, representa la vanguardia del tango. El hecho que él se hiciera eco de nuestra obra y nos ofreciera su casa para presentar este disco significa una enorme alegría y un reconocimiento muy importante para nosotros.

PR - Hablanos de la selección de los temas del CD.
PFO- Los temas fueron elegidos por el público porque, antes de llevar este material al estudio de grabación, lo fuimos presentando en diferentes shows durante los dos años posteriores al primer disco. Durante ese periodo hacíamos clásicos e intercalábamos los temas nuevos y la gente eligió los nuevos recordando el título o haciéndonos comentarios a cerca de alguno en particular. También aparecieron los premios obtenidos como el 1º premio del "Certamen Hugo del Carril '98" por "Juego Limpio" o la mención especial en el mismo certamen para "La memoria de mi gente". También el tango "Con fueye y demás" obtuvo el lugar de finalista en el certamen "Enrique Santos Discépolo '99". Además pudimos llevar estos temas al exterior y la respuesta de los argentinos residentes el los distintos lugares -identificando los sucesos de nuestro país a través de estos tangos- fue muy importante. Entonces, el reconocimiento de la gente especializada junto a la elección del público, de aquí y del exterior, nos llevaron a hacer una selección natural del material del disco y a empeñarnos en seleccionar una mayoría de tangos nuevos. Sabemos que el público de tango tradicional es difícil porque la década del cuarenta no puede igualarse y esto genera un desafío para lograr, mediante la sinceridad y nuestro potencial, un trabajo del repertorio.
PR - ¿Tuvo, El Berretín, una etapa de tango tradicional?
PFO -Esa etapa está plasmada en el primer CD. Hicimos nuestro primer trabajo sólo con tangos clásicos. La selección de esos temas estaba hecha en función de diferentes homenajes que realizábamos a distintas épocas y compositores del tango. Nuestra forma de innovar era a través del tratamiento que podíamos darle a los tangos, poniéndoles nuestro sentimiento y nuestro punto de vista musical.

PR - ¿Sienten ustedes que haber vivido esa etapa les da autoridad para comenzar a innovar dentro del género?
PFO - Si. Para hacer un trabajo nuevo, un aporte, hay que estudiar mucho los aspectos musicales, conocer a los grandes letristas, poetas e intérpretes de este género como así también las diferentes formas y estilísticas. Luego de conocer profundamente todo aquello, pudimos hacer algo nuestro dentro del tango.

PR - ¿Cuál es la intención que tiene el trío al momento de comunicarse con el público mediante un sonido característico?
PFO - Lo que buscamos esencialmente es "ser un trío". La idea es que la voz tenga la misma funcionalidad instrumental que el bandoneón o la guitarra. Los arreglos son construidos entre los tres. No tenemos un concepto de acompañamiento y cantante sino que tratamos que cada uno funcione como un instrumento. Por ejemplo, en algunos temas del disco mi función es cantar una línea de violín. O sea que no somos un dúo con cantante ni una cantante con acompañamiento.

PR - ¿Cómo llega la Universidad Nacional de Lomas de Zamora a producirle el disco?
PFO - Una de las cosas que me gustaría rescatar es que la gente de la universidad de Lomas tuvo una reacción similar a la del público al escuchar nuestra obra. Cuando bajamos del escenario del teatro "Isabel la Católica" de Granada - luego de haber tocado para unas mil quinientas personas- estaban allí y nos preguntaron si teníamos editado el material y ante nuestra respuesta negativa nos propusieron ser el vehículo para hacer público este trabajo. La intervención vino, entonces, desde la pasión pero también desde la apuesta a los proyectos de gente que hoy está haciendo este tango de hoy.

PR - ¿Sienten, ustedes, que son parte de una movida de gente joven que hace tango?
PFO - En Buenos Aires existe esta cosa de que cada grupo se siente un lobo estepario, dentro del ámbito del tango, porque es un medio difícil de transitar. La hostilidad de esta ciudad hace que seamos muy individualistas. De todos modos, a pesar nuestro, creo que todos somos parte de un movimiento que tal vez podamos verlo a la distancia, dentro de muchos años. Este es un movimiento se ha generado de quince años a esta época y creo que Rubén Juárez es uno de los puntales de esta movida porque , como parte de la generación intermedia, el aportó cosas al tango que nos permitió a los jóvenes pensar que podíamos crear y evitar caer en la repetición de lo que ya se había hecho.

PR - Además de referente, ¿Rubén Juárez es tu maestro en el tango?
PFO - A Rubén lo escucho desde mis cinco años pero lo tengo como referente por su actitud ante la vida. Me perece importante que el hecho de ser tan tanguero permita indagar y tomar elementos de otros géneros para traerlos al tango de una manera tan amplia y generosa para con la música, con el arte y con los artistas nuevos. Vocalmente es, sin dudas, mi maestro aún que no lo sepa o no quiera hacerse cargo de ello.
El máximo referente de todos los cantantes es Gardel. También hay mujeres como Nelly Omar o María Graña que admiro muchísimo. Nelly Omar es también un referente de vida teniendo en cuenta su vigencia al cantar inclusive hoy con su edad y además se juega por artistas nuevos, lo que demuestra que más allá de los años es una cuestión de actitud hacia el tango

Chris Connor en español and English

Chris Connor

Chris Connor ha ganado todas las críticas y populares comentarios en su medio siglo de reinado como uno de las más dotadas y distintiva vocalista de jazz en la historia. Para el deleite de los fans y compañeros músicos, su canto nunca ha sido más satisfactorio. Su cálida, cello-como los tonos de brillo con brillo nuevo, y su interpretación de la letra es más profunda que nunca. Connor el concierto de actuaciones en el Carnegie Hall y el Kennedy Center, una apariencia a la esencia del Festival de Jazz en Memphis, y su aparición como parte de la estrella studded JVC concierto homenaje a Miss Peggy Lee, así como las contrataciones club de jazz en lugares tales Birdland y como Iridium, han puesto de manifiesto un artista en la cima de su creatividad.

Nacida en 1927 en Kansas City, Missouri, Connor estudió clarinete, pero su carrera fue clara dirección a una edad temprana. "Yo siempre supe que quería ser cantante", dijo, "Yo nunca quería ser cualquier otra cosa." Después de terminar su escolaridad, ella tomó un trabajo de secretaría, mientras que los desplazamientos en fines de semana a la Universidad de Missouri para llevar a cabo con Stan Kenton influido en la universidad-banda de jazz. Un admirador de cantantes Kenton Anita O'Day y junio de Christy, Connor recuerda, "tuve mi mirada puesta en el canto con Kenton."

Frustrado por la falta de oportunidades de música vocal en su ciudad natal, Connor levantado en juego y se dirigió hacia el este en 1949. Fue contratado por Claude Thornhill y pasó los próximos cinco años de gira con su orquesta. Luego, en su comparecencia Jerry Wald con la banda, recibió la llamada telefónica había sido soñando. Junio Christy, Stan Kenton la actual vocalista, Connor había escuchado en un programa de radio y le recomendó al director de orquesta, que eligió de docenas de otros vocalistas ansiosos para el trabajo. "Mi voz parecía encajar a la banda," Connor dijo, "con bajo registro que al igual que Anita's y junio.

Chris Connor

Connor's de diez meses con Kenton temporada 1952-53 ganó durante su reconocimiento nacional. Su inquietante grabación de Joe Greene la balada "All About Ronnie" anunció la llegada de una nueva artista. Pero los años de una noche de stands, comida rápida y paseos interminables de autobús soured Connor del entusiasmo por la vida en la carretera. "En ese momento, me padecido cerca de seis años de un nighters y yo casi había". Hasta el día de hoy los valores que la formación musical que recibió con Kenton, sobre todo las habilidades relacionadas con el tiempo, fraseo y el "cómo a entrar en exactamente en la nota derecho mientras que el 18 o 20 músicos están desempeñando sus partes. "

Decidida a forjar una carrera como artista en solitario, Connor regresó a Nueva York y firmó con Belén Records en 1953. Sus tres álbumes para la etiqueta independiente que, con Ellis Larkins, Herbie Mann, Kai Winding y JJJohnson, establecida como una gran voz del jazz. En 1956, comenzó un período de seis años de asociación con Atlantic Records que produjo una cadena de gráfico-topping grabaciones organizado por Ralph Burns, Al Cohn, Jimmy Jones y Ralph Sharon, mostrando una serie de leyendas del jazz - John Lewis, Oscar Pettiford, Lucky Thompson, Phil Woods, Kenny Burrell, Milt Hinton, Clark Terry, Oliver Nelson y, en particular en un memorable emparejamiento, Maynard Ferguson's big band.

Chris Connor

La roca youthquake de los años 60 y finales de los 70 descarrilado las carreras de muchos artistas de jazz, pero persisten Connor, actuando en los clubes, gira Japón y el registro de una variedad de etiquetas. Los comienzos de los 80 resurgimiento del interés en cantar jazz revitalizado su carrera, dando lugar a un soporte de muy aclamado Contemporáneo CDs. En los años 90 comenzó a grabar para el sello japonés Alfa. Connor grabado dos CDs con el jazz pianista Hank Jones y su trío, "Angel Eyes" y "Con el paso del tiempo." Luego grabó dos discos con su propio quinteto, "My Funny Valentine", organizado por Richard Rodney Bennett, y " Blue Moon ", una colección de canciones de películas, ordenadas por Michael Abene.

El nuevo milenio trajo el eterno cantante en una nueva grabación de acuerdo, con la firma en Nueva York basado Alto Nota Records en 2000. Su primer lanzamiento, "Embrujadas Corazón", también organizado por Michael Abene, fue puesto en libertad de septiembre de 2001, y un segundo CD "I Walk Con la música", fue puesto en libertad en 2002, también con Michael Abene y la organización de productores.

Chris regresó a otro japonés etiqueta y grabó "Lullaby Of Birdland" de King Record CO.LTD, con pianista y arreglista David Matthews. Fue liberado en septiembre de 2003.

De su actual cantar, Connor dijo: "No he cambiado mi enfoque, aunque mi voz se ha convertido en profunda y suave, y yo no experimento como mucho. Cuando eres joven, te overplay como músico y que el exceso de cantar como un cantante porque usted está tratando todas estas ideas, y yo estaba tirando en todo menos el fregadero de la cocina. He eliminado un montón de cosas que yo solía hacer. El más simple es, la mejor funciona para mí. "Ella sigue siendo, como crítico Larry Kart proclamado en el Chicago Tribune," una presencia dominante vocal cuya música está llena de ganada con tanto esfuerzo la sabiduría y la verdad. "

Chris Connor

In English
Chris Connor has won every conceivable critical and popular accolade in her half century reign as one of the most gifted and distinctive vocalists in jazz history. To the delight of fans and fellow musicians, her singing has never been more satisfying. Her warm, cello-like tones glow with new luster, and her interpretation of lyrics is more deeply felt than ever before. Connor’s concert appearances at Carnegie Hall and the Kennedy Center, an appearance at the Essence of Jazz Festival in Memphis, and her appearance as part of the star studded JVC tribute concert to Miss Peggy Lee, as well as jazz club engagements at such venues as Birdland and Iridium, have revealed an artist at the peak of her creative powers.

Born in 1927 in Kansas City, Missouri, Connor studied clarinet, but her career direction was clear at an early age. “I always knew I wanted to be a singer,” she said, “I never wanted to be anything else.” After completing her schooling, she took a secretarial job while commuting on weekends to the University of Missouri to perform with a Stan Kenton-influenced college jazz band. An admirer of Kenton singers Anita O’Day and June Christy, Connor recalls, “I had my sights set on singing with Kenton.”

Frustrated by the lack of vocal musical opportunities in her hometown, Connor pulled up stakes and headed east in 1949. She was hired by Claude Thornhill and spent the next five years touring with his orchestra. Then, while appearing with Jerry Wald’s band, she received the phone call she had been dreaming of. June Christy, Stan Kenton’s current vocalist, had heard Connor on a radio broadcast and recommended her to the orchestra leader, who chose her from dozens of other vocalists eager for the job. “My voice seemed to fit the band,” Connor said, “with that low register like Anita’s and June’s.

Connor’s ten-month stint with Kenton during 1952-53 won her national recognition. Her haunting recording of Joe Greene’s ballad “All About Ronnie” announced the arrival of a fresh new artist. But the years of one-night stands, fast food and interminable bus rides soured Connor’s enthusiasm for life on the road. “By that time, I’d endured about six years of one-nighters and I’d just about had it.” To this day she values the musical training she received with Kenton, especially the skills relating to time, phrasing and “how to come in on exactly the right note while 18 or 20 musicians are playing their parts.”

Determined to forge a career as a solo artist, Connor returned to New York and signed with Bethlehem Records in 1953. Her three albums for that independent label, featuring Ellis Larkins, Herbie Mann, Kai Winding and J.J.Johnson, established her as a major jazz voice. In 1956, she began a six-year association with Atlantic Records that produced a string of chart-topping recordings arranged by Ralph Burns, Al Cohn, Jimmy Jones and Ralph Sharon, showcasing a host of jazz legends - John Lewis, Oscar Pettiford, Lucky Thompson, Phil Woods, Kenny Burrell, Milt Hinton, Clark Terry, Oliver Nelson and, in a particularly memorable pairing, Maynard Ferguson’s big band.

The rock youthquake of the late ’60s and ’70s derailed the careers of many jazz artists, but Connor persisted, performing in clubs, touring Japan and recording for a variety of labels. The early ’80s resurgence of interest in jazz singing revitalized her career, leading to a brace of highly-acclaimed Contemporary CDs. In the ’90s she began to record for the Japanese label Alfa. Connor recorded two CDs with jazz pianist Hank Jones and his trio, “Angel Eyes” and “As Time Goes By.” She then recorded two additional CDs with her own quintet, “My Funny Valentine,” arranged by Richard Rodney Bennett, and “Blue Moon,” a collection of movie songs, arranged by Michael Abene.

The new Millennium brought the timeless singer into yet another recording agreement, signing with the New York based High Note Records in 2000. Her first release, “Haunted Heart,” also arranged by Michael Abene, was released September 2001, and a second CD "I Walk With Music," was released in 2002, also with Michael Abene arranging and producing.

Chris then returned to another Japanese label and recorded "Lullaby Of Birdland" for King Record Co.Ltd, with pianist/arranger David Matthews. It was released in September 2003.

Of her current singing, Connor said, “I haven’t changed my approach, although my voice has become deeper and softer, and I don’t experiment as much. When you’re young, you overplay as a musician and you over-sing as a singer because you’re trying all these ideas, and I was throwing in everything but the kitchen sink. I’ve eliminated a lot of things I used to do. The simpler it is, the better it works for me.” She remains, as critic Larry Kart proclaimed in the Chicago Tribune, “a dominating vocal presence whose music is full of hard-earned wisdom and truth.”Fuente Web de Chris Connor

Maria Graña

Maria Graña

María Graña nació en Buenos Aires y desde su primera infancia tuvo una pasión por el canto. A la edad de doce comenzó a estudiar con la profesora Elvira Aquilano, con quien estudió durante diecisiete años. En 1970 se presentó en un concurso en el programa de televisión "Canta el pueblo" en Canal 7. Luego cantó "La canción de Buenos Aires" y el consejo le concedió el primer premio. Su nombre fue escuchado por el maestro Pugliese, que ya sabía ella, por lo que la invitó a unirse a su orquesta junto a su otro vocalista, Abel Córdoba. Ella hizo su debut en el club nocturno "Michelangelo" en 1973. Su calidez, su encantadora personalidad comunicativa, y un sobrio y fuerte manera de interpretar el tango hecho el público se identifica con ella en pocos minutos. También apareció en Canal 11. Es una lástima que don Osvaldo y María no hace las grabaciones de dar pruebas de que el trabajo en equipo. Los números que María realiza con Pugliese fueron: "Nostalgias", "Volver", "Amar Amando" y "La canción de Buenos Aires". En 1975 la cantante viajó a Colombia unirse a un tango que incluía embajada Mario Bustos, Argentino Ledesma y otros. Actuaron en los más elegantes salones de Bogotá, Medellín y en la Plaza de Toros (Plaza de Toros), de Manizales. Así fue el abrumador éxito de María que la grabación empresa Codisco firmado su acta de su primer LP como solista. Se tituló "La gran tanguista" y el acompañamiento musical se compone de un grupo de argentinos y colombianos músicos. El que la liberación se destacan los tangos "Canción desesperada" y "Garras" y el vals "Flor de lino". Ese mismo año viaja a Brasil y a otros países de América del Sur y cuando se le preguntó sobre la razón de su éxito, ella respondió: «No puedo explicar eso. El único que puede hacerlo es el público. Sólo sé que soy un cantante que cultiva un estilo melódico con algunos toques gardeliano. Creo que han contribuido fuertemente a la delicadeza femenina de tango. »Televisión fue siempre el más adecuado de los medios de comunicación para la popularidad de la cantante. Ella fue una siempre presente la figura en los programas: "El tango del millón", "Buenas noches Buenos Aires" y "Tango Club" en canal 11 y en "Grandes valores del tango" por Canal 9. En 1977 me llamaron de Canal 7 para escribir y coordinar un programa titulado "Amistangos" emceed por Héctor Larrea. Músicos y cantantes tendrían que ser renovada periódicamente, con excepción de María Graña que tenía que aparecer con mayor frecuencia. Lo mismo ocurrió con dos grandes espectáculos que he hecho para el mismo canal. Uno de ellos fue titulado "Los poetas del tango" y el otro, "Siete décadas de tango". En ambas tuve la suerte a fin de contar con ella. Así como la noche de Buenos Aires proporcionado las sedes para el lucimiento de su voz en los mejores locales de tango: "Michelangelo", "Caño 14", "El viejo almacén" y otros. Ese año 1977 grabó un long play disco para el sello M & M, acompañados por una orquesta dirigida por el bandoneonista Juan Carlos Bera. Los números "Y te parece todavía", "Nostalgias", "El último Escalón" y "Cien guitarras" se encontraban entre los doce que comprende el registro. Las notas fueron firmados por Pugliese que, entre otras cosas, dice: «... su interpretación de pruebas de sensibilidad a los diferentes momentos que tocar las canciones y la música la demanda, la calidad, la calidez y el testimonio de su voz en las diferentes parcelas es gracias a la perseverancia en el estudio, el inevitable camino que debe ser emulado por todos los que son o están a punto de seguir el camino de la canción popular. »Entre 1978 y 1981 su trabajo en televisión fue intensa. Quiero destacar su aparición en un programa que fue realmente un hito entre las producciones de tango, debido a su buen gusto, su escenografía, su vestuario y la elección de los artistas: "La Botica del Angel", creado y dirigido por Eduardo Bergara Leumann. En diciembre de 1981 fue invitada por Pugliese a aparecer en un registro junto a diez jóvenes cantores de tango para la Emi-Odeon etiqueta. La pieza elegida fue: "Y no puedo olvidarte" de Armando Cupo y Abel Aznar. En 1982 graba para CBS Columbia-un disco con diez números que incluye como invitados especiales Jorge Falcón y Guillermito Fernández a cantar dos canciones a dúo: "El día que me quieras" con el anterior y "La flor de la canela" con el este último. En esa liberación "Caserón de tejas" se incluyó, una serie que hasta ahora acompaña a María en todas sus apariciones. La dirección musical estuvo a cargo del maestro Martín Darré. Ese año culminó cuando fue galardonado con el "Premio Prensario" como el mejor cantante de tangos. Al año siguiente, en septiembre se encontraba en el debut de París en el espectáculo "Tango Argentino", dirigida por los coreógrafos Claudio Segovia y Héctor Orezzoli. Esa primera personal estaba integrado por el Sexteto Mayor, Horacio Salgán-Umberto De Lío dúo, los cantantes Roberto Goyeneche, Raúl Lavié, María Graña, Jovita Luna, Elba Berón y Alba Solís. La coreografía fue diseñada por Juan Carlos Copes. El show continuó en diferentes ciudades de Italia y regresó a París en 1984. Una vez más como solista, viajó a Canadá en 1985, donde actuó en varias ciudades y, posteriormente, se fue a Nueva York para cantar durante quince días en el "Centro de la ciudad". El "New York Times" llamó la "Judy Garland del Tango". Más tarde, un nuevo disco con CBS-Columbia vendría, esta vez bajo la dirección musical de Raúl Plate. En ella "La noche que te fuiste" y "Cornetín" se destacan, entre otros. En ese momento ella ya no es miembro del elenco de "Tango Argentino", a causa de sus obligaciones como solista. Sin embargo, se reintegró en 1991, cuando el espectáculo se presentó en el "El Aldwych Theatre" de Londres. A partir de ahora para ir a la descripción de la importante carrera de María Graña que nos hacen escribir decenas de páginas. Por esa razón y destacamos brevemente su liberación con Horacio Ferrer titulada "Graña con Ferrer", en escena en un teatro de "La Plaza" complejo de Sarmiento y Montevideo; Su aparición en 1993 en el Teatro Cervantes como invitado especial de la Orquesta Nacional de Música Argentina "Juan de Dios Filiberto"; Su nuevo disco en 1995, producido por su marido, el difunto "Mochín" Marafioti. En ella importantes figuras de la música y el canto se presentan: Juanjo Domínguez, Mercedes Sosa, Oscar Cardozo Ocampo, Sexteto Mayor, Valeria Lynch, entre otros. A fines de 1996 se unió a una delegación a Francia junto con el cantante Jairo, el bandoneonista y director Raúl Garello y otros artistas. El 1 de enero de 1997, rindió homenaje a Gardel en su propia tierra, en la ciudad de Toulouse. Por suerte para todos nosotros el amor que el mejor tango, hoy todavía disfrutan el arte de esta estupenda cantante. Como una especie de despedida, quiero recordar la frase de Libertad Lamarque que escribió en la contratapa de uno de sus discos: "María ... tango necesidades que de esta manera ... Perfect!"
Maria Graña y Enrique Dumas

In English
María Graña was born in Buenos Aires and since her early childhood she had a passion for singing. At age twelve she started to study with the teacher Elvira Aquilano, with whom she studied for seventeen years. In 1970 she appeared at a contest on the television program "Canta el pueblo" on Channel 7. Then she sang "La canción de Buenos Aires" and the board awarded her the first prize. Her name was heard by maestro Pugliese who already knew her, so he invited her to join his orchestra alongside his other vocalist, Abel Córdoba. She made her debut at the nightclub "Michelangelo" in 1973. Her warmth, her charming communicative personality, and a sober and strong way of interpreting tango made the public be identified with her in a few minutes. They also appeared on Channel 11. It's a pity that don Osvaldo and María did not make recordings to give evidence of that teaming. The numbers that María performed with Pugliese were: "Nostalgias", "Volver", "Amar amando" and "La canción de Buenos Aires". In 1975 the singer traveled to Colombia joining a tango embassy which included Mario Bustos, Argentino Ledesma and others. They appeared at the most elegant halls of Bogotá, Medellín and at the Plaza de Toros (bullring) of Manizales. So overwhelming was the success achieved by María that the recording company Codisco signed her to record her first LP as soloist. It was titled "La gran tanguista" and the musical accompaniment was comprised of a group of Argentine and Colombian musicians. On that release the standouts are the tangos "Canción desesperada" and "Garras" and the waltz "Flor de lino". That same year she went to Brazil and to other South American countries and when she was asked about the reason of her success, she answered: «I can't explain that. The only one who can do it is the audience. I only know that I am a singer that cultivates a melodic style with some Gardelian touches. I think I have contributed a strongly feminine finesse to tango.» Television was always the most suitable of communications media for the popularity of the singer. She was an ever-present figure at the programs: "El tango del millón", "Buenas noches Buenos Aires" and "Tango Club" on Channel 11 and at "Grandes valores del tango" on Channel 9. In 1977 I was called by Channel 7 to write and coordinate a program titled "Amistangos" emceed by Héctor Larrea. Musicians and singers would have to be renewed periodically, except María Graña who had to appear more frequently. The same happened with two big shows that I made for the same channel. One was titled "Los poetas del tango" and the other, "Siete décadas de tango". On both I was lucky enough so as to count on her. As well the night of Buenos Aires provided venues for the showcasing of her voice at the best tango locals: "Michelangelo", "Caño 14", "El viejo almacén" and others. That year 1977 she recorded a long-playing disc for the label M&M, accompanied by an orchestra led by the bandoneonist Juan Carlos Bera. The numbers "Y te parece todavía", "Nostalgias", "El último escalón" and "Cien guitarras" were among the twelve that comprised the record. The liner notes were signed by Pugliese who, among other things, said: «...her interpretations evidence sensitivity at the different touching moments that lyrics and music demand; the quality, the warmth and the assurance of her voice at the different pitches is due to the perseverance in studying, the inevitable way that must be emulated by all those who are or are about to follow the road of popular song.» Between 1978 and 1981 her labor on television was intense. I want to highlight her appearance at a program that was truly a milestone among the tango productions because of its good taste, its scenography, its costumes and the choice of artists: "La Botica del Angel", created and conducted by Eduardo Bergara Leumann. In December 1981 she was invited by Pugliese to appear at a record alongside ten young tango vocalists for the Emi-Odeon label. The piece chosen was: "Y no puedo olvidarte" by Armando Cupo and Abel Aznar. In 1982 she recorded for CBS-Columbia a disc with ten numbers which included as special guests Jorge Falcón and Guillermito Fernández to sing two tunes in duo: "El día que me quieras" with the former and "La flor de la canela" with the latter. On that release "Caserón de tejas" was included, a number that up to now accompanies María on all her appearances. The musical direction was in charge of maestro Martín Darré. That year climaxed when she was awarded the "Premio Prensario" as the best female tango singer. The following year in September she was at the debut in Paris of the show "Tango Argentino" directed by the choreographers Claudio Segovia and Héctor Orezzoli. That first staff was comprised by the Sexteto Mayor, the Horacio Salgán-Umberto De Lío duet, the singers Roberto Goyeneche, Raúl Lavié, María Graña, Jovita Luna, Elba Berón and Alba Solís. The choreography was devised by Juan Carlos Copes. The show continued in different cities of Italy and returned to Paris in 1984. Again as soloist she traveled to Canada in 1985, where she performed in several cities and subsequently she went to New York to sing for fifteen days at the "City Center". The "New York Times" called her the "Judy Garland of Tango". Later a new record with CBS-Columbia would come, this time under the musical direction of Raúl Plate. On it "La noche que te fuiste" and "Cornetín" are standouts among others. By this time she was no longer a member of the cast of "Tango Argentino" because of her obligations as soloist. However, she rejoined them in 1991 when the show was presented at the "The Aldwych Theatre" of London. From now on to go on describing the important career of María Graña would make us write tens of pages. For that reason and briefly we highlight her release with Horacio Ferrer titled "Graña con Ferrer", staged at a theater of "La Plaza" complex of Sarmiento and Montevideo; Her appearance in 1993 at the Teatro Cervantes as special guest of the Orquesta Nacional de Música Argentina "Juan de Dios Filiberto"; Her new record in 1995, produced by her husband, the late "Mochín" Marafioti. In it important figures of music and song are featured: Juanjo Domínguez, Mercedes Sosa, Oscar Cardozo Ocampo, Sexteto Mayor, Valeria Lynch, among others. In the late 1996 she joined a delegation to France alongside the singer Jairo, the bandoneon player and leader Raúl Garello and other artists. On January 1, 1997 they paid homage to Gardel in his own land, in the city of Toulouse. Luckily for all of us who love the best tango, today we still enjoy the artistry of this stupendous female singer. As a sort of farewell I want to remind you of the phrase that Libertad Lamarque wrote on the back cover of one of her records: "María... tango needs you this way... Perfect!" Fuente web de Maria Graña

Stella Milano

Stella Milano

Stella Milano nacio en Misiones, Argentina, junto a las Cataratas del Iguazu, iniciando su vocacion a los 16 años como disk-jokey y animadora de programas radiales infantiles y television locales...recibiendo dos “Santa Clara de Asis” ... Television Nacional de Chile la contrato para dos de sus ciclos mas exitosos actuando en “Teatro como en el Teatro”y como cantante en “Sabor Latino”, de trascendencia continental... Radicada en Estados Unidos presenta en cadenas de Hoteles-Casinos sus shows en ingles y español ... “2 X 4 Tango” y junto al legendario cantante Horacio Deval “New Age Tango”, “Con Tango Art”y “Los Grandes del Tango”, en mas de 100 ciudades de USA, Canada, Mexico, Rep. Dominicana y Japon... Como “Star of the show” de Greg Thompson Productions (www.gregthompsonproductions.com ) encabezo los espectaculos “Caribbean Carnival Show” en el Hotel-Resort Hollyday Inn-Miami Beach-Florida, “Heatwave Show” en el Sheraton Hotel-Casino-Resort-King of Prussia-Filadelfia, “Womanism Show” en el Tokyo Hilton Hotel- Japon y en el presente año 2006 “Hot Hot Hot Show” en el Seven Feathers Hotel-Casino-Resort-Cayonville-Oregon, todos en temporadas de 6 meses continuos ... En California con MIA Records Inc. grabo los CDs “Tangos al estilo de Stella Milano”, “Tangos with The Taste of Woman” y “Mi apellido es Buenos Aires”... En Radios FM de Miami-Florida continua con sus exitosos programas en español e ingles “Tango y Milonga” diurno y “Conversando Tangos” nocturno ...En 2005 Berklee College of Music de Boston-Massachussetts la invito a dar una Clinica sobre “Perfomance & Stage Presence ” (Presencia y actuacion escenica) a sus estudiantes. En uno de sus Conciertos el Alcalde de la Ciudad de Milpitas-California
Stella Milanao


le entrego las “Llaves de la Ciudad” por su invaluable aporte a la difusion del “Tango. En Miami-Florida por su profesionalismo, dedicacion y participacion en innumerables actividades sociales, aportes beneficos el Alcalde la honro durante uno de sus Conciertos, con una Proclama de Reconocimiento en nombre de la Ciudad y sus Comunidades, al agradecer Stella expreso ... “ Creo que los grandes poetas y maestros musicales que enamoran a varias generaciones, estan dictados por una fuerza divina... angeles. Simplemente me siento orgullosa por ser parte de ese gran proyecto... mil gracias !!!”
Stella Milanao


In English
Stella Milano was born where the Iguazu Waterfalls meet Argentina, Brazil, and Paraguay. She began her career at a young age of 16 as a disc jockey of Kids shows and later proceeded to MC her own television shows, “Tiempo Libre” and “Exclusiva,” in which she won for 2 consecutive years the “Santa Clara de Asis” award. She acted on various television soap operas in Chile and co-hosted and organized the television special “El Festival en Bote” (“The Festival in Boat”) during the “Festival Internacional de la Cancion” (The International Festival of Songs) in Viña Del Mar, Chile. She also acted in the world famous club “Crazy Horse” in Santiago. On returning to Argentina, she starred in 3 different motion pictures by
Stella Milano

King Films Motions Pictures, simultaneously, she performed for 2 consecutive seasons in “The Electric Magic Show” in the Sheraton of Buenos Aires where she reached high acclaim as an interpreter of tangos and ballads. The following year, Stella represented Argentina in the festival “Internacional Costa a Costa” (International Coast to Coast) in Uruguay, obtaining the award as “Best Interpreter,” also, she performed in the musicals “Fiddler on the Roof” and “Chorus Line” in Argentina which she again received the award “EL Rugantino de Oro” which is presented by La Cadena de Espectaculos (The Association of Performing Arts.) Later, in Miami she starred in 2 television soap operas en the Hispanic television channels and also in Miami Beach she had a tremendous success for her interpretation of “Don’t Cry For Me Argentina.” Stella was also the star of the Buenos Aires show “Karim – Paris Style” In Her time in the US, she was contracted by Greg Thompson Productions to be the headline of shows such as “Womanism” for 6 months in the Japan Hilton Tokyo, “Heatwave” for 6 months in the Sheraton of Miami Beach, “King of Prussia” for 6 months in the Sheraton of Philadelphia, “Caribbean Carnival” 6 months in Miami. Also, she had numerous amount of shows directed and organized by Stella such as “2x4 Tango” with legendary tango singer Horacio Deval, “New Age Tango,” “Con Tango Art,” and “Los Grandes del Tango.” She did radio as well in Miami, her own productions as well, radio programs such as “Conversando Tangos” and “Milonga y Tango” each lasted a year. Stella has recorded 6 albums: “Baladas, Tangos al Estilo de Stella Milano”(“Ballads, Tangos in the style of Stella Milano”), “Mi Apellido es Buenos Aires” (“ My Last Name is Buenos Aires”), and “Tangos a Sabor de Mujer” (“Tangos with The Taste of Woman”) where she demonstrates her majesty, talent, and versatility of a great singer & Performer.Fuente Stella Milano

Biografia de Ray Charles

Ray Charles

Nacido en Albany, Georgia, Ray Charles perdió la vista durante su infancia por un glaucoma. Fue autodidacta del piano, pero también recibió clases de música en braille en la "St Augustine School", un centro para invidentes. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico, cuando fallecieron sus padres. A finales de la década de los cuarenta, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país, y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias a "Baby, Let Me Hold Your Hand" en 1951. Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición al poner letras religiosas a canciones y viceversa. Thomas A. Dorsey, uno de los fundadores de la música gospel, que también tuvo una carrera significativa en la música popular. Solomon Burke y Little Richard incluso se movieron entre los dos estilos.

Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante con "(The Night Time is) The Right Time" y su canción más popular 1959, "What'd I Say". La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia Afroamericana en Atlanta en 1959. Este álbum incluso caracteriza el primer show en vivo de "What'd I Say" se disparó como un éxito en Atlanta, meses antes fue grabada en el estudio una mejor versión en dos partes.

Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic que ahora lo llamaba El Genio. El grabó con muchas orquestas y muchos artistas de Jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country con el "I'm Movin' On" de Hank Snow.

Luego, se cambió a ABC Records. En ABC, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción "Unchain My Heart" y el número 1 en los listados de Billboard, "Hit the Road, Jack". En 1962, Charles sorprendió su nueva audiencia externa con su importante álbum Modern Sounds in Country and Western Music, que incluye los temas "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me". Esto fue seguido por una serie de éxitos, incluyendo "You Are My Sunshine", "Crying Time", "Busted" y "Unchain My Heart".

Ray Charles

En 1961, Charles canceló un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Contrario a lo que la película autobiográfica de Ray dice, Ray nunca fue vetado en Georgia, aunque tuvo que pagar la compensación del manager. [1] Ese mismo año el hizo un dueto en un álbum con la vocalista de jazz Betty Carter.

En 1965, Charles fue arrestado por posesión de heroína, a la que fue adicto durante 17 años. Fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en Los Angeles. Pasó un año en libertad condicional y realizó el "Let's Go Get Stoned" de Ashford y Simpson (1966)

Después de 1960, Charles realizó lo que sería un éxito o su pérdida, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna música que fue desechada como copia y permanente. Se concentró en espectáculos en vivo, aunque su versión de "Georgia On My Mind", una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y pronto fue proclamada como la canción por excelencia de Georgia en Abril 24, de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado. Incluso tuvo éxito con su única versión de "America the Beautiful". En 1980 Charles hizo una breve aparición en The Blues Brothers.

Finalizando 1980, se incrementó el reconocimiento de Ray entre su audiencia. En 1985, "The Night Time is the Right Time" fue usada en el episodio "Happy Anniversary" del The Cosby Show. Los actores usaron la canción para mostrar un canto popular que aumentó el rating del show. En 1986, el colaboró con Billy Joel en "Baby Grand" para el álbum de Joel The Bridge, participó en U. S. A. for Africa. En 1987, Charles apareció en el episodio "Hit the Road, Chad," de Who's the Boss. Charles canto la canción, "Always a Friend". También apareció muchas veces en el espectáculo The Nanny, tocando con Yetta (Ann Guilbert). La nueva colección de Charles con el público ayudó a una campaña de la Pepsi Dietética. En su campaña publicitaria más exitosa, Charles popularizó la frase "You've got the right one, baby!" A la altura de esta fama reencontrada a comienzos de los 90s, Charles invitó vocalistas para algunos proyectos. Esto incluía a la canción de INXS "Please (You've Got That...)", en el Full Moon, Dirty Hearts, así como la canción Designing Women en su sexta sesión. El también apareció (con Chaka Khan) con un viejo amigo Quincy Jones' en el éxito I'll Be Good To You de 1990. En 2004 Charles realizó un álbum de duetos, Genius Loves Company, que fue nominado en los Grammy Awards a Mejor Álbum vocal pop, Álbum del año, y canción del año. El ganó Álbum del año y canción del año. Un dueto con Norah Jones, "Here We Go Again", fue nominado a Mejor canción.

En 1996, Ray Charles hizo un cameo en la película "Espía como puedas".

Falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.Fuente Wikipedia

Nana Mouskouri

Nana Moukouri

Nana Moukouri

Nana Mouskouri (en griego Nάνα Μούσκουρη): (Chania-Creta, 13 de octubre de 1934) es una cantante griega, particular por sus reconocibles gafas negras, y por ser una de las solistas con mayores ventas en la historia.

Su nombre es Joanna Mouskouri, conocida como Nana. Inició su carrera a temprana edad y se estableció con su familia en Atenas, donde su padre trabajaba como proyeccionista de cine, ahí comenzó el amor de Nana por el arte, especialmente la música.

Al comenzar la Segunda Guerra Mundial, Nana continuó con sus estudios, gracias al apoyo de su profesor de música y permaneció en el conservatorio hasta 1950. Luego cantó en pequeños clubes nocturnos, donde Harry Belafonte la daría a conocer posteriormente. Al percatarse de estas 'escapadas' de Nana a los clubes de jazz la echó del conservatorio, y como ella menciona: Mi maestro me dijo: jazz o clásica, y yo opté por la música. Perteneció como vocalista al grupo "los Atenienses", donde conoció a su marido George Petsilas, del cual se separó después. Años más tarde se casó con André Chapelle, quien era y sigue siendo su productor.

Desde 1959 en adelante, se inician los triunfos para Nana, gracias a sus experiencias con diversos géneros musicales (Pop, Jazz, Folclórica, Clásica, Gospel, etc.) Ganó dos premios de la canción griega. Su primer triunfo internacional fue en 1960, en el Festival Internacional del Mediterráno en Barcelona. También fue premiada su canción Nunca en Domingo. Un año después, le siguió el León de Oro de Berlín, por la música del documental Grecia, Tierra de Sueños. En ese mismo año gana su primer disco de oro por la canción Weisse Rosen aus Athen (La Rosa blanca de Atenas). En 1963 representó a Luxemburgo en el Festival de la Canción de Eurovisión con "À force de prier" quedando en 8ª posición.
Nana Moukouri

Desde entonces, Nana se convirtió en una celebridad mundial, en donde a cada concierto que suele presentarse, se agotaban las entradas, Ganó también otros premios y grabó alrededor de 300 álbumes, que en los años 1980 y 1990 consolidaron aún más su carrera musical. Su más destacada característica es que ha grabado innumerables canciones en griego, inglés, francés, español, latín, alemán, hebreo, japonés, entre otros.

Admirada tanto por personas ricas y de la realeza europea, como por las personas comunes, sus cualidades son la inteligencia y la hermosura, además de una angelical voz producto de una anomalía en sus cuerdas vocales y de una gran preparación.

Posteriormente, incursionó en la política, reprobando la dictadura militar griega y apoyando la democracia hasta su restitución en 1974. Su amor por los niños la llevó a ser embajadora de la UNICEF en 1993 y luego a representar a Grecia en el Parlamento Europeo en 1994.

En el ámbito musical, realizó diversas presentaciones en todos los continentes, ganando consigo el apoyo del público. De 1961 a 1972 perteneció a la Philips Fontana y de 1962 y 1973 en adelante, a la Philips records y Mercury Records respectivamente. Ha hecho numerosos discos como los que se muestran más adelante.

Alcanzó gran popularidad en España en los años 80, al ser invitada con frecuencia a los espectáculos televisivos de José Luis Moreno.
Nana Moukouri

En 2006 acudió como invitada especial al Festival de Eurovisión que se celebró en su Grecia natal. Fue la encargada de accionar el reloj que daba comienzo a los votos telefónicos.

Para cerrar con broche de oro esta excelsa carrera y despedirse de sus fans, Nana planeó una Gira de despedida (Farewell World Tour) por todo el mundo, que comenzó en el 2005 y terminó el 24 de julio del 2008 en el Teatro de Herod Atticus en Atenas.

En toda su carrera ha vendido más de 350 millones de discos en todo el mundo, siendo una de las solistas más exitosas.Fuente web de Nana Mouskouri y Wikipedia

Miguel Calo

Miguel Calo

Miguel Caló con su orquesta en Radio Splendid, 1934. Con él los solistas Raúl Kaplún (violín), Miguel Nijenshon (piano) y Carlos Dante (vocales).


Orquesta Miguel Calo


Miguel Calo 1934

MIGUEL CALO. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires—barrio de Balvanera— el 28 de octubre de 1907. Comenzó con la música hacia 1923, estudiando disciplinas teóricas y violín. Trocó luego este instrumento por el bandoneón con el que debutó en 1924 enel cine Independencia, donde tocó hasta mediados de 1925. A la par, se perfeccionó en el dominio de su instrumento con Julián Divasto. Por intercesión de un músico amigo, ingresó en 1926 a la orquesta de Osvaldo Fresedo, pasando durante 1927 a la de Francisco Pracánico que actuaba en el cine Astral. El empresario de dicha sala Clemente Lococo le sugirió la formación de su propio conjunto. Desertó de sus propias filas en 1929 para aceptar una propuesta de Cátulo Castillo, quien reunía entonces elementos con el fin de presentarse en ciudades de España. Juntamente con los tres hermanos Malerba y el cantor Roberto Maida, recorrió —actuando— buena parte de la península ibérica. Al regresar a Buenos Aires, reconstituyó su orquesta con Domingo Cuestas —segundo bandoneón—, Domingo Varela Conte, Hugo Gutiérrez y Enrique Valtri —violines—, Enzo Ricci —bajo— y Luis Brighenti —piano—, presentándola en el cine Regio y en la emisora LOW.
En 1931 hizo otra breve incursión por el extranjero, esta vez Norteamérica, de donde fue requerido por Fresedo. De vuelta continuó como director ahora por Radio Splendid. Los solistas Raúl Kaplún (violín), Miguel Nijenshon (piano) y Carlos Dante (vocalista) colaboraron con él en este período de su trayectoria cuando comenzó a registrar sus versiones para la casa Odeón sobre arreglos de Argentino Galván. Su primer disco: No vale la pena y Tú eres para mí (1934); luego siguieron: Si volviera Jesús, Nostalgia, Dulce amargura —con su hermano Roberto Caló en algunos estribillos—que fueron, entre otros, interpretaciones bien representativas de ese momento suyo.
Su estilo muy sobrio derivaba en lo fundamental del de Fresedo y alcanzó fisonomía definitiva al ingresar paulatinamente a sus atriles los jóvenes elementos que él supo recoger inteligentemente, entre los de la Generación del Cuarenta: Domingo Federico, Carlos Lázzari, Armando Pontier, Eduardo Rovira, (bandoneones), Enrique Francini(violín), Héctor Stamponi y luego Osmar Ma-derna (piano), Raúl Berón, Alberto Podestá, Raúl Iriarte, Jorge Ortiz (vocalistas). La sucesión encadenada de solos instrumentales y vocales y la jerarquía del repertorio —nutrido en lo capital por los propios hombres de su agrupación— fueron característica de su labor en interpretaciones como Un crimen, Dos fracasos, Al compás del corazón—verdadera piedra de toque ésta, para eltriunfo del conjunto—, Qué te importa que te llore, Cuatro compases, Margo, Mañana iré temprano, Mi cantar, entre los cantables; y La maleva, Elegante porteñita, A Martín Fierro, Saludos, Sans Soucí, Tierra querida,
Miguel Calo

Miguel Caló en 1961 cuando volvió a unir a las famosas figuras de su orquesta de 1940. Con él, Armando Pontier, Domingo Federico y Enrique Francini en el estudio principa] de Radio El Mundo.



entre las instrumentales. Posteriormente, alternaron junto a su batuta Miguel Nijenshon —por segunda vez en piano y arreglos— Julián Plaza, Simón Broitman, Tito Besprobán y los vocalistas Félix Ocampo, Alberto Morel, Roberto Rufino —varias veces—, Luis Tolosa, Horacio Deval, Mario Corrales, Juan Carlos Rolón, Alfredo Dalton, Juan Carlos Fabri, Ricardo Blanco, Raúl Ledesma, Roberto Arrieta, Carlos Roldán, Carlos Barbé, Miguel Martirio, Roberto Luque, Carlos Vázquez, Tito Reyes y las cancionistas Ada Gálvez, Manina Ibar y Chola Luna; para registros especiales, Alberto Marino y el cantor chileno Lucho Gatica. En diferentes ocasiones actuó en Uruguay, Brasil y ciudades del Pacífico. En 1961, con Pontier, Francini, Federico, Berón, Podestá y Trípodi—éste en el lugar del desaparecido Maderna— reconstituyó su alineación del cuarenta, ofreciendo un exitoso ciclo por Radio El Mundo, extendido a los discos Odeón, a cuyo elenco perteneció por más de treinta años. Su obra de compositor arranca de la primera época de su trayectoria con los tangos: Va pa' viejo, Campaníta de oración, Milonga porteña, Ternuras, Todo es mentira, Mi gaucha, Garabito. Dio a conocer más tarde, entre otros tangos de gran divulgación, Sí yo pudiera comprender, Me llamo Anselmo Contreras, Dos fracasos, Qué te importa que te llore, Jamás retornarás, Cómo fe digo ala vieja, Qué falta que me hacés, entre los cantables, y Disco rayado para orquesta. Falleció el 24 de mayo de 1972.Fuente Horacio Ferrer
Miguel Calo en 1960

Biografia II
Nació y se crió en el seno de una gran familia compuesta por los padres, dos inmigrantes italianos que se establecieron en el barrio de Balvanera, y 16 hermanos de los cuales 10 fueron mujeres y 6 varones, dedicados todos estos últimos a la música popular.-
Miguel fué el primogénito de esta gran familia, y por supuesto el primero que tuvo que ir a batallar por conseguir el sustento, que en esos tiempos no era nada fácil.-
Cuando contaba con sólo 15 años de edad, consiguió que un tío suyo le regalara un bandoneón, y ahí comienza realmente la verdadera historia del que fuera con el correr de los años uno de los personajes más importantes de la liturgia porteña.-
Rápidamente, el joven Miguel aprende los secretos del bandoneón, llegándolo a interpretar con gran destreza y vocación. Debuta en el cine Independencia tocando a dúo con un pianista de nombre Rodríguez, y es tanto el éxito logrado, y tantos los aplausos recibidos por el público concurrente, que el dueño del cine le otorga un contrato de 18 meses y por 250 pesos mensuales! Con ese dinero la familia Caló dejó de pasar las penurias económicas que habían tenido hasta ese momento.-
Cuando contaba con 19 años de edad, debuta como bandoneonista en la orquesta de Francisco Pracánico, que actuaba en el teatro Astral y tenía como estrella principal a Azucena Maizani.-
Dos años después es convocado por los hermanos Malerba para acompañarlos en una gira por España, llevando como cantor a Roberto Maida. .-
A su regreso lo contrata el maestro Osvaldo Fresedo para realizar una corta temporada por los Estados Unidos, viaje que vuelven a realizar al año siguiente. Quiero comentarles que en esa época la orquesta de Osvaldo Fresedo era la orquesta que copaba la noche porteña. Estoy hablando del año 1931.-
Entre viaje y viaje, el maestro Miguel Caló tenía la habilidad de formar y dirigir sus propios conjuntos, que generalmente tenían una corta existencia, hasta que finalmente en el año 1934 arma lo que sería con el correr del tiempo una de las orquestas más prestigiosas y populares de todos los tiempos.-
Por ella pasaron pianistas de la talla de Raúl Kaplun, Miguel Nijenson, Orlando Goñi, Osvaldo Pugliese, Horacio Salgán, Hector Stamponi y el gran Osmar Maderna que le infundió su sello particular con sus interpretaciones y arreglos musicales.- Tampoco podemos olvidarnos de Leopoldo y Domingo Federico, de Astor Piazzolla, Armando Pontier, José Cambareri y Enrique Mario Franchini que luego de pasar por las filas de la orquesta de Miguel Caló, tuvieron sus propios conjuntos orquestales.-
Actuaron en dicha agrupacion musical, magníficos cantores entre los que podemos destacar a Carlos Dante, Roberto Caló ( hermano de Miguel), Roberto Rufino, Carlos Roldán, Alfredo Dalton, Roberto Manzini, Jorge Ortiz, Raúl Iriarte, Alberto Podestá y el cantor que le dió vida y prestigio a la orquesta, creando una modalidad inigualable, el gran Raúl Berón.-
Quiero contarles una anécdota muy simpática acerca del cantor Raul Berón, y es que cuando el cantor se fué a probar con la orquesta por recomendación de Armando Pontier que era amigo de Raúl, el que le toma la prueba es directamente Miguel Caló, que lo rechaza y le dice a Pontier, que le diga a su amigo que siga cantando folklore…- Por tal motivo Berón se fue a cantar con la orquesta de Lucio Demare con un éxito tremendo.-
Pero a Osmar Maderna que era el pianista de la agrupación en ese momento, le había quedado la espina de poder tener a Berón como cantor de la orquesta. Es por eso que insiste nuevamente ante Caló y lo convence para que lo contrate. Raúl Berón firma un contrato por 500 pesos mensuales que para esa época era un muy buen sueldo y debuta grabando el tango “Al compás del corazón” y el vals “Soñador” que se convierten en el disco de mayor venta en ese tiempo.-
Los éxitos más resonantes como grabaciones comienzan con “Al compás del corazón” y siguen con “Trasnochando” “Que te importe que llore”, “Tristezas de la calle Corrientes”, “Tarareando”, “Corazón no le hagas caso”, “La abandoné y no sabía”, “Cuatro compases” cantados por Raúl Berón, y el vals “Bajo un cielo de estrellas”, “Pedacito de cielo” y los tangos “Percal”, “Yo soy el tango” y “Dos fracasos” cantados por Alberto Podestá, y el tango instrumental “Sans souci”, una obra maestra de Miguel Caló.-
En el año 1963, Miguel Caló tiene la Buena idea de reagrupar aquella famosa orquesta de los años 40, la que denominaron “La orquesta de las estrellas” y logra reunir a los ya famosos Armando Pontier, Enrique Mario Franchini, Domingo Federico, y a los cantores Raúl Berón y Alberto Podestá.-
En el mes de mayo de 1972, después de estacionar su automovil en el garage de la calle Montevideo, cerca de Corrientes, tiene una acalorada discusión con uno de los cuidadores del garage, y eso le produce un momento de ofuscamiento y de tensión, que le provoca la muerte instantáneamente, pues su corazón había dejado de funcionar.-
Quiero agradecer profundamente a Armando Caló, el hermano menor de los Caló, el benjamín de la familia, y que fuera el contrabajista de la famosa “Orquesta de las estrellas”, por los datos tan interesantes que me contó, ayudándome a escribir esta nota.