sábado, 30 de agosto de 2008

Enrique Campos

Enrique Campos
Enrique Campos en 1954, con Roberto Caló —al piano— cuando cantaba en la orquesta de éste grabando en discos Orfeo.

Enrique Campos. (Eduardo Ruiz). (Nombre de familia: Enrique Inocencio Tronconi).
Cantor. Director. Compositor. Nació en Montevideo (R. O. del Uruguay) —barrio Palermo— el 10 de marzo de 1913. Comenzó en 1936 en Colonia Suiza, como solista. Alcanzó sus primeras actuaciones consagratorias —llamándose Eduardo Ruiz— junto a Eduardo Depauli en radio y en la película Radio candelario, y con la orquesta Laurenz-Casella; luego de 1940 cantó también con la orquesta de Pintín Castellanos. En 1943 marchó a Buenos Aires, donde adoptó su definitivo nombre artístico al incorporarse —ese año— al elenco de Ricardo Tanturi. Desde Muchachos, comienza la ronda, su primera grabación con dicha orquesta para la casa Victor realizada el 4 de agosto de 1943, muchos fueron sus éxitos interpretativos: Recién, Y siempre igual, Así se canta, Discos de Gardel, Oigo tu voz. Luego de un lustro de intensa actuación con el referido conjunto, pasó a la agrupación de Francisco Rotundo; se independizó de ésta para
compartir con el bandoneonista Alfredo Calabró la conducción y el cartel de la orquesta Campos-Calabró, de buen suceso dentro de una modalidad ligeramente "apugliesada". Llegó en ese pasaje de su carrera al disco, grabando para la casa uruguaya Sondor. Registró luego sus colaboraciones con Roberto Caló, 1954, en discos Orfeo, y con Francisco Rotundo, 1951 y 1956 en discos Odeón. Continuó posteriormente su carrera en carácter de solista acompañado por orquesta, hasta su paulatino alejamiento de la profesión activa. Compuso Rey del Tango y Tenés que escuchar. 

Por Horacio Ferrer

Biografia II
Nombre real: Enrique Inocencio Troncone
Cantor.(10 de marzo de 1913 – 13 de marzo de 1970) Se inscribe su nombre entre los más representativos cultores del tango. Tenía condiciones naturales que contribuyeron a facilitar una trayectoria difícil en una época de grandes cantores. Presencia, personalidad y una voz distinta que lucía en su expresar fraseado y melodioso. Uruguayo, nacido el 10 de marzo de 1913, su debut se produjo en el Cine Helvético de la pequeña localidad de Colonia Suiza, acompañado por los guitarristas Alfredo Solís y Carlos Méndez el 6 de enero de 1936. Actuaba con su verdadero nombre, Inocencio Troncone. Tres meses después, exactamente, se presenta en la recordada audición "Caramelos surtidos", ante los micrófonos de la emisora CX 18, con los guitarristas Fontela y Silva Aguilar, pasando inmediatamente al elenco de Eduardo Depauli. Allí, Agustín Pucciano y Depauli le crean el seudónimo de Eduardo Ruiz, que le acompañaría hasta 1943.
Su popularidad se acrecienta y sus éxitos se repiten. Interviene en la película nacional "Radio Candelario" junto a Eduardo Depauli, Miguel Ángel Manzi y el extraordinario dúo formado por Carmen y Magdalena Méndez, cuyo estreno se realiza en el cine "Radio City" el 21 de agosto de 1939. En enero de 1940 emprende una gira por el sur del Brasil con las guitarras de Fontela, Pizzo y Falco reapareciendo en Montevideo por CX 46 Radio América unos meses más tarde. Al año siguiente realiza una temporada como cantor de la orquesta bajo el nombre de Pintín Castellanos, encabezada por Alfredo Gobbi y Armando Blasco. Este conjunto, de gran calidad musical tuvo actuación destacada en el Palacio de la Cerveza de la calle Yatay, en el Cabaret Tabarís y Radio Monumental. En su etapa siguiente forma parte del recordado conjunto Laurenz-Casella, realizando numerosos bailes y presentaciones radiales, además de hacerlo desde el famoso palco del Café Ateneo. Esta orquesta la formaban prestigiosos músicos. Alternaban Julio Tobías y Sebastián Garreta en el piano, el contrabajista Mainardi y entre bandoneones y violines los directores, Félix Láurenz y Pedro Casella, Donato Raciatti, López, Ramón Panedas, entre otros. Desde allí fue el "salto" a la conquista de Buenos Aires como cantor de orquesta. En principio, "Eduardo Ruiz" no sabía cual sería su destino. Creyó que sería el conjunto del gran violinista Antonio Rodio pero una rápida gestión de Ricardo Tanturi, que conocía sus condiciones, motivó su incorporación a la orquesta típica "Los Indios" dirigida por Tanturi. Era "la voz distinta" para reemplazar a Alberto Castillo. En principio el director lo convence para cambiar su nombre artístico diciéndole que estaban actuando Ricardo Ruiz y un cantante melódico Enrique Ruiz y que era conveniente evitar confusiones. Tanturi abrió al azar una guía telefónica y dijo: "acá está, usted se llamará Enrique Campos".
Enrique Campos debuta en Radio El Mundo como cantor de la orquesta Tanturi e inmediatamente comienza a grabar discos. Los dos primeros temas, registrados el 4 de agosto de 1943, fueron el tango de Luis Porcell y Leopoldo Díaz Vélez "Muchachos comienza la ronda" y el vals de Raúl Iglesias y Juan Gatti, "Al pasar".
En marzo de 1946 contrae enlace, fundando un hogar ejemplar. Al mes siguiente, luego de realizar un baile en el Club "Unión" de Caseros (barrio del gran Buenos Aires), canta por última vez con Tanturi, alejándose para realizar actuaciones como solista con acompañamiento de guitarras.
Francisco Rotundo lo contrata como cantor de su orquesta en marzo de 1947 donde comparte su labor con el cantor Mario Corrales, presentándose en Radio Splendid, teatro "Empire" y café "Nacional" de la calle Corrientes. Posteriormente forma una orquesta que encabeza junto al bandoneonista Alfredo Calabró. Realizaba sus presentaciones el periodista Raúl Hormaza. De la orquesta Campos-Calabró se comercializa un solo disco que sobre matrices argentinas es reproducido por "Sondor" en Montevideo y estaba formada por Sebastián Garreta, piano: Alfredo Calabró, Roberto Pansera, Caruso y López bandoneones, Raúl Domínguez, Lijó y Mosca violines y Samonta, contrabajista.
Finalizada la temporada, ya en 1950 encabeza otra orquesta en la que comparte su labor con su gran amigo Juan Carlos Miranda. Tuvo efímera duración, porque Enrique es requerido por Francisco Rotundo, ante el alejamiento de Carlitos Roldán. Tiene entonces por compañero en el canto a Floreal Ruiz. Debuta en el disco el 10 de agosto de 1951 con el tango de Juan Fulginiti "Llorando la carta" y en diciembre de ese año realiza en la orquesta de Rotundo a dúo con Floreal Fuiz su antológica interpretación del famoso vals de Charlo y José González Castillo "El viejo vals".
En octubre de 1952 se aleja y poco después es contratado para cantar en la orquesta de Roberto Caló que integraban figuras importantes como Osvaldo Tarantino en el piano, Leo Lípesker en violín y Ernesto Franco en bandoneón. Su labor se prolonga por dos años, hasta que, por tercera vez acude al llamado de Francisco Rotundo, accediendo a cantar en su orquesta que entonces arreglaba el primer bandoneón Luis Stazo. Había otro cantor en la orquesta: Ricardo Argentino, más tarde reemplazado por Alfredo Del Río.
En 1957 vuelve a formar orquesta, un quinteto dirigido por el pianista Dante De Simone y posteriormente forma rubro con la cancionista Elena Maida en un conjunto arreglado por Dante Smurra. Va espaciando sus actuaciones absorbido por sus actividades comerciales. En 1962 se presenta en un programa especial de Canal 4 en Montevideo, acompañado por el conjunto de Toto D'Amario y al regresar a Buenos Aires canta en la orquesta de Graciano Gómez presentándose ante micrófonos de "Splendid".
Lo encontramos en 1965 en Radio El Mundo acompañado por la orquesta de Dante Smurra y en 1969 comienza a grabar como solista en el sello "Magenta". Viaja a Montevideo cantando en TV en el programa de Miguel Angel Manzi el vals de Héctor Marcó "A mi padre" y el tango de José Canet "La abandoné y no sabía". Al regresar a Buenos Aires actúa en "El farolito" de Villa Crespo y es designado jurado para el Concurso de Tangos de La Falda (Córdoba).
Le pertenecen algunas obras. Los tangos "Esclavas y reinas" y "Dale Artime" con Jorge Moreira, el candombe "Dale negra", con el mismo letrista y el vals "Por qué no estás tú" con Julio Jorge Nelson. Con Jorge Moreira con quien tuvo una fraterna amistad musicó además "Aunque me llame papá", "Buenos Aires del 40", "Para el final", "Del potrero", "Pero quisiera encontrarte" y el vals "Te estoy agradecido". Finalmente con Juan Bautista Fulginiti "Conformate con ser buena".
Fuera del rigor cronológico, debemos señalar que el tango que le sirvió de presentación en Buenos Aires fue "Percal", acompañado en la oportunidad por el piano de Manuel Sucher.
Prematuramente, en Buenos Aires, ante la congoja general y de los que fuimos sus amigos, Enrique Campos nos dejó el 13 de marzo de 1970, aunque su recuerdo y su presencia nos acompañarán siempre.
Queda el testimonio de los discos para confirmar sus grandes condiciones y dejar en evidencia de que fue uno de los grandes cantores uruguayos del tango. Fuente Horacio Liorente de Todotango

In English
Campos, Henry. (Eduardo Ruiz). (Family name: Henry Inocencio Tronconi).
Cantor. Manager. Composer. Born in Montevideo (Uruguay's RO)-Palermo neighborhood-the March 10, 1913. It started in 1936 in Cologne Switzerland, as soloist. He reached his first performances of consecration-called Eduardo Ruiz-along with Eduardo Depauli on radio and in the movie Radio Candelario, and with the orchestra Laurenz-Casella; after 1940 also sang with the orchestra Pintín Castellanos. In 1943 went to Buenos Aires, where he took his final stage name to join that year-to-cast of Ricardo Tanturi. From Boys, starts the round, his first recording with the orchestra for the house Victor held on August 4, 1943, his successes were many interpretive: Just, And always the same, thus sung, Disk Gardel, I hear your voice. After five years of intense action with that set, became the group Rotundo Francisco; became independent from it for
share with the bandoneonist Alfredo Calabró driving and poster of the orchestra Campos-Calabró, good event in a form slightly "apugliesada." He arrived in this passage of his career in recording, recording for home Uruguayan Sondor. Recorded after his collaborations with Roberto Calo, 1954, Orfeo discs, and with Francisco Rotundo, 1951 and 1956 in Odeon records. She continued her career later as a soloist accompanied by orchestra, to its gradual removal of the occupation force. He composed King of Tango and You have to listen. por Horacio Ferrer

Biography II
Real name: Henry Inocencio Troncone
Cantor.
(March 10, 1913 - March 13, 1970) inscribe his name was among the most representative cultores tango. He had natural conditions that contributed to facilitate a difficult path in a time of great singers. Presence, personality and a distinctive voice that showcased in his voice and melodic phrases. Uruguayan born March 10, 1913, its debut came in the Cinema of the small Swiss town of Cologne Switzerland, accompanied by guitarists Alfredo Mendez and Carlos Solis on January 6, 1936. Acting with his real name, Innocent Troncone. Three months later, exactly, is presented in the remembered hearing "assorted sweets", before the microphones of the radio station CX 18, with the guitarists and Fontela Silva Aguilar, moving immediately to cast Eduardo Depauli. There, Augustine and Pucciano Depauli you create the pseudonym of Eduardo Ruiz, who would accompany him until 1943.
Its popularity is growing and its successes are repeated. Speakers at the national film "Radio Candelario" along with Eduardo Depauli, Miguel Angel Manzi and the extraordinary duo formed by Carmen and Magdalena Mendez, whose premiere is taking place in the film "Radio City" on August 21, 1939. In January 1940 began a tour of southern Brazil with the guitarists Fontela, Pizzo and Falco reappearing in Montevideo by CX 46 Radio americas few months later. The following year he made a season as a singer of the orchestra under the name Pintín Castellanos, headed by Alfredo Gobbi and Armando Blasco. This set of high quality musical performance was outstanding in the Palacio de Beer of the street Yatay in Cabaret Tabarís and Radio Monumental. At its next phase is part of the whole reminded Laurenz-Casella, performing dances and numerous radio presentations, in addition to do so from the famous stage Coffee Ateneo. This prestigious musicians formed the orchestra. Alternator July Tobias and Sebastian Garreta on piano, bass and Mainardi between violins and bandoneons directors, Felix and Pedro Laurenz Casella, Donato Raciatti, Lopez, Ramon Panedas, among others. From there was the "jump" to the conquest of Buenos Aires as orchestra singer. In principle, "Eduardo Ruiz" I did not know which would be his destination. He believed that it would be all the great violinist Antonio Rodio but a quick management Tanturi Ricardo, who knew their conditions, led to their joining the tango orchestra "Los Indios" directed by Tanturi. It was "different voice" to replace Alberto Castillo. In principle it convinces the director to change his stage name saying they were acting Ricardo Ruiz and a melodic singer Enrique Ruiz and that it was desirable to avoid confusion. Tanturi opened at random a telephone directory and said, "is here, you will be called Enrique Campos."
Enrique Campos debuted on Radio El Mundo as orchestra singer Tanturi and immediately began to record discs. The first two items, registered on August 4, 1943, were the tango by Luis Diaz Porcell and Leopoldo Velez "Boys began the round" and the waltz of Raul Iglesias and Juan Gatti, "Passing".
In March 1946 contracted liaison, setting up a home copy. The following month, after conducting a dance club in the "Union" of Caseros (large neighborhood of Buenos Aires), sings one last time with Tanturi away performances as a soloist to perform with guitar accompaniment.
Rotundo Francisco hired him as a singer of his orchestra in March 1947 where he shares his work with the singer Mario Corrales, appearing on Radio Splendid, drama "Empire" coffee and "National" on Corrientes Street. Subsequently form an orchestra who heads next to bandoneonist Alfredo Calabró. Realize their presentations journalist Raul Hormaza. From the orchestra Campos-Calabró is marketed on a single disc that is played by Argentine parent "Sondor" in Montevideo and was formed by Sebastian Garreta, piano: Alfredo Calabró, Roberto Pansera, Caruso and bandoneons Lopez, Raul Dominguez, sanding and Mosca violins and Samonta, double bass player.
After the season, tops in 1950 and another in the orchestra who shares his work with his good friend Juan Carlos Miranda. It had fleeting duration, because Henry was summoned by Francisco Rotundo, before the departure of Carlitos Roldan. It then by singing partner in Floreal Ruiz. Premieres on record on August 10, 1951 with the tango John Fulginiti "Llorando on demand" in December that year the orchestra performs in a duo with Rotundo Floreal Fuiz its anthological interpretation of the famous waltz of Charlo Gonzalez and Jose Castillo "The old waltz."
In October 1952 and departs shortly after he was hired to sing in the orchestra Roberto Calo comprising figures as Osvaldo Tarantino on piano, violin and Leo Lipesker in Ernesto Franco on bandoneon. His work extends for two years, until, for the third time the call goes Francisco Rotundo, by going to sing in his orchestra then arranged the first bandoneon Luis Stazo. There was another singer in the orchestra: Ricardo Argentino, later replaced by Alfredo Del Rio.
In 1957 he returned to form an orchestra, a quintet led by pianist Dante De Simone and then teamed up with the singer Helena Maida in a series arranged by Dante Smurra. Va. spacing his appearances absorbed by their business. In 1962, is presented in a special program on Channel 4 in Montevideo, accompanied by all Toto D'Amario and upon returning to Buenos Aires sings in the orchestra Graciano Gomez appeared before microphones "Splendid".
What we found in 1965 on Radio El Mundo accompanied by the orchestra Dante Smurra and in 1969 he began to record as a soloist in the stamp "Magenta". He travels to Montevideo singing on TV in the agenda of Miguel Angel Manzi's waltz Hector marked "To my father" and the tango Jose Canet "The left and did not know." Upon his return to Buenos Aires acting in "El Farolito" Villa Crespo and is designated for the contest jury Tangos de La Falda (Cordova).
We belong some works. The tangos "Esclavas and queens" and "Dale Artime" with Jorge Moreira, candombe "Dale black", with the same lyricist and the waltz "Why do not you're" with Julio Jorge Nelson. With Jorge Moreira with whom he had a fraternal friendship music besides "Although I call Dad", "Buenos Aires from 40", "By the end", "From pasture," "But I would find you" and the waltz "I am grateful." Finally with John Baptist Fulginiti "Conformate to be good."
Outside the chronological rigour, we must note that the tango that he served as a presentation in Buenos Aires was "Percal", accompanied on the piano by the opportunity of Manuel Sucher.
Prematurely, in Buenos Aires, before general and the heartbreak of those who were his friends, Enrique Campos left us on March 13, 1970, but his memory and his presence will accompany us always.
It is the testimony of the discs to confirm his great conditions and make it clear that he was one of the great singers of tango Uruguayans. Source Horacio Liorente of Todotango

Ricardo Tanturi

Ricardo Tanturi Ricardo Tanturi en 1938

Ricardo TanturiOrquesta Ricardo Tanturi

Ricardo Tanturi: Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires—barrio de Barracas— el 27 de enero de 1905. Se inició en 1924, actuando, como pianista aficionado, con su hermano Antonio y en bailes de barrio, festivales y compartiendo la dirección de la orquesta Rostan con Rosich. Hacia 1933 tocó en cines y teatros, para formar por entonces un sexteto de tangos al que denominó Los Indios —nombre tomado del conjunto homónimo de polo—, distintivo con el que caracterizaría a todas sus orquestas a lo largo de treinta años. Fue presentado con su conjunto en 1934 en el Alvear Palace Hotel.
En 1936 con dicha agrupación ampliada, tocó en la temporada veraniega del Hotel Carrasco de Montevideo, al cual dedicó su marcha Carrasco. Ésta, juntamente con el tango Recuerdo, figuró entre sus primeros trabajos fonográficos realizados para la casa Odeón. En 1937 y 1938 volvió a actuar en Montevideo con el vocalista Carlos Ortega, incorporándose en Buenos Aires a la programación de Radio El Mundo y a los discos Víctor en los que cumplió el resto de su trayectoria. Su primera placa: Tierrita y A la luz del candil grabada el 23 de junio de 1937. Con los vocalistas Alberto Castillo y Enrique Campos desarrolló durante la década del cuarenta, lo más exitoso de su labor dentro de una modalidad preferentemente destinada al baile. Cantaron luego con él, Roberto Videla, Osvaldo Ribo, Juan Carlos Godoy y Elsa Rivas. Tango, Ese sos vos, Cuatro compases, Muñeca brava, Y siempre igual, Discos de Gardel, se contaron entre sus mejores sucesos interpretativos. Compositor de los tangos Campeonato, Mozo guapo, Decís que no te quiero, Desprecio, Pocas palabras, Amigos. . . presente, Ese sos vos. Falleció el 24 de enero de 1973.Por Horacio Ferrer

Biografia II
Músico, pianista, director y compositor.(27 enero de 1905 - 24 de enero de 1973) Nombre completo: Ricardo Tanturi Designación: El caballero del tango
Aunque nunca descolló por sus dotes musicales, Tanturi logró conducir durante varias décadas una orquesta de renombre, que pasó su éxito en la enorme atracción de algunos de los cantores con que contó. Por esa misma razón, las versiones instrumentales de su limitada orquesta son escasas y poco recordadas. Sin embargo, su fama resiste el paso del tiempo, y en los últimos años, con el resurgimiento del tango como danza, las grabaciones de Tanturi son tal vez las más requeridas por los bailarines. Además, algunos de sus registros se han convertido en clásicos absolutos.
Ricardo Tanturi nació en Buenos Aires de padres italianos, en el barrio de Barracas, uno de los más pobres y vitales de la ciudad, limitado por el Riachuelo, otrora surcado por incontables barcazas, y hoy contaminado y maloliente. Su primer instrumento fue el violín, que estudió con Francisco Alessio, tío del célebre bandoneonista y director Enrique Alessio. Su hermano Antonio Tanturi, pianista y codirector de la Orquesta Típica Tanturi-Petrone, lo indujo a dejar el violín por el piano y fue su maestro.
En 1924 comenzó Ricardo su carrera artística, sentado al teclado en clubs, festivales benéficos y, junto con su hermano, en LOY Radio Nacional (luego llamada Belgrano), nada de lo cual le impidió estudiar Medicina y recibirse con muy buenas calificaciones. En la universidad formó conjuntos estudiantiles. Allí conoció al actor Juan Carlos Thorry, quien luego sería su primer cantor, y a muchos de los músicos que conformarían su orquesta.
En 1933 formó un sexteto para actuar en cines y teatros. Lo bautizó "Los Indios", en homenaje a un equipo de polo. Esa misma sería la denominación de todas sus formaciones posteriores. Tanturi solía utilizar como presentación el tango así llamado, "Los indios", de Francisco Canaro, pero curiosamente nunca lo grabó.
Se inició en el disco en 1937, con una histórica placa del sello Odeon que contiene el tango "Tierrita", de Agustín Bardi, en versión instrumental, y "A la luz del candil", música del talentoso Carlos Vicente Geroni Flores, y truculenta letra de Julio Navarrine, cantado por Carlos Ortega. Pero Tanturi da el gran salto en 1939, cuando incorpora a Alberto Castillo, que se convertiría en un imán para el público. Castillo, de afinación perfecta, magistral en el uso de los matices y la media voz, seducía con todos los recursos posibles: su impactante gestualidad, su engominada elegancia varonil, su título de médico ginecólogo (obtenido en 1942) y ese estilo por momentos confidencial, por momentos desenfadado que convertía cada tango en un espectáculo.
En los 37 temas que dejó grabados Castillo antes de dejar a Tanturi en 1943, la orquesta le cede el protagonismo, como también haría con el elegido para sucederlo, el uruguayo Enrique Campos. Este compartía con Castillo el interés puesto en la comunicación con el público. Campos no intentaba ningún lucimiento vocal. Cantaba con displicencia, sin exaltarse, con la sencillez de las cosas humildes. Detrás de él, la orquesta sonaba afiatada, precisa y discreta, con una simple perfección. Esto convierte a los 51 temas que registró el binomio Tanturi-Campos en uno de los tesoros del género.
La orquesta no conocería ya momentos de tanto esplendor, aunque alcanzó notable nivel con Osvaldo Ribó a partir de 1946. Roberto Videla para la misma época, y posteriormente Juan Carlos Godoy y Elsa Rivas, entre otros, consiguieron revitalizar ocasionalmente la popularidad de Tanturi. Este compuso los tangos "Amigos presente", "A otra cosa, che, pebeta" y "Pocas palabras" con letra de Enrique Cadícamo; "Sollozo de bandoneón" con Enrique Dizeo, y "Ese sos vos" con Francisco García Jiménez, entre otros.Fuente Julio Nudler de Todotango

In English
Tanturi, Ricardo. Music. Pianist. Manager. Composer. Born in Buenos Aires neighborhood of Barracas-the-January 27, 1905. It began in 1924, acting as an amateur pianist, LO1 * Antonio with his brother and neighborhood dances, festivals and sharing the leadership of the orchestra Rostan with Rosich. By 1933 he played in cinemas and theatres, then to form a sextet of tangos which it named The Indian name-taken from the set of pole-homonym, distinctive with which to characterize their orchestras all over thirty years. He was presented with a whole in 1934 at the Alvear Palace Hotel.
In 1936 with the enlarged group, played in the summer season Hotel Carrasco Montevideo, which devoted its march Carrasco. This, together with the tango I recall, was among his first works phonographic made to the house Odeon. In 1937 and 1938 returned to act in Montevideo with vocalist Carlos Ortega, joining in Buenos Aires to the programming of Radio El Mundo and Victor discs in which he discharged the rest of his career. His first plate: Tierrita and candil In light of the taped June 23, 1937. With vocalists Alberto Castillo and Enrique Campos developed during the forties, the most successful of its work within a preferred modality for the dance. Canto then with him, Roberto Videla, Osvaldo Ribo, Juan Carlos Godoy and Elsa Rivas. Tango, you're That, Four bars, brava doll, and always the same, Disk Gardel, were among his best interpretive events. Composer tangos Championship, Mozo handsome, I love you say no, contempt, Few words, Friends. . . This, That you sos. He died on January 24 of 1973.Por Horacio Ferrer
Biography II
Musician, pianist, composer and director. (January 27, 1905 - January 24, 1973) Full name: Ricardo Tanturi Description: The gentleman of tango
Although never excelled in their musical talents, Tanturi succeeded for several decades lead an orchestra with a reputation, which changed its huge success in attracting some of the singers with that counted. For the same reason, instrumental versions of their limited orchestra are scarce and little remembered. However, his fame resists the passage of time, and in recent years, with the resurgence of tango as a dance, Tanturi recordings are perhaps the most required by the dancers. In addition, some of his records have become absolute classics.
Ricardo Tanturi was born in Buenos Aires of Italian parents in the neighborhood of Barracas, one of the poorest and most vital of the city, limited by the Riachuelo, once furrowed by countless barges, and now polluted and smelly. His first instrument was the violin, who studied with Francisco Alessio, uncle of the famous bandoneonist and director Enrique Alessio. His brother Antonio Tanturi, pianist and co-director of the Orquesta Tipica-Tanturi Petrone, what prompted leave by the piano and violin was his teacher.
In 1924 Ricardo began his artistic career, sitting at the keyboard at clubs, festivals and benefits, along with his brother, LOY National Radio (then called Belgrano), none of which prevented him from studying Medicine and received very good grades. At the university formed joint student. There he met the actor Juan Carlos Thorry, who would later become its first singer, and many of the musicians who would shape his orchestra.
In 1933 he formed a sextet to act in cinemas and theatres. What baptized "Los Indios" in tribute to a team of polo. That would be the same denomination of all its subsequent formations. Tanturi often used as so-called tango presentation, "The Indians", Francisco Canaro, but curiously never recorded it.
It began on disk in 1937, with a historical plaque containing the Odeon tango "Tierrita" by Agustin Bardi, instrumental version, and "In the light of candil," music of talented Geroni Carlos Vicente Flores, and Truculent lyrics by Julio Navarrine, sung by Carlos Ortega. But Tanturi gives great leap in 1939 when incorporates Alberto Castillo, who would become a magnet for the public. Castillo, perfect pitch, masterful in the use of the nuances and the average voice, seduced with all possible resources: its impressive gestualidad, engominada his manly elegance, the title of doctor gynecologist (obtained in 1942) that style and sometimes confidential , A casual moments that turned each into a tango show.
In the 37 items left by Castillo taped before leaving Tanturi in 1943, the orchestra gave him the leading role, as would the election to succeed him, the Uruguayan Enrique Campos. This shared interest with Castillo put in communication with the public. Campos was not trying showcasing no voice. She sang with displicencia without exaltation, with the humble simplicity of things. Behind him, the orchestra sounded afiatada, precise and discreet, with a simple perfection. This makes the 51 items that recorded the binomial Tanturi-Fields in one of the treasures of the genre.
The orchestra is not already known moments of both brilliance, but achieved remarkable level with Osvaldo Ribó from 1946. Roberto Videla for the same period, and then Juan Carlos Godoy and Elsa Rivas, among others, occasionally managed to revive the popularity of Tanturi. This tangos composed "Friends present", "otherwise, che, pebeta" and "Few words" with lyrics by Enrique Cadícamo; "sobbing bandoneon" with Enrique Dizeo, and "That you're" with Francisco Garcia Jimenez, otros.Fuente Julio Nudler of Todotango

jueves, 28 de agosto de 2008

Enrico Pieranunzi en español and in English

Enrico Pieranunzi

Enrico Pieranunzi

Nacido en Roma en 1949, Enrico Pieranunzi ha sido durante mucho tiempo uno de los más conocidos y apreciados personajes en la escena de jazz de Europa. Pianista, compositor, arreglista, ha grabado más de sesenta CDs bajo su propio nombre, que van desde el piano solo a trío, dúo y de a quinteto. Ha tocado en concierto y en el estudio con Chet Baker, Lee Konitz, Marc Johnson, Joey Baron, Paul Motian, y Charlie Haden, actuando en todos los más importantes festivales internacionales, desde Montreal a Copenhague, desde Berlín a Madrid. En 2004 realiza una gira por Japón con el desempeño de su trío americano, entre ellos el bajista Marc Johnson amd baterista Joey Baron. En 2006 realiza una gira por Usa el desempeño en "Birdland", Nueva York, con Marc Johnson amd Paul Motian y dar un piano recital en el San Francisco Jazz Festival. Pieranunzi de años de formación abarca tanto clásica y jazz piano, y la influencia de Debussy es evidente en la exuberante romanticismo en el corazón de su música. Emergentes en los primeros años 70, Pieranunzi del enfoque lírico le llevó rápidamente a la vanguardia de la escena europea, y en 1984 formó un trío con Marc Johnson y Joey Baron, el primero de varios outstandig grupos con músicos de América. En 1989 y 2003 fue votado Músico del Año por la Musica Jazz crítico de la encuesta y 1997, fue receptor de los Django d'Or Premio Europeo a la mejor músico de jazz. Además de grabar muchos discos, ha escrito más de 200 composiciones entre ellas "Noche de Aves", grabado en varias ocasiones por Chet Baker y se lleva a cabo por muchos otros. Muchas de sus composiciones se han convertido en verdaderas normas internacionales, tres de las cuales - dos en 1991 y uno en 2001 - se han incluido en el prestigioso "New Real Books", publicado en los Estados Unidos de "Sher Music". Famoso escritor / periodista Nat Hentoff escribe: "(Pieranunzi) es un pianista luminously lírica, con un flujo constante de ideas. Él se basa el tipo de calidad de los dibujos y modelos que tienen una poderosa lógica interna. (...) Pieranunzi puede swing - crisply y, sin duda. Pero en los tiempos que sigue siendo su lírica libre. Su música canta. "Ray Spencer de" Jazz Journal "ha escrito que" Enrico Pieranunzi respira nueva vida en el jazz contemporáneo ".

Enrico Pieranunzi

In English
Born in Rome in 1949, Enrico Pieranunzi has long been one of the best-known and appreciated personalities on the European jazz scene. Pianist, composer, arranger, he has recorded more than sixty CDs under his own name, ranging from solo piano to trio, and from duet to quintet. He has played in concert and in the studio with Chet Baker, Lee Konitz, Marc Johnson, Joey Baron, Paul Motian, and Charlie Haden, performing at all the most important international festivals, from Montreal to Copenhagen, from Berlin to Madrid. In 2004 he toured Japan performing with his American trio, including bassist Marc Johnson amd drummer Joey Baron. In 2006 he toured Usa performing at “Birdland”, New York, with Marc Johnson amd Paul Motian and giving a solo piano recital at the San Francisco Jazz Festival. Pieranunzi’s formative years embraced both classical and jazz piano, and the influence of Debussy is readily apparent in the lush romanticism at the heart of his music. Emerging in the early ‘70s, Pieranunzi’s lyrical approach quickly brought him to the forefront of the European scene, and in 1984 he formed a trio with Marc Johnson and Joey baron, the first of several outstandig groups with American musicians. In 1989 and 2003 he was voted Musician of the Year in the Musica Jazz critic’s poll and he was 1997 recipient of the Django d’Or Award for best European Jazz Musician. In addition to recording many albums, he has written more than 200 compositions including “Night Bird”, recorded several times by Chet baker and performed by many others. Many of his compositions have become veritable international standards, three of which – two in 1991 and one in 2001 – have been included in the prestigious “New Real Books” published in the United States by “Sher Music”. Famous writer/journalist Nat Hentoff writes: “(Pieranunzi) is a luminously lyrical pianist, with a constant flow of ideas. He builds the kind of quality of designs that have a powerful inner logic. (...) Pieranunzi can swing – crisply and surely. But in those tempos he remains his lyrical self. His music sings.” Ray Spencer of “Jazz Journal” has written that “Enrico Pieranunzi breathes new life into contemporary jazz”.

Enrico Pieranunzi - Les Amants




Genero:Jazz, Jazz instrumental, Piano
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Personnel
Enrico Pieranunzi (pianoforte)
Marc Johnson (contrabbasso)
Rosario Giuliani (sassofoni)
Gabriele Pieranunzi (violino)
Alessandro Cervo (violino)
Francesco Forte (viola)
Daniela Petracchi (violoncello)
Angelo Cicillini (viola in "Canto del mare")
Biografia Enrico Pieranunzi
Tracks
01-Canto nascosto
02-Canto del mare
03-The kingdom (where nobody dies)
04-Les Amants
05-Canzone di Nausicaa
06-Where I never was
07-The flower
Bajar

miércoles, 27 de agosto de 2008

Gabriel Clausi

Gabriel ClausiGabriel Clausi


Gabriel ClausiGabriel Clausi

Gabriel Clausi: Nació el 30 de agosto de 1911, fueron doce hermanos y varios dedicados a la música, tanto que su primer maestro fue su hermano mayor Pascual, que tocaba de oído.
Se consiguió prestado un bandoneón, allá por 1922, y tocando en un almacén de la esquina de Deán Funes e Independencia, un día en medio de una pelea se lo robaron.
Trabajó un tiempo de carnicero, y aún hoy exhibe los tajos que quedaron en sus manos. El hermano que había oficiado de maestro al ver que no tenía instrumento le aconsejó que estudiara con el maestro Criscuolo, que tocaba flauta y violín, pero eso no era lo suyo. Su madre advertida y aún de medio de una severa pobreza familiar, ahorrando le dio los pesos para comprarse un bandoneón. Clausi lo recuerda así: "Fui con mi hermano a "Casa Nuñez", era un fueye negro y liso. Con los años Pascual se quedó sin trabajo y se lo regalé, yo me compré uno nacarado. Me las rebuscaba con las partituras comprándolas a menor precio en la editorial Ortelli Hermanos."
Sus primeros pasos profesionales los hizo formando parte de un quinteto en el año 1924. Lo dirigía el pianista Andrés Dáquila, quien fuera maestro de Piazzolla. Tocaban lugares hoy olvidados , como el café "Benigno" de la calle Rioja, en "La Fratinola" de la calle Patricios.
Luego forma parte de la Orquesta Milano-Ropi, uno flautista y el otro violinista. En el piano estaba Gaetano Grossi, quien por recomendación de Ortelli se convirtió en su maestro. Su deseo era aprender música, "sacar" algunos clásicos, "El trovador" por ejemplo, de la que conserva aún la partitura con las correcciones de su maestro.
El bandoneonista José Antonio Scarpino, vecino del barrio, le contó que Francisco Pracánico trataba de ubicarlo para que trabajase en su orquesta en una temporada en el Teatro Astral. Fue en 1926, en ella estaban sus hermanos Domingo y Alejandro, dos buenos bandoneonistas, también integraban la orquesta, Miguel Caló, Domingo Precona y el cantor Carlos Dante.
Recuerda "Chula" que en en una ocasión el guitarrista Juan Caldarella, compositor junto a los hermanos Scarpino del famoso tango "Canaro en París", le contó que esa melodía provenía de una vieja mazurca italiana, que trajeron los Scarpino. La famosa variación es del propio Caldarella, quien se inspiró una noche tocando un peine forrado con celofán en el patio de un boliche.
Pasado el tiempo y ya residiendo en el barrio de Flores y en una peluquería donde su reunían varios músicos, tomó contacto con Juan Maglio "Pacho", quien ya conocía a su hermano Pascual, pues le había grabado el tango "El pueblo te reclama", dedicado a Hipólito Yrigoyen. De inmediato lo recluta para grabar con su orquesta, era a mediados de 1928.

Gabriel ClausiGabriel Clausi

"Pacho" iba casa todas las tardes, y los domingos se aparecía con su Studebaker para ir al hipódromo. Grabó varios temas del "Chula": "En un rincón del café", con letra de Francisco Laino, el estribillo lo cantó Carlos Viván y años más tarde "Mi linda chirusa". Con el Trío "Pacho": "Lluvia de penas" y "En capilla" Por entonces el Trío "Pacho" lo componían Ernesto Di Cicco, Federico Scorticati y Clausi, y Maglio los dirigía. El maestro se había dado cuenta que había sido superado por los más jóvenes.
Un día se le apareció Roberto Firpo y me ofreciéndole tocar con él en el "Palace". Con Firpo tuvo mucho éxito, luciéndose con sus variaciones. Tenía mucho trabajo, grababa al mismo tiempo con Minotto, Maglio, Bonavena, Donato y Geroni Flores.
En septiembre de 1929 ingresa en la orquesta de Pedro Maffia, hasta 1934. Grabando con él en Columbia y en Brunswick.
Luego de Pedro Maffia, llega Julio De Caro, con quien actúa hasta 1940. Primero en radio Splendid, en una formación integrada por: Francisco De Caro (piano), Carlos y Rolando Marcucci, Félix Lipesker y él (bandoneones), Luis Guitérrez del Barrio y Mauricio Saiovich (violines), Francisco De Lorenzo (contrabajo) y Juan Carlos Otero (cantor).
De su orquesta no se fue del todo bien. Clausi dice, no sin generar cierta polémica: "De Caro era un tipo muy difícil, una vez se molestó porque otros directores me ofrecían más del doble de lo que yo ganaba con él. El verdadero motor de la orquesta era su hermano Francisco. Julio no tenía gran capacidad para escribir música, él era un empresario, un hombre de negocios. Sus tangos "Viña del Mar", "1937", "Ja, ja, ja" y otros que son suyos, no tienen el vuelo que los que firmó con Francisco o con Laurenz y que, en realidad, son de ellos. Con los años Laurenz me dijo: «Mirá esos tangos que regalé. ¡Qué bien me vendrían ahora!» Ya estaba jubilado y necesitaba unos pesos más. El comentario se refería a "Tierra querida", "El arranque" y "Boedo"."
En 1940 sale de gira con Juan Canaro a por Centro América. Con él tiempo Juan regresó a Buenos Aires y yo me hice cargo de la orquesta, terminé en Chile actuando con gran éxito.
Al regresar, en 1942, ingresó en la orquesta de Arturo de Bassi que actuaba en radio Splendid.
Alredor de esos días le llega un telegrama de los hermanos José y Alberto De Caro para irse nuevamente a Chile. Pensaba hacerlo por un año y se quedó diez. Viajaron con él los cantores Ricardo Ruiz y Héctor Insúa.
En Chile grabó casi 150 registros. Grabaron con Clausi, además de los mejores cantantes chilenos: Carmen Idal, Roberto Rufino, Andrés Falgás, Ricardo Ruiz, Raúl Garcés.
Regresado al país integra la orquesta que habían formado Pedro Maffia y el cantor Alberto Gómez. Después se permitió grabar por su cuenta, en un sello propio: "Chopin", donde entre otros grabó Jorge Falcón, con su nombre verdadero Luis Iglesias.
Hoy lo vemos lucirse en el escenario con el Seleccionado del Tango y en los registros de "El Café de los Maestros "Fuente Web de Gabriel Clausi (Web realizada por su nieto Julio Mejia en homenaje a su Abuelo).

Gabriel ClausiGabriel Clausi

In English
Born on August 30, 1911, were twelve brothers and several dedicated to music, while his first teacher was his elder brother Pascual, who played by ear.
It was given a bandoneon, back in 1922, and playing in a warehouse on the corner of Independence and Dean Funes, a day in the middle of a fight it was stolen.
He worked for a time butcher, and still exhibits the gorges that were in their hands. The brother who had served as a teacher to see it was an instrument advised him to study with maestro Criscuolo, who played flute and violin, but that was not theirs. His mother and even warned of severe poverty middle of a family, saving the weights given to buy a bandoneon. Clausi remembers him well: "I went with my brother" Nunez House ", was a bandoneon black and smooth. Over the years Pascual ran out of work and the Regal, I bought a pearl. Rebuscado with me the sheet music purchases from lowest price in the editorial Ortelli Brothers. "
His first professional steps made them part of a quintet in the year 1924. What led the pianist Dáquila Andres, who was master Piazzolla. They played today forgotten places, such as coffee "Benigno" street Rioja, "Fratinola" street Patricios.
Then part of the Orchestra Milano-Ropi, a flutist and another violinist. At the piano was Gaetano Grossi, who on the recommendation of Ortelli became his teacher. His desire was to learn music, "draw" some classic, "The troubadour" for example, which still retains the score with corrections to his teacher.
The bandoneon player Jose Antonio Scarpino, neighbor of the neighborhood, told him that Francis was trying to locate Pracánico to work in his orchestra in one season at the Teatro Astral. It was in 1926, there were his brothers Domingo and Alejandro, two good bandoneonists, also made up the orchestra, Miguel Calo, Sunday PreCon and singer Carlos Dante.
Remember "Chula" that once the guitarist John Caldarella, composer alongside the brothers Scarpino of the famous tango "Canaro in Paris," told him that the melody came from an old mazurka Italian, who brought the Scarpino. The famous variation is itself Caldarella, who was inspired one night playing a comb lined with cellophane in the courtyard of a bowling alley.
After the time and already residing in the neighborhood of Flores and a barbershop where his met several musicians, made contact with Juan Maglio "Pacho", who already knew his brother Pascual, because he had recorded tango "The people calling you" Dedicated to Hipolito Yrigoyen. Immediately the recruits to record with his orchestra, was in mid-1928.
"Pacho" was going home every evening and on Sunday appeared with his Studebaker to go to the racetrack. He recorded several items on the "Chula": "In a coffee corner" with lyrics by Francisco Laino, the chorus sang and Carlos Viván years later "My chirusa nice." With the Trio "Pacho": "Rain of sentences" and "chapel" By then the trio "Pacho" what up Ernesto Di Cicco, Federico Scorticati and Clausi, and directed the Maglio. The teacher had realized that he had been overtaken by younger ones.
One day he appeared Roberto Firpo and offering me play with him in the "Palace". With Firpo was very successful, lamps with their variations. He had a lot of work, recorded at the same time with Minotto, Maglio, Bonavena, Donato and Geroni Flores.
In September 1929 the orchestra joins Pedro Maffia, until 1934. Recording with him in Columbia and in Brunswick.
After Pedro Maffia, arrives Julio De Caro, who serves until 1940. First radio Splendid, a formation composed of: Francisco De Caro (piano), Carlos and Rolando Marcucci, Felix Lipesker and he (bandoneons), Luis del Barrio Guitérrez and Mauritius Saiovich (violins), Francisco De Lorenzo (bass) and John Carlos Otero (singer).
From his orchestra was not so good. Clausi said, not without generating some controversy: "De Caro was a very difficult, once it bothered me because other managers offered more than twice what I earned with him. The real engine of the orchestra was his brother Francisco. July did not have great ability to write music, he was a businessman, a businessman. His tangos "Vina del Mar", "1937", "Ha, ha, ha" and others that are yours, do not have the flight which signed with Francisco or Laurenz and, in fact, are of them. Over the years Laurenz told me: 'Look these tangos that gift. I would do well now! "He was already retired and needed a few pesos more. The commentary deal with "dear Earth", "The Boot" and "Boedo."
In 1940 goes on tour with Juan Canaro at Centre americas. Over time John returned to Buenos Aires and I I took over the orchestra, finished in Chile acting with great success.
Upon his return, in 1942, joined the orchestra of Arturo Bassi acting on Radio Splendid.
Surroundings of these days comes a telegram of the brothers Jose and Alberto De Caro to go back to Chile. I thought doing so for one year and stayed ten. He traveled with the singers Ricardo Ruiz and Hector Insúa.
In Chile recorded nearly 150 entries. They recorded with Clausi, plus the best singers Chileans: Carmen Idal, Roberto Rufino, Andres Falgás, Ricardo Ruiz, Raul Garces.
I came back to the country integrates the orchestra that had formed Pedro Maffia and the singer Alberto Gomez. Following are allowed to burn on their own, in a stamp himself: "Chopin", which among others recorded Jorge Falcon, with his real name Luis Iglesias.
Today we see lights on the stage with the Selected Tango and records "Cafe de los Maestros" Source Web Gabriel Clausi (Web created by her grandson July Mejia in tribute to his Grandfather).

martes, 26 de agosto de 2008

Blossom Dearie en español and in English

Blossom Dearie

Blossom Dearie

Blossom Dearie (Nacida el 28 de abril de 1926) es una cantante de jazz y pianista norteamericana, se centró en el genero del bebop. Dearie se hizo célebre gracias a su “distinguida voz aniñada”
Los inicios: Dearie nació en East Dirham, Nueva York, Estados Unidos . De niña estudió piano clásico, pero lo cambió por el jazz en la adolescencia. Al acabar los estudios secundarios, Dearie se mudó a Nueva York, para continuar su carrera musical. Aquí comenzó a cantar en grupos como los Blue Flames (con la Woody Herman Orchestra) y los Blue Reys (con Alvino Rey's band), antes de iniciar su carrera en solitario.

En 1952 se muda a París, donde forma un grupo vocal, The Blue Stars. En 1954 el grupo consiguió un hit en Francia con la versión francesa de "Lullaby of Birland". The Blue Stars más tarde se convertirían en los Swingle Singers. Durante su estancia en París, conoció al que sería su marido, el flautista y saxofonista belga Bobby Jaspar. En su primer disco en solitario, publicado dos años más tarde, Dearie toca el piano, pero no canta.

Una de las canciones más conocidas de esta etapa es “The Riviera”, escrita por Cy Coleman y Joseph McCarty Jr. en 1956.
Finales de los 50 y los 60 [editar]En esta etapa, después de regresar de Francia, Dearie grabó sus primeros seis discos en América como cantante solista y pianista para el sello Verve Records la mayoría con un pequeño trío o cuarteto. Dave Garroway, presentador del programa Today, y uno de los primeros seguidores de Dearie, la invitó en varias ocasiones a su programa, facilitando así su difusión al público general. En 1962, graba una canción para un anuncio de radio para la cerveza "Hires Root". Como todo el mundo debe saber, el LP Blossom Dearie Sings Rootin' Songs fue lanzado como un objeto codiciado que podía ser encargado por el precio de un dólar y una prueba de compra.

En 1964, Dearie graba su disco más conocido para el sello Capitol Reccords May I Come In?, grabado, inusualmente en ella, con una orquesta. Durante este mismo periodo Dearie interpretó frecuentemente en clubs donde pulió su estilo característico. En 1966, hizo su primera aparición pública en el londinense club de Ronnie Scout, donde pronto se convirtió en un número muy aclamado por el público. Grabó cuatro discos en Inglaterra, pulicados por el sello Fontana en los años 60.


Desde los 70 en adelante [editar]In 1974, Dearie fundó su propio sello, Daffodil Records, que le permitió controlar totalmente la grabación y distribución de sus discos. Blossom apareció por televisión durante toda su carrera, especialmente con canciones para series educativas para niños, como Schoolhouse Rock! Muchas de sus intervenciones en estas series fueron compuestas por su buen amigo Bob Dorough, compositor y cantante de jazz. Se puede oír su voz en “Mother Necessity”, “Figure Eight” y “Unpach Your Adjectives”

Su voz peculiar y sus canciones han sido incluidas en las bandas sonoras de muchas películas como Kissing Jessica Stein, My Life Without Me,The Squid and the Whale y The Adventures of Felix. También ha grabado con algunos músicos, entre ellos Bob Dorough y Lyle Lovett.

Dearie continuó tocando y cantando en clubs. Como una de las últimas cantantes de clubs que quedan, sigue cantando y tocando en algunos números regulares en Londres y Nueva York.

Blossom Dearie

English
Blossom Dearie (born April 28, 1926) is an American jazz singer and pianist, often performing in the bebop genre. Dearie is known for her "distinctive, girlish voice".

Early career
Dearie was born in East Durham, New York. As a child, she studied classical piano but switched to jazz as a teenager. After high school Dearie moved to New York City to pursue her music career. Here she began singing in groups such as the Blue Flames (with the Woody Herman Orchestra) and the Blue Reys (with Alvino Rey's band) before launching her solo career.

In 1952, she moved to Paris and formed a vocal group, The Blue Stars. In 1954 the group had a hit in France with a French-language version of "Lullaby of Birdland". The Blue Stars would later evolve into the Swingle Singers. While in Paris she met her future husband, the Belgian flautist and saxophonist Bobby Jaspar. On her first solo album, released two years later, she plays the piano but does not sing.

One of her most famous songs from that period is "The Riviera", written and composed by Cy Coleman and Joseph McCarthy Jr. in 1956.


lunes, 25 de agosto de 2008

Virginia Luque

Virginia LuqueVirginia Luque

Virginia LuqueVirginia Luque

Virginia Luque con Rubén Juárez en Caño 14 (1976)


LUQUE, Virginia. (Nombre de familia: Violeta Domínguez). Cancionista. Actriz. Se inició en la cinematografía durante 1943, bajo la dirección de Francisco Mujica, con un papel juvenil en La Guerra la Gano yo, que protagonizó Pepe Arias. Afirmó su naciente prestigio como vedette en las representaciones de La Canción de los Barrios, que Francisco Canaro repuso en 1946 en el Teatro Presidente Alvear cantando en esa ocasión, Si tú me quisieras, tango de Canaro y Pelay. Intervino también en el rodaje de Se Rematan Ilusiones (1944), El Tercer Huésped(1946), Un Tropezón Cualquiera da en la Vida (1949), Don Juan Tenorio (1949), La Historia del Tango (1949), El Patio de la Morocha (1951), y otras películas. Más tarde realizó preferentemente su carrera en televisión y en espectáculos musicales en teatros, compartiendo carteleras con Hugo del Carril y Mariano Mores. Intérprete emotiva y de propicio timbre vocal para el tango y estilísticamente enraizada a modalidades tradicionales en su género. Registró sus versiones para el sello Pampa secundada por Argentino Galván; más tarde, para la casa Microfón. Fuente Horacio Ferrer

Biografia II por Lionel Godoy de Todotango
Cancionista(4 de octubre de 1927)
Nació en Buenos Aires, en el Hospital Rivadavia, el mismo lugar donde había nacido Azucena Maizani, quien fuera su madrina artística. De pequeña vivió en Temperley y siendo una niña de doce años, su padre la presentó en un concurso de canto español en Radio Belgrano, y lo ganó. Un año más tarde comienza sus estudios de teatro con Carlos Perelli y Angelina Pagano. Inicia su carrera en radios y teatros, como actriz y cantante de boleros y temas españoles. Siendo adolescente aún la escucha Francisco Canaro y le aconseja que estudie canto. En su carrera teatral interpretó las estilos más diversas, desde Moliere hasta los más destacados autores de nuestros días. En 1943 debuta en el cine haciendo un papel juvenil en la película de Francisco Mujica en la película La guerra la gano yo, cuyo protagonista era el actor Pepe Arias. Luego seguirían: "Se rematan ilusiones" (1944), "Allá en el setenta y tantos..." (1945), "El tercer huésped" (1946), "El hombre del sábado" (1947), "Un tropezón cualquiera da en la vida" (1949) y "Don Juan Tenorio" (1949). Este último año es convocada por Manuel Romero para la película "La historia del tango", con el actor Fernando Lamas, su primer papel importante. A partir de este film el cine le roba gran parte de su vida. El mismo director la dirige en "Arriba el telón" (1951), junto a Juan Carlos Mareco "Pinocho", donde actúan también las cancionistas Sofía Bozán y Jovita Luna. Filmó alrededor de treinta películas, muchas de ellas en el exterior. La última que hizo fue una participación especial en "Los chicos crecen" (1974), con el gran actor Luis Sandrini. Vivió unos años en el Caribe, donde además de hacer cine, actuó en televisión.
En Buenos Aires se convierte en vedette, se incorpora al espectáculo de revistas como cabeza de compañía, contratada por Carlos A. Petit.
En 1946, en la obra "La canción de los barrios", Francisco Canaro la hace cantar su tango "Si tu me quisieras", con letra de Ivo Pelay. Nunca más dejó esta música. Sus primeras grabaciones las registró en el sello Pampa, con el acompañamiento de Argentino Galván, luego continúa para las empresas Microfón y RCA-Victor. Produjo catorce discos de larga duración, acompañada por grandes directores: Atilio Stampone, Omar Valente, Roberto Pansera, Osvaldo Requena. También grabó tres en España y uno en Israel, cantando en iddisch. Tiene grabaciones en gallego, francés y portugués.
Hace giras por Centroamérica, Estados Unidos, Cuba, España, Canadá y Brasil. Realizó más de cien viajes y, en estos días, está por cumplir su noveno viaje a Japón, donde grabó un disco compacto en japonés. La televisión argentina la contó como primera figura en programas de gran popularidad: "La familia Gesa" (auspiciado por la empresa General Electric) y "Grandes valores del tango", entre otros.
Musicalizó, en París, los poemas de Alfonsina Storni en colaboración con el maestro Belloso. Participó en la campaña de ayuda a los niños de la Guerra de los seis días, entre Israel y los países árabes. Actualmente sigue cantando en Buenos Aires y a partir de junio de 2004, como dijimos anteriormente, viajará a Japón donde se quedará durante seis meses. Todavía conserva en su poder un poncho y un libro de letras de Gardel que le regaló la Ñata Gaucha.

Virginia LuqueVirginia Luque


English
Luque, Virginia. (Family name: Violeta Dominguez). Singer. Actress. It began in 1943 during the film, directed by Francisco Mujica, a youth role in the Game War I, who starred Pepe Arias. It affirmed its emerging reputation as a vedette on the representations of The Song of the Barrios, who replied Francisco Canaro in 1946 at the Teatro Presidente Alvear singing on that occasion, If you would like me, tango Canaro and Pelay. A statement was also made in the shooting was Remate Illusions (1944), The Third Host (1946), A Tropezón Anyone found in Life (1949), Don Juan Tenorio (1949), The Story of Tango (1949), El Patio de la Morocha (1951), and other films. Later preferably made his career in television and musical performances in theaters, billboards sharing with Hugo del Carril and Mariano Mores. Interpreter emotional and vocal timbre conducive to tango and stylistically rooted in traditional patterns of its kind. Recorded versions for stamp Pampa seconded by Argentine Galvan; later, for the house microphone. Source Horacio Ferrer

Biography II by Lionel Godoy of Todotango
Singer (4 October 1927)
Born in Buenos Aires in the Rivadavia Hospital, the same place where he was born Maizani Azucena, who was his artistic godmother. From small lived in Temperley and being a girl of twelve years, her father submitted in a contest singing Spanish on Radio Belgrano, and won. A year later began studying theater with Carlos Perelli and Angelina Pagano. He began his career in radio and theater, as an actress and singer of boleros and Spanish themes. Being a teenager still listening Francisco Canaro and advised him to study singing. In his theatrical career interpreted the most diverse styles, from Moliere to the most prominent authors of our time. In 1943 he debuted in film making a youth role in the film by Francisco Mujica in the film won the War I, whose protagonist was the actor Pepe Arias. Then continue: "It Remate illusions" (1944), "Back in the seventies and many ..." (1945), "The third guest" (1946), "Man on Saturday" (1947), "A tropezón any given in life" (1949) and "Don Juan Tenorio" (1949). This past year was convened by Manuel Romero for the film "The history of tango", with actor Fernando Lamas, her first major role. From this film cinema robs much of his life. The same director directed at the "Top Curtain" (1951), along with Juan Carlos Mareco "Pinocchio", which also serve the female singers Sofia Bozán and Jovita Luna. Film about thirty films, many of them abroad. The last was made by a special "Kids grow" (1974), with the great actor Luis Sandrini. He lived a few years in the Caribbean, where in addition to making films, he appeared on television.
In Buenos Aires becomes vedette, joins the spectacle of magazines as head of company contracted by Carlos A. Petit.
In 1946, in the play "The song of the neighbourhoods", Francisco Canaro makes her singing tango "If you would like me" with lyrics by Ivo Pelay. Never again let this music. His early recordings recorded in the Pampa label, with the accompaniment of Argentine Galvan, then continues for companies Microfón and RCA-Victor. Produced fourteen discs long-term, accompanied by great directors: Atilio Stampone, Omar Valente, Roberto Pansera, Osvaldo Requena. He also recorded three in Spain and one in Israel, singing in iddisch. Have recordings galician, French and Portuguese.
He toured Central America, United States, Cuba, Spain, Canada and Brazil. He made more than a hundred trips, and these days, is to meet its ninth trip to Japan, where he recorded a compact disc in Japanese. Television argentina counted as the leading figure in popular programs: "The family Gesa" (sponsored by the company General Electric) and "Great values of tango," among others.
Musicalized in Paris, the poems of Alfonsina Storni in collaboration with the teacher Belloso. He participated in the campaign helps children of the Six-Day War between Israel and Arab countries. Actual still singing in Buenos Aires since June 2004, as we said earlier, will travel to Japan where he will stay for six months. Still retains its power in a poncho and a book of letters Gardel that gave him the Ñata Gaucha.

domingo, 24 de agosto de 2008

B.B. King en español and in English

B.B. KingB.B. King

B.B. KingB.B. King

Su reinado como rey de los Blues ha sido tan larga como la de cualquier monarca de la tierra. Sin embargo, B. B. King sigue a llevar su corona. A la edad de 76, él sigue siendo luz en sus pies, cantando y tocando el blues con pasión implacable. El tiempo no tiene efecto aparente sobre BB, salvo para hacer lo más popular, más cariño, más pertinente que nunca. No busca de él en una especie de semi-retiro, para él ver a cabo en la carretera, tocando para la gente, saltan en una miríada de comerciales de televisión, o por el que se establecen las vías para su próximo álbum. BB King es tan vivo como el que desempeña la música, y un agradecido mundo no puede tener suficiente de él. Desde hace más de medio siglo, Riley B. King - más conocido como BB King - ha definido el blues para una audiencia mundial. Desde que comenzó la grabación en la década de 1940, ha publicado más de cincuenta discos, muchos de ellos clásicos. Había nacido 16 de septiembre de 1925, en una plantación en el CIMT Bena, Mississippi, cerca de Indianola. En su juventud, tocaba en las esquinas de monedas, y que a veces jugar a nada menos que cuatro ciudades una noche. En 1947, hitchhiked a Memphis, TN, para proseguir su carrera musical. Memphis es importante que cada músico del Sur gravitated, y que apoya una gran comunidad musical donde cada estilo de African American música se puede encontrar. BB se quedó con su primo Bukka White, uno de los más famosos artistas de blues de su época, que más escolarizados BB en el arte del blues. BB el primer gran ruptura llegó en 1948 cuando actuó en Sonny Boy Williamson del programa de radio en KWEM de West Memphis. Esto dio lugar a constantes enfrentamientos en la Decimosexta Avenue Grill en West Memphis, y más tarde a una de diez minutos en terreno negro de personal y Memphis gestionados estación de radio WDIA. "King's Spot", llegó a ser tan popular, se amplió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Poco B.B. necesitaba un nombre pegadizo de radio. Lo que comenzó como Beale Street Blues Boy se acortó a Blues Boy King, y, finalmente, BB King. A mediados de los años 1950, mientras que BB fue a realizar un baile en Twist, Arkansas, algunos fans se convirtió en ingobernable. Dos hombres entraba en una lucha y golpeó más de un estufa de queroseno, el incendio de la sala. BB navegó al aire libre a la seguridad con todos los demás, entonces se dio cuenta de que dejó su amada $ 30 dentro de guitarra acústica, por lo que se apresuraron hacia adentro de la quema de edificio para recuperarlo, en sentido estricto escapar de la muerte. Cuando más tarde descubrió que la lucha ha sido más de una mujer llamada Lucille, decidió dar el nombre a su guitarra para recordar a él nunca a hacer una cosa como loca lucha por una mujer. Desde entonces, cada uno de la marca BB guitarras Gibson ha sido llamada Lucille. Poco después de su hit número uno, "Tres horas Blues", BB comenzaron a recorrer el país. En 1956, BB y su banda tocó un asombroso 342 de una noche en pie. Desde el chitlin circuito con sus pequeños cafés de la ciudad, juke articulaciones, y el país salas de baile para el rock palacios, salas de conciertos sinfónicos, las universidades, los hoteles vacacionales y los anfiteatros, a nivel nacional e internacional, BB se ha convertido en el más famoso músico de blues de los últimos 40 años . Con los años, BB ha desarrollado una de las más identificables estilos de la guitarra. Él tomados en préstamo de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros, la integración de sus precisos y complejos como vocal-cadena curvas y su vibrato de mano izquierda, ambas de las cuales se han convertido en componentes indispensables guitarrista de rock del vocabulario. Su economía, su nota de cada cuenta de fraseo, ha sido un modelo para miles de jugadores, de Eric Clapton y George Harrison a Jeff Beck. BB ha mezclado el blues tradicional, jazz, swing, pop y principal salto en un único sonido. En las palabras de BB, "Cuando canto, toco en mi mente; el minuto he dejado de cantar oralmente, empiezo a cantar tocando Lucille". En 1968, BB jugado en el Newport Folk Festival y en el Bill Graham del Fillmore West sobre los proyectos de ley con el rock más populares artistas contemporáneos del día que idolized BB y ayudó a introducir a un joven blanco de audiencia. En `` 69, BB fue elegida por los Rolling Stones para abrir 18 conciertos por América; Ike y Tina Turner también jugó en 18 muestras. BB fue inducida en el Blues Foundation Hall of Fame en 1984 y en el Rock and Roll Hall of Fame en 1987. Recibió NARAS "Grammy Lifetime Achievement Award en 1987, y ha recibido doctorados honorarios de Tougaloo (MS) College en 1973; Universidad de Yale en 1977; Berklee College of Music en 1982; Rhodes College de Memphis en 1990; Mississippi Valley State University en 2002 y la Universidad Brown en 2007. En 1992, recibió el Premio Nacional de Distinción de la Universidad de Mississippi. En 1991, BB King's Blues Club abrió en la calle Beale en Memphis, y en 1994, un segundo club se puso en marcha en Universal CityWalk en Los Angeles. Un tercer club en la ciudad de Nueva York Times Square abrió en junio de 2000 y, más recientemente, abrió dos clubes en Foxwoods Casino en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-Rom en la carretera con BB King: An Interactive Autobiografía fue puesto en libertad a rave comentarios. También en 1996, BB's autobiografía, "Blues Todos a mi alrededor" (escrito con David Ritz para Avon Books) se publicó. En una línea similar, Doubleday publicó "La llegada de BB King" por Charles Sawyer, en 1980. BB continúa gira ampliamente, con un promedio de más de 250 conciertos por año en todo el mundo. Clásicos como "Payin 'The Cost To Be The Boss", "la emoción se ha ido," Blue Cómo puede obtener "," Todos los días tengo el blues "y" ¿Por qué me cantar el blues "son conciertos (y fan) grapas. largo de los años, los Premios Grammy-ganador ha tenido dos # 1 R & B hits, 1951 "Tres horas Blues", y 1952 del "usted no sabe de mí", y cuatro # 2 R & B hits, 1953 "Por favor, Love Me, "1954" Usted disgustado Me Baby ", 1960" Sweet Sixteen, Parte I, "y 1966" no responden a la puerta, Parte I. "BB más populares crossover hit de 1970" la emoción se ha ido, " fue a # 15 pop.Fuente Web de B.B.King

B.B. KingB.B. King


In English

His reign as King of the Blues has been as long as that of any monarch on earth. Yet B.B. King continues to wear his crown well. At age 76, he is still light on his feet, singing and playing the blues with relentless passion. Time has no apparent effect on B.B., other than to make him more popular, more cherished, more relevant than ever. Don't look for him in some kind of semi-retirement; look for him out on the road, playing for people, popping up in a myriad of T.V. commercials, or laying down tracks for his next album. B.B. King is as alive as the music he plays, and a grateful world can't get enough of him.
For more than half a century, Riley B. King - better known as B.B. King - has defined the blues for a worldwide audience. Since he started recording in the 1940s, he has released over fifty albums, many of them classics. He was born September 16, 1925, on a plantation in Itta Bena, Mississippi, near Indianola. In his youth, he played on street corners for dimes, and would sometimes play in as many as four towns a night. In 1947, he hitchhiked to Memphis, TN, to pursue his music career. Memphis was where every important musician of the South gravitated, and which supported a large musical community where every style of African American music could be found. B.B. stayed with his cousin Bukka White, one of the most celebrated blues performers of his time, who schooled B.B. further in the art of the blues.
B.B.'s first big break came in 1948 when he performed on Sonny Boy Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to steady engagements at the Sixteenth Avenue Grill in West Memphis, and later to a ten-minute spot on black-staffed and managed Memphis radio station WDIA. "King's Spot," became so popular, it was expanded and became the "Sepia Swing Club." Soon B.B. needed a catchy radio name. What started out as Beale Street Blues Boy was shortened to Blues Boy King, and eventually B.B. King.
In the mid-1950s, while B.B. was performing at a dance in Twist, Arkansas, a few fans became unruly. Two men got into a fight and knocked over a kerosene stove, setting fire to the hall. B.B. raced outdoors to safety with everyone else, then realized that he left his beloved $30 acoustic guitar inside, so he rushed back inside the burning building to retrieve it, narrowly escaping death. When he later found out that the fight had been over a woman named Lucille, he decided to give the name to his guitar to remind him never to do a crazy thing like fight over a woman. Ever since, each one of B.B.'s trademark Gibson guitars has been called Lucille.
Soon after his number one hit, "Three O'Clock Blues," B.B. began touring nationally. In 1956, B.B. and his band played an astonishing 342 one-night stands. From the chitlin circuit with its small-town cafes, juke joints, and country dance halls to rock palaces, symphony concert halls, universities, resort hotels and amphitheaters, nationally and internationally, B.B. has become the most renowned blues musician of the past 40 years.
Over the years, B.B. has developed one of the world's most identifiable guitar styles. He borrowed from Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker and others, integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left hand vibrato, both of which have become indispensable components of rock guitarist's vocabulary. His economy, his every-note-counts phrasing, has been a model for thousands of players, from Eric Clapton and George Harrison to Jeff Beck. B.B. has mixed traditional blues, jazz, swing, mainstream pop and jump into a unique sound. In B.B.'s words, "When I sing, I play in my mind; the minute I stop singing orally, I start to sing by playing Lucille."
In 1968, B.B. played at the Newport Folk Festival and at Bill Graham's Fillmore West on bills with the hottest contemporary rock artists of the day who idolized B.B. and helped to introduce him to a young white audience. In ``69, B.B. was chosen by the Rolling Stones to open 18 American concerts for them; Ike and Tina Turner also played on 18 shows.
B.B. was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984 and into the Rock and Roll Hall of Fame in 1987. He received NARAS' Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received honorary doctorates from Tougaloo(MS) College in 1973; Yale University in 1977; Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990; Mississippi Valley State University in 2002 and Brown University in 2007. In 1992, he received the National Award of Distinction from the University of Mississippi.
In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and in 1994, a second club was launched at Universal CityWalk in Los Angeles. A third club in New York City's Times Square opened in June 2000 and most recently two clubs opened at Foxwoods Casino in Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom On The Road With B.B. King: An Interactive Autobiography was released to rave reviews. Also in 1996, B.B.'s autobiography, "Blues All Around Me" (written with David Ritz for Avon Books) was published. In a similar vein, Doubleday published "The Arrival of B.B. King" by Charles Sawyer, in 1980.
B.B. continues to tour extensively, averaging over 250 concerts per year around the world. Classics such as "Payin' The Cost To Be The Boss," "The Thrill Is Gone," How Blue Can You Get," "Everyday I Have The Blues," and "Why I Sing The Blues" are concert (and fan) staples. Over the years, the Grammy Award-winner has had two #1 R&B hits, 1951's "Three O'Clock Blues," and 1952's "You Don't Know Me," and four #2 R&B hits, 1953's "Please Love Me," 1954's "You Upset Me Baby," 1960's "Sweet Sixteen, Part I," and 1966's "Don't Answer The Door, Part I." B.B.'s most popular crossover hit, 1970's "The Thrill Is Gone," went to #15 pop.Fuente web B.B. King

Diane Schuur en español and in English

Diane SchuurDiane Schuur


Diane SchuurDiane Schuur

La vocalista / pianista Diane Schuur es tan ecléctica brillante. Discípula de Dinah Washington y otros legendarios cantantes de jazz de los años 50 y'40s, Schuur ha construido una estelar carrera que abarca no sólo el jazz de sus pares generación, sino también la música pop de su propia juventud durante los fines del decenio de 1950 y años 60. En una carrera discográfica que abarca casi tres décadas - e incluye dos premios Grammy y tres nominaciones al Grammy - Schuur de la música ha explorado casi todos los rincones del siglo 20 en América panorama musical.

Nacida en Tacoma, Washington, en diciembre de 1953, Schuur era ciega de nacimiento. Ella creció en cerca Auburn, Washington, donde su padre era un capitán de policía. Apodado Deedles a una edad temprana, Schuur descubrió el mundo del jazz a través de su padre, un pianista, y su madre, que mantiene una formidable colección de Duke Ellington y Dinah Washington registros en la casa.

Ella era aún una niña cuando aprendió a cantar la forma Dinah Washington canción, "Qué diferencia hace un día." Armadas con el raro don de la perfecta afinación, Schuur enseñó a sí misma piano de oído y desarrollar una rica, resonante estilo vocal a principios de , Como pone de manifiesto en una grabación de su primera representación pública en un Holiday Inn en Tacoma cuando ella tenía diez años. Ella recibió entrenamiento formal de piano en el Estado de Washington School for the Blind, que asistió hasta la edad de 11 años. Por su temprana adolescencia, que había acumulado su propia colección de registros de Washington y espera que el legendario vocalista como su principal inspiración.

Schuur hizo su primer disco en 1971, un país único titulado "Queridos mamá y papá", producido por Jimmy Wakely. Después de la escuela secundaria, ella se centró en el jazz y gigged en todo el noroeste. En 1975, una audición informal con el trompetista Doc Severinson (entonces el líder de la banda Tonight Show) dio lugar a un concierto Tonight Show con el baterista Ed Shaughnessy del grupo en el Festival de Jazz de Monterrey. Ella cantó un evangelio suite Shaughnessy con la banda de en frente de un festival de audiencia que incluyó jazz el saxofonista tenor Stan Getz, que a su vez la invitó a participar en una vitrina de talentos en la Casa Blanca. Una declaración posterior desempeño en la Casa Blanca dio lugar a una grabación con GRP, que publicó Schuur del álbum debut, Deedles, en 1984.

Durante los próximos 13 años, Schuur registró 11 álbumes en GRP, entre ellos dos ganadores del Grammy: Timeless (1986) y Diane Schuur y la Count Basie Orchestra (1987). La grabación con la orquesta de Basie pasó 33 semanas consecutivas en el n º 1 en el Billboard de jazz gráficos. En 1991, Pure Schuur hizo la número uno en la ranura de Jazz Contemporáneo gráficos, y corazón a corazón - una grabación de 1994 en colaboración con BB King - entró en el Billboard en el N º 1.

Después de un álbum en Atlantic Records en 1999 - La música es mi vida, producido por Ahmet Ertegun - Schuur se sumaron a la etiqueta Concord 2000 con la liberación de amigos para Schuur. El traslado a Concord marcó el comienzo de una serie de gran éxito proyectos de colaboración: Swingin 'Por Schuur (2001), un conjunto de duetos artesanales con el trompetista Maynard Ferguson; Midnight (2003), Schuur la singular interpretación de trece canciones (en su mayoría nuevo material) por escrito o co-escrito por Barry Manilow y Schuur Fire (2005), un decididamente con sabor latino-álbum con el Caribe Jazz Project.

En otro momento, Schuur, de febrero de 2008 Concord liberación, es una grabación de canciones de artistas de jazz quien descubrió por primera vez a través de sus padres durante su infancia y la adolescencia años. El álbum ofrece canciones de George y Ira Gershwin, Irving Berlin, Sammy Cahn, Rogers y Hammerstein y mucho más. El conjunto incluye también una sorprendente madurez de sondeo versión de "septiembre en la Lluvia", registrada en el Holiday Inn de Tacoma en 1964, cuando fue Schuur sólo diez años.

Otro momento es, entre otras cosas, Schuur la celebración de la música de sus padres generación, y un homenaje a su difunto madre en el cuadragésimo aniversario de su muerte a la temprana edad de 31. "Esta es una celebración de la música presenta a mí cuando yo era pequeña," dice Schuur. "Después de bastante tiempo, todo lo que sus padres nunca le dijo a usted, todo lo que nunca trató de enseñarle, comienza a tener sentido. Puede encontrar la manera en la que creció y la forma en que miró el mundo en el contexto de su generación y su tiempo ".

Durante mucho tiempo - y, a veces criticado - como un artista que ha caminado la cuerda floja entre el jazz y el pop, Schuur ve en otro momento como una declaración firme sobre su compromiso con la tradición del jazz y su influencia en su sensibilidad artística. "Este álbum es realmente acerca de volver a los fundamentos de mis raíces jazz", dice. "No es que me dejó completamente, pero hubo algunos desvíos en el camino."


In English
Vocalist/pianist Diane Schuur is as eclectic as she is brilliant. A longtime disciple of Dinah Washington and other legendary jazz singers of the ‘40s and ‘50s, Schuur has built a stellar career by embracing not only the jazz of her parents’ generation, but also the pop music of her own youth during the late 1950s and ‘60s. In a recording career that spans nearly three decades – and includes two Grammy Awards and three Grammy nominations – Schuur’s music has explored nearly every corner of the 20th century American musical landscape.

Born in Tacoma, Washington, in December 1953, Schuur was blind from birth. She grew up in nearby Auburn, Washington, where her father was a police captain. Nicknamed Deedles at a young age, Schuur discovered the world of jazz via her father, a piano player, and her mother, who kept a formidable collection of Duke Ellington and Dinah Washington records in the house.

She was still a toddler when she learned to sing the Dinah Washington signature song, “What a Difference a Day Makes.” Armed with the rare gift of perfect pitch, Schuur taught herself piano by ear and developed a rich, resonant vocal style early on, as evidenced in a recording of her first public performance at a Holiday Inn in Tacoma when she was ten years old. She received formal piano training at the Washington State School for the Blind, which she attended until age 11. By her early teens, she had amassed her own collection of Washington’s records and looked to the legendary vocalist as her primary inspiration.

Schuur made her first record in 1971, a country single entitled “Dear Mommy and Daddy,” produced by Jimmy Wakely. After high school, she focused on jazz and gigged around the northwest. In 1975, an informal audition with trumpeter Doc Severinson (then the leader of the Tonight Show band) led to a gig with Tonight Show drummer Ed Shaughnessy’s group at the Monterey Jazz Festival. She sang a gospel suite with Shaughnessy’s band in front of a festival audience that included jazz tenor saxophonist Stan Getz, who in turn invited her to participate in a talent showcase at the White House. A subsequent return performance at the White House led to a record deal with GRP, which released Schuur’s debut album, Deedles, in 1984.

Over the next 13 years, Schuur recorded 11 albums on GRP, including two Grammy winners: Timeless (1986) and Diane Schuur and the Count Basie Orchestra (1987). The recording with the Basie Orchestra spent 33 consecutive weeks at No. 1 on the Billboard jazz charts. In 1991, Pure Schuur made the number-one slot on the Contemporary Jazz charts, and Heart To Heart – a 1994 collaborative recording with B.B. King – entered the Billboard charts at No. 1.

After one album on Atlantic records in 1999 – Music is My Life, produced by Ahmet Ertegun – Schuur joined the Concord label with the 2000 release of Friends For Schuur. The move to Concord marked the beginning of a series of highly successful collaborative projects: Swingin’ For Schuur (2001), a set of finely crafted duets with trumpeter Maynard Ferguson; Midnight (2003), Schuur’s unique interpretations of thirteen songs (mostly new material) written or co-written by Barry Manilow; and Schuur Fire (2005), a decidedly Latin-flavored album featuring the Caribbean Jazz Project.

Some Other Time, Schuur’s February 2008 Concord release, is a recording of songs by jazz artists whom she first discovered via her parents during her childhood and adolescent years. The album features songs by George and Ira Gershwin, Irving Berlin, Sammy Cahn, Rogers and Hammerstein and more. The set also includes a surprisingly mature-sounding rendition of “September in the Rain,” recorded at the Holiday Inn in Tacoma in 1964 when Schuur was only ten years old.

Some Other Time is, among other things, Schuur’s celebration of the music of her parents’ generation, and a tribute to her late mother on the fortieth anniversary of her death at the young age of 31. “This is a celebration of the music she introduced to me when I was growing up,” says Schuur. “After enough time goes by, everything your parents ever told you, everything they ever tried to teach you, starts to make sense. You find out how they grew up and how they looked at the world in the context of their generation and their times.”

Long regarded – and sometimes criticized – as an artist who has walked a tightrope between jazz and pop, Schuur sees Some Other Time as an unwavering statement about her commitment to the jazz tradition and its influence on her artistic sensibilities. “This album really is about coming back to the basics of my jazz roots,” she says. “Not that I really completely left them, but there were a few detours along the way.”