Kerry Stratton

Kerry Stratton

Kerry Stratton

En el curso de su carrera internacional,Kerry Stratton ha dirigido Kerry Stratton orquestas en Europa, Norteamérica y Asia. Después de haber ganado un nivel en la conducción de la Universidad de McGill en Montreal. Stratton posteriormente completó estudios de postgrado en el Conservatorio de
Viena por Sir Charles Mackerras, la Academia Chigiana en Siena, Italia, y L'Ecole Pierre Monteux con Charles Bruck.

Desde 1988, Kerry Stratton ha sido Director y Director Musical de la Filarmónica de Toronto, la orquesta con residencia en el Toronto Centre for the Arts. Durante su mandato, Stratton ha desarrollado la orquesta de un conjunto de aficionados a una orquesta profesional, con una temporada de la serie principal de conciertos, programas educativos, para recaudar fondos y en toda la provincia un calendario de gira.

Como parte de su programa de desarrollo de la audiencia, Stratton desarrollado con gran éxito un curso de educación de adultos, denominado "Un poco de música nocturna". Su innovador formato incluye conferencias, debates y música en vivo, en una íntima y no intimidante atmósfera. Stratton fundo "Grand Salon" un tribunal de palma orquesta, dedicado a la música de principios del siglo 20, y toca para un público entusiasta en todo el Canadá. Desde 1992, ha sido también Director Musical de la Huntsville Festival de las Artes, de Ontario, con una orquesta en residencia, que acompaña a artistas.

Además, a través de su compañía, Producciones Internacional del Turismo, que ha creado para viajes canadienses orquestas de renombre, como la orquesta de George Solti, Budapest, Viena el Concierto-Verein y de la Filarmónica Checa. Stratton contrataciones han incluido el Concierto de la Orquesta de Budapest, Hungría Cámara Solistas, Sala Filarmónica de Praga, Filarmónica de Cámara de Bohemia, Orquesta de la Radio Eslovaca, Orquesta Filarmónica Eslovaca Estado, Estado de Mexico Symphony Orchestra, Orquesta de Cámara de Lituania, la Filarmónica de Seúl, Orquesta de Londres (Ontario), Kitchener Waterloo Symphony, Calgary Philharmonic Orchestra, Orquesta de Radio Praga, Filarmónica de Zagreb, Filarmónica Janacek. En enero de 2001, se convirtió en el primer canadiense para llevar a cabo la Camerata de San Petersburgo en el Teatro Hermitage en el Palacio de Invierno. En diciembre de 2004 hizo su debut con la Sinfónica de Pekín en un concierto en la Ciudad Prohibida. Por sus servicios a la cultura checa y eslovaca, Stratton 2000 es el ganador del Premio de Masaryk. Kerry Stratton también se ha comprometido a ampliar el repertorio de los conciertos y grabó la música orquestal. Incluido en su discografía es el estreno mundial de grabación de Franz Liszt del De Profundis, con la Orquesta Sinfónica del Estado húngaro en el Hungaroton etiqueta. Su grabación en Dorian Documentos celestes titulado Fantasía, las características de este y otros trabajos del compositor Alan Hovhaness. Un largo tiempo devoto de compositores de Europa del Este, grabó una colección de Serenatas eslavo, con la Sinfónica de Moscú en Dorian Records, que el Washington Post llama "un placer". Dvorak Universal distribuye su programa grabado con la Orquesta de Radio Praga. En 2006 grabó un programa de Brahms-con la famosa Orquesta Sinfónica de Nuremberg. fuente web de Kerry Stratton.

Kerry Stratton también es amada por el público de Toronto como anfitrión y profesor de la popular "Noche de Música" Un poco de música de reconocimiento curso para toda la vida los estudiantes.

Roberto Grela

Roberto Grela con Leopoldo Federico tocando en Tangonorte de Avenida Alvear en Octubre de 1969.

Roberto Grela y Rodriguez en 1923

GRELA, Roberto. Músico. Guitarrista. Director. Compositor. (28 de junio de 1913 - 6 de septiembre de 1992)
1. Personalidad. El mayor guitarrista del tango en su género. Fue heredero y continuador aventajado de la línea de ejecutantes que animada por Manuel Parada, Oscar Alemán, Rosendo Pesoa, Rafael Iriarte y otros, promovió la jerarquización de la guitarra en la interpretación de la música popular rioplatense. Artista de sensibilidad exquisita y rara capacidad musical asimiló a su instrumento el fraseo brillante y ligado de la tradición bandoneonística, imprimiéndole un sello inconfundible. Pulsando sus cuerdas con púa de carey obtuvo una sonoridad diferente —menos pura acaso que la del timbre natural del instrumento, pero magníficamente musical de todos modos— bien manifiesta en las refinadas versiones de su propio conjunto— El baqueano, Corrales viejos, A San Telmo, Margarita Gauthier —grabadas para el sello T.K. y en sus realizaciones con Aníbal Troilo—. Suponen éstas —sobre la base de un pleno y sustantivo entendimiento mu- sical y temperamental— una desconocida dimensión en el tango de tipo intimista, con la acertada inclusión de guitarrón y de contrabajo como voces de apoyo. Creaciones auténticas son La cachila, A Pedro Maffia, Taconeando, A la Guardia Nueva, El abrojito (discos T.K.) y Madame Ivonne, Maipo, Ivette, Mi noche triste y La maleva (discos Víctor), donde se alternan los pasajes de punteo en las cuerdas tiples con la expresión más apagada, intensa y profunda de los bordoneos. En una tesitura más propensa a la exposición preciosista y más briosa en su tratamiento interpretativo, son por igual bien representativas de su sensibilidad las versiones de Guardia vieja —auténtico "capo lavoro"—, De vuelta al bulín, Griseta, Yo te bendigo, el vals Un Momento, la Selección de tangos de Astor Piazzolla, realizadas con Leopoldo Federico, y Bien nuestro y Ausencia, acompañado por la orquesta de Carlos García. Compositor de repertorio reducido pero muy selecto dio a conocer en sucesivas instancias de su carrera, Las cuarenta —su mayor suceso—, Callejón y Viejo baldío, dos tangos de muy sentida línea melódica, la Canción Triste, de gran belleza, y los tangos de corte milonga Minguito Tinguitella, Bien nuestro y A San Telmo, obras del más genuino clasisismo milonguero.
2. Vida. Nació en el barrio de San Telmo —Cochabamba 773— el 28 de junio de 1913. Miembro de una familia de artistas populares se inició en la música tocando un mandolín, siguiendo las huellas de sus tíos Octavio y Juan, quienes solían celebrar en el patio de su casa natal largas tertulias en compaña del famoso Manuel Parada. Siempre a punta de pura in-tuición, trocó el mandolín por la guitarra; tenía entonces siete años de edad. Durante los diez siguientes, se fue fogueando en el cordal del instrumento al amparo de su admiración por los grandes ejecutantes del tiempo aquel y de su propio talento. En 1930 despuntó su labor de profesional, acompañando al cantor Roberto Maida por LR3. Desde entonces y a través de veinte años, transformando paulatinamente las formas elementales del acompañamiento tradicional imperantes hasta su advenimiento, secundó la tarea vocal de Charlo —con quien actuó también en Montevideo en el cine Justicia—, Fernando Díaz, Alberto Serna, Osvaldo Cordó, Jorge Casal y otras muchas figuras en discos, radiotelefonía, teatros, locales nocturnos y televisión. En 1952, al programarse la puesta en escena de El Patio de la Morocha en el Teatro Enrique Santos Discépolo fue requerido por Troilo para dar marco en escena, a su bandoneón. Con el agregado de "Kicho" Díaz(bajo) y de Edmundo Zaldívar (h.) (guitarrón) quedó constituido el desde entonces popular y calificado cuarteto, con el cual tomó parte en audiciones por Radio Municipal, canales de TV y en el concierto ofrecido durante 1963 en el Estudio Auditorio del SODRE, en Montevideo. Simultáneamente con su labor en dicho conjunto integró en 1953 con Pichuco, Francini, Salgán y Díaz un quinteto de ases para el homenaje recordatorio a Juan Carlos Cobián y creó y dirigió su agrupación de cuerdas, con Ernesto Báez, Roberto Lainez y Eugenio Pro como principales colaboradores grabando para T.K. En 1961 fue llamado por la casa Columbia para poner nuevo acompañamiento a cuatro estilos criollos grabados por Carlos Gardel en 1913, complejo, sutil y delicado cometido que realizó con maestría.
En 1964 encabezó juntamente con Rivero, Salgán, Francini, Berlingieri, Ciríaco Ortiz y otros, el espectáculo Tango representado en el Teatro Colón con Troilo como figura central. Y a partir de 1966 en Caño 14 de la calle Uruguay, y discos Columbia y Music-Hall, prestigió juntamente con Leopoldo Federico el cuarteto San Telmo. En 1974 integró junto a María Cristina Laurenz, Raúl Garello y Horacio Ferrer, La Trova Porteña, en El Gallo Cojo de San Telmo. A más de sus composiciones ya citadas, dio a conocer los tangos Color gris, Amarga despedida, De punta y taco y el vals Bendito, con Horacio Ferrer, Mí zambita rea, y con éste y con Raúl Garella, Celedonio Becquer, Danzón de la chiflada, Tristería y Serenata a mi guitarra, entre otras. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

Marta Sanchez

Marta Sanchez

Marta Sanchez

Marta Sanchez

Don Antonio Sánchez Camporro, "bajo" en el mundo de la ópera y de nombre artístico Antonio Campó, conoció a Doña María Paz López Pestonit durante la representación de la tragedia "La Orestíada" en la antigua Plaza de Toros de La Coruña. Don Antonio era de Gijón (Asturias) y Doña María Paz era de Santiago de Compostela.

El 16 de Junio de 1965 se casaron y fruto de esa unión, el 8 de Mayo de 1966 nacieron en la maternidad de Santa Cristina en Madrid sus dos únicas hijas: las mellizas Paz y Marta. Al nacer prematuramente tuvieron que estar en la incubadora pero Marta lo hizo durante más tiempo debido a su menor peso.

El bautizo de ambas criaturas tuvo lugar en la Parroquia de San Antonio de la Florida (Madrid), en el verano de 1.966 y bajo un sol resplandeciente. Los padrinos de Marta fueron el gran tenor Don Alfredo Kraus, gran amigo de Don Antonio y la hermana de éste. Como buen asturiano que era Don Antonio, organizaron la fiesta en la popular sidrería "Casa Mingo".


Sus primeras amigas fueron Laura y Patricia, hijas de Don Alfredo Kraus. Casi siempre jugaban juntas y se lo pasaban muy bien representando obras teatrales. A Marta siempre le gustaba destacar y por eso prefería el papel de Reina. También le gustaba mucho pintarse y maquillarse. Solía acompañar a su madre al Rastro con cierta frecuencia y cuando jugaba en casa con sus tiendas, repetía con mucha gracia lo que decían los charlantes del Rastro, aunque era muy pequeña y casi no sabía hablar.


Cuando iban visitas a su casa, siempre salían con regalos que Marta les hacía. Era muy generosa. No podía ver a una niña sin muñecas y como ella siempre tenía dos, regalaba una. También era muy espontánea y sincera. Decía todo lo que se le pasaba por la cabeza. En una ocasión iba con su madre por la calle y se cruzaron con un señor. Marta dijo: "Este señor, ¡qué abrigo más bonito lleva!". El señor, agradecido, les miró, y Marta añadió: "¡Pero qué feo es!". El hombre se quedó sin saber qué decir.


A los tres años ya mostraba mucho interés por el mundo de la música. Le gustaba bailar, cantar y disfrazarse. Jugaba con sus compañeros de colegio a las princesas y se disfrazaba con trajes de ópera. No era tímida y no sentía vergüenza en bailar e interpretar papeles entre familiares y amigos. El primer juguete que tuvo fue un osito que le trajo su padre de Alemania, en una ocasión en que fue a cantar a aquel país.

Con cuatro o cinco años empezó a cantar "Gwendoline" de Julio Iglesias. Luego se lanzó con el flamenco, con "Maria de la O" que le enseñó su abuelo. Mostraba cierto interés por conocer América y cuando le preguntaban su nombre, ella siempre inventaba nombres americanos, que ni se entendían, pero era muy divertido escucharla.




A los cinco años veía en la televisión las películas de "Mari Sol" y siempre quería tener los ojos azules como ella. Se enfadaba con Dios por no habérselos dado. Su madre tenía que contarle la mentira piadosa de que si se portaba bien, los tendría de mayor. Tampoco le gustaba su pelo y se lo estiraba.

Siempre tuvo una relación muy intensa con su hermana Paz. Dormían juntas en la misma habitación y compartían juegos, secretos, ropa y libros. De pequeñas vestían igual y ya de mayores, se cambiaban la ropa. Sin embargo, sus caracteres eran muy diferentes. Mientras Paz era más tranquila y quizás algo más tímida, Marta era todo lo contrario. La relación entre ambas siempre ha sido estupenda y nunca ha habido problemas entre ellas. Se contaban sus cosas y se aconsejaban mutuamente.

Ambas hermanas sentían mucho cariño hacia los animales. Tuvieron de todo tipo: pollitos, patos, perros.. Un día aparecieron en casa con un perro que habían comprado en el Rastro por 200 pesetas, pero lo tuvieron que regalar porque sus padres no querían animales en casa.

Marta era muy inquieta, de las que empezaban montones de cosas y no acababa ninguna. Un día quería tomar clases de castañuelas, y a la semana lo dejaba. Después comenzaba con la guitarra y también se cansaba. Desde los diez años y durante la adolescencia se cansaba enseguida de todo. En una época también le dio por hacer patinaje sobre hielo y ballet. Después quiso aprender solfeo y resulta que casi sabía más que el profesor. Era un torbellino.



El día de su primera comunión le regalaron sus padres una guitarra, y a los 13 años ya componía canciones. Siempre iba con su guitarra y su cuaderno de notas, donde realizaba sus composiciones. Incluso en una ocasión ganó un premio con la canción "María, una amiga más" dedicada a la Virgen María y que interpretó en el colegio acompañada de su guitarra. Con estas canciones dedicadas a la Virgen ganaba muchos concursos en el colegio y es que Marta sentía mucha admiración por la Virgen. Siempre han sido una familia muy católica.

Solía veranear con sus padres y su hermana en la localidad pontevedresa de Sanjenjo. Allí fue donde comenzar a salir en pandilla con sus amigos y amigas. Si estaban en la Coruña solían ir a pasear por la hípica, la plaza de Vigo y La Solana.

A los 14 años hizo su primera aparición televisiva en el programa infantil de los sábados a la mañana, "Sabadabadá" presentado por Torrebruno en televisión española, donde había una sección dedicada a niños que querían demostrar sus dotes artísticos. Marta, acompañada de la guitarra que le habían regalado sus padres, dejó a todos atónitos demostrando su desparpajo ante las cámaras.

Durante doce años estudió en el colegio Veritas de Somosaguas en Madrid, un colegio regido por religiosas y muy estricto en sus costumbres. Siempre que iba al colegio le faltaba algún ejercicio por hacer, por lo que recibía siempre un castigo de las monjas. Marta suspendía casi todas las asignaturas porque se pasaba el día pensando en su futuro, imaginándose a sí misma como una conquistadora a quien le sobraban admiradores y que acabaría casándose con un millonario. No fue estudiosa, aunque cuando se lo proponía conseguía buenas notas. Su habitación estaba llena de libros. Tenía un pupitre blanco en el que pasaba largas horas simulando que estudiaba. Al lado de los pesados libros de Matemáticas e Historia tenía tebeos, inseparables compañeros. Le gustaba matar los ratos de estudio pintándose las uñas, escribiendo poesías y haciendo garabatos sobre las cuartillas. Otra cosa que le gustaba era dibujar novias vestidas de blanco. Cualquier cosa era mejor que estudiar. La relación con los compañeros de clase era muy buena. Se hacía querer. Siempre compartía con el resto de sus compañeros el material escolar.


A los 15 años se había convertido en una bella jovencita que llevaba casi siempre su pelo rizado en una coleta y que hacía estragos entre los chicos del barrio. Le gustaba vestir tanto de negro como de colores vistosos. Le gustaba mucho maquillarse, aparentando más edad de la que tenía. Le atraía mucho bailar y todos los fines de semana se iba a la discoteca Pachá de Tribunal en Madrid a divertirse con sus amigos. Se pasaba horas y horas bailando al son de la música.

Le entusiasmaba diseñar su propio vestuario y según dicen no lo hacía mal. Todos sus diseños se los llevaba a Paquita, una modista que vivía en el mismo barrio. Paquita convertía los bocetos que Marta diseñaba en realidad para que Marta pudiera lucirlos. La ropa le fascinaba desde muy pequeña, al igual que los cambios de 'look' y de peinado.


Pero tal y como ella suponía, su futuro profesional no estaba precisamente en los estudios, sino en el mundo artístico, en el que comenzó muy pronto. De hecho, en el último año escolar se cambió al colegio "Cumbre" de Madrid, pero al final lo dejó, porque ya se metió de lleno en la música.

Sus padres hubiesen preferido ver a su hija prepararse para estudiar una carrera pero no se opusieron a que se dedicara a la música, porque veían que era lo que más le gustaba. Por ese motivo, recibió todo el apoyo por parte de su familia.

Por aquel entonces era una apasionada de Barbara Streisand y Olivia Newton John, y más tarde de Prince, U2, Ilegales, Mecano, Génesis, Fleetwood Mac y Durán-Durán. Entonces soñaba con ser una número uno y luchó por ello. Cuando veía a los artistas firmar autógrafos, se decía a si misma que pronto llegaría su turno.




Cuando cumplió los 18 años (1984), encargó su primer "book", las fotos con las que se dio a conocer, su carta de presentación para los productores de las diferentes casas discográficas. El fotógrafo recuerda perfectamente esa jornada con Marta, entonces una perfecta desconocida, una de las muchas que encargaban un "book" para empezar a moverse en busca de una primera oportunidad. Esa joven le pareció completamente diferente, en todo momento muy segura de sí misma, de cómo quería salir en las fotos, de lo que la favorecía y lo que no. De hecho, ella misma guiaba al fotógrafo, y se mostraba absolutamente convencida de que el éxito la aguardaba no muy lejos.

Su primera oportunidad como cantante le llegó con el grupo "Cristal Oskuro", que en aquél entonces necesitaban vocalista. Era un grupo de chicos que tocaban música pop. Marta estuvo apenas siete meses, llegando a actuar en pequeños círculos. Incluso participó en un concurso organizado por la Comunidad de Madrid en la discoteca "Zodiaco" y en el que consiguieron la tercera plaza. Entre las muchas personas que vieron el espectáculo se encontraba Tino Azores, técnico de sonido del conocido grupo "Olé Olé". Se quedó tan maravillado con la voz de Marta que le propuso incorporarse al grupo, sustituyendo a Vicky Larraz, anterior cantante.

Así, y a la edad de 19 años, comenzó su brillante trayectoria con el grupo español "Olé Olé", que la llevaría a una carrera profesional repleta de éxitos. Con el primer dinero que ganó en el mundo de la canción se compró unos zapatos de tacón alto que le costaron 15.000 pesetas.

En las Navidades de 1985, a nivel de radio, empezó a escucharse "Lilí Marlen", primer éxito con el grupo "Olé Olé". Este single salió a la luz en Enero de 1986, llegando a ser número uno. Su primera actuación televisiva fue en el programa "Tocata", emitido el 15 de Enero de 1986. Aquí se dio a conocer ante los televidentes. El primer elepé "Bailando sin salir de casa" fue editado en Mayo de 1986. Con este álbum se hicieron sus sueños realidad, consiguiendo su primer disco de oro. El éxito continuó con temas como "Déjame Sola" y "Mirame bien" (blues auténtico), aunque su preferido fue la balada "No te necesita".


Su segundo elepé "Los caballeros las prefieren rubias" fue editado en Mayo de 1987, coincidiendo con el lanzamiento del primer single "Sola", llegando al número uno. Las ventas superaron las 150.000 copias. Con el lanzamiento de este disco hizo un cambio radical en su imagen. Abandonó la melena castaña (Abril de 1987) y convirtió su pelo en rubio platino, en homenaje a la admirada y mítica Marilyn Monroe. Recibió una gran cantidad de premios entre los que destacaron "Premio Naranja 87", "Premio Julieta 87" (por su simpatía y atención a la prensa) y "Long-play de oro" por las ventas obtenidas.



A partir de ese momento sus cambios de imagen fueron constantes en su carrera profesional, pero siempre conservando su melena rubio. Su popularidad fue en aumento, convirtiéndose en una de las artistas más famosas de España. Sus apariciones en la prensa y televisión eran constantes, creando un estilo propio y convirtiéndose en la belleza del momento, con toda la prensa volcada en ella.

El año 1988 fue su consagración definitiva como una de las estrellas más carismáticas de la música pop española y la mujer más atractiva de nuestro país. Además grababa con "Olé Olé" un spot televisivo, patrocinado por Coca Cola en el que se podía escuchar el estribillo de "Supernatural", canción que se encontraba en el tercer elepé del grupo, "Cuatro hombres para Eva", editado el 3 de Junio de 1988.

En los primeros meses de 1989 cruzó por primera vez el charco y comenzó una amplia gira por países sudamericanos como México, Chile (donde recibieron el premio "Antorcha de Plata" por la respuesta del público), Ecuador y Colombia.

Pero su "boom" llegó con el lanzamiento en 1990 del grandioso elepé "1990", el cuarto álbum del grupo, que se convirtió en uno de los elepés más escuchados. Las ventas llegaron a las 200.000 copias (doble disco de platino). La producción corrió a cargo de Nile Rodgers, un productor neoyorquino muy conocido integrante del mítico grupo "Chic". Además Marta debutó como compositora con los temas "Canción para mi padre" y "El está muy bien". La canción del álbum por excelencia fue "Soldados del amor". El éxito de este último elepé les hizo grabar cinco temas en inglés.


Los días 24 y 25 de Diciembre de 1990 "Olé Olé" actuó en el Golfo Pérsico para animar las navidades a los marineros españoles destinados allí. Todo salió estupendamente y fue retransmitido por televisión española.

En 1991 "Olé Olé" recibió el premio "Aplauso 92" en Miami por ser el mejor grupo pop latino del año.

En junio de 1991 Marta se vio obligada a posar desnuda para una publicación con lo que se produjo un gran "boom" en todo el país.

Sorprendentemente y tras haber permanecido 6 años en el grupo "Olé Olé", Marta decide abandonar la formación en octubre de 1991 para dar un salto en su carrera profesional. Así se instala en Nueva York para preparar su lanzamiento como solista bajo la producción de la compañía discográfica "PolyGram".

En el año 1992 Marta debuta en el mundo del cine con la película "Supernova" junto a actores y actrices de la talla de Javier Gurruchaga, Gabino Diego, Neus Asensi, Ángel Alcazar, Guillermo Montesinos, David Gil y Chus Lampreave. La película no tuvo demasiado éxito así que su incursión en el mundo del cine pasa totalmente desapercibida. La canción de esta película "Everlasting" significa el lanzamiento como cantante solista, aunque no se publica en ningún disco.

En Noviembre de 1993 lanza al mercado su primer disco como solista con el nombre de "Mujer". Tiene una gran acogida por parte del público, sobre todo su primer single "Desesperada" que logra colocarla en los primeros puestos tanto de España como del resto del mundo.

El éxito alcanzado con este su primer disco queda completado con el éxito personal al contraer matrimonio el 29 de diciembre de 1994 con su novio Jorge Salatti en una ermita en Toledo; pero esta felicidad no dura mucho tiempo ya que un año después anuncian su separación.

El 9 de mayo de 1995 presenta en Madrid su segundo disco en solitario "Mi mundo". Este trabajo es mucho más maduro que el anterior y significa el asentamiento como artista. En él se tocan temas muy actuales en nuestra sociedad como es el SIDA.

En Febrero de 1997 sale a la luz el que será su tercer disco en solitario "Azabache", un disco repleto de grandes temas y con unas colaboraciones muy destacadas como el productor Nile Rodgers y el guitarrista Slash. "Azabache" tiene varios temas compuestos por la propia Marta y que la convierten en una gran compositora. En fin, un disco para quitarse el sombrero.

También en este mismo año colabora en la banda sonora original de una película producida por Tarantino, "Curdled". Interpreta junto al famoso guitarrista Slash y bajo la producción de Nile Rodgers la canción "Obsession", tema principal de la película. Por otro lado colabora con el tenor italiano Andrea Bocelli en su disco "Romanza" con la canción "Vivo por ella". Esta canción tiene un éxito apoteósico sobre todo en América.

En el año 1998 y aprovechando su tirón como cantante la ofrecen colaborar en la banda sonora de la serie de dibujos animados "El nuevo mundo de los gnomos", emitida por televisión. Interpreta un total de 3 canciones, dos de ellas a dúo con el famoso compositor y productor Albert Hammond.

En Septiembre de 1998 y justo antes de lanzar su nuevo trabajo discográfico la vida le da un duro golpe a nuestra Marta, su padre Don Antonio fallece de un paro cardiaco. Desde ese momento su vida sufre un giro de 180º.

En Octubre de 1998 se publica su cuarto disco en solitario "Desconocida". En él expresa sus sentimientos más profundos. Destacan sus bellas baladas que se contraponen con ritmos pegadizos. Un disco muy importante para ella y que dedica a su padre. El público responde muy bien y la premia con unas ventas muy buenas. Una de las canciones que más éxitos le da con este trabajo es "Desconocida". Merece mención especial la colaboración de Carlos Jean en los remixes de esta canción.

El 7 de mayo de 2002 lanza al mercado su quinto disco en solitario "Soy yo", bajo el nuevo sello musical "Muxxic". Casi tres años de silencio en los que Marta ha estado cuidadosamente eligiendo los temas que componen este excelente trabajo. Es un disco con una calidad enorme y donde Marta juega todo lo que quiere con su voz.

El 20 de julio de 2002 se produce un acontecimiento muy importante en la vida de Marta, su boda con el empresario de publicidad Jesús Cabanas en Madrid. Una celebración íntima a la que asistieron amigos y familiares.

Con "Soy yo" comienza a obtener los frutos que nunca había recibido. Comienzan los premios musicales: "Premio Ondas" al "mejor video-clip" por "Soy yo" (28 de diciembre 2002) y el "Premio Amigo" a la "mejor solista femenina española" (13 de enero de 2003).

El día 1 de agosto de 2003 se produce el día más feliz en la vida de Marta puesto que viene al mundo su hija Paula. Un acontecimiento que la llena de felicidad. Algo que estaba esperando desde hacía ya mucho tiempo. Este feliz alumbramiento tiene lugar a las 23:50 horas. El parto se produce mediante cesárea, pero sin complicaciones. La niña mide 49 centímetros y pesa 2,800 kilogramos. La felicidad invade a toda la familia.

En el año 2004 comienza a preparar un disco de grandes éxitos, con la compañía discográfica "Universal". Pero todo se ve interrumpida de manera trágica ya que el día 9 de julio fallece su hermana melliza Paz a causa de un cáncer contra el que llevaba luchando más de tres años. Una pérdida que esperemos pueda sobrellevar toda su vida.

El día 25 de septiembre bautiza a su hija Paula en Madrid, más en concreto en la iglesia San Pablo, una celebración íntima que reúne a toda la familia.

El día 22 de noviembre de 2004 sale al mercado el disco de grandes éxitos, con tres canciones inéditas, dos nuevas versiones y canciones que han marcado la carrera de Marta. No hace falta decir que el éxito es rotundo.

El día 7 de noviembre de 2005 sale a la venta un DVD de la gira 2005 grabado en La Coruña. Es el primer DVD en directo que sale al mercado. Este trabajo está íntegramente dedicado a su hermana Paz y a su hija Paula. Un trabajo muy recomendable para todos los fans.

El día 23 de abril de 2007 sale al mercado su nuevo y esperado trabajo "Miss Sánchez", bajo la producción excelente de Carlos Jean, un disco muy completo y bailable que llena las pistas de baile de todo el pais y con el que tiene un rotundo éxito. La gente estaba esperando con impaciencia este nuevo trabajo puesto que Marta llevaba muchos años sin editar un disco nuevo íntegro.

Marta ha demostrado ser toda una profesional encima de los escenarios. Tiene una voz muy personal, estilo propio y el magnetismo de una estrella. Más no se puede pedir. Todo un lujo para la música de nuestro país. Esperemos que el futuro le sea más propicio, si cabe. Desde aquí desearle todo lo mejor.Fuente Web de Marta Sanchez

Julio Martel

Julio Martel

Julio Martel: Cantor Nombre real: Julio Pedro Harispe (14 de mayo de 1923)
Fue, junto a Carlos Dante, la otra voz emblemática de la orquesta de Alfredo De Angelis. Él fue el barítono, de voz varonil y fraseo delicado, con estampa de galán y dueño de una
singular bonhomía. Sus versiones de "Pregonera", "Pastora" y "Remolino", a dúo con Dante, son inolvidables. (Comentario de la dirección)
Nació en Baigorrita, un pueblito vecino a Junín en el noroeste de la provincia de Buenos Aires. Su padre declaró en el Registro Civil que había nacido el 6 de agosto, aunque la fecha real fuera el 14 de mayo de 1923. Es el tercero de seis hermanos, sólo uno de ellos sería también cantor, Raúl Oscar más conocido por su seudónimo Lalo Martel.

En 1928 la familia Haripse se traslada a la ciudad de Caseros, pegada a Buenos Aires. Su padre era el responsable del mercado local y, a la madrugada, con un carrito que tiraba Julio, cargaban los corderos que se mandaban al matadero de San Martín.

En 1936 se mudan a la localidad de Munro y Julio comienza a cantar. Aparece en un programa del viejo teatro "Magazine", del 18 de agosto de 1939, donde figura como cantor nacional con su nombre real, acompañado por las guitarras de Hernádez y Vega. Con letras más destacadas, figura en programa del cine "Atalaya", en el del "Salón azul" y en otros concurridos lugares de esparcimiento del Munro de aquellos años.

En 1941, su madre firma el contrato que lo convierte por primera vez en vocalista de orquesta típica, ya que era menor de edad. La orquesta era la del maestro Juan Giordano, que exclusivamente se presentaba en la temporada estival en los salones del hotel Hurlingham de Mar del Plata y en invierno en las reuniones del City Hotel de Buenos Aires. Hacían un repertorio internacional y, según me contó Julio, la pieza más festejada era el pasodoble "El sombrero".

Con el inicio del año 1943 le llega la gran oportunidad. El contrabajista Roberto Vivas, compañero en la orquesta de Giordano, le avisó que en Radio El Mundo estaban seleccionando cantores para la orquesta de Alfredo De Angelis. Se inscribió, hizo la prueba acompañado en piano por Juan Larenza y lo eligieron entre cientos de participantes.

Cuando festejaban su triunfo, en una mesita del bar "Mi refugio" que estaba al lado de la emisora, el glosista Néstor Rodi, a la vez secretario de la orquesta de De Angelis, pidió un coñac. El mozo le trajo un "Martell" y Rodi le dijo al cantor: «Así te vas a llamar desde ahora».

Debutó en el palco del café "Marzzotto", junto al cantor Floreal Ruiz, interpretando el tango "No creas" (de Benjamín Holgado Barrio y Luis Castiñeira).

El 23 de a setiembre de 1943, graba su primer disco, el tango "Que buena es" (de A. Ferreira e Hipólito Oneca) y, hasta su último registro el 12 de diciembre de 1950, "Tus palabras y la noche" (de Emilio Aguirre y Carlos Cacciari), dejó para la historia 63 tomas solo y 17 a dúo con Carlos Dante.

El éxito acompañó a la orquesta y sus cantores. Actuaron en la Federación de Box, de la calle Castro Barros; en mayo del '44 debuta en el dancing "Tibidabo" e inaugura el "Tango Bar". Al año siguiente, en el Club Argentinos Juniors, donde estrenaron "Pregonera" (de Alfredo De Angelis y José Rótulo).

Pero la consagración de Martel junto a Carlos Dante en la orquesta de De Angelis fue, sin duda, cuando en 1946 Oscar Luis Mazza, director de Radio El Mundo, le propone al director un contrato exclusivo en el programa "Glostora Tango Club" para actuar de lunes a viernes de 20:00 a 20:15 horas, precediendo a la exitosa radio comedia "Los Pérez García" en su nuevo ciclo.

Fueron muchas las creaciones personales que realizó Martel con De Angelis. Temas que se estrenaban en el "Glostora" y al día siguiente las cantaba el publico o las silbaba por la calle.

Hubo muchos tangos que cantó y que lamentablemente no llevaron al disco, por ejemplo: "Qué viejo estoy", "Sufra", "Yira yira", "Guapo y varón" y "Violetita", entre otros. Una mención especial para "Por qué te habré conocido", de Rodolfo Scasidi y Carlos Cubría, este último bandoneonista de la orquesta, ya que fuera el último tango que interpretó Martel, con lágrimas en los ojos, al despedirse de la orquesta en los carnavales del Club Gimnasia y Esgrima de La Plata en 1951.

También quedó sin grabar una exitosa milonga del payador Martín Castro, "Presumido", cantada por el dúo Dante-Martel.

Junto con De Angelis incursionó en el cine, cantando a dúo con Dante el tema "Pregonera", en el film "El cantor del pueblo" (1948) y a fines de ese año hace de galán en la película "El ídolo del tango", junto a la actriz Graciela Lecube. En esa película interpreta tres tangos de Rodolfo Sciammarella: "De igual a igual", "Comencé jugando" y "No tiene importancia".

Desvinculado de Alfredo De Angelis, debuta como solista en Santiago de Chile, luego lo hace en Montevideo (Uruguay), donde actúa en radio, televisión y escenarios nocturnos. Allí, en 1952, graba el tango "Nacional", de José Puglia y Edgardo Pedroza, dedicado al club de fútbol de esa ciudad.

De regreso en Buenos Aires, el bandoneonista Oscar Castagniaro, recientemente desvinculado de la orquesta de Osvaldo Pugliese, lo invita a participar de su nueva formación. Debutan en la confitería "La armonía" y tiene como compañero al cantor Roberto Chanel. Actúan también en Radio Belgrano y en muchos bailes y escenarios porteños.

En 1956, vuelve a convertirse en solista, auspiciado por una reconocida marca de pinturas, "Colorín", y debuta en Radio Belgrano con su propia orquesta dirigida por el violinista Américo Podestá. Con ella graba para el sello Odeon 4 temas: "Pobre colombina", "Lechuza", "Por qué no has venido" y "Fueron tres años".

Después hace un exitoso ciclo de audiciones con público por Radio Argentina, al final de la cual realiza una gira por América, con la intención de seguir hasta los Estados Unidos. Pero en Colombia tuvo una acogida tan grande que se quedó un largo tiempo. Allí grabó para el sello Sonolux, de Medellín, 20 temas acompañado por el bandoneonista Enrique Méndez (quien había ido con él desde Buenos Aires), el pianista Armando Lacava (quien se hallaba transitoriamente allí) y músicos locales

Al regresar de Colombia, Julio Martel tenía pensado abandonar el canto y dedicarse a su quinta. Su última actuación fue en el club Santa Elena de la ciudad de Luján (70 kilómetros al oeste de la ciudad de Buenos Aires), el 20 de diciembre de 1959.

El 6 de agosto de 2001 cumplió 78 años. Vive de los derechos de intérprete, lo que comprueba que sus grabaciones siguen teniendo un importante éxito.

En su querido barrio de Munro es un prócer. En el 80º aniversario de esa localidad, en 1992, fue paseado en auto descubierto y los vecinos lo saludaban efusivamente y desde los balcones le arrojaban flores. Le hicieron un festival en su honor y pusieron su nombre a una plaza.
Fuente: Alberto Principe en Todo Tango www.todotango.com
Se agradece a Alberto Principe y Todo tango.

Alanis Morissette

Alanis Morissette

Alanis Morissette

Alanis Morissette (Ottawa, 1 de junio de 1974) es una cantautora, actriz y productora canadiense, nacionalizada estadounidense.

Posee el tipo de voz correspondiente a una Mezzo-Soprano. Está posicionada como una de las artistas de mayores ventas en la historia, debido engran parte a Jagged little pill, el cual es el álbum debut más vendido de toda la historia, el primer álbum más vendido por parte de una artista femenina, y el séptimo álbum más vendido de todos los tiempos.Totalizando todos sus álbumes ha superado la barrera de 65 millones de ediciones vendidas en todo el mundo.

A lo largo de su carrera ha sido galardonada con siete Premios Grammy, incluyendo Álbum del año en 1996 y doce premios Juno. En el 2002 la ONU le otorgó el premio “Global Tolerance Award" por su "gran labor en promoveer la tolerancia.

Alanis Morissette nació en Ottawa, Canadá, el 1 de junio de 1974. Es hija de dos profesores de una escuela militar: Alan Morissette, de origen franco-canadiense, y Georgia Feverstein, de origen húngaro-alemán. Tuvo dos hermanos, uno mellizo, llamado Wade, y otro mayor llamado Chad.

De pequeña le gustaba el ballet y la música, y a los 6 años comenzó a tomar clases de piano. A los 11 años participó en una emisión de televisión para niños llamado You can't do that on television, de Nickelodeon. Ese mismo año escribió su primera canción, posteriormente lanzada como sencillo: «Fate stay with me», producido con el dinero ganado en el programa de TV.

Entre los años 1991 y 1992 Morissette mantuvo una relación sentimental con el actor Dave Coulier, protagonista de la serie televisiva Padres forzosos (Full House). Al mismo se le atribuye informalmente la letra de «You oughta know», si bien Morissette jamás lo ha confirmado.[18]

Durante el año 1996, Morissette fue pareja del cantante Ryan Adams, con quien coescribió la canción «1974». En 1998 Morissette comenzó una relación con Dash Mihok, quien aparece junto a ella en el video de la canción «So pure». Esta relación terminó antes de que ella empezara su gira de verano en 2001.

En el año 2002 Morissette comenzó su noviazgo más duradero con el actor Ryan Reynolds. En junio de 2004, Morissette y Reynolds anunciaron su compromiso, pero en febrero de 2007, luego de idas y venidas, la pareja rompió dicho compromiso.[19] A partir de fines de 2007, Morissette ha sido vista junto a Tom Ballanco.

En febrero de 2005, Morissette obtuvo la nacionalidad estadounidense, manteniendo su nacionalidad canadiense.

Aunque Alanis no lo confima aún, actualmente se encuentra saliendo con el abogado ambientalista del actor Woody Harrelson, Tom Ballanco. Ambos fueron vistos en viajes, conciertos y más recientemente en la boda de Woody.
Entre los meses de Enero y Febrero de 2009 Alanís encarará una gira Latinoamericana que la llevará a Brasil, Argentina y México.
Fuente Wikipedia. Fotos web de Alanis Morisette

Enrique Dumas

Enrique Dumas

Enrique Dumas en 1961

Enrique Dumas Cantor (8 de mayo de 1935-18 de enero de 2009)
Nombre verdadero: Enrique Rodríguez Acha
Eran los años declinantes de las orquestas típicas por varios motivos de índole muy diversa, —los inicios del rock and roll, los conflictos sindicales y políticos de los artistas, la falta de trabajo que obligaba achicar las formaciones, el estímulo al folclore que diera el regimen militar instaurado a partir del golpe de septiembre de 1955—, lo cierto es que, paulatinamente, la juventud se fue alejando del tango.
En ese contexto aparece la figura paradigmática de Julio Sosa y, con él, una nueva valoración del estilo del cantor de tangos. Ahora debía ser recio, de voz varonil y, preferiblemente, con un registro más grave y expresivo, la antípoda del baritono atenorado de los ‘40, que de la media voz había hecho un culto.

Es en este marco conceptual que debemos entender a los vocalistas surgidos en aquellos años y Enrique es un buen ejemplo de esta definición, por su estampa, su fraseo, el timbre de voz y su estilo interpretativo.

Nació en la ciudad de La Plata, a 60 kilómetros de la ciudad de Buenos Aires. Durante su adolescencia vivió una de las épocas más gloriosas del tango, pero paradójicamente, con apenas 14 años, comenzó su carrera artística cantando jazz, en la orquesta Dixieland, con el seudónimo Hugo Randall.

Pero el tango estaba en su corazón y en abril de 1955 debutó en Radio Splendid con la flamante orquesta típica de Carlos Figari. Con esa formación permaneció varios años, actuando en diferentes escenarios, entre ellos, la confitería Adlon, junto al cantor Héctor Omar, recientemente incorporado.

También, llegó al disco y, entre sus primeras versiones fonográficas para el sello Music Hall podemos destacar, "Bien jaileife" y "El piano del bar". Luego pasaron a Radio del Pueblo y en 1959, Figari agregó la voz de Aldo Fabre. También formaban parte del elenco de la emisora, el Cuarteto Troilo-Grela y el cantor Alberto Marino.

En 1958, Figari decidió transformar su orquesta en una agrupación más pequeña. En 1961, y ya Dumas como solista, formaron rubro y volvieron a grabar, esta vez para el sello Disc Jockey. Luego se desvincularon y Enrique continuó su carrera solo.

Resultaría ímprobo detallar la cantidad de presentaciones que hizo a partir de ese momento y menos, historiar su polifacética trayectoria; pero sí podemos señalar algunos aspectos de ella.

Fue uno de los pioneros del tango en la televisión argentina, participando en muchos programas. En el Canal 7, “Esquina de Tango” (1958) con Figari y “La Familia Gesa” (1958-1960) junto a Virginia Luque; “Yo te canto Buenos Aires” en el Canal 11; “Grandes valores del tango” en Canal 9; “El show de Antonio Prieto” (1963) en el Canal 13, y muchos otros.

Su primera actuación en la comedia fue con Olinda Bozán y Alberto Anchard en “Aquí está la vieja ola y esta vez no viene sola”. Participó además, en la reedición de la obra teatral de Francisco Canaro, “La Muchacha del Centro”, con el capo cómico José Marrone. También actuó con Mariano Mores y con grandes artistas como Mirtha Legrand, Virginia Luque, Susy Leiva y Nestor Fabián, en “Buenos Aires de seda y percal”, en el teatro Coliseo. En el Teatro San Martín encarnó a Santos Vega en “La guitarra del Diablo”. Otro de sus grandes éxitos fue “El Conventillo de la Paloma”, junto a la gran actriz Pepita Muñoz y el recordado Marcos Kaplán. Luego vendrían: “Aplausos”, con Libertad Lamarque y Juan Carlos Thorry; “Tangos en El Dante”, junto a Aníbal Troilo y Tito Lusiardo; “Yo canto a mi Argentina”, con Mores, Lusiardo y Héctor Gagliardi; “Buenos Aires, todo tango”, con Beba Bidart, Horacio Salgán y Ubaldo De Lío, y muchos más.

En el cine tuvo menos relevancia en películas fáciles de olvidar: “Viaje de una noche de verano”, junto a Néstor Fabián y dos excelentes cantantes japoneses: Ikuo Abo y Ranko Fujisawa; “Bicho raro”, donde también participó el conjunto folclórico Los Fronterizos, ambas de 1965; y “Flor de piolas”, estrenada en 1969.

Su producción discográfica es extensa. Registró entre longplays y cassettes alrededor de una docena de volúmenes. Entre ellos se destacan: “Dumas canta a Mores”, “El porteñísimo” e “Historiando tangos”, con Roberto Pansera para el sello Polydor; “El que canta es mi papá” (Polydor); “Alma de bohemio”, con el Sexteto Mayor (Diapasón); “De rompe y raje”, con Osvaldo Requena (Microfón); “El firulete”, con Alberto Di Paulo (Magenta) y “Tangos con sus grandes valores”, con Luis Stazo (Diapasón). En 1966, fue convocado por Ben Molar para su producción fonográfica, “14 con el Tango”, en el que interpretó los temas "Bailate un tango Ricardo" y "En qué esquina te encuentro Buenos Aires", ambos perfectamente representativos de su estilo vocal.

En el año 2003, viajó a Japón como artista invitado, junto a la orquesta del bandoneonista Carlos Galván, con gran repercusión.Fuente en Todo Tango: Ricardo Garcia Blaya y Anibal Marconi www.todotango.com (Se agradece a Todotango, Ricardo Garcia Blaya y Anibal Marconi.

Los Solistas de D'Arienzo

Los Solistas de D'Arienzo
Carlos Lazzari, Alfredo Montoya, Daniel Morgenat, Hector Gury, Walter Gutierrez



En el Salón Consort del Keio Plaza de Tokyo Carlos Lazzari y Los Solistas de D'Arienzo en 1987(el nombre en ese año ya era Los Solistas)

En 1973 por problemas de salud Juan D'Arienzo autoriza a sus musicos y cantores a continuar sus presentaciones y grabaciones bajo el nombre de Los Solistas de D'Arienzo, bajo la direccion de Carlos Lazzari. Cuando el maestro Juan D'Arienzo muere en enero de 1976 siguen realizando sus presentaciones bajo ese nombre hasta 1983. Por razones legales despues de esa fecha el nombre del conjunto quedo como "Los Solistas", sus integrantes fueron cambiando a traves del tiempo, de la misma forma que el nombre del Conjunto. En casi todas las agrupaciones el director fue Carlos Lazzari.

Carlos Lazzari

Carlos Lazzari (Bandoneon) y los solistas de D'Arienzo

Carlos Lazzari

Carlos Lazzari

LAZZARI, Carlos. Músico. Bandoneonista.Compositor. Arregfador. Nació el 9 de di-
ciembre de 1925. Se inició profesionalmente en filas de Pedro Maffia, compartiendo luego con otros valores de la Generación del 40 el triunfal ascenso de ta orquesta de
Miguel Caló, en una fila de bandoneones en la que alternaron con él Pontier, Cambaren, Rovira, Ricciardí y otros. En 1945 cuando Osmar Maderna se desvinculó de dicho conjunto para debutar con su propia formación lo acompañó en tal iniciativa, pasando más tarde a la orquesta de Francisco Canaro de quien se separó en 1950 para ingresar a la de Juan D'Arienzo. Colaboró con éste desde entonces como ejecutante y también como arreglador, debiéndose en buena parte a su
labor la transformación operada en el clásico estilo del mismo, mediante una escritura de mayor interés melódico y armónico en superación del tradicional esquema interpretativo de ese conjunto. Compositor de un hermoso tango orquestal —Julié— y de
varios cantables intrascendentes: Castigo y pasión, La misma canción, y de un vals de
perdurable suceso en el repertorio de Carlos Di Sarli: De Vuelta.Fuente Horacio Ferrer De 1973 a 1983 fue director de los Solistas de D'Arienzo, despues este conjunto fue cambiando de nombre por razones legales.

Domenico Modugno Biografia

Domenico Modugno

Domenico Modugno

Domenico Modugno (Polignano a Mare, Bari 9 de enero de 1928 - Lampedusa 6 de agosto de 1994) fue un cantante y actor italiano muy famoso y apreciado en la Italia de la segunda posguerra.

Desde muy joven, Domenico quería ser actor. En 1951, después de terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma, apareciendo más tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Il mantello rosso (La capa roja), inició su carrera de cantante.

En la década de los 50 se hizo muy popular en los Estados Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con Nel blu dipinto di blu (más conocida como Volare), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez). En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor de ópera, aunque se le declaró inocente. Ganó tres veces más el Festival de San Remo con Piove (1959, nuevamente con Johny Dorelli), Addio, addio (1962, en compañía de Claudio Villa) y Dio, come ti amo (1966, juntamente con Gigliola Cinquetti). En Eurovisión volvió a participar en 1959 y 1966.

Actor teatral y cinematográfico, apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de Garinei e Giovannini, y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre soldi de Kurt Weill y Bertolt Brecht, dirigida por Giorgio Strehler. Pier Paolo Pasolini usó canciones de Modugno para la banda sonora de Pajaritos y Pajarracos, una de sus películas fundamentales.
Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se recuerdan, entre otras canciones, La lontananza (La distancia es como el viento), Piove (Ciao, ciao bambina) (Llueve), Vecchio frack (Viejo frack), Resta cu' mme (Quédate Conmigo) (en idioma napolitano), Dio, come ti amo (Dios, cómo te amo), Piange il telefono (Llora el teléfono / Le telephone pleure), Un calcio alla città (Un puntapié a la ciudad), Lu pisci spada (El pez espada) (en idioma siciliano) y Come hai fatto (Como has hecho). Domenico Modugno sufrió un ictus en 1984 y fue forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992.

Entre algunos de sus reconocimientos post-morten, en el 50º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a Volare como la mejor canción de la Historia del concurso tras Waterloo de ABBA. Además esta valoración venía a hacer "justicia" con el cero que Domenico obtuvo en el Festival de Eurovisión de 1966 con Dio come ti amo, con el cual se sintió profundamente dolido. En 2008 además, el Ministerio de Comunicación de Italia distribuirá sellos en conmemoración de Volare y Domenico.Fuente Wikipedia

Hector Stamponi

Hector Stamponi en Mexico en 1943

Aníbal Troilo, Argentino Galván, Héctor Stamponi, Roberto Grela y Enrique Mario Francini en 1953

Hector Stamponi con Enrique Mario Francini en 1964

STAMPONI, Héctor. (24 de diciembre de 1916 - 3 de diciembre de 1997)
Nombre completo: Héctor Luciano Stamponi Apodo: Chupita
Músico. Pianista. Director. Compositor. Arregiador. Valor de los más representativos de la Generación del Cuarenta, proyectó su carrera musical en todos los aspectos de la evolución estética del tango. Compositor, produjo un repertorio importante en todas las variedades formales: inquietud, Perdóname, Yo quería ser feliz, Junto a tu corazón, Qué me van a hablar de amor, El trompo azul, Aquí nomás, La intriga, entre los cantables, y entre los instrumentales Festejando, Parisién, Romance y tango, páginas que definen inequívocamente su estilo. Juntamente con Eduardo Pereyra, Osvaldo Pugliese, Horacio Salgan, Lucio Demare, ha sido uno de los mayores solistas de piano individualizado por su peculiar fraseo, su inconfundible ma-nera de "decir" en el piano y de armonizar los temas. En este aspecto alcanzaron relevante ubicación cuatro versiones grabadas en 1961 para el sello Gente de Tango sobre la base de tangos de Adolfo Ábalos.
Arreglador y concertador de orquestas a lo largo de veinte años puso de manifiesto en todas sus actuaciones y trabajos como tal, sus ideas musicales de invariable buen gusto y honda raigambre tanguera. Nació" en Campana, provincia de Buenos Aires, el 24 de diciembre de 1916. Comenzó a estudiar piano en 1932 bajo la orientación de la maestra Esther Cultelli, cursando simultáneamente para maestro normal, título con el que se graduó a los dieciocho años de edad. Sus principios como profesional datan de 1936 en las recordadas Matines de Juan Manuel, como pianista de la orquesta de Juan Elhert. Posteriormente integró los conjuntos de Federico Scorticati, en 1938; de Miguel Caló, en 1939; y de Antonio Ródio, en 1941. En 1943 se radicó en México, secundando musicalmente la actuación de la actriz Amanda Ledesma y escribiendo música para películas. A su regreso formó su orquesta propia grabando discos Víctor hasta 1949, con el vocalista Guillermo Arbós. Posteriormente dirigió y arregló los acompañamientos de Hugo del Carril, de Alberto Marino, de Roberto Rufino y de Charlo; a éste, luego del viaje a los Estados Unidos en 1952. Retomó a la sazón sus estudios musicales, perfeccionándose en armonía con Alberto Ginastera, y con Julián Bautista en composición, constituyéndose en uno de los más firmes paladines de las nuevas ideas orquestales, las cuales divulgó a través de sus arreglos para la Editorial Korn y para Les Editions Universelles de Francia. En 1953 formó con Enrique Francini un dúo de piano y violín, cuyas realizaciones ofreció desde entonces en recitales públicos y radiales, en programas de televisión y en Caño 14 y registró para discos del sello Víctor. En 1959 con "Kicho" Díaz como contrabajista y Mario Demarco como primer bandoneón, rehizo su orquesta para secundar a Edmundo Rivero compartiendo luego con aquellos mismos solistas y con Raúl Lavié sus actuaciones por Radio Belgrano, cabaret Casanova y discos Philips.
En 1963 fue contratado para musicalizar la película Carlos Gardel. Historia de un ídolo, en tanto volvió a actuar por Radio Belgrano esta vez con un sexteto y en diversas actuaciones, conduciendo los acompañamientos de la cancionista Rosita Quintana. Simultáneamente tocó como solista y como director en Caño 14, de la calle Uruguay; colaboró en la escritura de la orquesta de Aníbal Troüo y musicalizó la comedia de Cátulo Castillo, Cielo de Barrilete. Fue du-rante ocho años vicepresidente de SADAIC, cumpliendo una destacada tarea gremial.
Además de los tangos ya citados, compuso Mi cantar, Es mejor olvidar, Pueblito de provincia, En la hueila dei adiós, Perro'e sulky, Alguien, Zamba, Canción de Ave María, No, no matarás, habiendo incursionado también como letrista en dos composiciones propias: los tangos Cuando cuentes (a historia de tu vida, Yo Quería ser feliz y el vals Un Momento.
Horacio Ferrer.

Julie Andrews

Julie Andrews


Julie Andrews


Julie Andrews

Dame Julie Elizabeth Andrews DBE, (nacida en Walton-on-Thames, Surrey, Inglaterra, 1 de octubre de 1935) es una actriz y cantante británica
De nombre real Julia Elisabeth Wells, Julie Andrews nació en Walton-on-Thames, en el condado de Surrey, del matrimonio entre un actor y una pianista. Ya desde muy joven, la pequeña Julie dio muestra de su talento y de una gran voz, llegando a tener un rango vocal de entre cuatro y cinco octavas, por lo que sus padres hicieron que recibiera clases de canto para que desarrollara sus habilidades vocales. Su primer contacto con la industria del espectáculo se dio con sus padres con un show de vaudeville,

Sus primeras actuaciones tuvieron lugar durante la Segunda Guerra Mundial, entreteniendo a las tropas británicas por todo el Reino Unido junto a la también joven artista Petula Clark.

Su primera interpretación en el teatro fue en el Teatro West End de Londres, en el año 1947 en el hipódromo de Londres con la obra Starlight roof, posteriormente con una versión de Cinderella . Su debut en los Estados Unidos de América se produjo en 1954, en la producción de Broadway The Boy friend.

En 1956, los compositores Frederick Loewe y Alan Jay Lerner contratan a Andrews para que protagonice junto a Rex Harrison la versión teatral de la obra de George Bernard Shaw "Pygmalion", a la que llamaron "My fair lady". Esta obra fue un éxito tanto de taquilla como de público, y años después fue llevada al cine, esta vez protagonizada por Audrey Hepburn.

En 1961, los mismos productores vuelven a contratar a Julie Andrews para que protagonice su nueva obra teatral. Esta vez se trata de una adaptación de la leyenda del Rey Arturo, a la que llaman "Camelot". La representación vuelve a ser un éxito y empieza a dar fama a la actriz dentro del mundo artístico.

Después de perder el papel en "My fair lady", Julie Andrews consigue el papel protagonista en una de las películas que con el tiempo se convertiría en un clásico de Disney: "Mary Poppins". Por su papel en esta película, en la que interpreta a una niñera muy especial, cuyo trabajo es educar a los dos hijos de un matrimonio londinense, la actriz ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical, el Oscar a la mejor actriz y junto a los otros protagonistas de la película, el Grammy al mejor álbum para niños en 1965. No es menor el recuerdo de Julie en la película ""La Americanización de Emily""

Al año siguiente, la actriz volvió a ser candidata al Oscar a la mejor actriz, esta vez por su interpretación de una novicia convertida en institutriz en la película "The Sound of Music" (conocida en América Latina como "La novicia rebelde" y en España como "Sonrisas y lágrimas"). Ese año el premio se los llevó Julie Christie por su papel en "Darling". Pero esta película fue la que la elevó al estrellato dentro de Hollywood. Muestra de ello es que en los dos años siguientes protagonizó "Hawaii", junto a Max von Sydow, la película de Alfred Hitchcock "Cortina rasgada", junto a Paul Newman, y "Millie, una chica moderna", junto a Mary Tyler Moore y Carol Channing.

A partir de ese momento, y después de protagonizar Star! y Darling Lili comienza un pequeño declive en la carrera cinematográfica de Andrews, a pesar de que todavía aparece an algunas películas dirigidas por su segundo marido, Blake Edwards, como 10, la mujer perfecta, (S.O.B.) Sois hOnrados bandidos o Victor Victoria(película que fue un gran éxito y aparte de darle un globo de oro a mejor actriz de comedia/musical, y una nueva nominación al Premio Oscar en 1982, siendo para muchos su mejor actuación). A pesar de este éxito, no tuvo mucha suerte en las siguientes películas, por lo que durante las décadas de 1980 y 1990, apenas aparezca en películas.

Con el cambio de siglo, la actriz protagoniza junto a Anne Hathaway la película The Princess Diaries (2001) y su secuela. Las películas se convierten en grandes éxitos de taquilla y vuelven a relanzar la carrera de Andrews. Así en 2004, presta su voz para el personaje de la reina Lillian en la película Shrek 2, secuela del gran éxito comercial en 2001.

En el año 2000, recibió el título de Dama del Imperio Británico de manos de la reina Isabel II de Inglaterra. Además, posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, concretamente en el 6901 de Hollywood Blvd.

Según el Selecciones del Reader´s Diggest en una entrevista ella comentó que no volvía a los escenarios para cantar debido a una enfermedad en su laringe, siendo operada en 1998.Fuente Wikipedia

Juan Cambareri

Juan Cambareri

Juan Cambareri con el Cuaterto Roberto Firpo(a la izquierda)
Cuarteto Juan Cambareri

Bandoneonista, director y compositor
(15 de abril de 1916 - 18 de febrero de 1992)
Nació en la ciudad de Viedma, capital de la provincia de Río Negro. Al comienzo de la década del veinte, su familia se trasladó a la Capital Federal y se estableció en el barrio de Balvanera.

Al poco tiempo, su padre lo llevó a estudiar bandoneón con un profesor de la zona del Mercado Spinetto. A los diez años ingresó a un conservatorio y logró tal virtuosismo y perfección que, al pasar los años y a modo de reconocimiento, fue conocido como "El Mago del Bandoneón".

Apenas 6 años después, en plena adolescencia, fue requerido por el maestro Roberto Firpo para integrar su orquesta, junto al joven pianista Carlos García.

Su capacidad musical y la adaptación a las exigencias de Firpo le permitieron escalar rápidamente en la consideración del director y, al año siguiente, cuando éste creó su cuarteto "Los de Antes", lo invita a participar. No se trató de una formación más, fue el más importante de los cuartetos de la historia del tango, tanto en permanencia como en popularidad.

A partir del cuarteto, Cambareri va adquiriendo un estilo musical, en el que se destacaba su gran digitación y su particular sentido rítmico. Fue el puntal de la formación durante los 14 años que permaneció junto al maestro.

También fue requerido por Jaime Yankelevich -titular y director general de Radio Belgrano, para participar con un cuarteto propio en el programa más escuchado en Argentina y en varios países limítrofes, "La Audición de Jabón Federal", que se transmitía los días jueves a las 21 horas y los domingos de 12:30 a 14 horas.

Lo notable fue que actuó en dicho ciclo durante 18 años, junto a un elenco de grandes estrellas como Alberto Castillo, Pedro Maffia, Hugo del Carril, Antonio Tormo, los cantantes españoles Angelillo y Miguel de Molina, el tenor italiano Carlos Butti, y el cantor ítalo-estadounidense Nicola Paone, entre otros.

Al mismo tiempo, era requerido, permanentemente, por empresarios del espectáculo para actuar en los grandes bailes y escenarios, no sólo en el país, también en el extranjero. En Uruguay permanecía largas temporadas, viajando a Buenos Aires, únicamente, para participar en el programa de Radio Belgrano.

Su exitoso cuarteto estaba integrado por José Fernández en violín, Fernando Porcelli en contrabajo, Juan Rizzo en piano y la voz de Américo Podestá, a quien luego continuó Alberto Casares.

En 1948, otra vez en el Uruguay, fue convocado por el sello Sondor, donde realizó sus primeras grabaciones: "La puñalada" de Pintín Castellanos y "El amanecer" de Roberto Firpo. Dos años más tarde, repitió en la Argentina para el sello Pampa -subsidiario del sello Odeon-, empresa en la que permaneció hasta 1955. Los primeros registros fueron "El choclo", de Ángel Villoldo, y el vals "Corazón de oro", de Francisco Canaro.

En 1955, dirigió la orquesta estable de la emisora, continuó con los espacios de "Jabón Federal" y con sus grabaciones en Pampa, hasta que, como todos los artistas del tango, comenzó a sufrir el avance de la llamada "nueva ola musical". Ya se había alejado el cantor Alberto Casares y su lugar fue cubierto hasta el final, por el vocalista Héctor Berardi. Además de Radio Belgrano también realizó presentaciones en otras emisoras.

En 1968, reapareció en el sello Music-Hall, con algunas reediciones y, al año siguiente, lo contrataron para realizar una extensa y exitosa gira por Japón. El cuarteto estaba formado por Juan Rizzo en el piano, Juan Gandolfo y Felipe Escomabache en los violines y, por supuesto, Cambareri en el bandoneón.

En 1971 participó en el programa televisivo "El tango del millón" y continuó, durante algunos años, con extensas giras por el Uruguay y el Brasil.

En 1981, Music-Hall editó una cassette llamada "Tangos compadres", con los instrumentales "A su memoria", "Bien de arrabal", "Color de rosa", "Lluvia de estrellas", "Papas calientes" y "Para siempre este tango" (composición propia), entre otros. En algunos temas participa el cantor Héctor Berardi.

En este, su último trabajo discográfico, demuestra toda su experiencia, capacidad y virtuosismo, todo lo cual se comprueba, simplemente, con escuchar ese clásico de Osmar Maderna, "Lluvia de estrellas
Abel Palermo

Connie Francis

Connie Francis

Connie Francis

Concetta Rosa Maria Franconero (12 de diciembre, 1938 Newark, New Jersey- ), nombre real de Connie Francis, es una cantante de música popular estadunidense. A mediados del siglo XX llegó a ser todo un ícono juvenil. En su repertorio figuran temas de muchos géneros musicales y en distintos idiomas. Algunas interpretaciones suyas de temas tradicionales en español son verdaderos clásicos en América Latina.
Acaso a instancias de sus padres, inmigrantes italianos, Concetta aprendió a tocar el acordeón siendo todavía una niña. Interpretaba acompañándose con su propia voz. Pronto se presentaría en programas de radio y televisión para noveles, a saber, Children’s Hour, The Ted Mack Amateur Hour y Arthur Godfrey Talent Scout Show. Con doce años de edad debutó en The Startime Kids, un canal de televisión neoyorquino de la NBC. Allí la querían para que cantara y no para que tocara el acordeón, por lo cual dejó el instrumento. También se le sugirió que cambiara su nombre y apellido por otros más fáciles de pronunciar en inglés, de ahí Connie Francis.

A los dieciséis años grabó, con dinero que reunieron ella y su agente musical, su primer disco, el cual contenía las canciones “Didn’t I Love Enough”, “Freddy”, “(Oh Please) Make Him Jealous” y “Goody Goodbye”. No obstante el débil impacto comercial de estas grabaciones, la multinacional MGM contrató a Connie y lanzó su segundo disco: un sencillo con “Are You Satisfied?” y “My Treasure”. Estos temas y los que grabó luego tampoco se impusieron en el mercado, razón por la cual la MGM iba a cancelarle el contrato. Tan sólo para cumplir con este, Connie, desahuciada ya de su carrera musical, grabó una versión de “Who’s Sorry Now”, una canción que había sido popular bastantes años antes. El padre de la artista fue el que, debido a su mucha influencia sobre ella, le mandó cantar dicha composición, a la que se le hicieron algunos arreglos para modernizarla. La sinigual voz de Connie se oye en la grabación con el acompañamiento vocal masculino y el fondo pianístico típicos de la época. Esta versión de “Who’s Sorry Now” llegó al cuarto puesto de la lista Billboard y al primero en las listas musicales inglesas en el año 1958. Fue por sus ventas disco de oro. Y mucho después, en el 2000, sería nombrada como una de las trescientas sesenta y cinco canciones más importantes del siglo XX.

Adquirió fama interpretando baladas ligeras, algunas de las cuales ya eran en ese entonces temas viejos. Aparte de la ya nombrada “Who’s Sorry Now”, entran en este lote “I'm Sorry I Made You Cry”, “My Happiness”, “If I Didn’t Care” y “Among My Souvenirs”. Connie les añadía los discretos sollozos que fueron la marca de su estilo musical. Combinaba su potente voz con inflexiones deliciosamente lloronas. Tal vez por eso quedó encantada al oír “Stupid Cupid”, una canción rockera que requiere una como onomatopeya. Compuesta por Neil Sedaka y Howard Greenfield, se la presentaron ellos mismos a una Connie que en una sola audición había desdeñado todas las otras canciones del tándem por considerarlas “demasiado intelectuales para los jóvenes”. Por no dejar y para buena sorpresa de Connie, los compositores interpretaron al final la pieza. Por la buena estrella de “Stupid Cupid” en las carteleras, Connie grabó “Fallin’” y “Frankie”, otras no menos espléndidas piezas de Sedaka y Greenfield, quienes más adelante escribirían para la cantante “Where the Boys Are”, tema de la película homónima.

Connie grabó en 9 idiomas durante su carrera incluyendo: inglés, italiano, francés, alemán, japonés, yiddish, portugués y español, en este último cabe destacar la interpretación que Connie hace del legendario tema de Ernesto Lecuona "Malagueña" y de las inolvidables "Solamente una vez" y "Granada" de Agustín Lara. "Mi tonto amor" es su éxito más popular en México. Es preciso sin embargo señalar que también adaptó algunos de sus éxitos en el mercado estadounidense al español. Es el caso de "Donde hay chicos". Su primer álbum fue precisamente en italiano, siguiéndole posteriormente diversas interpretaciones en el idioma italiano. "Wher the Boys Are" y "Stupid Cupid" son algunos de los éxitos de Neil Sedaka y Howard Greenfield que más versiones han tenido. "Everybody's Somebody Fool" logró fama al aparecer en el filme del mismo nombre. Ahí Francis actuó un personaje interpretando el tema. Actuó en 1960 en la película "Where the Boys Are". En la primera mitad de los 60 estelarizó 3 filmes más: "Follow the Boys"(1963), "Looking for Love"(1964) y "When the Boy's Meet the Girls"(1965). Llegó a ser la más joven anfitriona en cantar en Las Vegas, en donde cantó durante 28 días anuales durante 9 años. En 1961 tuvo éxito al estelarizar su propia emisión televisiva patrocinada por Brylcreem titulada Kicking Sound Around actuando al lado de Tab Hunter, Eddie Foy Jr. y Art Carney. Apareció en el Show de Ed Sullivan el 1 de Julio de 1962 con el cantante frances Johnny Hallyday en una emisión que fue escenificada en el famoso Moulin Rouge (Molino Rojo) de París. En 1963 actuó frente a la Reina Elizabeth II en el Teatro Alhambra en Glasgow Escocia. Ya en 1967 había colocado 35 hits dentro de los Top 40 y 3 números uno en su historial. Por ser Connie amante de la música Country grabó también algunos álbumes del género. En 1969 hizo un modesto regreso a la cartelera musical con su rema "The Wedding Cake". Volvió a las listas de popularidad con el tema country "There's Still a Few Good Love Songs Left in Me". También sus éxitos iniciales fueron llevados a este estilo musical en las voces de Marie Osmond, Susan Raye, Margo Smith y Debby Boone. Durante la guerra de Vietnam Connie cantó temas para las tropas americanas. Francis concluyó su carrera de grabaciones en 1969. En 1973 regresó con "The Answer", una canción escrita para ella. Su hijo Joey nació en 1974. La tragedia le alcanzaría cuando en 1974 sufrió una violación en un hotel luego de una presentación en Westbury, Nueva York. Una cirugía nasal fue necesaria para corregir su sensibilidad al aire acondicionado lo que limitó severamente sus aptitudes para cantar durante 4 años. Su hermano sería asesinado en 1981.

La autobiografía de Francis, "Who's sorry Now?" fue publicada en 1984. Connie fue diagnosticada con Trastorno Bipolar, un padecimiento que implica severas depresiones y periodos de gran euforia, usa la droga Lithium para equilibrar sus estados anímicos. Connie sigue activa en la actualidad cantando y actuando por todo el mundo con el mismo atractivo que se le ha conocido, sus actuaciones siempre tienen localidades agotada.Fuente Wikipedia

Juan Polito

Juan Polito en la portada de la edición de su tango en 1927


Juan Polito y su orquesta

POLITO, Juan. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arregiador.
Hermano menor de Antonio y Pedro Polito. Nació en Buenos Aires el 11 de julio de 1909. Inició su carrera hacia 1925 integrando sucesivamente las formaciones de Juan Maglio, de Anselmo Aieta y de Juan D'Arienzo, ésta en varias ocasiones. Dirigió la Orquesta Típica Brunswick y la propia en 1930 en el café Guarany, y de 1941 a 1951 luego, etapa ésta durante la cual el suyo fue el último conjunto que actuó en el famoso café Nacional de la calle Corrientes. En 1937 formó en el conjunto Los magos del tango. Fui —excelente obra—, Entre sueños, La bruja, y Se mira y no se toca, son algunos de sus tangos más salientes. Compuso además: Bueno, derecho y varón, Digan lo que digan, El duende, Año nuevo, Un chispazo, ¡Nene!, Quedó en venir a las nueve, El desquite, Campanita, Me tiro a muerto, Volvé hermanita, Entre tango y zamba. 
PorHoracio Ferrer.

Juan Polito Biografia II
Pianista, compositor y director (11 de julio de 1908 - 25 de octubre de 1981)
Seudónimo: Juan Vellejos Apodos: Manos brujas
Nació en el porteño barrio del Once. Fueron sus padres Saverio Polito e Isabel Romano. Sus hermanos, Antonio, que dominaba piano, bandoneón y guitarra y Pedro, bandoneonista de larga actuación, especialmente en Europa y Salvador, violinista, integraron una familia de destacados músicos.
De niño, ingresó en el Conservatorio Fracassi como estudiante de violonchelo instrumento que luego trocó por el piano. Abandonó el curso en 1925, con motivo de la desaparición de sus padres. Un año más tarde debutaba en el Bar Domínguez en la famosa orquesta de Juan Maglio, donde permanece casi tres años. Sus compañeros de entonces, Juan Maglio, Rafael Rossi y Nicolás Primiani (bandoneones); E. Bonis y Emilio Puglisi (violines) y Francisco De Lorenzo (contrabajo). El conjunto se reforzaba con la presencia de Elvino Vardaro como destacado primer violín.
Promediando marzo de 1928, graba en Odeon cinco tangos como solista, donde sólo un tema le correspondía como autor: "Se mira y no se toca". Todo ello no tuvo circulación comercial quedando inédito. Forma parte de la orquesta de Anselmo Aieta, con presencia en los cafés Germinal y Guaraní, también en Radio Prieto. Era un sexteto que formaban Anselmo Aieta y Luis Moresco (bandoneones); Dimas Lurbes, Zendra y Menéndez (violines)y Juan Polito (piano).
Sobre el final de 1928, forma su primera orquesta, presentándose en el "Salón Imperio", Lavalle 708, con Juan G. Bracco y Luis Moresco (bandoneones), siendo el primero reemplazado enseguida por Alberto Benito Cima; Dimas Lurbes y S. Menéndez (violines).
Disuelto este conjunto, se forma para la temporada de carnaval de 1929 en el Palais de Glace, la orquesta Polito-D'Arienzo, que trabaja en diversos locales durante seis meses, formada con Juan Polito (piano); Ciriaco Ortiz, Nicolás Primiani y Florentino Ottaviano (bandoneones); Alfredo Mazzeo, Juan D'Arienzo y Luis Álvarez Cuervo (violines) y José Puglisi (contrabajo). Actuaba como estribillista Carlos Dante. Fuente Horacio Loriente en Todotango www.todotango.com
En 1930, reaparece nuevamente como director de orquesta encabezando un sexteto que se presenta en el "Salón Imperio", formado por Luis Moresco y Anselmo Esmella (bandoneones); Alberto Mercy y Remo Bernasconi (violines); Francisco Vitali (contrabajo) y él en el piano.
Promediando 1931, la Compañía de los discos Brunswick confía a Juan Polito la dirección de la Orquesta Típica Brunswick, labor que había desempeñado anteriormente Pedro Maffia. Bajo este rubro no registró actuaciones públicas, limitándose su labor a las grabaciones. Era un excelente elenco, integrado por Juan Polito (piano); Fernando y Ángel Martín, Armando Blasco y Félix Verdi (bandoneones); Salvador Polito, N. Salvador y Eugenio Nóbile (violines) y Francisco De Lorenzo (contrabajo).
En 1937 formaba en un conjunto llamado "Los magos del tango", con Daniel Álvarez y Nicolás Pepe en bandoneones, Bernardo Sevilla único violín y, el cantor Pedro Arrieta.
En julio de 1938, se incorpora a la orquesta de Juan D'Arienzo, sustituyendo a Rodolfo Biagi, prolongando su labor hasta los carnavales de 1940, cuando se aleja con todos los músicos y el cantor Alberto Echagüe. En ese período había logrado rotundos éxitos con el tango "La bruja" y el vals "Castigo". Debuta, con el elenco que antes fuera de D'Arienzo, en Radio Argentina, encabezándolo. En enero de 1943, pasa al horario central de Radio Belgrano.
En 1950, con su orquesta graba unos discos para el sello Pampa, conteniendo todos ellos temas tradicionales y, unos años más tarde, es convocado nuevamente por Juan D'Arienzo para suplir a Fulvio Salamanca, pianista que lo había reemplazado cuando se alejó de la orquesta en 1940. El 8 de mayo de 1957, con la grabación del tango "Llegando a puerto", de Mario Demarco y Enrique Lary, se produjo su nuevo debut junto al autor de "El vino triste", labor que se prolongaría hasta su retiro definitivo.
Como músico de D'Arienzo se registraron muchas presencias en Montevideo, que permitieron apreciar sus condiciones artísticas y sus dotes de excelente persona. Tuvimos con Juan Polito una linda amistad, que nos permite dar forma a esta nota en su recuerdo, con sus datos de primera mano.
Su primer tango data de 1924 y fue titulado "Mano larga". Sucesos de su fecundo acerbo autoral fueron: "Gurrumina", con versos de Enrique Dizeo, "Volvé hermanita", con letra de Salvador Polito, "Entre sueños", compartido en música con Anselmo Aieta y letra de Francisco García Jiménez, los instrumentales "Se mira y no se toca" y "Responso malevo", la milonga "Serenata" con letra de Luis Rubistein, "Quedó en venir a las nueve", con letra de Luis Caruso y "Fui", con Juan Alberto Leiva.
Con menos repercusión popular quedan sin mencionar muchos títulos creados en su última etapa con D'Arienzo, entre ellos: "La pista está que arde" (1968) y "Que cante Ignacio" (1971), que tuvieron originales versos de nuestro recordado amigo Avlis.
Merece, por todo lo expuesto, este recuerdo a Juan Polito, importante figura del tango.
Fuente de esta Biografia, Horacio Loriente en Todotango al igual que la imagen de la Orquesta. www.todotango.com

Adrian Iaies

Adrian Iaies


Adrian Iaies trio

Pianista, compositor y arreglador, nacido en Buenos Aires, Argentina, el 4 de noviembre de 1960.
La combinación de una prolífica tarea y su particular acercamiento al tango y a otras formas de la música popular argentina desde una estética claramente jazzística le ha valido numerosos halagos, dentro y fuera de la Argentina.

Nominado tres veces a los premios GRAMMY latinos por sus discos “Las Tardecitas de Minton´s” (2000), “Tango reflections” (2002) y “Las cosas tienen movimiento” (2003).

Acreedor al premio CLARÍN al “mejor músico de jazz del 2002”

Los críticos de la revista española CUADERNOS DE JAZZ votaron a “Las tardecitas de Minton´s” y “Tango Reflections” entre los discos del año. El primero de los nombrados representó, además, un suceso en ventas para un disco de jazz en La Argentina.


Recientemente recibiò el premio KONEX DE PLATINO por su tarea artística en la década comprendida entre 1995 y el 2005.

Las mùltiples facetas de este ecléctico artista se pueden ver reflejadas en su variada agenda de conciertos y grabaciones. Por un lado, IAIES acaba de editar una caja triple “UnoDosTres/Solo y bien acompañado”, con una casi totalidad de material propio que contiene solopianos, duos y trios, acompañado por algunos de los mas exquisitos músicos de jazz argentinos y en la que incluye una suite dedicada a su admirado John Lewis.
Por otro lado, su faceta mas ligada al tango se expresa a travès del TANGO REFLECTIONS TRIO, grupo que dirige junto al gran contrabajista HORACIO FUMERO.

El grupo debutò en el festival de jazz de Madrid del 2004, compartiendo la noche con el trio de Brad Mehldau, ya se ha presentado en distintos escenarios de Europa y Argentina y cuenta con un CD y DVD grabado en vivo en Buenos Aires (“Astor changes”)

Pero además, IAIES disfruta de los encuentros con artistas provenientes de otras tradiciones y géneros. Pueden mencionarse, en este sentido, su Duo casi estable con la cantante LILIANA HERRERO o el concierto multitudinario que ofreció junto al acordeonista RAUL BARBOZA en el marco del Festival de Tango de Buenos del 2006.

La revista DOWN BEAT le dedicó una página completa, algo que solo había sucedido antes con Astor Piazzolla o el Gato Barbieri, entre los músicos argentinos. Los críticos de esta misma revista lo han votado en la categoría “rising stars” en la encuesta del 2003.

También las revistas francesas JAZZMAN y JAZZ MAGAZINE han sido unánimemente elogiosas con su trabajo.
Y en su nùmero de mayo del 2005 JAZZIZ tambièn se concentrò en su trabajo con el jazz y el tango.


En diferentes formatos y con muy variados repertorios IAIES se ha presentado en innumerables escenarios alrededor del mundo entre los que merecen destacarse sus conciertos de solopiano en el Lincoln Center de Nueva York, el performing art center de Miami, el concierto de presentación de su disco “Round midnight y otros tangos” en el prestigioso Auditorio kuursal, durante el Festival de San Sebastián, el Oslo World music Festival de 2004, la semana del jazz Latino de Madrid o los conciertos junto a su cuarteto en el Auditorio Ibirapuera de San Pablo.

Ha compartido escenario con Brad Mehldau, Ron Carter, Stanley Jordan, Bebo Valdes, Yellowjackets, Lee Konitz, Richard Bona, Dino Saluzzi, Kenny Werner, Toots Thielemans y Pedro Aznar, entre otros,

Adrián Iaies ha incursionado en el cine, otra de sus pasiones. Compuso la música de “Regresados” (Bernard-Nardini) y“Tres de corazones”(Sergio Renàn), y hay inclusiones de música suya en “Música nocturna” (Rafael Filippelli). Y tambièn tiene una participación en “Lifting de corazón”de Eliseo Subiela, y “Tango, un giro extraño” de Mercedes Guevara, ambas ya exhibidas.


Ha estudiado con algunos de los más importantes músicos de la Argentina, entre los cuales merece destacarse su estrecha relación con Manolo Juárez, su maestro de composición y orquestación durante varios años. Desde el 85' se dedica a la enseñanza de música, tanto en forma particular como dirigiendo talleres de perfeccionamiento docente o dando clínicas y workshops.

Por otro lado, y sumado a sus múltiples actividades, Iaies es el creador y director artístico de SJAZZ. Un sello discográfico originalmente desarrollado dentro de EMI ODEON pero actualmente independiente que se ha dedicado a la edición de discos de músicos de jazz argentinos. (www.sjazz.com.ar).Fuente biografia y fotos web de Adrian Iaies (www.adrianiaies.com.ar)